maquetacion diciembre 2007 - Diverdi
maquetacion diciembre 2007 - Diverdi
maquetacion diciembre 2007 - Diverdi
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oletín de información discográfica 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
eduardo<br />
lópez banzo<br />
ayre español<br />
rattle<br />
para<br />
gaillard<br />
haendel rossini<br />
beethoven<br />
mengelberg<br />
raff<br />
mitterer<br />
retratos vocales<br />
sena jurinac<br />
www.diverdi.com<br />
entrevistas<br />
henry-louis de la grange<br />
anne schwanewilms<br />
pavarotti navideño<br />
la ‘anti-ópera’ de nono<br />
leonhardt & café zimmermann
sellos en distribución exclusiva<br />
(Diciembre <strong>2007</strong>)<br />
los sellos señalados con un *<br />
poseen un catálogo gratuito a disposición de nuestros lectores<br />
accent<br />
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testament<br />
timpani<br />
tudor<br />
united archives<br />
verso<br />
vms<br />
wergo *<br />
wigmore hall live<br />
winter & winter<br />
editorial<br />
165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong> boletín de información discográfica 3<br />
índice<br />
diverdi, S.L.<br />
11<br />
15<br />
17<br />
23<br />
25<br />
28<br />
34<br />
38<br />
47<br />
53<br />
58<br />
año XVI nº165<br />
<strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Vísperas de Monteverdi en Mantua<br />
ALIA VOX da comienzo a su serie Heritage con una grabación legendaria<br />
El Café bien temperado<br />
Gustav Leonhardt dirige a Café Zimmermann en un programa de cantatas<br />
profanas de Bach<br />
Haendel al aire español<br />
Eduardo López Banzo habla para <strong>Diverdi</strong> de su nueva grabación para<br />
AMBROISIE de Amadigi di Gaula<br />
Rossini cibernético<br />
Espectacular y divertidísimo montaje audiovisual de La pietra del paragone<br />
Doctor, oigo voces (retratos vocales)<br />
Sena Jurinac<br />
¿Todo Beethoven?<br />
José Luis Pérez de Arteaga reflexiona sobre la integral BRILLIANT dedicada<br />
al músico de Bonn<br />
Avalancha Raff<br />
Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad)<br />
28010 Madrid<br />
tel.: 91 447 77 24<br />
fax: 91 447 85 79<br />
www.diverdi.com<br />
e–mail: diverdi@diverdi.com<br />
La discografía incluida en este Boletín se puede<br />
adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las<br />
principales tiendas del país.<br />
TUDOR lanza una generosa colección dedicada al músico suizo<br />
Entrevista: Henry-Louis de La Grange<br />
Conversamos con el gran especialista mundial en Mahler<br />
Luigi Nono: la escucha despejada<br />
Sensacional registro de Prometeo, Tragedia dell’ascolto<br />
El mejor Carnaval del mundo mundial<br />
Dos nuevas entregas de la colección infantil La mota de polvo<br />
los productores: Stefan Winter<br />
Perfil de uno de los productores más creativos del panorama internacional<br />
Director: Juan Lucas (juanlucas@diverdi.com)<br />
Diseño: Valentín Iglesias<br />
Realización: <strong>Diverdi</strong><br />
Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com)<br />
Publicidad: María Díaz (mdiaz@diverdi.com)<br />
Imprime Graficas A.G.A.<br />
Dep. legal: M-10066-94<br />
Solicitado control de OJD
4 diverdi conciertos<br />
Dos de las grandes estrellas italianas de la música<br />
barroca, Rinaldo Alessandrini y Sara<br />
Mingardo, colaboran para dos conciertos con<br />
The English Concert. La contralto veneciana<br />
será la solista en la cantata Cessate omai<br />
cessate, de Vivaldi, y en el motete Infirmata vulnerata,<br />
de Alessandro Scarlatti. Y tendremos<br />
ocasión de volverla a ver en marzo, en el Teatro<br />
Real de Madrid, cuando participe en Tamerlano,<br />
de Haendel. Alessandrini, como director<br />
invitado de The English Concert, también ofrecerá<br />
concerti grossi de Corelli, Mascitti, Dell’Abaco<br />
y Geminiani.<br />
Valladolid, 1 de <strong>diciembre</strong> de <strong>2007</strong><br />
Centro Cultural Miguel Delibes<br />
(www.fundacionsiglo.com)<br />
San Sebastián, 3 de <strong>diciembre</strong> de <strong>2007</strong><br />
Auditorio Kursaal<br />
(www.fundacionkursaal.com)<br />
3/12/<strong>2007</strong> Barcelona<br />
Cuarteto Casals ~ Beethoven: Cuarteto op.<br />
59.1 / Haydn: Cuarteto op. 33.5 / Bartók: Cuarteto<br />
n° 4 ~ Barcelona, Sala de Concerts, Palau<br />
de la Música Catalana<br />
05/12/<strong>2007</strong> Baeza<br />
Andrés Cea (órgano) ~ “Antecedentes y consecuentes<br />
de Francisco Correa de Arauxo” ~ Baeza,<br />
Iglesia de San Andrés<br />
06/12/<strong>2007</strong> Úbeda<br />
Les Sacqueboutiers de Toulouse, La Caravaggia<br />
~ “Música para el Duque de Lerma” ~<br />
Úbeda, Auditorio del Hospital de Santiago<br />
07/12/<strong>2007</strong> Santa Cruz de Tenerife<br />
Víctor Pablo Pérez (dirección), Marjana<br />
Lipovsek (mezzosoprano), Orquesta Sinfónica<br />
de Tenerife ~ Mahler: Wunderhorn Lieder<br />
(selección) / Bruckner: Sinfonía n° 7 ~ Santa<br />
Cruz de Tenerife, Auditorio<br />
conciertos<br />
Otra contralto “auténtica”, Ewa Podlés, actuará<br />
en el papel principal del Tancredi de Rossini,<br />
en la versión de Ferrara, dirigida por Riccardo<br />
Frizza y escenificada por Yannis Kokkos. Esta<br />
versión del melodramma eroico, de final trágico,<br />
será complementada con la versión “feliz” veneciana,<br />
con la participación de Daniela Barcellona.<br />
Ewa Podlés también volverá a España el próximo<br />
mes, donde actuará junto al experto rossiniano<br />
Alberto Zedda y la Orquesta Sinfónica<br />
de Castilla y León en una selección de fragmentos<br />
de Guillaume Tell y Tancredi y la cantata Giovanni<br />
d’Arco.<br />
Madrid, 7, 9, 12, 16, 18 y 22 de <strong>diciembre</strong><br />
de <strong>2007</strong> (Tancredi)<br />
Teatro Real (www.teatro-real.com)<br />
Valladolid, 17 y 18 de enero de 2008<br />
Centro Cultural Miguel Delibes<br />
(www.fundacionsiglo.com)<br />
10/12/<strong>2007</strong> Valencia<br />
William Christie (dirección), Sophie<br />
Karthäuser, Steve Davislim, Dietrich Henschel,<br />
Les Arts Florissants ~ Haydn: La Creación<br />
~ Valencia, Sala Iturbi, Palau de la Música<br />
Con un Pedro y el lobo a punto de salir en el sello<br />
Naïve, el joven director de Osetia del Norte,<br />
Tugan Sokhiev, vuelve con la Orchestre National<br />
du Capitole de Toulouse para interpretar<br />
la Missa da Requiem de Verdi. Junto al Orfeón Donostiarra<br />
y los solistas Tatiana Serjan, Dolora Zajic,<br />
Stuart Neill y Carlo Colombara, orquesta y<br />
director también ofrecerán esta obra en Toulouse<br />
y en París, este mismo mes.<br />
San Sebastián, 12 de <strong>diciembre</strong> de <strong>2007</strong><br />
Auditorio Kursaal<br />
(www.fundacionkursaal.com)<br />
13 y 14/12/<strong>2007</strong> Valladolid<br />
Marc Minkowski (dirección), Leszek<br />
Mozdzer (piano), Orquesta Sinfónica de Castilla<br />
y León ~ Adams: Fearful symmetries /<br />
Gershwin: Un americano en París; Rhapsody in<br />
blue; Suite de Porgy and Bess ~ Valladolid,<br />
Centro Cultural Miguel Delibes<br />
15/12/<strong>2007</strong> El Pardo<br />
Marta Almajano (soprano), Ensemble Baroque<br />
de Lugano, Luca Pianca (dirección) ~<br />
D. Scarlatti: “Antra Valles” (cantatas) ~ El Pardo<br />
(Madrid), Capilla del Palacio Real<br />
19/12/<strong>2007</strong> Valladolid<br />
Emilio Moreno (dirección), Raquel Andue-<br />
za (soprano), El Concierto Español ~ Obras vocales<br />
y orquestales de D. Scarlatti, Avison, De Nebra,<br />
Caldara y Facco ~ Valladolid, Centro Cultural<br />
Miguel Delibes<br />
21/12/<strong>2007</strong> Barcelona<br />
Jordi Savall (viola da gamba), Montserrat Figueras<br />
(soprano), La Capella Reial de Catalunya,<br />
Hespèrion XXI ~ “Da Pacem” ~ Barcelona,<br />
Santa María del Mar<br />
Diciembre es, sin lugar a dudas, el mes para el<br />
Mesías de Haendel, y para demostrarlo está la<br />
gran serie (organizada por la Fundación La Caixa)<br />
de conciertos en nueve ciudades diferentes,<br />
en actos que permitirán al público la participación<br />
coral, y para los que se cuenta con varios<br />
equipos internacionales de directores, solistas,<br />
coros y orquestas.<br />
Pierre Cao (dirección), Arsys, Orquesta Barroca<br />
de Sevilla ~ Sevilla, Catedral,<br />
10/12/<strong>2007</strong>; Madrid, Teatro Real, 13/12/<strong>2007</strong>;<br />
Palma de Mallorca, 15/12/<strong>2007</strong><br />
Andrea Marcon (dirección), Coro y Orquesta<br />
Ciudad de Granada ~ Granada, Auditorio<br />
Manuel de Falla, 14 y 15/12/<strong>2007</strong><br />
Fabio Bonizzoni (dirección, en la foto), Capilla<br />
Peñaflorida, La Risonanza ~ Santiago de<br />
Compostela, Catedral, 14/12/<strong>2007</strong>; San Sebastián,<br />
Teatro Victoria Eugenia, 19 y 20/12/<strong>2007</strong><br />
Fabio Biondi (dirección), Norwegian Soloists’<br />
Choir, Europa Galante ~ Barcelona, Palau<br />
de la Música Catalana, 18 y 19/12/<strong>2007</strong>; Valencia,<br />
Catedral, 21 y 22/12/<strong>2007</strong><br />
Matthew Halls (dirección), The King’s<br />
Consort ~ Valladolid, Teatro Calderón,<br />
21/12/<strong>2007</strong><br />
(www.fundacio1.lacaixa.es)
Edouard Lalo<br />
en Granada<br />
Es tan infrecuente encontrarse nuevas grabaciones<br />
de la grandiosa y virtuosa música orquestal<br />
de Edouard Lalo como lo es que sellos de fuera<br />
de nuestro país vengan a grabar a España, por lo<br />
que nos ha parecido de especial interés destacar<br />
la visita que BIS, el sello de Robert von Bahr, realizará<br />
este mes al Auditorio Manuel de Falla de<br />
Granada para grabar a la Orquesta Ciudad de<br />
Granada. Hace más de diez años, el sello sueco<br />
ya colaboró con esta orquesta –en un disco dedicado<br />
a la música de Tomás Marco que incluía los<br />
Ojos verdes de luna, con texto de Bécquer, en aquella<br />
ocasión con Josep Pons dirigiendo–, que en la<br />
actualidad está reimpulsando su actividad discográfica:<br />
ahí está el reciente CD en Almaviva con<br />
obras de Manuel García, dirigido por Andrea<br />
Marcon, y en el futuro veremos registros en Naxos<br />
y en el sello francés Intégral Classics. Para la<br />
nueva grabación de Lalo, la orquesta estará dirigida<br />
por Kees Bakels (responsable de otro disco<br />
orquestal de Lalo en BIS), pero contará con el<br />
actual director titular y artístico de la OSG, Jean-<br />
Jacques Kantorow (en la foto), como solista de violín<br />
en tres obras escritas durante los años 70 del<br />
siglo XIX, una época en la que por fin se empezó<br />
a expandir la fama de Lalo: su obra más fa-<br />
actualidad 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
actualidad<br />
mosa, la Symphonie espagnole, pero también la<br />
Fantaisie norvégienne y el menos conocido Concierto<br />
para violín en fa mayor. Kantorow, un franco-ruso<br />
nacido en Cannes, tiene una muy significativa<br />
experiencia con la música de su país natal.<br />
Así, su grabación del Concierto para violín nº<br />
3 de Camille Saint-Saëns, recientemente editado,<br />
ya ha recibido elogios unánimes, y a lo largo<br />
de la última década ha grabado otros cinco discos<br />
con obras de este cuasi-contemporáneo de<br />
Lalo, todos ellos en BIS. Para este mismo sello,<br />
la orquesta andaluza tiene expectativas de realizar<br />
al menos un registro más con la música de<br />
Edouard Lalo en un futuro no lejano.<br />
Tres nuevos “Siglos de Oro”<br />
La labor de la Fundación Caja Madrid, que incluye<br />
la organización de conciertos y la realización<br />
de grabaciones de música española, tiene sin<br />
duda una gran relevancia cultural, tanto dentro<br />
como fuera de España. Sin este tipo de actividad<br />
de documentación y promoción, ejemplar en<br />
nuestro país, la ignorancia que existe más allá<br />
de nuestras fronteras acerca de la inmensa riqueza<br />
musical española desde la Edad Media<br />
hasta nuestros días sería todavía mucho más acusada.<br />
En colaboración con Patrimonio Nacional,<br />
la Fundación acaba de anunciar la llegada<br />
de otras tres ediciones discográficas dentro de su<br />
colección Los Siglos de Oro. Tras las recientes<br />
ediciones en Glossa y Fuga Libera, ahora son<br />
Éditions de L’Oiseau Lyre (Decca) y Lindoro<br />
quienes publican estos tres registros en vivo.<br />
Para empezar, el director y clavecinista Christophe<br />
Rousset (en la foto) dirige Il tutore burlato, de Vicente Martín y Soler. El disco Domenico Scarlatti<br />
& Cia. (Lindoro) presenta un recital de órgano a cargo de Andrés Cea, grabado en la Capilla<br />
del Palacio Real de Madrid. Y, como guinda, esos gigantes de la interpretación historicista que forman<br />
el Cuarteto Mosaïques tocan los cuartetos de Juan Crisóstomo Arriaga.<br />
LETIPO - TELETIPO - TELETIPO - TEL<br />
Ludger Böckenhoff, responsable de Audite, ha<br />
recurrido para su nuevo proyecto discográfico<br />
a las cintas originales –que funcionaban a una<br />
velocidad de 76 cm por segundo– de la grabación<br />
de Die Fledermaus realizada en 1949 en la<br />
Jesus-Christus Kirche de Berlín. Ferenc Fricsay<br />
dirige a la RIAS Symphonieorchester de la ciudad<br />
y a un elenco de solistas que incluye a Rita<br />
Streich, Anny Schlemm y Peter Anders.<br />
La soprano Mojca Erdmann, originaria<br />
de Hamburgo, acaba de grabar<br />
para el sello Tudor la parte solista<br />
de la Cuarta Sinfonía de Mahler junto<br />
a Jonathan Nott y los Bamberger<br />
Symphoniker. Recordemos el inmenso<br />
éxito cosechado por la cantante<br />
en el Festival de Salzburgo de<br />
este año, donde hizo el papel de Zelmira en la<br />
Armida haydniana dirigida por Ivor Bolton, así<br />
como su destacada actuación en el Réquiem de Ligeti<br />
programado por el Festival de Lucerna.<br />
Muy prometedor parece el nuevo disco que está<br />
preparando el sello BMC: Adám Fischer y la Orquesta<br />
Sinfónica de la Radio Húngara ofrecerán,<br />
en una grabación realizada en el Estudio 22<br />
de la propia radio, tres obras orquestales de Zoltán<br />
Kodály: Summer Evening, Variations on a Hungarian<br />
Folk Song (“The Peacock”) y la famosa<br />
Háry János Suite.<br />
Michael Gondko y Corina Martí, los hermanos<br />
responsables del grupo La Morra, andan puliendo<br />
su nuevo trabajo para Ramée, una selección<br />
de piezas del Buxheimer Orgelbuch. Recordemos<br />
aquí sus recientes y excelentes discos para Etcetera<br />
(Dame de Deuil, un homenaje a Margarita de<br />
Austria) y para el propio Ramée (Flour de Beaulté,<br />
música medieval chipriota).<br />
5
6 diverdi actualidad<br />
IPO - TELETIPO - TE<br />
Para celebrar el próximo<br />
centenario del nacimiento<br />
de Joaquín Nin Culmell,<br />
el dotado pianista sevillano<br />
Pedro Piquero ha grabado<br />
una selección de las Tonadas,<br />
compuestas por este antiguo<br />
alumno de Manuel de Falla durante<br />
los años 50. El disco, que<br />
será editado por Verso, ha sido<br />
grabado en el Auditorio Manuel<br />
de Falla de Granada, y tendrá el aliciente<br />
adicional de contar con un artículo<br />
escrito por el celebrado novelista<br />
Luis Landero.<br />
Pronto verá la luz el cuarto volumen<br />
del ciclo que Noriko Ogawa<br />
está dedicando a la música para piano<br />
de Claude Debussy en BIS. La<br />
grabación, realizada este verano<br />
pasado en la Swedish Academy Hall<br />
de Estocolmo, contiene los libros<br />
primero y segundo de los Études y<br />
los 6 Épigraphes antiques. Ogawa también estrenará<br />
un nuevo concierto del compositor japonés<br />
Dai Fujikura, cuyo cuarteto Deconstructing Franz<br />
fue estrenado recientemente por el Cuarteto<br />
Boris Garlitsky en San Lorenzo de El Escorial.<br />
Supraphon se basará fundamentalmente en registros<br />
de los últimos años 50 para devolver al<br />
catálogo algunas de las lecturas realizadas en<br />
Praga por Sviatoslav Richter, el gran pianista de<br />
la era soviética nacido en Ucrania. Entre las delicias<br />
que podemos esperar están la Fantasía,<br />
op. 17, las Waldszenen, op. 82, una selección de<br />
las Fantasiestücke y la Marcha en sol menor, op.<br />
72 nº 2, todas ellas de Schumann. Además, se<br />
anuncian piezas pertenecientes a los Estudios, op.<br />
10 y op. 25 de Chopin, la Polonaise-fantaisie, op.<br />
61, y algunos de los Preludios y Fugas, op. 87 de<br />
Shostakovich.<br />
Dos composiciones de Salvatore<br />
Sciarrino, la obra dramática Lohengrin<br />
de 1984 y Ventus d’ombra de<br />
2005, esta última inédita en disco,<br />
serán las protagonistas del nuevo<br />
compacto de Col legno, el sello de<br />
Salzburgo. Grabado en el Festival<br />
del Tirol, que se celebra en Erl, la interpretación<br />
corre a cargo de la cantante Marianne<br />
Pousseur y el Ensemble Risognanze, de<br />
Milán, bajo la dirección de Tito Ceccherini. El<br />
conjunto ya ha grabado otro disco de la música<br />
de Sciarrino, Luci mie traditrice, para el sello<br />
Stradivarius.<br />
Enrico Gatti y su Bach inédito<br />
Imaginamos al gran Thomaskantor interrumpiendo la composición de<br />
una nueva cantata celestial para aprobar la labor actual de Enrico Gatti,<br />
de su Ensemble Aurora y del musicólogo italiano Francesco Zimei.<br />
Tras su ejemplar trabajo con las sonatas de violín de Vivaldi, Gatti<br />
acaba de presentar –en un concierto que tuvo lugar en la Chiesa di<br />
San Carlo de Módena– la minuciosa reconstrucción de un inédito<br />
Concierto para traverso, cuerda y continuo en si menor de Johann<br />
Sebastian Bach. Tras el concierto, los músicos permanecieron<br />
en Módena unos días más para grabar el que será el próximo<br />
disco de Enrico Gatti en el sello Glossa. Mucha de la obra orquestal<br />
de Bach se ha perdido, pero en palabras del propio Gatti,<br />
“Francesco [Zimei] ha llegado a la conclusión de que es<br />
posible reconstruir algunos conciertos que no sobrevivieron en su<br />
más que probable formato original, pero que se han conservado en las sinfonías<br />
y arias de las cantatas”. Para este “nuevo” concierto, Zimei ha trabajado con<br />
las cantatas BWV 209, 173a y 207. Y comenta que “además de la evidencia histórica, estos movimientos<br />
muestran una homogeneidad estilística sorprendente, que se confirma a través de aspectos<br />
importantes como la clara complementariedad temática y una sorpendente comunidad de ideas”.<br />
El concierto, que será editado por Ediciones LIM, de Lucca, tiene una estructura Allegro-Andante-Allegro<br />
y el Ensemble Aurora lo interpreta con un cuarteto de cuerda, violone, clave y archilaúd,<br />
además del traverso solista, que está a cargo de Marcello Gatti (hermano de Enrico y colaborador<br />
frecuente de grupos como la Capella della Pietà de’ Turchini o Le Concert des Nations, y al que<br />
también podemos escuchar en el reciente Madame des amours, con The Attaignant Consort en el sello<br />
Ramée). Según Zimei, es probable que este concierto fuese escrito por Bach en 1717-18, durante<br />
su primer año en Cöthen, cuando también compuso el Quinto Concierto de Brandemburgo. Esta<br />
obra, en su primera versión, la BWV 1050a, también ha sido grabada por los hermanos Gatti, que la<br />
complementan con la Ouverture BWV 1067, ofreciendo así un contraste “francés” para el porte más<br />
“italianizante” del concierto.<br />
Tritó acoge a nuestra nueva<br />
generación de compositores<br />
La presente generación de compositores españoles<br />
está teniendo un impacto cada vez mayor<br />
en la vida musical tanto dentro como fuera de<br />
nuestras fronteras, y desde luego es un enorme<br />
placer para <strong>Diverdi</strong> poder dar la bienvenida<br />
al sello Tritó, que está siendo un pilar básico<br />
para la difusión de la obra de compositores<br />
como David del Puerto, del que la etiqueta barcelonesa<br />
ya ha publicado tres discos de música<br />
orquestal. Otros monográficos en el sello incluyen<br />
a Jesús Torres y Jesús Rueda.<br />
Igualmente representados están Joan<br />
Guinjoan, Xavier Montsalvatge y Xavier<br />
Benguerel. Mención especial merece<br />
la atención prestada a una de las orquestas<br />
españolas más activas y prometedoras,<br />
la Orquesta de Cadaquès.<br />
Su director titular es el milanés Gianandrea<br />
Noseda, el ganador en 1994<br />
del concurso de dirección que organiza<br />
la propia orquesta, y el director principal<br />
invitado es el incombustible británico<br />
Neville Marriner. Dos son los<br />
compositores que la formación tiene<br />
actualmente en residencia: Jesús Rueda<br />
y Joan Guinjoan.<br />
Stylus Phantasticus y el<br />
‘Hortus Musicus’<br />
Como segundo trabajo para el sello germanobelga<br />
Accent (tras L’Harmonie des Nations, con<br />
música de Georg Muffat, recién publicado), el<br />
conjunto Stylus Phantasticus, dirigido por Friederike<br />
Heumann, está preparando un programa<br />
basado en el Hortus Musicus, colección de piezas<br />
instrumentales compuestas por Johann<br />
Adam Reincken, fundador de la Ópera de Hamburgo<br />
y autor muy admirado por Johann Sebastian<br />
Bach.
Foto: Johanna Peine<br />
PREGUNTAMOS A...<br />
Anne Schwanewilms<br />
Usted siempre ha mostrado un gran entusiasmo<br />
por los lieder de Richard Strauss. ¿Qué<br />
planteamientos hay detrás del programa del<br />
recital que ofrecerá en Madrid?<br />
El recital está construido en torno a un “punto<br />
central”, que son los Drei Lieder der Ophelia<br />
aus Hamlet, op. 67. Para mí, estas obras representan<br />
un trabajo de gran envergadura. El<br />
drama shakespeariano se trata en ellas de una<br />
forma muy especial. Reflejan el nerviosismo, la<br />
locura, el hecho de estar en otra parte, fuera de<br />
la tierra. Pero en este programa las Canciones<br />
de Ofelia se rodean de otras, incluyendo seis<br />
canciones del ciclo Des Knaben Wunderhorn,<br />
de Mahler, pensadas para que la audiencia se relaje…<br />
Algunas de estas piezas son muy divertidas,<br />
sólo la última es triste. Para Strauss, y<br />
también para Mahler, el pianista acompañante<br />
debe tener un tipo especial de humor seco,<br />
algo que Malcolm Martineau, que es escocés,<br />
posee en abundancia. Su acercamiento a estas<br />
obras me impresionó muchísimo cuando hicimos<br />
este recital en Edimburgo en 2006. Me<br />
encanta cantar estos lieder de Strauss. Están<br />
escritos exactamente para mi voz. Soy capaz de<br />
cantar líneas muy largas y muy agudas y me<br />
esfuerzo por transmitir la enorme variedad de<br />
significados que portan las palabras.<br />
Y este interés por la obra de Strauss incluye<br />
no sólo los lieder más conocidos, sino también<br />
los desconocidos, ¿no es cierto?<br />
Amo profundamente sus Vier letzte Lieder [cantados<br />
por la soprano en Madrid en marzo de<br />
<strong>2007</strong>, y más recientemente en octubre de este<br />
año en Londres con Simone Young, cuando<br />
actualidad 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
sustituyó a una indispuesta<br />
Nina Stemme];<br />
fueron compuestos<br />
cuando estaba claro que<br />
Strauss moriría pocos<br />
años después, y ante<br />
esto es evidente que se<br />
trata de canciones de<br />
despedida. Además de<br />
reflejar pensamientos<br />
acerca de su infancia y<br />
de la relación con su<br />
mujer, comunican una<br />
honda tristeza. Pero<br />
también está presente<br />
la esperanza, la creencia<br />
de que la muerte no<br />
significará la soledad.<br />
Strauss creía en Dios,<br />
estoy convencida de<br />
ello. A Simone Young<br />
la conozco desde hace mucho tiempo. Sé que<br />
puedo seguir su dirección ciegamente, aunque<br />
debo decir que, cuando estoy bien preparada,<br />
la mayoría de los directores me siguen a mí…<br />
Con Strauss hay una gran cantidad de canciones<br />
que son más o menos desconocidas, y es<br />
como un experimento para mí tratar de encontrar<br />
la “traducción” correcta para mi voz y para<br />
mi personalidad. He intentado presentar algunas<br />
de estas piezas en un programa que grabé<br />
recientemente junto a Roger Vignoles [en Hyperion],<br />
además de los lieder orquestales que<br />
hice con Mark Elder para el sello Hallé. Desde<br />
luego, Richard Strauss no es un compositor<br />
tan fácil como a muchos les gusta pensar. “Ah,<br />
Mr Strauss”, afirman, “es un compositor de<br />
canciones populares”. No, decididamente no<br />
lo es.<br />
También ha declarado su interés por la obra<br />
de Franz Schreker. ¿Cómo se relaciona su<br />
música con la de Richard Strauss?<br />
La música de ambos contiene una gama de colores<br />
inusual para su tiempo, hasta el punto de<br />
que si vivieran en la actualidad pienso que serían<br />
excelentes compositores para el cine. Existen<br />
paralelismos en cuanto a la instrumentación<br />
que utlizaban, en particular en lo que se<br />
refiere a los vientos-madera y a la cuerda. Zemlinsky,<br />
por su parte, y aunque en ocasiones usaba<br />
armonías similares a las de ellos dos, tenía<br />
un acercamiento muy diferente en lo que se refiere<br />
al ritmo y a la instrumentación. Y tanto a<br />
Strauss como a Schreker les gustaban las voces<br />
que tuvieran un buen spinto, que pudieran fluir<br />
por encima de la orquesta, casi a la manera que<br />
Wagner exigía para su Brunnhilde. ¡Y creo que<br />
se trata de mí! En la faceta operística de Strauss,<br />
LETIPO - TELETIPO - TELETIPO - TEL<br />
Gran especialista en música contemporánea,<br />
Claron McFadden será la solista en Bovary chante,<br />
el concierto para soprano, címbalo y cuarteto<br />
de cuerda escrito hace cuatro años por el compositor<br />
holandés Klaas ten Holt. También participan<br />
el Cuarteto Mondriaan y el cimbalista Michiel<br />
Weidner. El CD, en el catálogo Etcetera, se<br />
completará con la Sonata para violín solo del propio<br />
Holt, en interpretación de Joan Berkhemer.<br />
El Cuarteto Mandelring, al que podremos<br />
ver en el Petit Palau barcelonés<br />
en enero tocando Ligeti,<br />
Brahms y Haydn, prosigue su recorrido<br />
integral por los cuartetos de<br />
Shostakovitch. El tercer disco para<br />
Audite, como siempre en formato<br />
SACD, contendrá los cuartetos<br />
Tercero, Séptimo y Noveno.<br />
NMC está preparando el primer disco que se<br />
dedica a la obra orquestal de la británica Judith<br />
Weir. Su música, a menudo inspirada por su<br />
amor hacia la naturaleza, lleva títulos tan sugerentes<br />
como The welcome arrival of rain, Natural<br />
history o Forest. Martyn Brabbins dirige a<br />
la BBC Symphony Orchestra, a los BBC Singers<br />
y a la soprano Alish Tynan.<br />
En el momento de cerrar esta edición<br />
del Boletín, nos llega la noticia<br />
de que Jorge Fernández Guerra,<br />
compositor y director del<br />
CDMC, ha sido galardonado con<br />
el Premio Nacional de Música, en<br />
la modalidad de composición, que<br />
concede el Ministerio de Cultura.<br />
he cantado Ariadne un buen número de veces<br />
[incluyendo en el Teatro Real en 2006]. Con<br />
este papel, siempre me concentro más en el<br />
subtexto que en el volumen. Pienso que es muy<br />
aburrido que Ariadne no pare de gritar, pues<br />
es un personaje muy traumatizado, de poca<br />
claridad de ideas y no muy experimentada en<br />
la vida. Lo que siempre me sorprende es que<br />
existe una gran relación entre la Ariadne de la<br />
ópera y las Canciones de Ofelia. El año próximo,<br />
añadiré Arabella a mi repertorio –cantaré<br />
en Frankfurt– y en el futuro cercano me acercaré<br />
a las wagnerianas Elisabeth y Elsa.<br />
Anne Schwanewilms ofrecerá el día 17<br />
de <strong>diciembre</strong> un recital de lieder de<br />
Richard Strauss y Gustav Mahler<br />
dentro del “XIV Ciclo de Lied” del<br />
Teatro de la Zarzuela de Madrid.<br />
7
8<br />
a figura de Vincent d’Indy se ha apagado<br />
bastante en los 76 años transcurridos<br />
desde su muerte, algo que Stéphane<br />
Topakian, el impulsor de Timpani Records,<br />
está empeñado en remediar. Este entusiasta defensor<br />
de la música francesa injustamente desatendida<br />
comenta que “hemos olvidado lo importante<br />
que este compositor fue para Francia: fundó<br />
la Schola Cantorum, y estaba muy interesado<br />
en las músicas antiguas, viajando a lo largo y<br />
ancho del país en su búsqueda, igual que hizo<br />
Bartók en Hungría”. Para grabar la prácticamente<br />
desconocida Primera Sinfonía de D’Indy, Topakian<br />
se ha desplazado hasta la ciudad bretona de<br />
Rennes, donde nos encontramos con él. Recordemos<br />
que el estreno de esta obra tuvo que esperar<br />
hasta el año 2005, cuando Alexandre Siranossian<br />
la dirigió en Yerevan, Armenia. Preguntamos<br />
a Topakian cómo se topó con esta obra.<br />
“Me presentaron al bisnieto del compositor,<br />
Christophe d’Indy, cuando grabamos algunas<br />
obras de cámara en Luxemburgo. Muy amablemente,<br />
me trajo la partitura de la obra, escrita<br />
por Vincent a los 20 años de edad, desde su casa<br />
familiar en la región de Cévennes. En ese momento<br />
me encontraba con Jean-Marc Bador, el director<br />
gerente de la Orchestre de Bretagne, y con<br />
Lionel Bringuier, su director musical asociado<br />
(en la foto, dirigiendo a la orquesta en Rennes),<br />
hablando de proyectos discográficos. Miramos la<br />
partitura y decidimos que había que grabarla, así<br />
de sencillo.” ¿Y cuáles son las intenciones de<br />
Bringuier con respecto a la grabación de esta<br />
obra en cuatro movimientos (Roma, Florencia,<br />
Venecia, Nápoles)? “Pienso que es muy importante<br />
que hagamos esta obra, en parte para que<br />
la gente conozca la opera prima de D’Indy. Las primeras<br />
sinfonías de Bizet –que escribió cuando tenía<br />
17 años– y de Saint-Saëns –escrita a los 15–<br />
han podido ambas ser escuchadas, pero no la de<br />
D’Indy. Aparte de su propio toque personal, se<br />
percibe la influencia de muchos otros compositores,<br />
Mendelssohn en primer lugar. Pero no sólo<br />
de la Italiana, como cabría pensar, porque por<br />
ejemplo el segundo tema del primer movimiento<br />
de la sinfonía de D’Indy recuerda mucho a la<br />
música de la Escocesa. Y también hay mucho de<br />
Schumann, de Bizet, de Franck: algo muy interesante<br />
porque cuando compuso la obra, en 1870,<br />
aún no había trabajado con César Franck.” <br />
Bringuier y Topakian se hallan en la Salle Gabily,<br />
a las afueras de Rennes, que no es una de las<br />
salas principales de la orquesta, pero que se halla<br />
conectada con la ciudad histórica por su río,<br />
el Vilaine. En la sala de control, Topakian cuenta<br />
con un experimentado equipo de profesionales:<br />
el ingeniero Olaf Mielke (de MBM y Coviello<br />
Classics) y el productor Dominique Daigremont<br />
(habitual colaborador de Hervé Niquet).<br />
Pero no sólo grabarán la Sinfonía italiana, sino que<br />
diverdi actualidad<br />
SILENCIO: SE GRABA...<br />
Vincent d’Indy<br />
también se han fijado en<br />
el otro extremo de la vida<br />
de D’Indy, con un Concierto<br />
para flauta, piano,<br />
violonchelo y cuerda fechado<br />
en 1926. Topakian<br />
lo describe como un<br />
“concerto grosso neoclásico”,<br />
y cuenta con los solistas<br />
Magali Mosnier,<br />
Brigitte Engerer y Marc<br />
Coppey. Fundada hace<br />
relativamente poco, en<br />
1989, la Orchestre de<br />
Bretagne ha decido ahora<br />
funcionar sin la figura<br />
de un director general<br />
musical, según nos cuenta<br />
Jean-Marc Bador. “La<br />
responsabilidad sobre las<br />
cuestiones artísticas de<br />
la orquesta recae ahora<br />
en cinco personas: un<br />
asesor artístico, el estonio<br />
Olari Elts, el director<br />
asociado, Lionel<br />
Bringuier, un director<br />
principal invitado, Moshe Atzmon, un solista<br />
asociado, Michel Dalberto, y un compositor asociado,<br />
Thierry Escaich. El proyecto en torno a la<br />
orquesta es de carácter musical, educacional y<br />
regional, y quisimos implicar a los músicos mucho<br />
más que antes. Y tras un año inmersos en<br />
este experimento, pensamos realmente que contamos<br />
con algo muy especial aquí en Bretaña.”<br />
Durante la corta trayectoria de la orquesta, nos<br />
explica Bador que ésta siempre “ha estado involucrada<br />
en el descubrimiento o el redescubrimiento<br />
de compositores desconocidos, especialmente<br />
franceses, así como en el rescate de obras<br />
desconocidas de autores conocidos, como es el<br />
caso de D’Indy. No es un accidente que estemos<br />
haciendo esta Primera Sinfonía.” Estrategia constatada<br />
con los discos dedicados a la música de<br />
Grétry, Gossec, Méhul y Farrenc, aparte de los<br />
bretones Le Flem, Ropartz y Ladmirault. Y parece<br />
que también está en camino un Beethoven<br />
“desconocido”… No deja de sorprender que<br />
Bringuier tenga ahora la misma edad que la que<br />
tenía Vincent d’Indy cuando compuso su Italiana.<br />
Con sólo 14 años ya dirigió a la Orchestre<br />
des Pays de la Loire en la ceremonia televisada de<br />
las Victoires de la Musique, recibiendo unánimes<br />
elogios de músicos, prensa y público. Hace<br />
dos años fue finalista en el “Concurso internacional<br />
de jóvenes directores de orquesta” de Besançon<br />
(los premiados de otras ediciones incluyen<br />
a figuras como Seiji Ozawa y Jesús López<br />
Cobos). Bador, que asistió al concurso en Besançon,<br />
comenta: “Lionel me impresionó pro-<br />
fundamente: gestos naturales, y una orquesta<br />
completamente cautiva. La manera de trabajar<br />
como director es exactamente lo que yo andaba<br />
buscando para Bretaña, así que le propuse el<br />
puesto y así se convirtió en nuestro director asociado.”<br />
Topakian también está impresionado<br />
con el joven Bringuier (que en la actualidad también<br />
es director asistente de Esa-Pekka Salonen<br />
con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles).<br />
“Posee las cualidades y la técnica de un director<br />
mucho mayor.” Bringuier ya ha sido director invitado<br />
con la Dresdner Staatskapelle, la Filarmónica<br />
de Helsinki o la BBC Symphony Orchestra,<br />
y está previsto que estrene obras de Corigliano,<br />
Escaich y Kancheli. Sin embargo, estas sesiones<br />
de grabación de D’Indy son su primera experiencia<br />
discográfica. “La manera en que lo ha organizado<br />
todo es fascinante”, indica Bador. “Pienso<br />
que es lo mejor que hemos hecho en términos de<br />
trabajar, organizar y construir sesión tras sesión,<br />
minuto tras minuto, tratando de obtener lo mejor<br />
de la orquesta. Para Bringuier era importante<br />
que en el ecuador de las sesiones tuviera lugar<br />
un concierto especial con esta Sinfonía italiana<br />
(también en la Salle Gabily y en presencia de una<br />
gran parte de los suscriptores más entusiastas de<br />
la orquesta). Los músicos, y aquí me incluyo, tuvimos<br />
la impresión de estar trabajando de cara a<br />
este concierto. Y esto ayudó mucho a mantener<br />
la concentración durante la grabación.”<br />
texto: Mark Wiggins<br />
foto: Nicolas Joubard
antigua 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Du Fay profano: más contrapunto gótico<br />
Diabolus in Musica firma para ALPHA un hermoso trabajo dedicado<br />
al gran conpositor francés del tardomedioevo<br />
Si los amantes del lied leen estas líneas y no están<br />
familiarizados con la música medieval, que concedan<br />
un voto de confianza a la belleza de estos lieder<br />
de hace seiscientos años. Luego, que decidan<br />
libremente si se lo quieren seguir perdiendo... Guillaume<br />
Du Fay, o Dufay (ca. 1397-1474), músico<br />
sobradamente conocido en los pagos de la Música<br />
Antigua, representa bien los dos extremos de la<br />
sonoridad gótica: por un lado, las grandes construcciones<br />
arquitectónicas, como sus imponentes<br />
misas (cómo sería la de Réquiem, que se<br />
perdió, primera enteramente polifónica), o el fastuoso<br />
motete Nuper rosarum flores, para la consagración<br />
de la catedral florentina de Brunelleschi;<br />
por otro, la más camerística, digamos, vertida en<br />
canciones profanas de las que este CD ofrece generosa<br />
selección.<br />
Esta música, a tres voces, es el equivalente de<br />
la arquitectura civil tardogótica, pequeña pero esbelta.<br />
La nervadura de sus bóvedas sería el correlato<br />
del magistral contrapunto que cruza y<br />
entrecruza voces y armonías sin perder su poderosa<br />
transparencia. Aquí Du Fay nos entristece,<br />
nos alegra, nos inmiscuye en contextos celebratorios,<br />
amatorios o laudatorios: nos domina, vaya.<br />
Cual las tallas de las misericordias de las sillerías<br />
catedralicias, lo profano y lo sacro se yuxtaponen<br />
sin contradicción. Bendito tiempo aquél, antes de<br />
Trento.<br />
El compositor francés brilla como el maestro<br />
que es en sus rondós, bergerettes y baladas, en esta<br />
interpretación solvente, sin altibajos. Destaquemos<br />
la canción que cierra el disco, He, compaignons,<br />
9<br />
Josemi Lorenzo Arribas<br />
resvelons nous, un equivalente temático de nuestro<br />
Hoy comamos y bebamos, simplemente soberbia, aunando<br />
maestría culta y nuevamente sabor popular,<br />
o la deliciosa interpretación al clavicytherium de<br />
Mit ganezem Willem, de Conrad Paumann, un músico<br />
ciego (otro a la lista) alemán (idem), de sabor<br />
inconfundiblemente popular, “extra” que supone<br />
la única pieza ajena a Du Fay de esta selección.<br />
Con tales mistificaciones culto-popular (falaz binomio)<br />
me viene a la mente Falla componiendo El<br />
amor brujo. ¿Por qué los Conservatorios hicieron<br />
de la Música tantas músicas sin conexión, incomprensibles<br />
unas a las otras? Amplias notas permiten<br />
disfrutar más de una música casi inmediata, y<br />
sólo la ausencia de cursivas para citar las piezas en<br />
la traducción inglesa nos permite ponerle un “pero”<br />
a este registro. Un pero, sí, pero muy pequeñito, inverso<br />
a la grandeza que encierra este bello disco.<br />
GUILLAUME DUFAY (c.1397-1474): Mille Bonjours!<br />
Diabolus in Musica. Dir.: Antoine Guerber / ALPHA / Ref.:<br />
ALPHA 116 (1 CD) D2
10 diverdi antigua<br />
En Vísperas del estremecimiento<br />
A punto de cumplir sus 10 años, ALIA VOX da inicio a su colección “Heritage”, que reeditará las grandes<br />
grabaciones de Savall & Co para ASTRÉE, con una grabación legendaria<br />
Se han desplomado muchas cosas desde<br />
1988 hasta la fecha, para qué llevar<br />
la cuenta. Pero si algo no ha caído desde<br />
su lugar como referencia discográfica<br />
es el Vespro della Beata Vergine de<br />
Claudio Monteverdi en la versión grabada<br />
aquel año por Jordi Savall, al frente de<br />
un extraordinario plantel de solistas vocales<br />
encabezado por Montserrat Figueras<br />
y una plantilla de La Capella Reial<br />
(más tarde Capella Reial de Catalunya)<br />
formada por músicos cuyos nombres<br />
iban a dar que hablar aún mucho en el<br />
futuro. El maestro catalán recupera ahora<br />
ese álbum de envergadura legendaria<br />
para convertirlo en el primer título<br />
de una nueva colección, “Alia Vox Heritage”,<br />
en la que aparecerán sus mejores<br />
discos realizados entre 1977 y 1997, en<br />
su día editados por Astrée, el inmenso<br />
sello de Michel Bernstein que tantas<br />
obras maestras nos diera.<br />
Savall ha sometido a una remasterización en<br />
multicanal este registro de técnica ya asombrosa<br />
entonces, cortesía de María y Michel Bernstein, que<br />
captaba con inédita magia los múltiples contrastes<br />
tímbricos y planos sonoros desplegados por<br />
cantantes e instrumentistas en la basílica palatina<br />
de Santa Bárbara de Mantua, donde seguramente<br />
fuera interpretada la obra por primera vez y cuyas<br />
cualidades acústicas (ecos, reverberaciones y<br />
una singular atmósfera de calidez y recogimiento)<br />
eran aprovechadas al máximo. Las actuales mezclas<br />
elevan al cuadrado ese hechizo, proporcionando<br />
un detallismo, una sensación de profundidad<br />
y de “espacialidad”, una dinámica y un brillo incomparables<br />
a estas sonoridades cuya escucha sólo<br />
cabe calificarse de absolutamente impactante.<br />
Que no se me acuse de prolijidad por citar<br />
los nombres de los participantes en esta grabación,<br />
pues enseguida se me comprenderá: Montserrat<br />
Figueras, María Cristina Kiehr, Guy de Mey,<br />
Gian Paolo Fagotto, Gerd Türk, Livio Picotti, Pa-<br />
olo Costa, Pietro Spagnoli, Roberto Abondanza<br />
y Daniele Carnovich, como en un Who is Who del<br />
arte vocal renacentista y barroco de entonces y en<br />
gran medida del presente. Y en cuanto a La Capella<br />
Reial, una alineación que más parece la de un<br />
dream-team de la música instrumental: Enrico Onofri,<br />
Adrian Chamorro, Paolo Pandolfo, Sergi Casademunt,<br />
Eunice Moreira, Pedro Memelsdorff,<br />
Christophe Ersan, Rolf Lislevand, Rinaldo Alessandrini,<br />
Richard Cheetham, Daniele Lasalle, Wim<br />
Becu, Andrew Lawrence-King, Marco Mencoboni,<br />
Lorenz Duftschmid, Stephen Stubbs, Bruce<br />
Dickey, Jean-Pierre Canihac y William Dongois.<br />
A estas luminarias las acompañaban el Coro del<br />
Centro Musica Antica di Padua, dirigido por Livio<br />
Picotti, y la Schola Gregoriana, bajo la batuta<br />
de Josep Cabré.<br />
Tal suma de talentos se distribuye por el espacio<br />
sonoro con elegante equilibrio, fusionándose<br />
voces e instrumentos en las variadas formas y<br />
configuraciones requeridas por Monteverdi para<br />
alcanzar un grado muy alto de temperatura espiritual<br />
y, a la vez, tonalidades de lo más sensuales,<br />
desviadas de su producción profana y teatral. Pese<br />
a los años continúa siendo la versión del Vespro<br />
más estremecedora de cuantas conozco por su<br />
amalgama de intensidad mística y desbordante humanidad,<br />
por su expresividad directa que, sin desvirtuar<br />
el mensaje litúrgico, más apela a la emoción.<br />
El oyente, fluyendo entre himnos, antífonas, salmos<br />
(qué fervoroso sigue sonando el Nisi Dominus), sonatas<br />
(inolvidable por su concentración y esplendor<br />
Sopra Sancta Maria) y conciertos en estilo<br />
tanto antico como moderno, está en disposición<br />
de alcanzar la ascesis en ese tremendo y espléndido<br />
Magnificat final que explota al máximo la acústica<br />
de la basílica.<br />
La grabación está llena de momentos para el<br />
recuerdo, como la exuberantemente cromática Entonatio<br />
inicial, el dorado dúo Figueras (cuya claridad<br />
y sutileza expresiva se hace patente en sus<br />
muchas intervenciones) y Kiehr en Pulchra est, el<br />
trazo ornamental de Duo Seraphim o, por su arrobo<br />
contemplativo salpicado de rítmicas instrumentaciones,<br />
el Ave maris stella, por citar algunos.<br />
Savall dirige a sus efectivos buscando la mayor<br />
transparencia declamatoria y el perfecto dibujo de<br />
cada plano, el color y la exquisita articulación instrumental,<br />
aportando unos tempi quizá más lentos<br />
que en otras versiones para lograr la total<br />
comunión con la sensibilidad trascendente de la<br />
partitura. El músico catalán optó aquí por un diapasón<br />
de 440 Hz, lo que contribuye lo suyo al fulgor<br />
y fastuosidad de esta grabación que, sin duda,<br />
debería formar parte de la discoteca de cualquier<br />
aficionado a la música antigua.<br />
CLAUDIO MONTEVERDI (1567-1643): Vespro della Beata<br />
Vergine<br />
La Capella Reial. Jordi Savall, dirección / ALIA VOX / Ref.:<br />
AVSA 9855 (2 SACD) P.V.P. especial de lanzamiento: 19,95<br />
euros.-<br />
Stephanie Marshall<br />
Jordi Savall & Montserrat Figueras<br />
Rinaldo Alessandrini<br />
Paolo Pandolfo<br />
Rolf Lislevand
antigua 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Las Vísperas de Monteverdi en Mantua<br />
Jordi Savall esboza un recuerdo de las circunstancias<br />
que hicieron propicia una grabación legendaria<br />
Jordi Savall<br />
Tras una última gira de conciertos con el Vespro della Beata Vergine de Claudio Monteverdi, llegamos<br />
a Mantua en los primeros días muy fríos y húmedos de un noviembre casi invernal con la intención de<br />
grabar la pieza en la misma basílica palatina de Santa Bárbara en que probablemente se interpretaron<br />
por primera vez en época de Monteverdi.<br />
La idea de la grabación había tomado forma varios años antes con las actividades de preparación,<br />
estudio y experimentación en torno de esa obra de Monteverdi realizadas en el marco de la investigación<br />
interpretativa desarrollada en la Schola Cantorum Basiliensis, a las que siguieron más adelante<br />
diversas series de conciertos en Suiza, Francia, España e Italia.<br />
Nos encontrábamos a finales de 1988, Hespèrion XX (fundado en 1974 por Montserrat Figueras,<br />
Hopkinson Smith, Lorenzo Alpert y yo mismo) estaba compuesto entonces por una pléyade de músicos<br />
jóvenes y muy talentosos con los cuales llevamos a cabo un trabajo de investigación riguroso sobre<br />
la interpretación y recuperación del patrimonio musical. Además, desde hacía unos años, un<br />
magnífico grupo de cantantes solistas de orígenes muy diversos, como Montserrat Figueras, María Cristina<br />
Kiehr, Guy de Mey, Gian Paolo Fagotto, Gerd Türk, Daniele Carnovich, etc., colaboraba en ese<br />
trabajo de investigación que desembocó en la creación de esta grabación. Al mismo tiempo el Coro<br />
del Centro Musica Antica di Padova, preparado por su jefe de coro Livio Picotti, y la Schola Grégorienne<br />
preparada por Josep Cabré, se nos unieron también al proyecto. Compartiendo unas voces y<br />
una sensibilidad muy “latinas”, nos lanzamos en pos de un ideal de canto donde la declamación de un<br />
texto y la pureza del sonido fuesen indisociables de una interpretación siempre cálida y profundamente<br />
espiritual.<br />
Estábamos convencidos junto con Michel Bernstein –con quien colaborábamos en numerosas<br />
grabaciones desde 1976– de que la idea de ir a buscar el espacio sonoro en el lugar en que el propio Monteverdi<br />
había podido hacer interpretar esa pieza resultaba esencial para nuestro proyecto. Era para todos<br />
nosotros una forma de peregrinación a los orígenes, convencidos como estábamos de que era<br />
posible llevar a cabo una verdadera interacción entre la acústica y la magia sonora de un espacio original<br />
y la voluntad de recobrar la atmósfera ideal para el florecimiento de esa obra magnífica.<br />
Enseguida, al entrar en el espacio central de la basílica, comprendí la estrecha relación existente<br />
entre ese lugar y la obra misma. El espacio imponente construido para celebrar, con toda la magnificencia<br />
y cierta teatralidad, la diversidad de los diferentes momentos de la liturgia cristiana, se correspondía<br />
plenamente con la gran riqueza y variedad de las formas musicales y los conjuntos utilizados<br />
por Monteverdi a lo largo de sus Vísperas. Por desgracia, durante los días de grabación tuvimos un tiempo<br />
muy invernal, con un frío húmedo que nos calaba insidiosamente hasta los huesos y contra el cual<br />
nada podían hacer las diversas estufas instaladas a nuestro alrededor. Sin embargo, la belleza excepcional<br />
de la acústica, puesta en evidencia por las interpretaciones resultantes y, sobre todo, la gran capacidad<br />
de compromiso y sacrificio de todos los cantantes y músicos (la grabación terminaba a menudo<br />
hacia las cuatro o las cinco de la madrugada, salvo el último día, en que terminó a las siete y media de<br />
la mañana), hicieron posibles esos momentos verdaderamente únicos.<br />
Esa conjunción humana, artística y espiritual fue inmortalizada digitalmente gracias a dos micrófonos<br />
(omnidireccionales Brüel y Kjaer, tipo 4009) y el arte en la toma de sonido de Maria y Michel<br />
Bernstein, ayudados por Pedro Memelsdorff. Consiguieron captar con una naturalidad sorprendente<br />
toda la belleza y todos los contrastes de esa obra magistral, desde una voz solista acompañada por un<br />
bajo continuo (arpa, órgano y viola de gamba) en el Concerto Nigra sum hasta conjuntos con doble coro,<br />
compuestos por 60 cantantes y músicos, como el Salmo Nisi Dominus o el Magnificat. Esos momentos<br />
milagrosos en los cuales, a pesar del cansancio y el frío intensos, el poder de la música vivida intensamente<br />
nos transportó a una dimensión mística y casi sobrenatural, siguen del todo perceptibles en esta<br />
nueva remasterización, que realza aún más toda la riqueza de esa grabación.<br />
11
12 diverdi antigua<br />
Por Navidad, ensaladas<br />
Les Sacqueboutiers y Mateo<br />
Flecha, en AMBROISIE<br />
Pablo del Pozo<br />
Cuatro ensaladas –con ingredientes de todo tipo–<br />
vertebran el presente registro. Como no podía ser<br />
menos, nacidas de la mano de Mateo Flecha, el viejo,<br />
creador de un género tan navideño, a propósito,<br />
como el que más. Junto a ellas, sendos tientos<br />
de batalla de los organistas Francisco Correa de<br />
Arauxo y Sebastián Aguilera de Heredia. Pero<br />
atención, en espléndidos arreglos ministriles, totalmente<br />
factibles en su época. Por último, tres<br />
hermosas polifonías de Juan Vásquez, una de ellas<br />
instrumentada. Variadísimo pues el repertorio que<br />
en torno al Renacimiento hispano nos ofrecen los<br />
miembros de Les Sacqueboutiers, el mítico conjunto<br />
de viento hoy estrella de Ambroisie. Ellos, y sus<br />
geniales acompañantes. Un cuarteto vocal de puro<br />
nervio y bizarría, de sana algarabía entre divertidas<br />
onomatopeyas: Adriana Fernández, David Sagastume,<br />
Lluis Vilamajó e Iván García. Las cuerdas<br />
pulsadas por Eduardo Egüez, un lujo, el órgano de<br />
Yasuko Bouvard y, muy notablemente, la percusión<br />
retumbante de David Mayoral y Florent Tisseyre.<br />
Ante tal despliegue, lo más destacable de estas ensaladas<br />
–que son, en concreto, El Fuego, La Justa,<br />
La Guerra y La Negrina– es sin duda el colorismo<br />
exhibido por sus intérpretes. Pero también, pasajes<br />
solemnes incluidos, el carácter tan alegre y festivo<br />
que las versiones desprenden en todo<br />
momento. Como sabemos, las secciones de estas<br />
obras, rematadamente originales y variopintas,<br />
más parecen curiosos frescos en una pared, amenas<br />
viñetas de un cómic relatado en presente. Por<br />
lo tanto, la vivacidad mencionada se alza como un<br />
requisito indispensable, también para afrontar sin<br />
pausa los múltiples contrastes y cambios de estilo,<br />
para cambiar como si nada del madrigal a la<br />
Iglesia, de la sílaba inteligible al enredo en estampida,<br />
del castellano al “gugurumbé”. Dindirindín,<br />
dindirindín / Zon, zon, zon...<br />
EL FUEGO: El Fuego: Ensaladas de Aguilera de Heredia,<br />
Arauxo, Flecha & Vasques<br />
Les Sacqueboutiers / AMBROISIE / Ref.: AM 129 (1 CD) D1<br />
Valencia gótica tañida por sus ángeles músicos<br />
La Capella de Ministrers realiza una espléndida grabación de música<br />
mediaval para el sello discográfico de la Generalitat Valenciana<br />
La prolífica Capella de Ministrers (Carles Magraner)<br />
demuestra con otro nuevo CD el dulce momento<br />
que está pasando, la lúcida resaca de la<br />
reciente celebración de su XX aniversario. Si en el<br />
próximo número del Boletín daremos cuenta de su<br />
versión de las Lachrimae de Dowland, este conjunto<br />
todoterreno nos regala ahora un disco especializado<br />
en patrimonio musical valenciano o<br />
relacionado con este antiguo reino de la Corona de<br />
Aragón, con repertorio ubicado entre los siglos XIII<br />
y XVI. Por si no fuera suficiente coherencia temática,<br />
todas las piezas se relacionan, de una u otra<br />
manera, con la Virgen. Todo un lujo de programa.<br />
El germen de la compilación es un ambicioso<br />
proyecto ideado a partir del descubrimiento de<br />
doce enormes y fantásticos (en ambos sentidos de<br />
la palabra) ángeles músicos, pintados al fresco a finales<br />
del siglo XV, y ocultos bajo las bóvedas barrocas<br />
en el ábside del altar mayor de la catedral<br />
valenciana, estrictamente contemporáneos a la<br />
construcción de la Lonja de la ciudad, ese hito tardogótico<br />
de la arquitectura civil. Se decidió sacarlos<br />
a la luz, su análisis, restauración y, del mismo<br />
modo que se hiciera en su momento con los instrumentos<br />
románicos del Pórtico de la Gloria compostelano,<br />
se procedió a la construcción de las<br />
réplicas de los mismos para uso de la Capella de<br />
Ministrers, que son los que suenan en este CD.<br />
Pero éste es mucho más que un disco institucional,<br />
de efemérides. De hecho, la novedad de<br />
parte del repertorio interpretado convierte este<br />
disco en una rareza y un hito para quien le interese<br />
la música antigua hispana, destacando una soberbia<br />
interpretación del Canto de la Sibila (según<br />
el Breviario de Don Martín I de Aragón), alternando<br />
lo sobrio y lo coreográfico, un gozo mariano<br />
procedente de un cantoral de un convento de<br />
clarisas, y un interesantísimo ramillete de obras<br />
asuncionistas, de Vic a Elche, del siglo XIII al XVI.<br />
Finalmente, un guiño a repertorio más trillado:<br />
dos Cantigas de Santa María de Alfonso X, de te-<br />
Josemi Lorenzo Arribas<br />
mas valenciano y alicantino, y dos nuevas versiones<br />
de sendas piezas del Llibre Vermell montserratino,<br />
que tantos éxitos le ha granjeado a este grupo,<br />
componen el conjunto.<br />
La interpretación muestra la amplitud de registros<br />
de la Capella, con momentos magistrales,<br />
inspiradísimos. Decididamente, los valencianos<br />
son ya una referencia en la traducción del repertorio<br />
medieval. Si con el CD viene un extenso libreto<br />
con ilustraciones de primera calidad, y las<br />
notas al programa las escribe Maricarmen Gómez<br />
Muntané... ¿qué más se puede pedir? Pues<br />
otro disco más de la Capella. Viendo el ritmo último<br />
de trabajo, y de aciertos, no tardarán en llegar,<br />
ni los unos ni los otros.<br />
MUSICA ANGELICA: Cantigas, Misterios y Gozos de la Virgen<br />
María<br />
Pilar Esteban, soprano. Josep Benet, tenor. Luis Vicente, barítono.<br />
Capella de Ministrers. Carles Magraner, dirección /<br />
INSTITUT VALENCIA DE LA MUSICA / Ref.: PMV 004 (1 CD)<br />
D3<br />
Carles Magraner
Camino de la ópera<br />
antigua 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Skip Sempé recrea con autoridad el espectáculo de 1589 La Pellegrina,<br />
todo un ensayo de proto-ópera<br />
La ópera no fue una invención genial de un grupo<br />
de intelectuales en busca de la verdadera naturaleza<br />
del teatro antiguo, como se afirma habitualmente.<br />
Giovanni de’ Bardi y los músicos y poetas<br />
de su célebre Camerata no se sentaron una tarde<br />
en el Palacio Pitti de Florencia y se dijeron: “Vamos<br />
a inventar la ópera”. Por supuesto que en el surgimiento<br />
del género hay mucho de reflexión intelectual,<br />
de intento por aplicar en la práctica las ideas<br />
neoplatónicas dominantes en la Italia del siglo XVI,<br />
pero si no se tiene en cuenta que la ópera fue la evolución<br />
natural de los espectáculos músico-dramáticos<br />
tal y como se habían ido desarrollando desde<br />
la Edad Media, difícilmente se entenderá su éxito<br />
inmediato ni la perfección con que se nos presenta<br />
una de las primeras jamás escritas, el Orfeo de<br />
1607. No es solamente que Monteverdi tuviera un<br />
talento excepcional, algo obvio con sólo escuchar<br />
uno de sus madrigales casi escogido al azar, es que<br />
se encontraba en el lugar y el momento adecuados<br />
para recoger toda una riquísima tradición de música<br />
teatral y elevarla, gracias a su genio artístico,<br />
a un plano superior.<br />
En la Florencia de los Médici, la música participaba<br />
del teatro a través de los Intermedios, pequeñas<br />
escenas que se incrustaban en un drama del<br />
que tomaban nombre. Como la ópera en la que<br />
derivarían, una vez que se hicieron más deseados<br />
que la propia obra teatral a la que complementaban,<br />
los intermedios eran espectáculos cortesanos,<br />
que se programaban en ocasión de sonados<br />
acontecimientos. Los más conocidos de todo el siglo<br />
XVI fueron los de La Pellegrina, que tuvieron<br />
lugar en 1589, con motivo del matrimonio entre el<br />
Gran Duque Fernando I y la princesa Cristina de<br />
Lorena. El tema había sido ideado por Bardi, el<br />
poder y la influencia de la música sobre la Humanidad,<br />
y un amplísimo equipo, entre los que se<br />
contaban Emilio De’ Cavalieri como director musical<br />
y coordinador, Ottavio Rinuccini como poeta,<br />
Bernardo Buontalenti como escenógrafo, y<br />
Cristofano Malvezzi, Luca Marenzio, Giulio Caccini,<br />
Jacopo Peri y Antonio Archilei como compositores,<br />
trabajaron durante ocho largos meses<br />
para que nada fallara.<br />
Pablo J. Vayón<br />
“La interpretación de<br />
Sempé es tan delicada<br />
y profunda como<br />
variada y emotiva.”<br />
Pequeñas sinfonías instrumentales, madrigales<br />
y piezas vocales variadas a distintas voces, recitativos,<br />
lamentos, monodia acompañada, el<br />
empleo del eco como recurso expresivo forman<br />
los 29 números de estos seis intermedios, que habían<br />
sido ya registrados alguna vez antes de este<br />
acercamiento de Skip Sempé, aunque la última<br />
grabación de cierta prestancia que recuerdo (la de<br />
Paul Van Nevel en Sony) tiene ya más de diez años.<br />
Bienvenido pues este trabajo del clavecinista americano,<br />
que utiliza en el empeño seis voces de primera<br />
categoría para este repertorio (las sopranos<br />
Dorothée Leclair y Monika Mauch, el contratenor<br />
Pascal Bertin, los tenores Stephan van Dyck<br />
y Jean-François Novelli y el bajo Antoni Fajardo)<br />
y un amplio equipo instrumental que incluye violines,<br />
violas da gamba, flauta, corneta, sacabuches,<br />
arpa, laúdes, guitarras, claves, órganos y virginal.<br />
La interpretación es tan delicada y profunda<br />
como variada y emotiva. Momentos como el Dalle<br />
più alte sfere de Antonio Archilei (aunque algunas<br />
fuentes lo atribuyen a De’ Cavalieri), especie<br />
de recitativo con virtuosas disminuciones atribuido<br />
a un personaje alegórico (la Armonía, aquí una<br />
extraordinaria Dorothée Leclair), inequívoco antecedente<br />
de los prólogos de las primeras óperas,<br />
o el Dunque fra torbid’onde, un lamento con eco de<br />
Peri que recuerda páginas similares de Monteverdi<br />
y que aquí borda por intensidad expresiva y dominio<br />
de la ornamentación Stephan van Dyck nos<br />
dan cuenta de un universo refinadísimo y lleno de<br />
hallazgos dramáticos y musicales, que sólo la grandeza<br />
incontestable de L’Orfeo, casi 20 años posterior,<br />
iba a superar como gran modelo para el género<br />
operístico en el futuro. Se completa la oferta con<br />
un segundo disco en el que Sempé habla sobre todas<br />
estas cuestiones con Arnaud Merlin (en francés)<br />
y con Lindsay Kemp (en inglés). Oportunísima<br />
novedad, aparecida justo cuando el año del Orfeo<br />
enfila sus últimas semanas.<br />
LA PELLEGRINA: Música para las bodas de Ferdinando de<br />
Medici y Christine de Lorena (1589). Obras de Luca Marenzio,<br />
Cristofano Malvezzi, Giulio Caccini, Jacopo Peri, Antonio<br />
Archilei, Emilio de’ Cavalieri & Giovanni di Bardi<br />
Dorothée Leclair, Monika Mauch, sopranos. Pascal Bertin,<br />
alto. Stephan van Dyck, Jean-François Novelli, tenores. Antoni<br />
Fajardo, bajo. Capriccio Stravagante Renaissance Orchestra.<br />
Collegium Vocale Gent. Skip Sempé, dirección / PARADIZO<br />
/ Ref.: PA0004 (2 CD) D2 [2 CD al precio de 1]<br />
Madurez<br />
Sorprendentes Suites para chelo<br />
de Bach por A. Gutiérrez Arenas<br />
13<br />
Pablo del Pozo<br />
Juventud, divino tesoro… ¿Quién podría acusarle de<br />
algo? ¿Acaso de inmadurez? No, desde luego, si<br />
pensamos en Adolfo Gutiérrez Arenas, quien es<br />
ya, sin lugar a dudas, uno de los violonchelistas de<br />
mayor proyección internacional del momento. Podría<br />
parecer temerario el grabar tan pronto las seis<br />
suites para violonchelo de Bach, verdaderas catedrales<br />
del repertorio para arco. Sin embargo, Gutiérrez<br />
Arenas demuestra que la madurez<br />
interpretativa es algo que, en ocasiones, poco tiene<br />
que ver con la edad. Más importante es la formación<br />
recibida, extraordinaria en su caso. O esa<br />
experiencia desarrollada, incuestionable, al trabajar<br />
en concierto las obras que ahora comparte en<br />
disco. De todo ello surge esta versión de altura,<br />
nacida de la frescura de ideas, de la juventud… y<br />
de la sabiduría. Capaz de mezclar énfasis y delicadeza<br />
a partes iguales, la potencia con la caricia, el<br />
contorno con la fluidez. De la que sobresale su claridad<br />
en el discurso: en las preguntas y las respuestas,<br />
en la luz sobre las voces escondidas. Y en<br />
el todo. La sílaba con la palabra, la palabra con la<br />
frase, la frase con el texto. De crecientes preludios<br />
en brumosa fantasía a zarabandas violagambísticas<br />
arrancadas desde el silencio, a gigas repletas de<br />
notas en cascada. El virtuosismo al servicio de la<br />
naturalidad, de la introspección expresiva. Jamás<br />
de la amenaza en drama o del inútil artificio. El<br />
sonido limpio, terso, resonante. La toma tan cercana.<br />
El instrumento. Profundamente respetuoso<br />
con Bach, y por encima de absurdas polémicas,<br />
Gutiérrez Arenas invita a las suites a imaginarse<br />
fuera de su siglo, pero también de los siguientes.<br />
Las transforma en una hermosa abstracción, nos<br />
sumerge en la música sin más. Bravo.<br />
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Suites para violonchelo<br />
Nos. 1-6<br />
Adolfo Gutierrez Arenas, violonchelo / VERSO / Ref.: VRS<br />
2051 (2 CD) D5 x 2
14 diverdi antigua<br />
Diez es mejor que ocho<br />
Obras sacras de Domenico Scarlatti, en soberbias lecturas del conjunto Vox Luminis para RICERCAR<br />
En un tiempo en el que los oratorios se concebían<br />
como grandes construcciones arquitectónicas, en los<br />
que la alternancia entre solistas, coro e instrumentos<br />
diversos, engalanaban el latín solemne de los<br />
textos litúrgicos, Domenico Scarlatti sorprendió a<br />
la Historia con un Stabat Mater atípico y enteramente<br />
genial. Y no porque no tenga las dosis de virtuosismo<br />
y espectacularidad exigibles en cualquier<br />
página del Barroco –que las tiene, ¡y de qué forma!–;<br />
es que su planteamiento vocal es un extraño<br />
guiño al antiguo Renacimiento de las texturas y tejidos<br />
más audaces.<br />
Está escrito a 10 voces (SSSSAATTBB) y bajo<br />
continuo. Nada más… y nada menos. Como si Scarlatti<br />
tratara de no distraer con instrumentos el complejo<br />
entramado de sílabas y palabras que zigzaguean<br />
como serpientes por toda la partitura. En ese sentido,<br />
encontramos en este tramo final del Barroco<br />
pocas piezas comparables a ésta, tan marcadamente<br />
“corales”, excepción hecha, naturalmente, por<br />
los Motetes de Bach, escritos bajo muy semejantes<br />
principios. Scarlatti evita además –y curiosamente,<br />
tratándose de diez voces– la policoralidad (8 voces<br />
en dos coros: algo que Bach sí usa en varios de sus<br />
motetes). El efecto final es de una contundencia<br />
irrefutable. Las fugas se suceden de manera majestuosa<br />
hasta encontrarnos ante el grandioso “Amén”<br />
final, en compás ternario, rematado con un turbador<br />
e inesperado silencio previo a los dos aplastantes<br />
acordes finales: “Que así sea”.<br />
El grupo Vox Luminis se enfrenta a esta partitura<br />
con la valentía que precisa el principio “una<br />
voz por parte”. Toda una experiencia.<br />
Caronte<br />
DOMENICO SCARLATTI (1685-1757): Te Deum laudamus,a<br />
ocho voces y bajo continuo; Salve Regina,a dos voces y<br />
bajo continuo; Sonata en Re menor, K. 417 (para órgano);<br />
Sonata en Si menor, K. 87 (para órgano); Stabat Mater a diez<br />
voces y bajo continuo; Miserere a cuatro voces<br />
Vox Luminis / RICERCAR / Ref.: RIC 258 (1 CD) D2
El Café bien temperado<br />
Para Pedro Gandía<br />
antigua 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
El patriarca Gustav Leonhardt dirige al juvenil Café Zimmermann en un antológico CD<br />
de cantatas profanas de Johann Sebastian Bach<br />
Él es un enemigo declarado de las integrales, en las que no ve sino una prueba más de la presión consumista<br />
de nuestra época. De haber dependido de su albedrío, Gustav Leonhardt ni siquiera las seis<br />
Suites inglesas habría grabado en su totalidad, asegura. Incluso la integral por excelencia –la única a la<br />
que acaso no hubiera puesto reparos–, ese monumento aere perennius de las cantatas religiosas bachianas,<br />
la emprendió, como todo el mundo sabe, compartida: con Harnoncourt. El guardián de la ortodoxia<br />
no podrá ser tachado de «integrista»... Sin embargo, siempre ha mostrado su frustración por que<br />
se truncara el proyecto con las cantatas profanas comenzado en los noventa para Philips, tras seis obras<br />
llevadas al disco, si la memoria no traiciona al comentarista. Por eso recibió con los brazos abiertos la<br />
propuesta de Alpha que se materializa en este primer compacto, con el que las versiones leonhardtianas<br />
se elevan casi a la mitad del repertorio (las iniciales, más bien difíciles ya de procurarse). Si hay suerte,<br />
un día no muy lejano tal vez podamos contar con su visión de la totalidad del corpus conservado,<br />
una veintena de partituras.<br />
Ahora viene la pregunta del millón: Leonhardt, ¿con Café Zimmermann? Dos must actuales en<br />
Bach, sin duda, ¿pero no es como juntar a Dios y al diablo? ¿Quién no ha rumiado la pregunta mientras<br />
esperaba que saliera el cedé? «Su empeño todo el rato era que moderásemos nuestro entusiasmo»,<br />
reconocía la clavecinista Céline Frisch, uno de los dos pilares del grupo, para hablar acto seguido, subyugada,<br />
de claridad. Claridad del propósito, claridad en el ritmo, claridad en la polifonía, claridad del<br />
texto cantado por el coro. La claridad ha sido el punto de encuentro entre el maestro y sus huestes, rendidas<br />
a un pulso de una evidencia apabullante que en privado me encomiaba el violinista<br />
Pedro Gandía, quien, junto con José Manuel Navarro en el atril de las violas, compañero<br />
suyo en las filas de la Orquesta Barroca de Sevilla, forma parte del puñado de escogidos<br />
que integran las cuerdas del Ensemble francés. Nuestro excelente instrumentista barroco<br />
ha venido impresionado de la vitalidad de ese hombre próximo a cumplir los ochenta,<br />
capaz de ponerse a improvisar al órgano durante horas entre las sesiones de grabación<br />
o de pasmarse como un novicio ante la escandalosa hermosura de un trozo dirigido.<br />
Si Leonhardt ha conseguido templar al Café Zimmermann, en el tempo por ejemplo<br />
–compárense los suyos con el anfetamínico desbocamiento de un Goebel en la BWV<br />
207–, nunca es desde luego a costa de la vitalidad. Sus lecturas, robustas, bien ritmadas,<br />
rebosantes de salud, simplemente ofrendan al ideal de Apolo. Que, por lo demás, me parece<br />
asaz pertinente para las páginas de celebración circunstancial (sendos homenajes<br />
a un miembro de la nobleza y a un docente universitario) que son las cantatas interpretadas,<br />
Angenehmes Wiederau, BWV 30a, y Vereinigte Zwietracht der wechselnden Saiten,<br />
BWV 207, de 1737 y 1726 respectivamente. Él lo formula de la siguiente manera: Bach es<br />
profundo incluso cuando es divertido. Un ideal al que se pliegan como un guante voces<br />
solistas –muy estimables, ya que no de excepción– y corales –espléndidas prestaciones<br />
de los doce Cantores de Versalles, que dirige Schneebelli–. La marca de la casa Zimmermann<br />
sigue reconocible en la energía arrebatadora, en la precisión del juego, en una presencia<br />
sonora palpitante y en la belleza y la densidad de los timbres.<br />
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Cantatas profanas BWV 30a y 207<br />
Monika Frimmer, soprano. Robin Blaze, contratenor. Markus Schäfer, tenor. Stephan MacLeod, bajo / Cantores del Centro de<br />
Música de Versalles. Café Zimmermann. Gustav Leonhardt, dirección / ALPHA / Ref.: ALPHA 118 (1 CD) D2<br />
15<br />
Jesús S. Villasol<br />
“Si Leonhardt ha conseguido templar al<br />
Café Zimmermann, nunca es desde luego<br />
a costa de la vitalidad. Sus lecturas, robustas,<br />
bien ritmadas, rebosantes de salud, simplemente<br />
ofrendan al ideal de Apolo.”<br />
Gustav Leonhardt<br />
Café Zimmermann
16 diverdi antigua<br />
Salomón I de la Gran Bretaña<br />
Nicholas McGegan firma un gran Solomon de Haendel en CARUS<br />
En pocos países dieciochescos como en Inglaterra<br />
se hizo tan patente la utilización de la música como<br />
“una de las principales metáforas de la política”<br />
(R. Smith). Haendel mismo contribuyó a ello con<br />
los cuatro Oratorios de victoria en honor del duque<br />
de Cumberland, que con crueldad suma (que le<br />
valió el sobrenombre de Carnicero de Culloden)<br />
puso fin a la amenaza jacobita (descendientes ca-<br />
WILLIAM BYRD (1543-1623) & ALFONSO<br />
FERRABOSCO II (c. 1578-1628): Consort<br />
Music / Susan Hamilton, soprano. James<br />
Bowman, contratenor. Ricercar Consort.<br />
Philippe Pierlot, dirección / RICERCAR /<br />
Ref.: RIC 256 (1 CD) D2<br />
HEINRICH SCHÜTZ (1585-1672): Geistliche<br />
Chor-Music 1648 / Dresdner Kammerchor.<br />
Cappella Sagittariana Dresden.<br />
Hans-Christoph Rademann, dirección / CA-<br />
RUS / Ref.: CARUS 83.232 (2 CD) D2 x 2<br />
tólicos del depuesto Jacobo II) para la germánica<br />
dinastía reinante. Inmediatamente después (1748),<br />
y con libreto hasta el día de hoy anónimo, se embarcó<br />
en la composición de Solomon (HWV 67),<br />
un oratorio de inusual estructura que presenta diversas<br />
facetas del bíblico rey Salomón en la cumbre<br />
de su poder. La alegoría del buen gobierno que<br />
encierra es evidente y no era difícil para los autocomplacientes<br />
ingleses de la época identificarlo<br />
con el suyo propio. Los estudiosos posteriores,<br />
sin embargo, lo sitúan más bien en un plano ideal,<br />
sea éste absoluto o relacionado con el periodo<br />
de paz que inauguraba el final de la Guerra de Sucesión<br />
de Austria. Lo que nadie discute es su magnificencia<br />
musical, esmaltado como está de un<br />
buen puñado de joyas –arias y coros– que están<br />
entre lo más granado de la producción haendeliana.<br />
Su fortuna discográfica ha sido, sin embargo,<br />
más bien discreta: hasta ahora sólo tres versiones<br />
historicistas (dirigidas por Gardiner, McCreesh<br />
y Martini) había en el mercado. El experimentado<br />
Nicholas McGegan presenta hoy la suya, grabada<br />
en directo –con sonido impecable y sin que<br />
se perciban ruidos ajenos a la música– en Dresde<br />
en mayo de este año. Su dirección, ligera y viva en<br />
JOHANN CHRISTOPH PEZ (1664-1716):<br />
Seis Suites Orquestales y Conciertos / Les<br />
Muffatti. Peter van Heyghen, dirección /<br />
RAMÉE / Ref.: RAM 0705 (1 CD) D2<br />
DIETRICH BUXTEHUDE (1637-1707): Opera<br />
omnia, IV (Obras para órgano, II) / Ton<br />
Koopman, órgano / CHALLENGE RE-<br />
CORDS / Ref.: CC 72243 (1 CD) D2<br />
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750):<br />
Integral de Cantatas, Vol. 37 / Robin Blaze,<br />
contratenor. Bach Collegium Japan.<br />
Masaaki Suzuki, dirección / BIS / Ref.: BIS<br />
SACD 1621 (1 SACD) D2<br />
DIETRICH BUXTEHUDE (1637-1707):<br />
Opera omnia, V ; Obras vocales, II / The<br />
Amsterdam Baroque Orchestra & Choir.<br />
Ton Koopman, dirección / CHALLENGE<br />
RECORDS / Ref.: CC 72244 (2 CD) D2 x<br />
2<br />
Mariano Acero Ruilópez<br />
general, es también matizada, traduciendo convenientemente<br />
tanto la atmósfera dramática de ciertas<br />
escenas (el juicio, sobre todo) cuanto la<br />
suntuosidad del tercer acto, rindiendo igualmente<br />
tributo a la poesía que no falta en la partitura.<br />
Cuenta con una orquesta de sonido redondo y pleno<br />
y un coro, el de la catedral de Winchester, simplemente<br />
magnífico. Tim Mead (Salomón), un<br />
joven contratenor que debuta discográficamente en<br />
un papel protagonista, tiene una bella voz, amplia<br />
y cálida –podemos obviar algunos apurillos en los<br />
extremos–, que le augura un halagüeño porvenir.<br />
Dominique Labelle presta su timbre luminoso a la<br />
Reina y la primera prostituta y Claron McFadden<br />
alcanza su mejor momento como Reina de Saba<br />
en Will the sun, delicada y poética en extremo. Y el<br />
tenor Michael Slattery, como Sumo Sacerdote, tiene<br />
igualmente notables intervenciones. Muy buena<br />
aportación, en suma, a la discografía handeliana.<br />
GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Solomon,<br />
HWV67<br />
Mead, Labelle, McFadden / Winchester Cathedral Choir.<br />
Festspielorchester Göttingen. Dir.: Nicholas McGegan / CA-<br />
RUS / Ref.: CARUS 83.242 (3 SACD) D2 x 3<br />
Novedades antigua<br />
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750):<br />
Misa en Si menor, BWV 232 / Carolyn Sampson,<br />
soprano I. Rachel Nicholls, soprano II.<br />
Robin Blaze, alto. Gerd Türk, tenor. Peter Kooij,<br />
bajo. Bach Collegium Japan. Masaaki Suzuki,<br />
dirección / BIS / Ref.: BIS SACD 1701/02<br />
(2 SACD) D2 x 2<br />
JOHN DOWLAND (1563-1626): Lachrimae or<br />
Seaven Teares (1604) / Capella de Ministrers.<br />
Carles Magraner, viola da gamba &<br />
dirección / CDM / Ref.: CDM 0721 (1 CD)<br />
D2
Haendel al aire español<br />
En el principio hubo un Amadís de Gaula, nacido<br />
en España del cálamo del regidor de Medina Garci<br />
Rodríguez de Montalvo. Inició sus aventuras<br />
allá por 1508 y, recorriendo tierras y navegando mares,<br />
engendró aquí y allá muchos otros Amadises,<br />
en sola letra unos, con letra y música otros. Uno<br />
de éstos –architataranieto del primero y con nombre<br />
italianizado– se debe al ingenio de un treintañero<br />
Haendel que intentaba abrirse camino en<br />
Londres. Acogido al mecenazgo de Richard Boyle,<br />
el Arquitecto, tercer conde de Burlington, fue en<br />
su residencia de Piccadilly donde, con libreto de P.A.<br />
Rolli o N. Haym –que no está claro– adaptado de<br />
otro francés de A. Houdar de la Motte (1699),<br />
compuso la cuarta ópera (Silla al margen) que estrenaría<br />
en Inglaterra. Amadigi (HWV 11) subió a<br />
escena en el King’s Theatre de Haymarket el 25 de<br />
mayo de 1715 y se interpretó en seis espaciadas<br />
ocasiones antes de que jacobitas turbulencias militares<br />
forzaran la abrupta clausura de la temporada<br />
para volver a escena en las dos siguientes. Hoy,<br />
Eduardo López Banzo, al frente de su grupo Al<br />
Ayre Español, la ha llevado al disco.<br />
Ya es de por sí muy buena noticia que por primera<br />
vez un director español grabe una ópera de<br />
Haendel. Si además el resultado es del magnífico<br />
nivel que presenta este registro, nuestro júbilo es<br />
fácilmente comprensible. Aunque a decir verdad,<br />
esto último, la calidad de la grabación, no nos ha<br />
sorprendido en absoluto. López Banzo, además<br />
de una amplia y sólida trayectoria recreando el barroco<br />
hispano, dio ya la medida de sus posibilidades<br />
en el gran repertorio internacional con una<br />
sobresaliente grabación de La Colpa, il Pentimento,<br />
la Grazia, de Alessandro Scarlatti. Lo de aho-<br />
antigua 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Eduardo López Banzo dirige un notabilísimo Amadigi en AMBROISIE<br />
“Con Amadigi, Haendel<br />
creó una de sus<br />
mejores óperas<br />
tempranas.”<br />
ra no es sino la confirmación de que estamos ante<br />
un gran director que, sin duda, seguirá deparándonos<br />
satisfacciones: el registro de Amadigi es el inicio<br />
de un proyecto que proseguirá en breve con<br />
otra ópera “española” y temprana del Sajón, Rodrigo<br />
(señalemos, de paso, que no son las únicas<br />
huellas hispanas en las óperas handelianas: sin<br />
contar a la navarra esposa de Riccardo Primo, Almira<br />
está ambientada en Valladolid y pone en escena<br />
–¡ahí es nada!– a un Príncipe de Segovia y<br />
una Princesa de Aranda; la Hispania romana aparece<br />
en Scipione, donde el aragonés Lucejo deja<br />
caer un tópico y rotundo “no es costumbre ibera<br />
/ soportar a un rival”, y en su primera redacción,<br />
Sosarme se intitulaba Fernando, Ré di Castiglia). Si<br />
todo transcurre conforme al guión previsto habrá<br />
más óperas de Haendel, ya del periodo de madurez,<br />
al aire español.<br />
Con Amadigi, Haendel creó una de sus mejores<br />
óperas tempranas, aunque no deja de ser un<br />
tanto paradójica: bajo la parafernalia de las óperas<br />
mágicas barrocas –encantamientos, decorados<br />
surgidos del suelo, espejos fantasmales, nubes preñadas<br />
de sorpresas, mago ex-machina– se desarrolla,<br />
en realidad, un argumento simple, casi intimista,<br />
en que el amor mutuo de Amadigi y Oriana se ve<br />
entorpecido por las malas artes de la maga Melissa,<br />
encaprichada del primero y auxiliada por Dardano,<br />
que bebe los vientos por Oriana. El reparto<br />
es, en verdad, corto y poco variado (cuatro voces<br />
agudas más una fugaz aparición de una quinta,<br />
también de soprano); se aprecian ciertas deficiencias<br />
estructurales e incluso hay quien critica alguna<br />
caracterización concreta. Pero esas pequeñas<br />
sombras quedan sobradamente compensadas por<br />
el desbordante derroche de invención melódica en<br />
una veintena de arias de singular belleza y llamativa<br />
variedad, rítmica y de carácter; por la soberbia<br />
caracterización de Melissa, la más humana de<br />
sus magas, como mujer despechada –¿qué tendrían<br />
las magas para encandilar de semejante manera<br />
al compositor?–; por el audaz empleo de los<br />
recitativos, integrados a veces a un arioso o un<br />
aria, y algunas escenas geniales (un ejemplo: la de<br />
la fuente del verdadero amor al comienzo del acto<br />
II); por la orquestación y el dominio de los colores<br />
instrumentales (trompeta, oboe, flautas dulces<br />
y fagot figuran como instrumentos obligados)...<br />
Charles Burney veía en ella “más invención, diversidad<br />
y buena música que en ninguno de los dramas<br />
musicales de Haendel que he podido examinar<br />
hasta ahora con cuidado y discernimiento”.<br />
Y López Banzo la entiende perfectamente,<br />
dirigiéndola con inspiración, precisión rítmica y,<br />
sobre todo, sentido teatral desde la obertura al<br />
coro final. ¡Qué espléndidos y conmovedores resultados,<br />
por cierto, obtiene en los momentos más<br />
dolientes! Cuenta con un sólido cuarteto de solistas<br />
vocales. De ellos, quien más nos ha gustado ha<br />
sido la soprano israelí Sharon Rostorf-Zamir, que<br />
teje una admirable y expresiva Melissa –también<br />
encarna el brevísimo papel de Orgando–, apasio-<br />
17<br />
Mariano Acero Ruilópez<br />
“Ya es de por sí muy<br />
buena noticia que por<br />
primera vez un<br />
director español grabe<br />
una ópera de Haendel.<br />
Si además el resultado<br />
es del magnífico nivel<br />
que presenta este<br />
registro, nuestro júbilo<br />
es fácilmente<br />
comprensible.”<br />
nada en sus arias de bravura, conmovedora en sus<br />
quejas, desgarradoramente humana. La mezzo<br />
Maria Riccarda Wesseling construye un elegante<br />
Amadigi, especialmente logrado en sus lamentos<br />
y superando con habilidad los escollos del papel.<br />
La soprano valenciana Elena de la Merced –lo de<br />
su nacimiento en Melbourne fue mero accidente–<br />
es una sensible y lírica Oriana que da lo mejor de<br />
sí misma en esa maravilla trágica que es S’estinto<br />
è l’idol mio. Y el prometedor contratenor Jordi<br />
Domènech, de bello timbre y buena técnica, respira<br />
musicalidad en su Dardano, dejando un personal,<br />
emotivo y conmovedor Pena tiranna para el<br />
recuerdo. Excelentes son, por otra parte, las prestaciones<br />
de Al Ayre Español, grupo especializado<br />
del que podemos sentirnos legítimamente orgullosos.<br />
Y brillantes las intervenciones de sus solistas,<br />
reiteradamente llamados al primer plano. Justo<br />
es destacar a este respecto a Eduard Wesly en el<br />
oboe y de nuevo, junto a Pedro Castro, con la flauta<br />
dulce. Estamos, pues, ante una estupenda grabación.<br />
Y además, muy oportuna, porque la única<br />
versión registrada de Amadigi hasta el momento<br />
(Minkowski, 1989) lleva años descatalogada. Mientras<br />
llega lo demás, no se la pierdan.<br />
GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Amadigi di<br />
Gaula<br />
Maria Riccarda Wesseling, Elena de la Merced, Sharon Rostorf<br />
Zamir, Jordi Domenech, Dardanus. Al Ayre Español Orquestra.<br />
Eduardo López Banzo, clave y dirección /<br />
AMBROISIE / Ref.: AM 133 (2 CD) P.V.P. especial de lanzamiento:<br />
19,95 euros.-
Foto: Luis Montesdeoca<br />
18 diverdi entrevista<br />
¡Ya era hora! Ya nadie podrá<br />
afirmar que al revival de la<br />
creación operística de Georg<br />
Friedrich Haendel le falta la<br />
dimensión española, ya sea<br />
en disco o en vivo, pues este<br />
mismo mes tendremos en<br />
nuestras manos la grabación<br />
para el sello galo Ambroisie<br />
de la ópera “mágica” Amadigi<br />
di Gaula a cargo de<br />
Eduardo López Banzo y su<br />
orquesta Al Ayre Español.<br />
Eduardo López Banzo<br />
“Haendel fue el mejor compositor para la voz que tuvo el siglo XVIII”<br />
Entrevista con el fundador y director de Al Ayre Español<br />
Enamorado de la música barroca desde niño,<br />
la sensibilidad musical de López Banzo adquirió<br />
nuevos vuelos cuando estudiaba con Gustav Leonhardt<br />
en Holanda. Desde su misma fundación en<br />
1988, Al Ayre Español se benefició de la energía<br />
de su director, embarcado en la misión de llevar los<br />
tesoros desconocidos de la música barroca española<br />
a una audiencia moderna, a través de un proceso<br />
ejemplar de investigación, recuperación,<br />
edición e interpretación. Una docena de CDs (principalmente<br />
en los sellos Deutsche Harmonia Mundi<br />
y Harmonia Mundi) son el fiel testimonio de<br />
estas actividades, gracias a las que compositores<br />
como Literes, Torres, Durón y, sobre todo, José de<br />
Nebra, han recuperado la voz.<br />
En 2004, la carrera de Al Ayre Español se vio<br />
impulsada gracias al compromiso y financiación<br />
por parte del Gobierno Regional de Aragón, y a<br />
un acuerdo de residencia con el Auditorio de Zaragoza.<br />
Así, en la actualidad existen los recursos<br />
suficientes para que López Banzo pueda dar forma<br />
a su imaginación musical, prueba de lo cual<br />
son algunas producciones a gran escala, entre las<br />
que destacan las giras españolas e internacionales<br />
de Amadigi di Gaula y también de Rodrigo, con su<br />
trama castellano-aragonesa. Por cierto, Rodrigo<br />
también será editada por Ambroisie el próximo<br />
año. Y los aficionados valencianos podrán disfrutar<br />
en breve (en febrero de 2008) de López Banzo<br />
dirigiendo una producción de Orlando.<br />
El gran momento musical de Al Ayre Español<br />
también los está impulsando a ir más allá del<br />
Barroco. En este sentido, este próximo mes de<br />
enero la ciudad de Bilbao recibirá a la orquesta zaragozana,<br />
a su director y a un elenco de solistas internacionales<br />
encabezado por Soile Isokoski para<br />
la representación de Così fan tutte. Treinta años de<br />
dedicación y éxitos sitúan sin duda al director en<br />
una posición inmejorable para hablar de los placeres<br />
y las dificultades que encuentran los músicos<br />
españoles a la hora de llegar a audiencias más amplias<br />
tanto aquí como fuera.<br />
DIVERDI: Usted lleva ya mucho tiempo interpretando<br />
a Haendel en concierto, pero ésta es la primera<br />
vez que lo lleva al disco. Eso significa que<br />
Amadigi di Gaula será la primera oportunidad para<br />
muchas personas de escuchar su acercamiento a<br />
Haendel. ¿Cuáles son sus impresiones acerca de<br />
este compositor?<br />
EDUARDO LÓPEZ BANZO: Me parece que la<br />
gente ve en Haendel a un compositor de música inglesa<br />
tardía o de música italiana muy antigua, pero<br />
pocos ven en él a un representante de la música alemana.<br />
Siempre hay algo nuevo por descubrir en su<br />
música, tanto en la manera de construir el drama<br />
como en la manera muy cálida que tiene de escribir<br />
para la voz. Pienso que Haendel fue el mejor<br />
compositor para la voz que tuvo el siglo XVIII,<br />
aunque no siempre las interpretaciones hacen justicia<br />
a esta idea. Al escuchar un gran número de gra-<br />
Mark Wiggins<br />
baciones de su música, enseguida pude oler que<br />
quedaba mucho por decir. Leyendo acerca de su<br />
vida, me encontré muy cercano al espíritu de este<br />
hombre, una persona muy intuitiva, con una gran<br />
capacidad de uso del color en la música, algo que<br />
yo siempre ando buscando. Haendel tiene una capacidad<br />
extraordinaria a la hora de instrumentar<br />
sus obras. Por ejemplo, es fascinante lo que es capaz<br />
de hacer si sólo tiene a su disposición una pareja<br />
de oboes y unos cuantos violines. La verdad<br />
es que la experiencia de escuchar su música –en<br />
concreto, su Mesías cuando yo tenía 14 años– fue<br />
la que me llevó a empezar en esto. Ahora me siento<br />
enormemente feliz por estar preparando, por primera<br />
vez, el Mesías para un concierto, que tendrá<br />
lugar en Palma de Mallorca.<br />
D.: Para su primer Haendel en disco, ha elegido una<br />
obra importante, Amadigi di Gaula, que sin embargo<br />
rara vez se escucha en vivo y mucho menos<br />
en disco. Esta obra data de 1715 y fue una de las primeras<br />
óperas del compositor en Londres. ¿Qué<br />
piensa que Haendel pretendía conseguir con esta<br />
obra?<br />
E.L.B.: Cuando llegó a Londres, Haendel se dio<br />
cuenta de inmediato de que debía combinar su especialidad,<br />
la música italiana, con un trasfondo<br />
alemán y con elementos adicionales que le permitiesen<br />
llegar a su nuevo público inglés. Hablamos<br />
de una audiencia que todavía estaba bajo la influencia<br />
de dos maestros ingleses anteriores: Henry<br />
Purcell y John Blow. Así vemos, por ejemplo, que<br />
en la segunda parte de la obertura de Amadigi Haendel<br />
presenta una fuga a la manera de Purcell, o<br />
en una de las arias hace sitio para música inglesa<br />
callejera, incluyendo el sonido de una gaita inflándose.<br />
Todo lo que hace está inspirado por cosas escuchadas<br />
al llegar a Londres. No sólo es un<br />
compositor excelente y de gran talento, sino que<br />
también tiene una gran inteligencia.<br />
Haendel sabía a la perfección el efecto de su<br />
música. No sólo estaba preocupado por escribir<br />
obras maestras, sino también por entretener al público,<br />
y para ello siempre estuvo dispuesto a reutilizar<br />
material antiguo en sus obras posteriores<br />
(Amadigi, por ejemplo, “comparte” música con<br />
Acis y Galatea y con Il Trionfo del Tempo e del Disinganno.<br />
Pero una de sus grandes virtudes, en mi<br />
opinión, es que nunca hace lo mismo dos veces, sino<br />
que siempre lo cambia y lo mejora con gran maestría.<br />
Desde luego, estoy enamorado de esta obra,<br />
que curiosamente tiene su conexión con Zaragoza:<br />
la historia original fue publicada aquí en el siglo<br />
XVI, aunque Haendel recurriera a una versión<br />
francesa posterior, escrita por Antoine Houdar de<br />
Lamotte.<br />
A la hora de escoger el elenco de cantantes<br />
para Amadigi, supe de antemano que había dos<br />
cantantes que llevaban esta obra en la sangre, Maria<br />
Ricarda Wesseling y Sharon Rostorf-Zamir.<br />
Me encantan las voces de estas dos cantantes, y te-
“Haendel sabía a la perfección el<br />
efecto de su música. No sólo<br />
estaba preocupado por escribir<br />
obras maestras, sino también por<br />
entretener al público.”<br />
nía claro que serían ideales también para el trabajo<br />
de los demás solistas, que quise que fueran españoles<br />
para reflejar la contribución española a<br />
este proyecto haendeliano. Tuve la inmensa suerte<br />
de poder contar con una fantástica soprano, Elena<br />
de la Merced, y con uno de nuestros<br />
contratenores, Jordi Domènech, ambos en gira<br />
europea en este momento. Existe un cierto peligro<br />
con Haendel, y es que muchos cantantes tienden<br />
a tratarlo de una forma un poco superficial, cuando<br />
la realidad es que la expresividad que se puede<br />
obtener con sus arias es muy superior a la que muchas<br />
personas explotan.<br />
D.: ¿Y cómo logra usted esta expresividad?<br />
E.L.B.: El problema que siempre hay es muy común<br />
en nuestros días, y es la falta de tiempo para<br />
ensayar. Interpretar una obra no se puede limitar<br />
a ejecutar lo que está escrito, sino que debemos<br />
leer entre líneas para conseguir comunicar a la au-<br />
diencia aquello que no está expresamente en la<br />
partitura. Existen dos tendencias enfrentadas, algo<br />
que vemos muy especialmente en la música antigua:<br />
aquélla de los que hacen demasiado poco –que<br />
son fríos y no expresan apenas nada– y aquélla de<br />
los que se exceden. Pienso que con Haendel podemos<br />
llegar muy lejos y aún así queda recorrido por<br />
delante. Pienso por ejemplo en las improvisaciones<br />
de Haendel al órgano. Era muy espontáneo.<br />
Pero esta espontaneidad, hoy en día, sólo la podemos<br />
realizar desde la base del ensayo, cuando la orquesta<br />
ha logrado dominar el lenguaje, el estilo de<br />
una pieza. Podemos estar conjuntados, pero eso no<br />
implica espontaneidad. Quisiera alcanzar la libertad<br />
de este segundo nivel, la libertad que posibilita<br />
los momentos de magia.<br />
D.: ¿Podemos entender como desarrollo radical<br />
el hecho de que una orquesta de instrumentos originales<br />
como Al Ayre Español vaya a interpretar<br />
el Così fan tutte de Mozart?<br />
E.L.B.: Desde luego que lo es, tanto para el grupo<br />
como para mí. Pienso que representa un punto de<br />
inflexión en cuanto al desarrollo de la interpretación<br />
de esta música en España. El hecho de que sea<br />
un teatro importante de ópera (en concreto, Bilbao)<br />
el que dé esta oportunidad a un grupo español<br />
que nunca antes había hecho una ópera de<br />
Mozart completa es muy significativo. Las únicas<br />
entrevista 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
obras del periodo<br />
clásico que hemos<br />
interpretado hasta<br />
la fecha son una serie<br />
de conciertos de<br />
Arriaga y Mozart, en el Teatro Real de Madrid,<br />
así como algunas sinfonías de Mozart y de Haydn<br />
en Zaragoza. Y desde luego es importante para el<br />
desarrollo de la música antigua en España. Después<br />
de 16 años de Al Ayre Español, en 2004 nos vimos<br />
ante la disyuntiva de seguir siendo un grupo<br />
de cámara haciendo más y más música española,<br />
o ampliar las miras también hacia repertorio posterior.<br />
Pienso que la orquesta debía optar por el segundo<br />
camino, pues por fin en España el nivel de<br />
los instrumentistas de cuerda antigua es muy alto.<br />
Cuando voy a París, o a Montpellier, a menudo recibo<br />
felicitaciones por nuestro nivel instrumental,<br />
pero debo decir que esto no es sólo un aspecto de<br />
Al Ayre Español, sino de España en su totalidad.<br />
Si no permitiera a estos instrumentistas tan bue-<br />
“Nuestro propio país no defiende su patrimonio<br />
musical. Es algo que llevamos diciendo músicos<br />
como Jordi Savall o yo mismo desde hace mucho<br />
tiempo. No nos sentimos apoyados como los<br />
músicos de otros países.”<br />
nos acercarse a un repertorio posterior, sería un<br />
director muy malo. Conozco a mi orquesta, y sé a<br />
dónde puede llegar.<br />
En cuanto a Così fan tutte en concreto, estoy<br />
investigando mucho acerca de las intenciones de<br />
Mozart en su escritura orquestal. A menudo son<br />
evidentes, porque escribe de una forma fantástica.<br />
Pero a veces escucho a gente decir que Mozart escribe<br />
una música tan interesante que el texto no tiene<br />
importancia. Me parece que esto no es del todo<br />
cierto. Mozart es un compositor muy dramático.<br />
Sabe a la perfección lo que las voces pueden hacer<br />
y lo que no, y las emplea con mano maestra. Lo que<br />
quiero investigar en Bibao es esta relación entre música<br />
y texto. Por fortuna, la acústica de la sala bilbaína<br />
es excelente.<br />
D.: Tras tantos años trabajando y defendiendo la<br />
música barroca española, ¿piensa que ya se la comprende<br />
como una parte de una tradición europea<br />
más amplia?<br />
Para nada. Porque nuestro propio país no ayuda<br />
a que esto ocurra. Es algo que llevamos diciendo<br />
músicos como Jordi Savall o yo mismo desde hace<br />
mucho tiempo. No nos sentimos apoyados como<br />
los músicos de otros países. Francia, por ejemplo,<br />
ha realizado un gran esfuerzo en pro de su música.<br />
Cuando se descubre algo francés con calidad,<br />
es música que se vende muy bien. Tienen su Cen-<br />
19<br />
tre de Musique Baroque de Versailles, con sus ediciones<br />
y su distribución internacional. Un ejemplo<br />
de España: José de Nebra es un gran<br />
compositor, con multitud de obras que merecerían<br />
ser interpretadas por todo el mundo. La única<br />
edición que existe de su música está en Zaragoza,<br />
en una tirada muy limitada, sólo disponible<br />
en las bibliotecas de algunos musicólogos e intérpretes.<br />
No existe distribución internacional. Nadie<br />
conoce esta música. Sin esta distribución, nada<br />
se puede hacer. No estamos haciendo lo suficiente<br />
por nuestro patrimonio musical, aparte de algunos<br />
gestos para el consumo interno. Y así,<br />
muchos músicos de fuera de España posiblemente<br />
siempre tengan otros intereses prioritarios. El<br />
Instituto Cervantes está ahora realizando una<br />
gran labor para dar a conocer la literatura y la lengua<br />
españolas en el mundo, pero hasta ahora el español<br />
ha sido como una lengua africana para el<br />
resto de los europeos. Un europeo culto quizá hable<br />
inglés, francés, alemán, algo de italiano. Pero<br />
el español siempre ha sido la lengua olvidada. Tras<br />
casi 30 años de democracia y un gran esfuerzo<br />
político por estar cerca de Europa, queda un montón<br />
de cosas por hacer.<br />
D.: ¿Qué más nos deparará el 20º aniversario de<br />
Al Ayre Español, que se celebra en 2008?<br />
No desatenderemos la idea de recuperar repertorio<br />
olvidado. Habrá interpretaciones de obras de<br />
Alessandro Scarlatti que aún no se han hecho nunca.<br />
Y también estamos trabajando en inéditos del<br />
periodo clásico. Lo que está resultando decisivo<br />
para la vida cultural española es el hecho de que<br />
muchos músicos están viniendo para vivir y trabajar<br />
aquí. Por primera vez, esto está posibilitando<br />
un verdadero intercambio de ideas. En Al Ayre<br />
Español nunca hemos querido limitarnos a contar<br />
con músicos españoles, y siempre me ha parecido<br />
importante mantener un contacto fluido con<br />
músicos extranjeros, por el bien de la música. Por<br />
primera vez, el año próximo podremos montar<br />
la Pasión según San Mateo de Bach, pero lo que sería<br />
verdaderamente maravilloso es poder repetir<br />
año tras año, invitando cada vez a músicos diferentes.<br />
Y ello no porque se haga también en otros<br />
países, sino porque es una experiencia humana y<br />
artística que deberíamos tener aquí. Pero todas<br />
estas excursiones no hacen sino afianzar la idea original<br />
que es la base de la actividad de Al Ayre Español:<br />
la música española. Tenemos un programa<br />
de cuatro cantatas “nuevas” y unas Vísperas de<br />
José de Nebra. Es ya la tercera parte de un ciclo<br />
de cantatas que empecé hace varios años. Pero<br />
esta vez podré contar con los ampliados recursos<br />
orquestales del nuevo Al Ayre Español…<br />
Al Ayre Españo
20 diverdi clasicismo<br />
Perfumes de Madrid<br />
La violonchelista Ophélie Gaillard<br />
recrea el universo de Boccherini<br />
Pablo J. Vayón<br />
Saltando por encima de dos siglos de historia de la<br />
música, Ophélie Gaillard comparte con Luigi Boccherini<br />
al menos una cosa: el instrumento. No resulta<br />
por ello nada sorprendente que este segundo disco<br />
del conjunto Pulcinella, formado en torno a Gaillard<br />
por un grupo de primeros solistas europeos (Colitto,<br />
Gagnon, Beaugiraud, Maury...), esté dedicado al<br />
genio del compositor de Lucca, tomando para ello<br />
como centro el violonchelo, instrumento con el que<br />
Boccherini fue un reconocido virtuoso en su tiempo,<br />
como Ophélie Gaillard lo es en nuestras días.<br />
Dos conciertos para violonchelo forman el núcleo<br />
básico del CD, con el aria Se d’un amor tiranno,<br />
escrita para soprano, chelo concertante y orquesta,<br />
y el famoso Fandango del Quinteto con guitarra G448<br />
como complementos, aunque la extensa duración de<br />
ambos fragmentos (cercanos los 15 minutos en ambos<br />
casos) los sitúa en realidad en posición de igualdad<br />
con los conciertos. De hecho, es el Fandango el<br />
que abre el disco, convirtiéndose en esta versión con<br />
castañuelas y percusión, que Gaillard ha encargado<br />
a intérpretes españoles (Luz Martín León-Tello y<br />
David Mayoral), en una puerta ideal para penetrar en<br />
el mundo de Boccherini, uno sospecha que menos<br />
transitado de lo que esta excelente música merece. Que<br />
el solista de guitarra sea el noruego Rolf Lislevand y<br />
la soprano Sandrine Piau ponga voz al aria son dos<br />
alicientes añadidos para esta invitación, pues ni el<br />
Fandango ni el aria podrían estar mejor servidos que<br />
a través de estos intérpretes auténticamente geniales.<br />
La oferta se completa con un DVD anexo que<br />
es algo más que el típico making of, pues no se ofrecen<br />
sólo algunos momentos de la grabación del disco<br />
(incluido el Fandango), sino que se incluyen<br />
fragmentos musicales de otras obras de Boccherini,<br />
como dos números del Stabat Mater que canta deliciosamente<br />
la soprano Magali Léger, todo ello arropado<br />
por unos muy interesantes comentarios de<br />
Ophélie Gaillard sobre el compositor y su larga estancia<br />
madrileña.<br />
LUIGI BOCCHERINI (1743-1805): Madrid<br />
Piau, Gaillard / Pulcinella (Rolf Lislevand, guitarra. Luz Martin<br />
León Tello, castañuelas. David Mayoral, percusión. Maude<br />
Gratton, pianoforte) / AMBROISIE / Ref.: AM 126 (1 CD +<br />
DVD) D1<br />
Del salón en el ángulo<br />
oscuro…<br />
Piezas para arpa de Naderman,<br />
en ETCETERA<br />
Francisco de Paula Cañas Gálvez<br />
El apellido Naderman estuvo estrechamente vinculado<br />
al mundo del arpa clásica durante los años<br />
de la Revolución francesa y el imperio napoleónico.<br />
Tanto Jean-Henri como sus hijos François-Joseph<br />
y Henri fueron, además de destacados luthiers,<br />
prolíficos autores que dedicaron la totalidad de su<br />
obra a un instrumento que por entonces gozaba de<br />
un esplendor que coincidía plenamente con las primeras<br />
manifestaciones de la sensibilidad musical<br />
del primer Romanticismo. De todos los miembros<br />
de aquella ilustre familia de músicos, fue, precisamente,<br />
François-Joseph quien obtuvo mayores éxitos<br />
a lo largo de su carrera, pues a su faceta de<br />
constructor de arpas y solista, había que unir las<br />
de pedagogo, editor y, sobre todo, compositor,<br />
siendo estas últimas las que le valdrían el reconocimiento<br />
internacional a partir de 1825. Entre sus<br />
piezas más conocidas figuran las siete sonatinas de<br />
su célebre École ou Méthode raisonée pour la harpe<br />
adoptée par le Conservatoire publicado en 1832 y los<br />
dos Études Fantastiques de esta grabación. Ambas<br />
obras estuvieron destinadas a sus alumnos de arpa<br />
en el conservatorio parisino y destacan por sus<br />
pasajes fluidos y repletos de contrastes cromáticos<br />
y melódicos envueltos siempre en una profunda<br />
melancolía de notables influencias románticas.<br />
Las interpretaciones que nos ofrece Masumi<br />
Hagasawa de estas hermosas y exquisitas piezas<br />
son, como en sus anteriores grabaciones para la serie<br />
“Soirées du Goût” de Etcetera, de una rara perfección.<br />
Junto a un virtuosismo incuestionable,<br />
Hagasawa, en un intento de aproximación total al<br />
espíritu original de las obras, opta por utilizar las<br />
ediciones originales de Naderman y un arpa construida<br />
por el propio autor en 1815, logrando que la<br />
escucha de este disco se convierta en un viaje espiritual<br />
a los refinados salones del París de principios<br />
del siglo XIX.<br />
FRANÇOIS-JOSEPH NADERMAN (1781-1835): Sept Sonates<br />
Progressives,op.92; 2 Etudes Fantastiques<br />
Masumi Nagasawa, arpa / ETCETERA / Ref.: KTC 1341 (1<br />
CD) D2<br />
Esplendor en la hierba<br />
A l’ombre d’un ormeau, el coté<br />
popular del barroco francés<br />
Pablo J. Vayón<br />
La musette (‘museta’ en correctísima traslación al<br />
español, pese a su muy escaso uso; ni el diccionario<br />
de la RAE lo recoge) es una especie de gaita que<br />
en la Francia de finales del siglo XVII y principios<br />
del XVIII conoció un notable esplendor. Dinastías<br />
enteras de constructores y compositores, como<br />
los Hotteterre o los Chédeville, le prestaron primordial<br />
atención, y con ellos algunos músicos de<br />
la importancia de Michel Corrette o Joseph Bodin<br />
de Boismortier le dedicaron algunas páginas de<br />
interés. Todos se apoyaban en una tradición que<br />
vinculaba la museta al mundo de lo rústico y lo<br />
pastoril y que, viniendo de lejos, conoció un punto<br />
de inflexión esencial en el Tratado que el lionés<br />
Borjon de Scellery, virtuoso del instrumento, le<br />
dedicó en 1672.<br />
Es justamente Scellery el punto de partida de<br />
este precioso recital que el musetista (si se me permite<br />
el neologismo) François Lazarevitch ha confeccionado<br />
para Alpha: un delicioso recorrido por<br />
danzas y canciones muy enraizadas en lo popular.<br />
Es música de gran sencillez y delicado encanto,<br />
grácil, ligera, que sirve de perfecto contrapunto a<br />
la pompa de la gran música cortesana de la Francia<br />
de la época, que recurrió también a este estilo<br />
más íntimo y sencillo para representar la idealizada<br />
candidez de la vida campesina. En este disco<br />
caben algunos de los nombres ya citados, pero también<br />
hay una referencia a John Playford y sus danzas<br />
inglesas, se filtran aires tan célebres como el<br />
de Mambrú o el de la Furstenberg y asoma brevemente<br />
su flequillo el gran Rameau. El timbre puro y<br />
bellísimo de la soprano Annie Dufresne resuena con<br />
absoluta naturalidad en medio de las musetas, flautas,<br />
zanfoñas, violines, violas, tiorbas y claves de estos<br />
estupendos Musiciens de Saint-Julien, que nos<br />
pasean con audaz imaginación por la plácida serenidad<br />
de la Arcadia barroca.<br />
A L'OMBRE D'UN ORMEAU: Brunettes y contradanzas del siglo<br />
XVIII<br />
Annie Dufresne, dessus. Les Musiciens de Saint-Julien.<br />
François Lazarevitch, dirección / ALPHA / Ref.: ALPHA 115 (1<br />
CD) D2
Novara festeja a Coccia<br />
El festival rossiniano de Pésaro, aparte de las obras<br />
del músico local a quien está destinado, programa<br />
títulos de otros compositores de diferente manera<br />
con éste vinculados, bajo el epígrafe El mundo de las<br />
farsas. Obritas encantadoras de Mosca, Generali,<br />
Pavesi, Pacini... En 2005 fue Carlo Coccia el privilegiado<br />
con Arrighetto, una de sus primeras obras,<br />
partitura cuyas características la vinculan con la<br />
producción rossiniana, dado que la “farsa sentimental”<br />
lleva texto de Angelo Anelli (el libretista de L’Italiana<br />
in Algeri), y se estrenó en el Teatro de San<br />
Mosè de Venecia –donde Rossini comenzó su actividad<br />
profesional con La Cambiale di matrimonio–<br />
justo en 1813, un gran año de producción rossiniana,<br />
el que definitivamente catapultó su carrera (estrenó,<br />
se recuerda, además de L’Italiana, Il Signor<br />
Bruschino, Tancredi y Aureliano in Palmira). Basada<br />
en un cuento de Boccaccio, Arrighetto expone una<br />
historia que, más que en otros casos similares, evoca<br />
el culebrón. Arrighetto, antiguo gobernador de<br />
Sicilia y ahora pretendiente al trono de la isla, lleva<br />
disfrazado de jardinero de Don Corrado una existencia<br />
anónima, antes de recuperar a sus hijos perdidos<br />
que, sin saber su parentesco entre ellos y<br />
menos la existencia del padre, aman a la misma muchacha,<br />
de nombre muy mozartiano por cierto: Des-<br />
ópera 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Arrighetto, una deliciosa muestra de la ópera en tiempos de Rossini,<br />
en un DVD BONGIOVANNI<br />
ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Juditha<br />
triumphans (Highlights) / Kozena,<br />
Trullu, Comparato, Herrmann, Carraro<br />
/ Academia Montis Regalis. Dir.: Alessandro<br />
de Marchi / NAIVE / Ref.: OP<br />
30450 (1 CD) D5<br />
Fernando Fraga<br />
pina. Coccia cuenta esta vicenda por medio de arias<br />
–alguna de gran formato, como la de Despina– pero<br />
también un terceto –como el rossinianísimo de los<br />
Pappataci– y un cuarteto –excelente y, por cierto, con<br />
una melodía que debió de conocer, incorporándosela,<br />
Rossini–, enmarcado todo entre la habitual introducción<br />
y el imprescindible finale. Todo está,<br />
pues, en su sitio. Rosetta Cucchi, pianista todo terreno<br />
nativa de Pésaro, se encargó de contar escénicamente<br />
la farsa y lo hizo tan bien como para que<br />
la piamontesa ciudad de Novara reclamara sus servicios<br />
para así festejar a su hijo adoptivo, o sea, Coccia,<br />
un profesional que, aunque nacido en Nápoles,<br />
dedicó parte de su existencia a la vida musical de la<br />
ciudad que le homenajea ahora. En el teatro que lleva<br />
además su nombre, un recinto inaugurado en<br />
1888 con Los Hugonotes de Meyerbeer, se representó<br />
Arrighetto en 2005 con varios de los artistas presentes<br />
también en las representaciones pesarenses,<br />
la mayoría de ellos jóvenes surgidos de la academia<br />
(a más de cantera) rossiniana de la ciudad adriática,<br />
o sea, las sopranos Elisaveta Martyrosian (Despina)<br />
y Enrica Fabbri (Rosa, su madrastra) o el tenor<br />
Filippo Adami (Giannotto, uno de los hijos del jardinero-gobernador),<br />
cantante que este último verano<br />
ya ascendía en responsabilidades en el Festival<br />
al serle encomendado el nada fácil papel de Don<br />
Narciso en Il turco in Italia. Todo cuadra, de nuevo.<br />
Y ahí están los sorprendentes y beneficiosos resultados,<br />
tanto desde el punto de vista escénico (montaje<br />
sencillo pero claro y “normal”) como musical.<br />
Una música en la que se insinúa o parece pasearse,<br />
en numerosas oportunidades, el genio de Pésaro, tanto<br />
por los desarrollos melódicos como por los acompañamientos<br />
musicales por ritmo y provechosa,<br />
detallista e imaginativa escritura instrumental. Resumiendo:<br />
una delicia.<br />
CARLO COCCIA (1782-1873): Arrighetto<br />
Vivaldi edition highlights<br />
ANTONIO VIVALDI (1678-1741): La<br />
Olimpiada (Highlights) / Mingardo, Prina,<br />
Kulikova, Giordano, Novaro, Foresti<br />
/ Concerto Italiano. Dir.. Rinaldo<br />
Alessandrini / NAIVE / Ref.: OP 30451<br />
(1 CD) D5<br />
Mishketa, Martyrosian, Fabbri, Adami, Lo Piccolo / Orchestra<br />
Sinfonica Carlo Coccia. Dir.: Fabrizzio Dorsi. Rosetta Cucchi,<br />
regista (2005) / BONGIOVANNI / Ref.: AB 20004 (2 DVD) D2<br />
x 2<br />
ANTONIO VIVALDI (1678-1741): La verità<br />
in cimento (Highlights) / Bertagnolli,<br />
Laurens, Mingardo, Stutzmann,<br />
Jaroussky, Rolfe Johnson / Ensemble<br />
Matheus. Dir.: Jean-Christophe Spinosi<br />
/ NAIVE / Ref.: OP 30452 (1 CD) D5<br />
21
22 diverdi ópera<br />
¿Un género menor?<br />
La Serenata, nueva entrega de la<br />
serie Il Salotto de OPERA RARA<br />
Santiago Salaverri<br />
En 1999 el abajo firmante presentaba en estas páginas<br />
los dos primeros álbumes de Il Salotto, colección<br />
debida a la iniciativa del llorado Patric<br />
Schmid, paciente rastreador en tiendas de música<br />
de todo el mundo de un sinfín de partituras de<br />
liriche da camera o romanzas de salón. Hasta el<br />
presente la serie, en la que el pianista David Harper<br />
oficia de imprescindible conductor pianístico,<br />
ha alcanzado su 11º volumen, las piezas ofrecidas<br />
se aproximan a los dos centenares y la lista de autores<br />
que figuran en ella –más de medio centenar–<br />
es ciertamente apabullante. El presente álbum, titulado<br />
La Serenata por el clima crepuscular de algunas<br />
de sus piezas, nos presenta, junto a viejos<br />
conocidos como Donizetti, Mercadante, Pacini u<br />
Offenbach, o a nombres más recientes en la colección<br />
como los de Fabio Campana y Angelo Mariani<br />
–el famoso director de orquesta tan<br />
apreciado/aborrecido por Verdi, fallecido prematuramente<br />
a los 51 años–, a cuatro nuevos autores,<br />
el principal de los cuales es Ambroise Thomas, el<br />
creador de Mignon y Hamlet, que ocupa lugar de<br />
honor con tres piezas fechadas en los años del Segundo<br />
Imperio; los otros tres, más episódicos por<br />
aportar una pieza cada uno, son el catanés Pietro<br />
Antonio Coppola y los franceses Elwart y Beauplan.<br />
Diez melodías para voz solista y piano –de<br />
las que dos incorporan a otros instrumentos, oboe<br />
o violonchelo–, tres dúos, un trío, un cuarteto y<br />
un sexteto desgranan un melodismo fácil y sugestivo<br />
de impronta italianizante o característicos ritmos<br />
de danza. Los intérpretes principales, todos<br />
habituales del sello inglés –el tenor Bruce Ford, el<br />
barítono Mark Stone, las sopranos Majella Cullagh<br />
y Elizabeth Vidal y la mezzo Diana Montague–,<br />
más otras voces (Banks, Kelly, Bundgaard)<br />
en cometidos más esporádicos, nos convencen, de<br />
nuevo, de que no hay géneros menores sino músicas<br />
malas… o buenas. Como éstas.<br />
IL SALOTTO, VOL. 11: Canciones de Thomas, Pacini, Campana,<br />
Mariani, Offenbach, De Beauplan, Donizetti, Mercadante...<br />
Ford, Montague, Banks, Cullagh, Stone, Vidal, Kelly, Wood.<br />
Susie Beer, violonchelo. Richard Simpson, oboe. David Harper,<br />
piano / OPERA RARA / Ref.: ORR 242 (1 CD) D1<br />
El arte del intermedio<br />
Dos operitas de Jommelli y<br />
Mancini en BONGIOVANNI<br />
Fernando Fraga<br />
El intermezzo o intermedio es una página breve, de<br />
carácter cómico, que se intercalaba en medio o entre<br />
los actos de una ópera seria como contrapeso<br />
a tanta pasión o tragedia. Normalmente ponía en<br />
juego la lucha de sexos, entre hombre-amo y hembra-criada<br />
cuya astucia y artes imponía la débil al<br />
poderoso tras algunos momentos de divertido o<br />
sentimental enfrentamiento. Un combate que se reflejaba<br />
incluso en el tipo de vocalidad extrema elegida:<br />
la mujer, una soprano clara y más bien cercana<br />
a la soubrette; el varón, una voz masculina grave.<br />
El modelo típico y tópico del género es, como se<br />
sabe, La serva padrona de Pergolesi, también musicada<br />
por Paisiello. Pero hay más, una infinidad<br />
más. Bongiovanni nos trae ahora dos joyitas. Son<br />
L’uccellatrice de Nicolò Jommelli, partitura ya servida<br />
en disco recientemente por Dynamic, que va<br />
encadenando arias de presentación, dúos de desencuentro<br />
y de encuentro final en un remate que nos<br />
deja con la satisfacción de haber disfrutado de un<br />
buen rato de buena música, melódicamente hábil<br />
y técnicamente impecable. Colombina e Pernicone<br />
del napolitano Francesco Mancini deriva directamente<br />
de la Commedia dell’arte. Nacido en 1672 y<br />
muerto en 1737, año en que Jommelli cumplía sus<br />
23 años, Marcini es autor de la “operona” Trajano<br />
de 1723, para cuyos entreactos precisamente se<br />
compusieron los intermedios aquí grabados. La<br />
toma discográfica es del Teatro Filodrammatici de<br />
Piacenza, un marco ideal para estos dos eventos,<br />
y los tres solistas cuentan con la idoneidad necesaria<br />
para poner en pie los encargos: Marco Fracassi<br />
y Piercarlo Orizio se suceden con pericia en<br />
el foso, con una obediente y atenta Filarmónica<br />
Italiana de, por supuesto, Piacenza.<br />
NICOLÒ JOMMELLI (1714-1774): L'Uccellatrice; FRANCES-<br />
CO MANCINI (1672-1737): Colombina e Pernicone<br />
Daniela Favi Borgognoni, Filippo Pina Castiglioni, Marco<br />
Sportelli. Orchestra Filarmonica Italiana. Marco Fracassi &<br />
Piercarlo Orizio, dirección / BONGIOVANNI / Ref.: GB<br />
2319/20-2 (2 CD) D2 x 2
Rossini cibernético<br />
Gracias a la influencia de los cantantes Marietta<br />
Marcolini y Filippo Galli, Rossini pudo ver representada<br />
en La Scala de Milán, el 26 de septiembre<br />
de 1812, La pietra del paragone, un melodramma<br />
giocoso que supondría un giro decisivo en su carrera,<br />
al permitirle demostrar sus grandes aptitudes<br />
para la comedia psicológica o de costumbres y<br />
ofrecer al público una partitura altamente innovadora,<br />
de las que pronto le granjearían el título de<br />
“Monsieur Crescendo”. Como agradecimiento a<br />
sus mentores, Rossini pensó el principal papel femenino,<br />
el de la Marquesa Clarice, para Marietta<br />
Marcolini, al igual que haría con el de Isabella en<br />
L’Italiana in Algeri.<br />
La pietra del paragone constituyó todo un éxito,<br />
que permitió al músico librarse del servicio militar<br />
(curiosamente, en la gran escena de Clarice<br />
del acto II, Se l’Itale contrade, se hace, con patrio-<br />
tismo algo irónico, una defensa del espíritu militar).<br />
La obra es una magnífica muestra del talento<br />
de Rossini para la ópera bufa de largas dimensiones<br />
y prueba una excelente capacidad para la definición<br />
de los personajes y el desarrollo de una sutil<br />
comicidad. Ya la misma obertura consigue cautivar<br />
al oyente por su desenfadada energía y su dominio<br />
del crescendo (Rossini volvería a emplearla<br />
poco después en una ópera completamente seria:<br />
Tancredi).<br />
El título hace referencia a la prueba a la que<br />
el Conde Asdrubale somete a sus amigos para sopesar<br />
la auténtica valía de sus sentimientos. La<br />
mención por parte del poeta Pacuvio de la figura<br />
de Alceste, que llegará a desafiar a la muerte por<br />
ópera 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
NAÏVE edita en DVD la aplaudida producción de La pietra del paragone presentada en el Châtelet de París<br />
rescatar a su esposo, hace clara referencia a la fidelidad<br />
conyugal.<br />
El montaje que publica este DVD de Naïve<br />
fue recogido en el Théâtre du Châtelet de París<br />
(sin duda, el teatro de ópera más inquieto de la capital<br />
francesa) en enero de <strong>2007</strong>, y se trata de una<br />
coproducción con el Teatro Regio de Parma. El<br />
“La Pietra es una magnífica muestra del talento de<br />
Rossini para la ópera bufa de largas dimensiones<br />
y prueba una excelente capacidad para la<br />
definición de los personajes y el desarrollo de<br />
una sutil comicidad.”<br />
espacio escénico está dominado por las imágenes<br />
de Pierrick Sorin, uno de los videoartistas más famosos<br />
de Francia, sobre un fondo azul en el que<br />
los personajes son filmados por 15 cámaras digitales<br />
y proyectados en tiempo real sobre seis pantallas<br />
de gran escala que permiten percibir hasta<br />
el menor detalle del minucioso trabajo del director<br />
de escena italiano Giorgio Barberio Cosetti,<br />
que ha llenado la ópera de gags, como si se tratara<br />
de un inmenso comic de los años 70.<br />
El foso cuenta con la adecuada respuesta de<br />
Jean-Christophe Spinosi, al frente del Ensemble<br />
Matheus, quien ofrece un Rossini ágil, vitalista y<br />
desenfadado, lleno de matices y variedades dinámicas<br />
y tímbricas, tan revelador como su Vivaldi.<br />
23<br />
Rafael Banús Irusta<br />
Y obtiene un magnífico resultado de la compañía<br />
de canto, llena de especialistas rossinianos. En ella<br />
destacan la contralto Sonia Prina, cuyo andrógino<br />
color resulta muy adecuado para Clarice, al hacerse<br />
pasar por su hermano muerto, o el tenor<br />
granadino José Manuel Zapata como el Cavalier<br />
Giocondo, que renunciará a su amada en pro de su<br />
mejor amigo. A resaltar también la petulante Fulvia<br />
de la soprano Laura Giordano o el divertidísimo<br />
Asdrubale del bajo francés François Lis, sin<br />
olvidar al barítono barcelonés Joan Martín-Royo<br />
en un hilarante Macrobio.<br />
GIOACHINO ROSSINI (1792-1868): La Pietra del Paragone<br />
Prina, Holloway, Giordano, Senn / Chœur du Teatro Regio di<br />
Parma. Ensemble Matheus. Dir.: Jean-Christophe Spinosi.<br />
Giorgio Barberio Corsetti & Pierrick Sorin, dirección escénica<br />
/ NAÏVE / Ref.: V 5089 (2 DVD) D10 x 2
24 diverdi ópera<br />
La voz de plata<br />
ORFEO publica un recital vienés y un Freischütz protagonizados por<br />
Gundula Janowitz<br />
Aunque nacida el 2 de agosto de 1937 en Berlín,<br />
Gundula Janowitz se formó musicalmente en Austria.<br />
Estudió en el Conservatorio de Graz con Herbert<br />
Thöney y en 1959 se presentó como Barbarina<br />
en la Staatsoper de Viena, teatro al que permanecería<br />
ligada durante casi tres décadas como una<br />
de las principales sopranos líricas, destacando por<br />
la cremosidad y pastosidad de su timbre absolutamente<br />
único, de una pureza casi irreal.<br />
La firma Orfeo ha publicado un doble homenaje<br />
a la gran artista (una de las más populares de<br />
la historia, además, por su amplísima discografía<br />
para DG) con motivo de su 70 cumpleaños. El primer<br />
registro constituye un valiosísimo retrato de<br />
la cantante con fragmentos de sus mejores actuaciones<br />
en la Staatsoper vienesa, donde encontramos<br />
desde sus conocidas Poppea y Marzelline con<br />
Herbert von Karajan o su Leonore con Leonard<br />
Bernstein (uno de sus máximos desafíos) hasta<br />
testimonios inéditos de un valor incalculable como<br />
su Marenka en La novia vendida junto a Waldemar<br />
Kmentt y dirigida por el checo Jaroslav Krombholc,<br />
su Doña Ana con Josef Krips o su Eva en Los<br />
maestros cantores con Christoph von Dohnányi,<br />
hasta su despedida del coliseo vienés en 1990 como<br />
la Condesa de Las bodas de Fígaro, bajo la batuta<br />
del sueco Michael Schoenwandt. Sin olvidar sus decisivas<br />
incursiones en el repertorio italiano (como<br />
Amelia en Simon Boccanegra con Josef Krips y<br />
como Elisabetta en un Don Carlo dirigido por<br />
Rafael Banús Irusta<br />
Horst Stein) o su Fiordiligi y su Ariadna, ambas<br />
con Karl Böhm.<br />
Con este último maestro protagoniza la artista<br />
la segunda de las grabaciones. Se trata de una<br />
representación de Der Freischütz recogida por los<br />
micrófonos de la ORF el 28 de mayo de 1972. La<br />
obra maestra de Carl Maria von Weber, considerada<br />
la quintaesencia de la ópera romántica alemana,<br />
se ponía en escena por primera vez en la<br />
Staatsoper después de la guerra, y sus responsables<br />
(Otto Schenk y Günther Schneider-Siemssen)<br />
ofrecieron una versión ensoñadora, que<br />
podríamos denominar de un realismo mágico, con<br />
una escena de la garganta del lobo, al parecer, realmente<br />
espectacular. Karl Böhm ofreció, a su vez,<br />
una lectura clásica y depurada de la partitura, contando<br />
con un reparto vocal de primer orden. Gundula<br />
Janowitz, con su color límpido y su probada<br />
musicalidad, fue una Agathe de antología, muy superior<br />
en lo vocal a su posterior encarnación en estudio<br />
con Carlos Kleiber. Renate Holm hizo una<br />
Ännchen deliciosa, y James King (algo contestado<br />
en su momento) aportó a Max unos acentos<br />
heroicos pocas veces observados en el personaje.<br />
Los tres bajos (Karl Ridderbusch como Kaspar,<br />
Franz Crass en el Eremita y Manfred Jungwirth<br />
como Kuno) tuvieron unas intervenciones impecables,<br />
y Eberhard Waechter aportó su habitual<br />
elegancia como el príncipe Ottokar. El coro y la orquesta<br />
de la Staatsoper estuvieron, sencillamente,<br />
magníficos, contribuyendo todos ellos a lograr una<br />
de las mejores producciones globales de esta ópera<br />
inmortal.<br />
“Janowitz fue una de las<br />
principales sopranos<br />
líricas de su época,<br />
destacando por la<br />
cremosidad y pastosidad<br />
de su timbre<br />
absolutamente único, de<br />
una pureza casi irreal.”<br />
GUNDULA JANOWITZ canta arias de óperas de Monteverdi,<br />
Beethoven, Smetana, Mozart, Verdi, Weber, Wagner &<br />
Strauss<br />
Gundula Janowitz, soprano. Orchester der Wiener Staatsoper.<br />
Leonard Bernstein, Karl Böhm, Christoph von Dohnányi,<br />
Herbert von Karajan, Josef Krips, Jaroslav Krombholc, Michael<br />
Schønwandt & Horst Stein, dirección (Grabaciones en directo,<br />
1962-1990) / ORFEO / Ref.: C731071B (1 CD) D4<br />
CARL MARIA VON WEBER (1786-1826): Der Freischütz<br />
Waechter, Janowitz, Jungwirth, Holm, Ridderbusch / Chor<br />
und Orchester de Wiener Staatsoper. Dir.: Karl Böhm (1972)<br />
/ ORFEO / Ref.: C732072I (2 CD) D4 x 2<br />
Una americana<br />
en Viena<br />
Grabaciones inéditas de Stich-<br />
Randall en ORFEO<br />
Fernando Arozena<br />
Analizando la trayectoria profesional de la soprano<br />
norteamericana Teresa Stich-Randall (1927-<strong>2007</strong>),<br />
podemos comprobar cómo se pasa un tanto de puntillas<br />
sobre su aceptación y éxito en los Estados<br />
Unidos, en comparación con su presencia y reputación<br />
en los escenarios europeos. Veinte años ininterrumpidos<br />
en la ópera de Viena o diecisiete en el<br />
Festival de Aix-en-Provence, destacan enormemente<br />
sobre las veinticuatro representaciones que diera<br />
en el Metropolitan durante cuatro temporadas en<br />
sólo dos papeles mozartianos, Fiordiligi y Donna<br />
Anna. Esta soprano lírica, a quien la leyenda atribuye<br />
haber cautivado al exigente Toscanini, hizo de<br />
todo en la capital austriaca, testimonio de lo cual es<br />
esta recolección de Orfeo de todas sus grabaciones<br />
para la Radio de aquel país durante el periodo 1953-<br />
1959. Sobre las características de esta excelente cantante<br />
–primera soprano americana que recibiera el<br />
título de Kammersängerin– la crítica parece estar<br />
bastante de acuerdo: hay belleza en el timbre, homogeneidad<br />
en la línea de canto, extensión y técnica<br />
adecuadas; por el contrario, se detecta una cierta<br />
dureza de emisión en la zona aguda y una determinada<br />
falta de acentos, un fraseo monótono y poco<br />
variado, lo que daría lugar a interpretaciones monocordes<br />
y poco personales. En este CD de impecable<br />
sonido podemos apreciar dichas características<br />
en su totalidad, pudiendo diferenciar sus mejores interpretaciones<br />
–la Ariadna sobre todas las cosas– de<br />
otras más rutinarias –ella misma diría que de personajes<br />
aburridos– como su Konstanze, pasando<br />
por otras en las que estilísticamente –también vocalmente–<br />
está fuera de sitio, como Norma. Hay, sin<br />
embargo, suficientes alicientes para disfrutar de interpretaciones<br />
que escasean en su currículo, como<br />
Desdémona y Mimí, que pueden no resultar arrebatadoras<br />
pero que nos dan una medida certera de<br />
su dimensión como artista.<br />
TERESA STICH-RANDALL: Grabaciones nunca antes publicadas<br />
1953-1959<br />
Teresa Stich-Randall, soprano. Großes Wiener Rundfunkorchester.<br />
ORF-Chor. Max Schönherr, Anton Heller, Kurt Richter,<br />
dirección / ORFEO / Ref.: C755071B (1 CD) D4
Doctor, oigo voces<br />
(retratos vocales)<br />
Joaquín Martín de Sagarmínaga<br />
“Era emotiva, es<br />
cierto.Y esa emoción<br />
en ella tan palpable<br />
se transmitía a través<br />
de una imagen vocal<br />
vibrante y clara.”<br />
ópera 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Sena Jurinac<br />
Cuando a veces me quedo hasta tarde en el Consultorio<br />
me asaltan dudas sobre qué grandes personajes<br />
de la lírica están vivos todavía. Como mucha gente,<br />
tengo mi propio panteón de divinidades líricas, en el<br />
que hasta hace poco Renata Tebaldi era el pico más<br />
saliente, como hoy lo es Giulietta Simionato. Pero de<br />
Simionato ya se ocupó este Boletín (bien que en otras<br />
páginas), y también lo hizo hace poco de Giuseppe<br />
di Stefano. Quedan, pues, escasos ilustres que alienten<br />
todavía y sean razonablemente venturosos. Se<br />
me dirá que Leyla Gencer, Dieskau y señora o Lisa<br />
Della Casa; responderé que también Sena Jurinac. Por<br />
mayoría absoluta, la elegida es Sena Jurinac.<br />
Estamos hablando de una elección no democrática,<br />
claro está. Pero me pregunto si la gente que<br />
no ha podido votar la recuerda de veras, si son hoy<br />
muchos los que saben de la importancia de Sena Jurinac<br />
en la historia del canto, e incluso si es alto el número<br />
de los que la conocen. Para comprobarlo me<br />
interné en internet (algún día la Academia tal vez podará<br />
la t final), pese a no ser muy partidario de este<br />
sistema, que estandariza las fuentes y facilita artículos<br />
clonados. En este caso, a la postre no es mucho<br />
lo que se nos dice, pues se la recuerda algo a vuelapluma<br />
y, hablando de su repertorio, se reitera lo obvio,<br />
que destacó en Mozart, o esa verdad que no es toda<br />
la verdad, que destacó en Puccini. En realidad destacó<br />
en Mozart y Richard Strauss; Puccini le venía un<br />
poco grande.<br />
Primero lo primero. Sus Bodas de Fígaro y Don<br />
Giovanni constituyen un Mozart de agraciada levedad,<br />
con aisladas notas de peso. Dominan en él la<br />
elegancia y la clase a raudales, y su acentuación abunda<br />
en ritardandi que prolongan de forma palpitante<br />
la vida de determinadas sílabas musicales. Su Strauss<br />
abraza la ópera (Octavian en Rosenkavalier, Ariadne)<br />
y el lied (los otoñales Cuatro últimos lieder). Aquí el<br />
cuerpo es más de lírica plena, siendo una de las pocas<br />
sopranos de su tiempo que está en el secreto de<br />
la particular dicción de ese autor. No obstante, Puccini<br />
le viene algo ancho; en él casi se topa con sus límites;<br />
ello puede advertirse incluso en Vissi d’arte<br />
(pese a ser lo más lírico de Tosca), o –menos– en Butterfly,<br />
siendo en cualquier caso dos emotivas contribuciones.<br />
Era emotiva, es cierto. Y esa emoción en ella<br />
tan palpable se transmitía a través de una imagen vocal<br />
vibrante y clara. Longeva en su arte, en la madurez<br />
afrontó con Bruno Maderna el Wozzeck, cuya<br />
Marie enfrentose a la cuadratura del círculo de alternar<br />
canto y sprechgesang, ¡y salió bien parada!<br />
No me gusta recomendar discos concretos,<br />
pues los grandes cantantes se recomiendan solos.<br />
Pero haré una excepción. El lector no debe perderse<br />
el combinado de Orfeo sobre Jurinac y su<br />
conexión vienesa, pues contiene una muestra sublime<br />
del Rosenkavalier con Kna y la inolvidable Maria<br />
Reining. Soy menos entusiasta de internet, que<br />
ha vuelto a fallarme al inquirirle sobre la soprano<br />
Conchita Bordalba, catalana rara, sí, pero que cantó<br />
en la Scala. Y la red tampoco dice nada nuevo<br />
sobre el sexo de los Ángeles.<br />
25<br />
SENA JURINAC canta arias de Le Nozze di Figaro, Don Giovanni,<br />
Palestrina,Ariadne auf Naxos, Rosenkavalier, Madama Butterfly,<br />
Tosca, L'Incoronazione di Poppea, Eugen Onegin, Jenufa & Don<br />
Carlo / Jurinac, Ludwig, Schöffler, Thomas, Reining, London,<br />
Kunz, Mödl, Domingo / Wiener Philharmoniker. Dirs.: Karajan,<br />
Böhm / Orchester der Wiener Staatsoper. Dirs.: Knappertsbusch,<br />
Furtwängler, Matacic, Cluytens / ORFEO / Ref.: C684062I<br />
(2 CD) D4 x 2<br />
RECITAL DE CHRISTA LUDWIG Y SENA JURINAC: Obras<br />
Strauss, Mahler, Brahms / S. Jurinac (soprano). C. Ludwg (mezzo-soprano).<br />
G. Parsons (piano). BBC Symphony Orchestra.<br />
Philharmonia Orchestra. Dirs.: Sir Malcolm Sargent y A. Cluytens<br />
/ BBC LEGENDS / Ref.: BBCL 4107-2 (1 CD) D2<br />
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Don Giovanni<br />
/ Siepi, Evans, Gencer, Jurinac, Freni / The Covent Garden<br />
Opera Chorus & Orchestra. Dir.: Georg Solti (1962) / ROHS /<br />
Ref.: ROHS 007 (3 CD) D10 x 3<br />
W.A. MOZART: Le Nozze di Figaro / Schwarzkopf, Seefried, Jurinac,<br />
Panerai, Petri, Maionica / Orchestra e Coro del Teatro alla<br />
Scala di Milano. Dir.: Herbert von Karajan (Milán, 1954) / MYTO<br />
HISTORICAL LINE / Ref.: 2CD041H082 (2 CD) D9 x 2<br />
RICHARD STRAUSS: Der Rosenkavalier / Reining, Gueden,Weber,<br />
Jurinac / VPO. Dir.: Erich Kleiber / REGIS / Ref.: RRC 3007<br />
(3 CD) D7 x 3<br />
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Tosca / Jurinac, Cossutta, Hotter,<br />
Kunz, Christian / Wiener Staatsopernorchester. Dir.: André<br />
Cluytens (1966) / GOLDEN MELODRAM / Ref.: GM 50062 (2<br />
CD) D10 x 2
26 diverdi ópera<br />
Veteranos en Tokio<br />
Tebaldi y Corelli en DVD de<br />
DYNAMIC<br />
Fernando Arozena<br />
Este recital de 1973 con dos de los máximos representantes<br />
de la lírica italiana en las postrimerías de<br />
sus carreras, resulta cuando menos curioso: es<br />
como ver una corrida de toros en Finlandia, parafraseando<br />
a un ilustre director de orquesta patrio.<br />
Los diestros en este caso, Renata Tebaldi y Franco<br />
Corelli, se las tienen que ver con un público entusiasta,<br />
fundamentalmente ignorante, pero<br />
ansioso de caer en el éxtasis a la menor oportunidad.<br />
Y los veteranos cantantes tienen demasiadas<br />
tablas, a pesar de la inicial frialdad con la que acometen<br />
sus primeras intervenciones, para dejar pasar<br />
la ocasión sin llevarse todos los trofeos; al final<br />
del recital, tuvieron que dar no una, ni dos, sino cinco<br />
propinas acompañados de piano, finalizadas<br />
las partituras y tras el ordenado desalojo de la orquesta<br />
(lo único ordenado, para decirlo con justicia,<br />
que el conjunto instrumental hizo durante la<br />
función). La frialdad de la que hablo no sé si es<br />
consecuencia de la falta de entendimiento del respetable<br />
–al que los cantantes indicaban cuando tenían<br />
que aplaudir– o de la falta de motivaciones<br />
artísticas, cosa que, bien pensada, viene a ser lo<br />
mismo. Hay momentos que no tienen desperdicio,<br />
como las miradas de asombro que ambos divos<br />
dirigen a los desafinados chelos al inicio de<br />
Già nella notte densa (ocasión de oro también para<br />
imaginarnos, una vez más, el gran Otello que habría<br />
sido Corelli); o el cariñoso saludo, en pleno O<br />
mio babbino caro, que Tebaldi dirige a unos espectadores<br />
que se marchan; o cómo, en definitiva, son<br />
los cantantes quienes dirigen al director de orquesta<br />
con leves indicaciones de cabeza, gestos de manos<br />
y demás metalenguaje. El programa está<br />
planteado tanto para el lucimiento como para el no<br />
excesivo desgaste de los artistas, lo que no obvia<br />
la apoteosis final, con el público agolpado ante el<br />
escenario para saludar y tocar a sus ídolos.<br />
FRANCO CORELLI & RENATA TEBALDI: Live in Tokyo 1973.<br />
Recital con arias y canciones de Denza, Bellini, Gluck, Verdi,<br />
Massenet, Puccini, Grieg, Monteverdi, Rossini, De Curtis,<br />
Tosti, Donizetti & Cardillo<br />
Corelli, Tebaldi / Tokyo Philharmonic Orchestra. Dir.: Tadashi<br />
Mori (1973, NHK Hall, Tokyo) / DYNAMIC / Ref.: CDS 33542<br />
(1 DVD) D2 x 2<br />
La invitación al viaje<br />
Recital salzburgués de Elisabeth<br />
Schwarzkopf en ARCHIPEL<br />
Roberto Andrade<br />
Convertir una velada de Lieder en un acontecimiento<br />
cultural, ha sido y es privilegio de muy pocos.<br />
Elisabeth Schwarzkopf (1915-2006) fue uno<br />
de esos raros artistas, especialmente en aquellos<br />
conciertos en los que contó con Gerald Moore,<br />
supremo ejemplo de pianista colaborador. Uno de<br />
los doce recitales que la Schwarzkopf ofreció en<br />
Salzburgo entre 1953 y 1966 nos lo propone hoy<br />
Archipel. Publicado por EMI hace 10 años, resultaba<br />
inaccesible y pese a la presentación “minimalista”<br />
es una auténtica joya.<br />
La estructura del programa es perfecta: dos<br />
partes, cada una formada por dos bloques con 4 ó<br />
5 canciones, de unos 15 minutos de duración, y<br />
una hora el recital completo. El primer bloque se<br />
dedica a “arias clásicas” y los siguientes a Schubert,<br />
Wolf y Richard Strauss. Cada título está seleccionado<br />
para que la versátil soprano pueda, mediante<br />
contrastes de timbre y de color vocal, de<br />
expresión y de intensidad, aplicados a una impecable<br />
articulación del texto, y en perfecta fusión con<br />
el piano, comunicar la idea de que cada canción,<br />
dure apenas un minuto, como Die Vögel de Schubert,<br />
o casi siete, como Kennst du das Land, de Wolf,<br />
es un mundo aparte. Una mágica combinación de<br />
palabras y música nos lleva hasta él y nos proporciona,<br />
guiados por este dúo insuperable, una experiencia<br />
estética difícil de olvidar, como el citado<br />
Lied de Wolf, el radiante An Sylvia de Schubert o,<br />
en otro estilo, el humorístico Hat gesagt de Strauss,<br />
que pone broche de oro al programa oficial, cuyo<br />
nivel interpretativo nunca baja del sobresaliente. En<br />
1956, la hermosa voz se hallaba en momento óptimo,<br />
manifiesto desde las primeras piezas (Se tu<br />
m’ami y un mágico Care selve de Haendel) y, en<br />
toda ocasión, mantiene color, calor, proyección y<br />
riqueza tímbrica. ¿Cuándo volveremos a oír cantar<br />
así?<br />
ELISABETH SCHWARZKOPF canta lied de Bach, Pergolesi,<br />
Gluck, Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Wolf &<br />
Strauss<br />
Elisabeth Schwarzkopf, soprano. Gerald Moore, piano (Grabación<br />
en directo de Salzburgo del 7 de Agosto de 1956) /<br />
ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0390 (1 CD) D13<br />
Un encuentro de<br />
grandes dimensiones<br />
ANALEKTA edita un recital<br />
brahmsiano de Lemieux<br />
Elisa Rapado<br />
La compilación brahmsiana que reseñamos destaca<br />
por su profundidad de contenido, así como por<br />
su seriedad. Aunque pueda parecer un lugar común<br />
referirse en estos términos a tan mercúrico compositor,<br />
en esta selección de Lieder son muchos<br />
los elementos que contribuyen a la atmósfera meditativa,<br />
sobre todo la grandeza vocal, potente y acariciadora,<br />
de la mezzo-contralto Marie-Nicole<br />
Lemieux. También las obras seleccionadas responden<br />
en temática y escritura a la naturaleza del<br />
tipo de voz, y presentan imágenes en general bastante<br />
oscuras, en torno a la soledad y el desamor<br />
o al atardecer y el silencio (prefiguraciones simbólicas<br />
de la muerte), todo ello a través de armonías<br />
aterciopeladas y densas, así como un legato orgánico,<br />
hay que decir que quizá mejor servido en la<br />
parte vocal; si bien el pianista Michael McMahon<br />
sobresale por su visión formal y un buen acomodo<br />
estilístico.<br />
Es de agradecer la organización del programa<br />
en opus completos, lo que permite incluir los<br />
bellísimos e infrecuentes opus 69. Los restantes<br />
ejemplos seleccionados sí son los habituales en el<br />
repertorio de voz grave. La versión de los Lieder<br />
opus 86 es excelente, así como los opus 91, célebres<br />
por su inclusión de un segundo solista, la afable<br />
viola reservada aquí a Nicolò Eugelmi, quien<br />
dialoga con nobleza y eficacia. El disco se cierra con<br />
los extraordinarios Cuatro Cantos Serios sobre motivos<br />
bíblicos, uno de los últimos legados del compositor.<br />
En este contexto, y a pesar de que logra<br />
momentos de gran rotundidad expresiva, Lemieux<br />
hace sonar su voz quizá más bella que dramática.<br />
Es importante recordar que, además de por<br />
sus cualidades, ya reseñadas, la carestía de este<br />
tipo de voces en la actualidad hace esta propuesta<br />
más necesaria que nunca.<br />
MARIE-NICOLE LEMIEUX canta JOHANNES BRAHMS (1833-<br />
1897): Lieder<br />
Marie-Nicole Lemieux, contralto. Nicolò Eugelmi, viola. Michael<br />
McMahon, piano / ANALEKTA / Ref.: AN 29906 (1 CD)<br />
D2
El Lied italiano<br />
Canciones de Leone Sinigaglia en<br />
STRADIVARIUS<br />
Blas Matamoro<br />
Turín, capital de la Italia unida, industrial y progresista,<br />
heredera de las tradiciones jacobinas y liberales<br />
tuvo, entre tantas peculiaridades, una<br />
comunidad judía poderosa y de enjundia cultural.<br />
Ha dejado una visible huella, la curiosa Mole Antonelliana<br />
que señorea sobre la ciudad y alberga un<br />
espléndido Museo del Cine. Produjo personajes tan<br />
acusados como el antropólogo Lombroso, el novelista<br />
Fogazzaro, los políticos socialistas Roselli<br />
y ese testimonio incomparable de la dolorosa condición<br />
humana que fue Primo Levi. A esta judería<br />
torinesa perteneció también el músico Leone Sinigaglia<br />
(1868-1944) hasta sus últimos días pues<br />
murió buscado por la policía fascista, refugiado<br />
en un hospital, para evitar la deportación.<br />
Formado en su ciudad, recaló en Viena a fines<br />
del siglo XIX, donde siguió estudiando y trabó<br />
amistad con colegas tan notorios como Brahms<br />
y Suk. Volvió a su tierra donde, entre diversos géneros<br />
– el concierto, la sinfonía, las danzas orquestales<br />
– siempre cultivó la canción de cámara.<br />
Sinigaglia es conocido, sobre todo, como folclorista,<br />
pues recopiló y editó cientos de piezas<br />
anónimas del Piamonte, en parte utilizadas en sus<br />
trabajos sinfónicos. A la vez, en su producción<br />
cancioneril, se advierte su afición a la lectura y su<br />
poliglosía, pues adopta textos italianos, alemanes<br />
y franceses, a menudo con firmas reputadas: Verlaine,<br />
D’Annunzio, Eichendorff, Lenau, más anónimos,<br />
en ocasiones dialectales.<br />
El lenguaje de Sinigaglia es ecléctico y acude<br />
tanto a la melodía francesa como a la canción estrófica<br />
de tradición germánica. Su escritura es<br />
ponderada y sencilla, dejando al piano en un plano<br />
modesto que permite a la voz decir con comodidad<br />
y desarrollar un melodismo depurado, hecho<br />
de pequeñas cláusulas que se entrelazan con rasgos<br />
de familia, dentro de soluciones armónicas finamente<br />
pensadas.<br />
LEONE SINIGAGLIA (1868-1944): Lieder e Romanze<br />
Anja Kampe, soprano. Massimiliano Génot, piano / STRADI-<br />
VARIUS / Ref.: STR 33767 (1 CD) D2<br />
ópera 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Pavarotti navideño<br />
Un documento audiovisual editado por ANALEKTA nos permite<br />
recordar al gran divo italiano recientemente desaparecido<br />
El gran Luciano fue un todoterreno en cuanto a espacios utilizables para expandir su personalidad. Amparado<br />
en una voz de belleza irresistible y única, de inmediato tan reconocible como disfrutable, capaz<br />
de brillar cantara lo que cantase, colocó en atriles partituras de diferentes, a veces contradictorios,<br />
significados estéticos. Y ya en la Navidad de 1978, en plena expansión profesional cuando no era el Pavarotti<br />
mítico que llegó a ser, en la iglesia de Nuestra Señora de Montreal (de la cual las cámaras nos<br />
dan buen detalle de su barroquismo policromado), desgranó un concierto religioso ad hoc para general<br />
disfrute y provecho. Un goce ahora hecho público a través de la edición en DVD del evento, que nos<br />
llega a los pocos meses del fallecimiento del tenor, como si se tratara de un homenaje póstumo más a<br />
su persona. En programa, páginas apropiadas al caso por supuesto, muchas de ellas grabadas en otras<br />
ocasiones por el cantante u ofrecidas en recitales de similar significación, como las schubertianas Ave<br />
Maria y Mille cherubini in coro (momento también asumido por las gargantas de sus especialísimos colegas<br />
Domingo y Carreras), el Agnus Dei de Bizet (un tema archifrecuentado, desde Caruso a Bocelli),<br />
el Panis Angelicus de Franck (otro best seller del género) o el universitario Adeste Fideles. Flanqueadas<br />
por otras igualmente muy reiteradas de Niedermeyer, Martens o el Haendel del infaltable Aleluya del<br />
Mesías... porque el tenor va compartiendo el recital con intervenciones solistas de la orquesta, dirigida<br />
con deleitoso cuidado por Franz-Paul Decker (responsable durante casi una década, precisamente, de<br />
la Sinfónica de Montreal) y los coros, de uno de los cuales surge de pronto un espontáneo impúber sumando<br />
el suyo al canto tenoril en el socorrido Gesù bambino, otro de los hits del modenés. La voz de<br />
Pavarotti, en esa época de absoluta confirmación profesional como uno de los grandes de la historia,<br />
suena ya increíblemente hermosa y equilibrada, manejada con ese lirismo tan propio y tan meridional<br />
que fácilmente puede obviar cualquier posible reproche (algunas frases acabadas algo feamente), en<br />
un repertorio además en el que logra encajar, especialmente gracias a su luminosidad y calidez. Hasta<br />
el punto de que, pese al lugar donde se realiza el concierto, los nutridos aplausos de los asistentes no<br />
pueden reprimirse, espontáneos, rompiendo ostentosamente el recogimiento y la solemnidad del recinto<br />
sacro.<br />
27<br />
Fernando Fraga<br />
“La voz de Pavarotti, en esa época de absoluta<br />
confirmación profesional como uno de los<br />
grandes de la historia, suena ya increíblemente<br />
hermosa y equilibrada, manejada con ese<br />
lirismo tan propio y tan meridional que<br />
fácilmente puede obviar cualquier posible<br />
reproche.”<br />
NAVIDADES EN NOTRE-DAME: Luciano Pavarotti canta Adolphe Adam, Jacquet van Berchem, George Bizet, César Franck,<br />
Georg Frideric Handel, Louis Niedermeyer & Franz Schubert<br />
Luciano Pavarotti, tenor. Les Petits Chanteurs du Mont-Royal. Les Disciples de Massenet. Gilbert Patenaude, René Lacourse,<br />
Franz-Paul Decker, dirección / ANALEKTA / Ref.: ANDVD 59113 (1 DVD) D10 x 2
28 diverdi grabaciones históricas<br />
¿Está el Op.104? O sea, el Quinteto en Do menor que<br />
en 1817 –22 años después de la composición original–<br />
redactó Beethoven a partir de su propio Trío<br />
nº 3, Op. 1, en la misma tonalidad. El Quinteto es sustancial<br />
elemento narrativo de un hermoso libro<br />
moderno, Una música constante (1) (An Equal Music),<br />
1999, del indio Vikram Seth, obra literaria que<br />
todos los beethovenianos deberían conocer. Pues<br />
sí, está, disco 43, en una grabación de 2004 del<br />
Quinteto de Zúrich, estupendamente tocada, que<br />
además lleva el Quinteto Op. 29 –la otra pieza del<br />
LP de Supraphon que descubre Michael Holmes,<br />
el segundo violín del Cuarteto Maggiore, en el libro<br />
de Seth– y, complemento hasta los 80 minutos<br />
de duración del CD, el Cuarteto en Fa mayor<br />
elaborado a partir de la Sonata nº 9, Op. 14/1, en una<br />
versión de 1970 del Cuarteto Suske grabada para<br />
Eterna. Es decir, ya incluye algo que la macro-edición<br />
“de luxe” de DG no presentaba, lo cual no deja<br />
de tener sus bemoles, es decir, que estos holandeses<br />
de Brilliant que venden tochos musicales de<br />
100 CDs (Mozart) o 150 (Bach) al precio de un<br />
cucurucho de castañas “den más material” que los<br />
primos de Zumosol.<br />
¿Y están todas las locuras chiripitiflaúticas<br />
que se podían descubrir en la edición amarilla,<br />
WoO (2) y Hess (3) incluidos? Sí, están, e incluso<br />
hay más. A ver, por orden: ¿está el WoO 4, el juve-<br />
¿Todo? Pero, ¿todo?<br />
Reflexiones sobre los 100 CDs Beethoven de Brilliant<br />
nil –casi infantil, 14 años de edad– Concierto en Mi<br />
bemol mayor para piano y orquesta de 1784? Sí,<br />
está, CD 10, junto al Rondó en Si bemol mayor,<br />
WoO 6, con pianistas diferentes (Martin Galling<br />
para el Concierto, Walter Klien para el Rondó) y orquestas<br />
también disímiles (Sinfónica de Berlín,<br />
Sinfónica de St. Louis), pero las dos páginas, con<br />
el Triple Concierto, conforman un disco de 78 minutos.<br />
Pero, ay, la primera en la frente, no figura<br />
la Romanza cantabile, Hess 13, para piano, flauta, fagot<br />
y orquesta, que aparece tanto en la edición DG<br />
de 85 CDs (4) como en la de Amado.<br />
[Inciso –o “incisivo”, que diría Arturo Reverter–:<br />
¿de qué habla usted ahora, autor de este texto, qué<br />
es eso de la “Edición Beethoven” de Amado? Calma,<br />
siga leyendo, que se lo explico.]<br />
Pues eso, que por esos mundos circula la no<br />
menos peculiar edición, 87 CDs, de Amado, publicación<br />
también de <strong>2007</strong>. Desde estas líneas, me<br />
permito humildemente sugerir a los hermanos cofrades<br />
de la ex-hoja parroquial de <strong>Diverdi</strong>, hoy gaceta<br />
catedralicia, que importen para su distribución<br />
en España el inefable álbum del sello francés en<br />
cuestión, que por Europa se vende al aún más inefable<br />
precio de 50 euros. Sus intérpretes basculan<br />
entre la nombradía y el anonimato (por citar sólo<br />
directores de orquesta, entre los primeros, Micha-<br />
José Luis Pérez de Arteaga<br />
el Gielen, Milan Horvat, Helmut Rilling o Zdenek<br />
Kosler; entre los segundos, Hanspeter Gmür,<br />
Eduard Lindenberg, Alexander von Pitamic, Vlastimil<br />
Horak o Eugen Duvier). Además, Amado incluye<br />
varias de las obras de la catalogación Biamonti<br />
(5), la más moderna, que no vienen en DG… ni en<br />
Brilliant.<br />
¿Seguimos? Pues sigamos. En el capítulo “Danzas”,<br />
Brilliant es más generoso que el primo grande<br />
(DG), pero en la música incidental es rebasado<br />
por el flanco derecho, ya que sólo se incluye la Marcha<br />
fúnebre de Leonore Prohaska (DG, con Abbado,<br />
presenta otros 3 números), y 2 números de la<br />
música para La consagración del hogar (DG presenta<br />
los 12 números), pero no ofrece las secciones<br />
completas (10 = 37 minutos de música) de El Rey<br />
Esteban –aparecen 7, por cierto estupendamente dirigidas<br />
por el director y musicólogo Hans-Hubert<br />
Schönzeler, con un total de 18 minutos–, de La<br />
consagración del hogar (8 de las 10 secuencias) o la<br />
escena de El fuego de Vesta.<br />
Yendo por orden: en el apartado sinfónico<br />
está la primera versión de Kurt Masur con la Gewandhaus<br />
de Leipzig, la de Philips/Eterna de 1974,<br />
con peculiaridades que el maestro de Silesia ha<br />
mantenido a lo largo de toda su carrera y grabaciones<br />
posteriores, como la degradación dinámica de<br />
las apariciones de los timbales en el scherzo de la<br />
Novena Sinfonía; a Friedrich Gulda y a Horst Stein,<br />
con la Filarmónica de Viena (Decca, 1970) les corresponde<br />
el ciclo de los Conciertos para piano, excelente<br />
producción técnica de los años de oro de<br />
la firma británica; el Concierto para violín recupera<br />
la estupenda lectura de Szeryng y Haitink en el<br />
Concertgebouw de 1973. En la música de cámara,<br />
la segunda integral del admirable Cuarteto Guarneri<br />
es uno de los tesoros de la colección. Los Tríos<br />
con piano cuentan con la mas que recomendable<br />
versión de 1984 (Chandos) del Trío Borodin, en<br />
tanto que los de cuerda se ofrecen en la moderna<br />
versión del Trío de Zúrich (Adriano, 2002). Moderna<br />
es también la versión –Heinrich Schiff, Till<br />
Fellner (Decca, 1998) de las cinco Sonatas para<br />
violonchelo y piano, más los tres juegos de Variaciones<br />
para dicha combinación, y, por contraste, los<br />
tres CDs de las Sonatas para violín y piano estarían<br />
de pleno derecho en la sección final de “grabaciones<br />
históricas”, ya que se trata de la legendaria<br />
–y formidable– interpretación de Arthur Grumiaux<br />
y Clara Haskil (Decca, 1956-57), otro de<br />
los evidentes tesoros de la edición.<br />
Con las Sonatas para piano en manos de Gulda<br />
(9 CDs) –luego se hará mención del tema–, las<br />
“rarezas pianísticas”, incluidas las primerizas, 1783,<br />
Kurfürstensonaten WoO 47, gozan de una grabación<br />
recién salida del horno, enero y mayo de <strong>2007</strong>:<br />
los tan desconocidos como meritorios Georg Friedrich<br />
Schenk, Ulrich Staerk y el dúo Zabel-Thomas<br />
se ocupan de estas páginas. Con el ya<br />
mencionado apartado de los cuatro Quintetos de<br />
cuerda (Op. 4, 29, 104 y 137) a cargo del Quinteto
de Zúrich –que es el anteriormente mentado Trío<br />
de Zúrich, pero ampliado–, en vecina grabación de<br />
2004, en febrero de este <strong>2007</strong> se completa –o casi–<br />
la sección “rarezas para trío o cuarteto”, o sea, los<br />
Preludios, Fugas y Minueto Hess 29-33, 40, con la<br />
contribución de un insólito conjunto germano (!),<br />
el Pérez Quartet (¡!), con el que el firmante cree no<br />
tener directo parentesco.<br />
Las dos versiones de la ópera, Leonore, Hess 109<br />
(1805) y Fidelio, Op. 72 (1814), llegan en las más que<br />
competentes versiones de Herbert Blomstedt en<br />
Dresde (Eterna/EMI, 1976) y Christoph von Dohnányi<br />
en Viena (Decca, 1991). Por cierto, la Leonore<br />
de Blomstedt es también la incluida en el álbum<br />
de Amado. El apartado vocal, en el terreno de la canción,<br />
es lógicamente amplio, 10 CDs, con Peter<br />
Schreier interpretando, con su usual magisterio, la<br />
mayor parte de los ciclos, en grabaciones para Eterna<br />
de 1968-70. Pero, ¡gloria a lo hispánico!, de las<br />
29 (6) canciones de naciones diversas, WoO 158, aunque<br />
se incluyen sólo 16, no falta ninguna de las cuatro<br />
españolas, concretamente el bolero Como la<br />
mariposa soy, Yo no quiero embarcarme, La paloma<br />
blanca y La tirana se embarca. Pero en esta zona del<br />
catálogo beethoveniano a Brilliant lo supera por el<br />
ala izquierda su colega Amado, que agrupa todos<br />
los WoO y todos los Hess, más –como ya se dijo–<br />
varios de los Biamonti.<br />
Pero no todo es victoria ajena. Ni DG ni Amado<br />
incluyen el inefable Op. 104 –el Quinteto basado<br />
en el Trío nº 3 del Op. 1, el de la “Música<br />
constante”–, ni (esto sí que es insólito, porque no<br />
se trata de trascripción alguna) el mismo Quinteto<br />
Op. 4 de 1795; tampoco figura en el álbum francés<br />
(inesperada ausencia) la trascripción pianística<br />
del Concierto para violín Op. 61 –Barenboim en<br />
DG, Shoko Sugitani con la Sinfónica de Berlín y<br />
Gerar Oskamp en Brilliant; en fin, anótese la ausencia<br />
en Amado del Op. 41 –la Sonata para flauta<br />
y piano dimanada de la Serenata Op. 25– y del Hess<br />
19, el Adagio para 3 trompas, piezas sí contenidas<br />
en la caja de Brilliant.<br />
Algunas duplicaciones, y hasta triplicaciones,<br />
de la edición reseñada resultan, cuando menos,<br />
peculiares. Por ejemplo, la Sonata para piano nº<br />
20, Op. 49/2, se encuentra en la serie completa, CD<br />
50, que recoge la interpretación (magnífica) de<br />
Friedrich Gulda de 1967 para Amadeo –firma austríaca,<br />
no confundir con Amado, los editores franceses<br />
de la caja de 87 CDs–, pero en el CD 54<br />
vuelve a aparecer, dentro de los 5 CDs consagrados<br />
a Variaciones y Bagatelas en la (no menos magnífica)<br />
traducción de Alfred Brendel de 1964 para<br />
Vox. El record tripartito lo marca la Sonata 32, Op.<br />
111, que encontramos en el CD 53 de la precitada<br />
versión de Gulda, pero que reaparece por duplicado<br />
(!) en los 15 CDs finales de grabaciones históricas,<br />
en el CD 92 en la lectura de Schnabel (EMI,<br />
1932) y en el 94 en la versión de Solomon (EMI,<br />
1951). Por ende, las Sonatas 30, Op. 109, y 31, Op.<br />
110, figuran en el citado CD de Schnabel y en el 93,<br />
interpretado por Gieseking (EMI, 1955); obvio es<br />
grabaciones históricas 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
indicar que ambas piezas también están representadas<br />
en la integral de Gulda, CD 53. Rematando<br />
el cuadro, en el citado apartado histórico Bach y<br />
Schubert irrumpen para hacer compañía a Beethoven,<br />
en el CD 95 secundando las lecturas de las<br />
Sonatas para violín y piano 5 y 7 por Adolf Busch<br />
y Rudolf Serkin (Partita nº 2 para violín solo, interpretada<br />
por Busch) y el CD 97 escoltando al Trío<br />
“Archiduque” en la propuesta del Trío Cortot-Thibaud-Casals<br />
(Trío nº 1, D. 898).<br />
¿Conclusión? Nada sencilla. Si usted<br />
quiere todo Beethoven, deberá<br />
adquirir la edición DG, la caja<br />
de Brilliant y el álbum de Amado,<br />
si su conciencia se lo dicta y, sobre<br />
todo, si su bolsillo se lo permite…<br />
pero ni aun así lo tendrá<br />
absolutamente todo. Y es que la<br />
vida del discófilo-coleccionista enciclopédico,<br />
sí, es muy dura…<br />
NOTAS<br />
(1) Traducción posible del ciertamente difícil original, “An<br />
Equal Music”.<br />
(2) “Werk ohne Opuszahl”, “Obra sin número de Opus”,<br />
catalogación compilada por Georg Kinsky (19559,<br />
completada por Hans Halm.<br />
(3) Catálogo adicional (Anhang) de Willy Hess, 1957.<br />
(4) Con Patrick Gallois (flauta), Pascal Gallois (fagot), y<br />
Myung-Whun Chung (piano y dirección de la orquesta<br />
Philharmonia).<br />
(5) “Catalogo Temático” de Giovanni Biamonti (Roma,<br />
1968), ordenado cronológicamente, que incluye, con<br />
849 entradas, todos los números de Opus, los WoO<br />
(Kinsky-Halm) y los Hess, con casi 200 referencias<br />
que no figuran en los otros inventarios, incluyendo<br />
obras fragmentarias.<br />
(6) Y no 27, como se indica en el CD 84.<br />
LUWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Obras completas<br />
(85 CDs Obras + 15 CDs Grabaciones Históricas + 1 CD<br />
ROM con textos de las obras vocales y comentarios en castellano<br />
de las obras)<br />
Chor & Orchester der Bayreuther Festspiele,Wilhelm Fürtwängler,<br />
Elisabeth Schwarzkopf, Otto Klemperer, Philharmonia<br />
Orchestra, Von Karajan, Arthur Schnabel, Edwin Fischer, David<br />
Oistrakh, Walter Gieseking, Vienna Philharmonic Orchestra,<br />
Martha Mödl, Wolfgang Windgassen, etc... / BRILLIANT /<br />
Ref.: 93553 (100 CD) P.V.P.: 99,00 euros.-<br />
“Kna” desde la platea<br />
Nuevo CD ORFEO dedicado al<br />
sumo pontífice wagneriano<br />
JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Sinfonía No. 4. RICHARD<br />
WAGNER (1813-1883): Idilio de Sigfrido<br />
29<br />
Miguel Ángel González Barrio<br />
Como es habitual, y conocen de sobra los aficionados<br />
a las grabaciones históricas, hay registros que<br />
se publican una y otra vez en sellos diversos, hasta<br />
que aparece la edición oficial, momento que uno<br />
aprovecha para hacer limpieza en la discoteca. La<br />
Radio de Colonia parece haber abierto sus archivos<br />
y varios sellos, principalmente Andante, Medici<br />
Masters y Audite, están recuperando en las<br />
mejores condiciones sonoras añejos registros en<br />
vivo de los años 50. Orfeo se ha apuntado al reparto,<br />
e inaugura su serie The Cologne broadcasts con<br />
un concierto del 8 de mayo de 1953 dirigido por<br />
Hans Knappertsbusch, incluido en el álbum homenaje<br />
que le dedicó Tahra en 2006 (TAH 606-<br />
609), comentado por el firmante en estas páginas,<br />
de modo que recurriré a la autocita (o autoplagio,<br />
que diría Cela). “Este Idilio de Sigfrido serio, sereno,<br />
impregnado de una profunda tristeza, es la mirada<br />
cansada de un hombre que examina con<br />
nostalgia su pasado. No hallaremos aquí la alegría<br />
desbordante por el nacimiento del hijo que saludó<br />
a Cosima un lejano día de Navidad de 1870.” Del<br />
legado brahmsiano de “Kna”, “la Cuarta es quizá<br />
la menos problemática. Ésta de Colonia […]está<br />
mejor tocada que la de Bremen ’52 y no es tan peculiar.<br />
Los dos primeros movimientos son los más<br />
subjetivos […]. Los dos últimos, en los que dominan<br />
los aspectos formales sobre los expresivos, están<br />
más apegados a la letra (lo que no excluye el<br />
drama en el Allegro energico e passionato), y la impronta<br />
personal se limita a algunos detalles, como<br />
el tempo moderado con que da comienzo el Allegro<br />
giocoso, alejado de los arranques fulgurantes habituales<br />
o el fraseo de los violines primeros, ben<br />
marcato, largamente, en la variación IV de la passacaglia.”<br />
Si el sonido de Tahra era bueno, el de<br />
Orfeo, de mayor nitidez y rango dinámico y sin<br />
apenas soplido de fondo, nos transporta directamente<br />
a la Sala 1 de la Funkhaus aquel lejano 1953.<br />
Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester. Hans Knappertsbusch,<br />
dirección (1953) / ORFEO / Ref.: C723071B (1 CD) D4
30 diverdi grabaciones históricas<br />
Pequeño gran hombre<br />
(glorious John)<br />
Barbirolli demuestra que fue un<br />
especialista en autores nórdicos<br />
Roberto Andrade<br />
Los conciertos de los grandes artistas que publica<br />
BBC Legends contribuyen a dar una imagen más<br />
completa de su repertorio que la discografía oficial.<br />
Barbirolli tuvo una fecunda relación con el disco,<br />
pero los que realizó en los primeros años para el sello<br />
inglés PYE duermen el sueño de los justos. Por<br />
eso, es prácticamente desconocida su grabación oficial,<br />
en estereofonía, de la Cuarta Sinfonía de Nielsen,<br />
obra favorita que amaba y programaba con<br />
frecuencia. Esta versión, ofrecida en los Proms, es poderosa,<br />
imaginativa y brillante, tal y como la música<br />
pide. A los 66 años de edad, Barbirolli demuestra<br />
una admirable rapidez de reflejos para adaptarse a<br />
los súbitos cambios de humor, tan frecuentes en esta<br />
Sinfonía, que realiza con igual entusiasmo que acierto,<br />
y para galvanizar a una orquesta buena pero no<br />
excepcional, su querida Hallé de Manchester, que<br />
responde admirablemente, al límite de su potencialidad,<br />
a las órdenes de su titular de tantos años, que<br />
encerraba un poderoso magnetismo en una figura<br />
menuda. El alarido con que el público de los Proms<br />
recibe esta sensacional versión demuestra que Sir<br />
John supo, en aquella velada, “meterse en el bolsillo”<br />
tanto a los músicos como al auditorio, y persuadirles<br />
del carácter excepcional de esta espléndida obra<br />
de Nielsen, que merece mayor difusión, gusta más<br />
cuanto más se la conoce y que es, sin duda, una de<br />
las grandes sinfonías del siglo XX.<br />
Sibelius, como bien es sabido, fue autor favorito<br />
del director inglés, al que dedicó en sus últimos<br />
años un estupendo ciclo sinfónico para EMI. Esta<br />
interpretación de concierto tiene más vida que la<br />
grabación de estudio: aunque los tempi son moderados,<br />
el fraseo, pleno de intención y carácter, desborda<br />
de energía que Barbirolli dosifica con mano<br />
maestra. Precioso de colores y de timbres el movimiento<br />
central, quintaesencia del lenguaje sibeliano,<br />
con un idóneo tono agridulce y nostálgico; una<br />
música bellísima que “engancha” al oyente cuando<br />
se hace con tal acierto.<br />
JOHN BARBIROLLI dirige NIELSEN (1865-1931): Sinfonía nº.<br />
4. SIBELIUS (1865-1957): Sinfonía nº. 3<br />
Hallé Orchestra. Dir.: John Barbirolli (1965 & 1969) / BBC LE-<br />
GENDS / Ref.: BBCL 4223-2 (1 CD) D2<br />
Un retrato de Tullio<br />
Serafin<br />
Merecidísimo recuerdo del gran<br />
maestro italiano<br />
Blas Matamoro<br />
Afortunadamente, la carrera del veneciano Tullio<br />
Serafin (1878-1968) llegó hasta el microsurco y con<br />
la plenitud de facultades de un octogenario a quien<br />
sus colegas identificaban por su modestia, reticencia,<br />
serenidad y paciencia en la tarea de ensayar, sólo<br />
matizada de rudeza cuando corregía manierismos.<br />
Su largo periplo por Europa y las dos Américas le<br />
permitió no solamente explorar el repertorio operístico<br />
más trajinado sino dar a conocer a los modernos<br />
de sucesivos tiempos: Strauss, Dukas, Rimski,<br />
Humperdinck, Berg, Britten, a sus paisanos Pizzetti<br />
y Alfano, a los estadounidenses Taylor, Grünberg<br />
y Hanson.<br />
Admitía don Tullio que, en su trabajo, había<br />
conocido a tres monstruos: Caruso, Ruffo y Rosa<br />
Ponselle. A ésta la ayudó a presentarse en sociedad<br />
y a desplegar una carrera relativamente breve, ciertamente<br />
única y de auténtica soprano todo terreno<br />
(lo de absoluto no me cuadra en el arte). Más tarde<br />
sirvió de guía a la joven María Callas y confió en las<br />
primicias de Victoria de los Ángeles y Joan Sutherland.<br />
Quizá sin su tarea no habría sido posible la recuperación<br />
belcantista de posguerra. Prueba de ello<br />
es que se fue despidiendo, en 1962, con la reposición<br />
del Otello rossiniano.<br />
En este compacto se alinean unas sesiones londinenses<br />
de 1959 y 1960, donde la vivaz madurez<br />
serafiniana brilla en todo su esplendor. Baste examinar<br />
el canto intenso y sostenido con que resuelve los<br />
violines y los chelos en ambos preludios de La Traviata<br />
o la combinación de poderoso lirismo y marcialidad<br />
de conjunto en las tres oberturas verdianas.<br />
Un Rossini límpido y de energía delicada alterna<br />
con la chispa de dos Donizetti en el campo de la comedia.<br />
En cuanto a Norma, obra en la que tanto deben<br />
“sus” sopranos a nuestro director, apenas podría<br />
volverse al tópico elogio. En síntesis: la actualidad de<br />
un maestro desplazado de otros tiempos y con la<br />
asegurada actualidad perenne del gran arte veraz.<br />
TULLIO SERAFIN dirige oberturas y preludios de óperas de<br />
Verdi, Bellini, Rossini & Donizetti<br />
Royal Philharmonic Orchestra. Philharmonia Orchestra. Orchestra<br />
del Teatro alla Scala di Milano. Tullio Serafin, dirección<br />
/ MEDICI ARTS / Ref.: MM008-2 (1 CD) D4<br />
Llorar por dentro<br />
Fricsay dirige Stravinski y Bartók<br />
en MEDICI MASTERS<br />
Ignacio González Pintos<br />
Ferenc Fricsay afirmaba que ejecutar el segundo<br />
movimiento del Divertimento para cuerdas de Bartók<br />
le suponía una experiencia particularmente<br />
intensa. Lo consideraba un “estallido de desesperación”,<br />
la recreación de un dolor amargo que nace<br />
en la intimidad para convertirse en grito desesperado,<br />
llanto de un mundo que se derrumba desconsolado.<br />
Escuchando la interpretación presente en<br />
este registro entendemos lo que Fricsay quería decirnos,<br />
pues desde los primeros compases, marcados<br />
por la grave y acuciante introducción de los<br />
contrabajos, el movimiento se desarrolla en un clima<br />
de opresiva tristeza, con la cuerda revelando su<br />
lamento y gimiendo de dolor. Magnífica muestra<br />
del intenso y sentido Bartók de Fricsay en el que<br />
la esperanza nos es devuelta en forma de luminoso<br />
final. El álbum sitúa esta pieza entre dos interpretaciones<br />
de obras de Stravinski que Fricsay<br />
enfoca con cálida flexibilidad sin menosprecio del<br />
necesario rigor rítmico. Formando una muy interesante<br />
pareja con Grumiaux, el discurso orquestal<br />
del Concierto para violín explota con elegancia<br />
la asimetría rítmica que caracteriza la pieza, y entre<br />
ambos nos muestran, a través de ese omnipresente<br />
acorde que abre cada movimiento de la obra,<br />
los distintos afectos que recorren la pieza desde el<br />
algo desabrido comienzo al vivo impulso que protagoniza<br />
el final, pasando por la energía de la primera<br />
aria y el angustiado lirismo con que ejecutan<br />
la segunda. El generoso metraje del disco se completa<br />
con una Consagración de la primavera de irregular<br />
respuesta orquestal en la que el director<br />
húngaro pone de manifiesto su batuta flexible y<br />
su capacidad para dotar de naturalidad y fluidez el<br />
continuo cambio de ánimo de la pieza. Muy buen<br />
sonido en las tomas de 1953 y algo áspero y seco<br />
el del Concierto para este bello tributo a la figura<br />
de Ferenc Fricsay.<br />
IGOR STRAVINSKY: Concierto para violín y orquesta en Re<br />
Mayor; Le Sacre du Printemps (La Consagración de la Primavera).<br />
BÉLA BARTÓK: Divertimento para orquesta de<br />
cuerdas<br />
Artur Grumiaux, violín. Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester.<br />
Ferenc Fricsay, dirección / MEDICI ARTS / Ref.: MM020-2 (1<br />
CD) D4
El trovador del piano<br />
Recital en Salzburgo de Géza<br />
Anda, editado por ORFEO<br />
Así calificó Furtwängler en 1940 a un joven y desconocido<br />
pianista húngaro, de nombre Géza Anda,<br />
cuando, por recomendación de su esposa Elisabeth,<br />
le escuchó tocar y quedó impresionado por<br />
sus cualidades. Con el paso de los años, Anda habría<br />
de convertirse en uno de los concertistas más<br />
apreciados en Europa, hasta su prematura muerte<br />
en 1976, apenas cumplidos 55 años de edad.<br />
Anda fue artista favorito del público del festival<br />
de Salzburgo, en el que ofreció no menos de 30<br />
conciertos, 9 de ellos recitales a solo. El último, fechado<br />
en 1972, es éste que hoy presenta Orfeo, con<br />
sonido excelente.<br />
Anda lo abrió con una versión de la Segunda<br />
Partita de Bach que, según las críticas recogidas<br />
en la carpetilla, resultó lo menos convincente del<br />
programa. La obra se ofrece sin repeticiones. Desde<br />
las primeras notas de la Segunda Sonata de Chopin<br />
el nivel sube hasta las alturas que el pianista<br />
húngaro alcanzaba habitualmente en Mozart,<br />
Schumann o Bartók. Versión romántica, de sonoridad<br />
noble y clara, de expresión viril, con una<br />
marcha fúnebre cuyo ritmo binario subraya Anda<br />
de forma creciente, casi obsesiva, para relajarse en<br />
la muy bella sección central, cantada con amplitud<br />
y nobleza. Excelente el movimiento final: los dedos<br />
de Anda eran ágiles y seguros, y su enfoque de<br />
este singular “perpetuum mobile” (que alguien<br />
imaginativo llamó “el viento entre las tumbas”) es<br />
idóneo. Elegante y refinada de ritmos y timbres la<br />
interpretación de los Valses nobles y sentimentales<br />
de Ravel y excelente la del Carnaval de Robert<br />
Schumann con la que cerró el concierto. Obra favorita<br />
del artista, vuelca en ella toda su personalidad<br />
como intérprete impulsivo y colorista,<br />
potenciando los contrastes entre los personajes<br />
de esta fascinante galería de retratos musicales,<br />
que perfila con afecto y acierto.<br />
GÉZA ANDA interpreta Johann Sebastian Bach, Frédéric<br />
Chopin, Maurice Ravel & Robert Schumann<br />
Géza Anda, piano / ORFEO / Ref.: C742071B (1 CD) D4<br />
grabaciones históricas 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Roberto Andrade<br />
El sonido ardiente<br />
Dos magníficos inéditos de Paul Kletzki con la Sinfónica de Viena<br />
en ORFEO<br />
Stephen J. Pettitt recuerda en su monografía sobre<br />
la Philharmonia Orchestra (Londres, 1985) la contribución<br />
de Paul Kletzki al sonido de la mítica<br />
formación sinfónica británica, con la que trabajó<br />
desde 1946: “La experiencia de Kletzki como ejecutante<br />
[de violín] ayudaba a que sus gestos como<br />
director fuesen particularmente asequibles para<br />
la cuerda de la Philharmonia, cuyo sonido ayudó<br />
a florecer –‘¡el sonido ardiente!’ solía decirles–.<br />
Era un director muy emocional y su intención de<br />
conseguir un tono candente en las cuerdas procedía<br />
directamente de su propensión a emocionarse.<br />
‘Llorad’, les solía implorar, mientras las lágrimas<br />
arrasaban sus mejillas y el tono solicitado llegaba<br />
como por compasión”.<br />
Paul Kletzki (1900-1973) se formó en su Polonia<br />
natal, aunque se trasladó a Berlín en 1921 y<br />
allí recibió sus principales influencias: el expresionismo<br />
de Arnold Schoenberg como compositor y<br />
la tradición expresiva de Wilhelm Furtwängler<br />
como intérprete. No obstante, tampoco desoyó<br />
en años sucesivos los impulsos antirrománticos<br />
de los paladines de la Nueva Objetividad (Hindemith<br />
en lo compositivo y Klemperer en lo directorial).<br />
De hecho, fue capaz de combinar ambas<br />
tendencias en un todo admirable, que le permitía<br />
disponer del temple de un Furtwängler junto a<br />
tempi vivos y a una técnica gestual sumamente precisa.<br />
Como otros directores que eran también compositores,<br />
sus interpretaciones siempre guardaban<br />
un admirable sentido de las proporciones, aunque<br />
rara vez resultasen frías debido al ímpetu de su<br />
expresividad y a su natural sentimental.<br />
No obstante, en Kletzki destaca por encima<br />
de todo la trama intensa y fibrosa de su sonido. Y<br />
es que tenía una capacidad innata para tejer las<br />
mismas riquísimas texturas con cualquier agrupación<br />
sinfónica, y era tal la belleza tímbrica de su<br />
sección de cuerda o la perfección y musicalidad<br />
de su rubato que nadie diría que no formaba mentalmente<br />
parte de ella como un violinista más. Este<br />
nuevo lanzamiento de Orfeo procedente de los archivos<br />
de la Sinfónica de Viena confirma precisamente<br />
este aspecto, al introducir nuevas versiones<br />
de la Altrhapsodie de Brahms y de Das Lied von der<br />
31<br />
Pablo-L. Rodríguez<br />
“En Kletzki destaca por encima<br />
de todo la trama intensa y<br />
fibrosa de su sonido.Y es que<br />
tenía una capacidad innata<br />
para tejer las mismas<br />
riquísimas texturas con<br />
cualquier agrupación<br />
sinfónica.”<br />
Erde de Mahler en su discografía. Ambas proceden<br />
de un mismo concierto que dirigió Kletzki el<br />
12 de noviembre de 1954 en la Musikverein vienesa<br />
y que incluyó además el Schicksalslied brahmsiano.<br />
De la primera obra había aparecido hasta ahora<br />
una interesante grabación radiofónica danesa de<br />
1953 (Danacord) que es superada aquí tanto por la<br />
calidad del coro como por la exuberancia operística<br />
de la mejicana Oralia Domínguez, aunque en<br />
ambas Kletzki disponga al inicio una misma trama<br />
textural en la cuerda con abundante rubato y<br />
unos sforzandi “a la Furtwängler”.<br />
En cuanto a Das Lied von der Erde quizá la<br />
grabación de Kletzki más recordada todavía hoy<br />
en numerosas discografías sea la que realizó de<br />
esa obra con la Philharmonia en octubre de 1959<br />
(EMI). En ella, además del mejor Mahler de Fischer-Dieskau,<br />
podemos escuchar su ya referido<br />
“sonido ardiente” en la cuerda y especialmente en<br />
los violines, que pocas veces han sonado tan rapsódicos<br />
en esta obra. Sin embargo, este nuevo registro<br />
de Orfeo con la versión para contralto<br />
muestra además la tremenda intensidad de que era<br />
capaz Kletzki en vivo con esta música. Poco importa<br />
que no sea una toma en estéreo (aunque el sonido<br />
monoaural es limpio, claro y definido), que Set<br />
Svanholm ya no tenga el lustre vocal del pasado<br />
(aunque la contralto mejicana borda su intervención)<br />
o que haya alguna leve imprecisión en la orquesta,<br />
pues todo funciona con total coherencia.<br />
La razón: la natural capacidad de Kletzki para traducir<br />
los cambios de paso de esta música (la oposición<br />
entre el ritardando y el a tempo), pero también<br />
el ardor natural de su sonido que mezcla lo elegante<br />
con lo populachero (esencial en Von der<br />
Schönheit) y, especialmente, su concentración que<br />
le permite abstraernos en el larguísimo Der Abschied.<br />
Y todo ello –no lo olvidemos– en un momento<br />
en que esta música todavía no tenía los<br />
adeptos que tiene ahora.<br />
PAUL KLETZKI dirige JOHANNES BRAHMS (1833-1897):<br />
Rapsodia para contralto. GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das<br />
Lied von der Erde<br />
Oralia Domínguez, contralto. Set Svanholm, tenor. Männerchor<br />
des Wiener Singsvereins. Wiener Symphoniker. Paul<br />
Kletzki, dirección (Grabación en directo, Musikverein Wien,<br />
12 de Noviembre de 1954) / ORFEO / Ref.: C748071B (1<br />
CD) D4
32 diverdi grabaciones históricas<br />
Del piano masculino y denso<br />
MELODIYA desempolva históricos registros de uno de los más grandes poetas del piano:<br />
el ucraniano Emil Gilels<br />
Para muchos Emil Gilels era una fuerza de la naturaleza,<br />
un pianista de una majestuosidad y un<br />
ímpetu inolvidables. Cuando a mediados de los<br />
50 vino a occidente y se presentó años después en<br />
Estados Unidos causó sensación por su redonda<br />
y vigorosa sonoridad, su técnica densa y explosiva,<br />
su digitación poderosa, su fuego y su urgencia<br />
discursiva. Cualidades derivadas y ampliadas con<br />
la base de las enseñanzas recibidas en su juventud<br />
de Bertha Reingbald y más tarde, ya en el Conservatorio<br />
de Moscú, a donde viajó desde su natal<br />
Odessa, con el ínclito Neuhaus, maestro también<br />
de otro grande, Sviatoslav Richter, más genial y visionario<br />
aunque menos regular. El propio Heinrich<br />
Neuhaus se asombraba de las increíbles octavas<br />
de Gilels en la Rapsodia española de Liszt. Fue sin<br />
duda el gran servidor de la gran tradición soviética,<br />
en parte emanada del pianista húngaro a través<br />
de Siloti y su discípulo Goldenweiser, colega de<br />
Neuhaus en Moscú; aunque éste era en realidad<br />
alumnno de Blumenfeld.<br />
Junto a Richter y más tarde Ashkenazy, Gilels<br />
fue por tanto el gran embajador de ese pianismo,<br />
del que se habían tenido ya noticias gracias a<br />
Horowitz y que bastante después tendría un continuador<br />
en el rumano Radu Lupu. La escucha de<br />
estos ocho discos –bastante mal aprovechados–<br />
nos pone al corriente de los fundamentos de esa<br />
escuela y sobre todo de la manera de tocar y de interpretar<br />
de ese vástago aventajado nacido en 1916.<br />
Toda la potencia, la energía telúrica, la violencia incluso,<br />
pero también toda la viril poesía y en su<br />
caso delicadeza de su juego pianístico aparecen<br />
recogidas en estos recitales desarrollados en la<br />
gran sala del Conservatorio moscovita. Y también,<br />
por supuesto, la amplitud insólita de sus dinámicas,<br />
que van de los pianísimos más sobrecogedores<br />
a los fortísimos más espeluznantes; de esos<br />
que hacían temblar las lámparas y temer por la integridad<br />
del instrumento.<br />
El repertorio que se nos ofrece en estas cuatro<br />
sesiones es el que mejor podía convenir al artista,<br />
espectacular y rotundo, de un virtuosismo<br />
apabullante, en los músicos de su tierra y de una<br />
variedad de registros extraordinaria en los románticos<br />
occidentales, Beethoven en primer término.<br />
En la Sonata nº 7 nos sorprende ya la auténtica dinamita<br />
del comienzo, que nos sumerge en una vorágine<br />
envolvente. Esa es una de las palabras que<br />
hemos de aplicar a el estilo de Gilels, que inmediatamente<br />
y como muestra de versatilidad nos explica<br />
el Largo subsiguiente con una cantabilidad casi<br />
chopiniana. El inicio de la nº 27 nos sirve para comprobar<br />
cómo, en unos cuantos compases, se puede<br />
pintar un mundo, un universo podríamos decir,<br />
expresivo. Pianos y fortes, mezzofortes y sus respectivas<br />
gradaciones. En la nº 29, la impresionante<br />
Hammerklavier, se nos dan a manos llenas este<br />
arte masculino y arrebatado que no pierde nunca<br />
una cierta y curiosa objetividad y una mecánica<br />
generalmente limpia –aunque no falten roces episódicos–,<br />
que alcanza enorme esplendor en la maravillosa<br />
y muy compleja fuga final, en la que todas<br />
“Toda la potencia, la energía telúrica, la violencia incluso,<br />
pero también toda la viril poesía y en su caso<br />
delicadeza del juego pianístico de Gilels aparecen<br />
recogidas en estos recitales desarrollados en la gran<br />
sala del Conservatorio moscovita.”<br />
las voces quedan bien impostadas y empastadas:<br />
se oyen pero formando un conglomerado indesglosable<br />
y sustancioso: hay mucha música en esas<br />
prietas notas y en la soberana ejecución.<br />
Tenemos con algo más de un año de diferencia<br />
sendas recreaciones de las Cuatro Baladas op.<br />
10 de Brahms. El acercamiento es muy similar en<br />
ambos casos, pero tendemos a asignar un mayor<br />
contenido poético a la del 12 de febrero de 1976. En<br />
la del 27 de <strong>diciembre</strong> de 1977 percibimos quizá una<br />
mayor temperatura, que se plasma sobre todo en<br />
el primer gran crescendo del Andante. De Liszt nos<br />
levantan del asiento la Rapsodia nº 2 y, sobre todo,<br />
el Estudio nº 5, La Caza. Chopin se nos brinda en<br />
toda su apasionada pureza. El Estudio en la bemol<br />
mayor, nº 2 de los Tres nuevos Estudios, es un ejemplo<br />
de cómo en escasos compases se pueden recorrer<br />
múltiples paisajes expresivos gracias a un<br />
respeto milagroso, en todo caso, personal, de las<br />
solicitadas dinámicas –de pp a ff–, de los cambios<br />
de tempo –a tempo, poco ritmado–, en los que la originalidad<br />
de la visión da alas a unos pentagramas<br />
Arturo Reverter<br />
exquisitos. La Polonesa en la bemol mayor op. 53<br />
nos es ofrecida con todo su imponente heroísmo,<br />
con una musculatura formidable. La otra Polonesa,<br />
op. 40, nº 2, y la Sonata nº 3 se escuchan asimismo<br />
con la vitalidad y fantasía propias del caso.<br />
Las Cuatro Piezas op. 32 y la difícil Toccata de<br />
Schumann las seguimos en vibrantes interpretaciones,<br />
llenas de verbo y elocuencia, con esa sonoridad<br />
que sabe combinar lo íntimo con lo fogoso.<br />
Poco que decir de las aproximaciones, realmente<br />
históricas, a los rusos. La Sonata nº 3 y los Cinco<br />
Preludios op. 74 de Scriabin son ejemplares; lo mismo<br />
que la Sonata nº 3 de Prokofiev. No parece que<br />
se puedan tocar mejor.<br />
LA HERENCIA DE EMIL GILELS, VOL.. 1: Obras para piano<br />
de Liszt, Brahms, Beethoven & Schumann<br />
Emil Gilels, piano (12/2/76) / MELODIYA / Ref.: MEL<br />
1001130 (2 CD) P.V.P.: 19,90 euros.-<br />
LA HERENCIA DE EMIL GILELS, VOL.. 2: Obras para piano<br />
de Chopin, Brahms & Schumann<br />
Emil Gilels, piano (Grabación en directo desde el Gran Salón<br />
del Conservatorio de Moscú, 27/12/1977) / MELODIYA /<br />
Ref.: MEL 1001131 (2 CD) P.V.P.: 19,90 euros.-<br />
LA HERENCIA DE EMIL GILELS, VOL..3: Obras para piano<br />
de Liszt, Beethoven, von Henselt<br />
Emil Gilels, piano (Grabación en directo desde el Gran Salón<br />
del Conservatorio de Moscú, 20/10/80) / MELODIYA /<br />
Ref.: MEL 1001132 (2 CD) P.V.P.: 19,90 euros.-<br />
LA HERENCIA DE EMIL GILELS, VOL.. 4: Piano works by<br />
Scriabin, Prokofiev & Beethoven<br />
Emil Gilels, piano (Grabación en directo Grabación en directo<br />
desde el Gran Salón del Conservatorio de Moscú,<br />
26/1/1984) / MELODIYA / Ref.: MEL 1001133 (2 CD) P.V.P.:<br />
19,90 euros.-<br />
Emil Gilels
grabaciones históricas 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
“Yo sé cuál era la intención de Beethoven”<br />
Willem Mengelberg (1871-1951), el Napoleón de la<br />
orquesta, podía falsificar jocosamente la historia<br />
y proclamarse discípulo de Beethoven por la vía<br />
de Anton Schindler (1795-1864) ante la confundida<br />
orquesta, para persuadirla de que aceptara,<br />
en virtud de la autoridad autoconferida, determinados<br />
retoques en la partitura. A fin de cuentas,<br />
si algunos compositores introducen cambios<br />
después de la publicación, por qué no podía hacerlo<br />
el director, que “a menudo sabe más que el<br />
compositor” (Mengelberg dixit). Como dijo Harold<br />
C. Schonberg, no podemos condenar la falta<br />
de fidelidad a la letra –una invención reciente–<br />
de los directores románticos, como no podemos<br />
reprochar a los pintores primitivos su desconocimiento<br />
de las leyes de la perspectiva. A la sombra<br />
de Furtwängler y Toscanini (compartió con<br />
éste la titularidad de la Filarmónica de Nueva<br />
York en los años 20 del pasado siglo), menos<br />
(re)conocido que estos “incuestionables” antagonistas,<br />
Mengelberg fue sin duda un grande de<br />
la batuta y un beethoveniano nato. Director virtuoso,<br />
en la estela de Hans von Bülow, de quien<br />
el célebre crítico Eduard Hanslick afirmaba que<br />
la orquesta era como una campanita en sus manos,<br />
a lo largo de casi cincuenta años al frente de<br />
la orquesta del Concertgebouw modeló, a base de<br />
férrea disciplina, un instrumento dúctil y preciso<br />
que le permitió expresarse con infinidad de<br />
matices y absoluta libertad. Como es bien sabido,<br />
la carrera del dedicatario de Una vida de héroe<br />
terminó triste e ignominiosamente. De héroe<br />
nacional –personalidad más popular de su país<br />
según una encuesta Gallup– pasó a convertirse en<br />
villano y cabeza de turco. Acusado de colaboracionista<br />
(durante la guerra dirigió en Francia y<br />
Alemania), fue destituido de la dirección de su<br />
orquesta y juzgado en 1945. Inicialmente se le<br />
prohibió dirigir en Holanda de por vida (se le retiró<br />
el pasaporte, de modo que tampoco podía<br />
hacerlo en el extranjero), aunque en 1947 se le rebajó<br />
la condena a seis años. Murió en 1951, sin haber<br />
dirigido una nota desde su último concierto,<br />
el 18 de junio de 1944, en el Teatro de los Campos<br />
Elíseos de París.<br />
ANDROMEDA reedita la integral sinfónica del músico de Bonn a cargo<br />
de uno de sus más preclaros intérpretes: Willem Mengelberg<br />
La muerte se llevó también, injustamente, su<br />
reputación. Aún hoy, en tiempos de objetivismo<br />
rampante, en la hora de musicólogos, filólogos<br />
e historicistas, parece no haber sitio para tantos<br />
librepensadores musicales, y así la presencia de<br />
Mengelberg en los catálogos de los sellos especializados<br />
no es tan abrumadora como la de otros<br />
colegas más afortunados. Por eso es bienvenida<br />
la publicación en Andromeda de una de las mejores<br />
introducciones posibles al arte de Willem<br />
Mengelberg: el ciclo Beethoven grabado en cinco<br />
conciertos públicos celebrados en Amsterdam<br />
en abril y mayo de 1940. Philips lo ha editado<br />
en CD dos veces en Holanda (nunca ha estado,<br />
que yo sepa, en el catálogo internacional del sello);<br />
Music & Arts lo hizo hace ahora diez años,<br />
y Archipel en 2003. Lo que nos ofrece Andromeda<br />
es una copia de la edición Archipel, con idéntico<br />
sonido, distribución de obras en los cinco<br />
compactos y duraciones nominales, y carpetilla<br />
más descuidada (la Quinta no es de 1931). De la<br />
Heroica no se conserva el primer movimiento<br />
(Tahra editó los otros tres, TAH 401-402), y para<br />
completarlo se recurre, bien a una toma en vivo<br />
de 1943 (Philips II, M&A) o, como en este caso<br />
(también Philips I), a la extraordinaria grabación<br />
de estudio (Telefunken) de noviembre de<br />
1940, interpretación de alto voltaje, a la altura de<br />
la de 1944 de Furtwängler. Sorprende que, siendo<br />
de estudio, la toma de sonido sea inferior a las<br />
grabaciones en vivo, lo que hay que reprochar a<br />
Andromeda, habida cuenta del excelente procesado<br />
de Mark Obert-Thorn para Pearl (GEMS<br />
0074).<br />
El sonido, brillante, bastante filtrado, con reverberación<br />
artificial (falso estéreo) añadida, oscila<br />
entre lo puntualmente mediocre y lo bastante<br />
aceptable en general. En todo caso, permite apreciar<br />
las características personalísimas del estilo<br />
de Mengelberg, como el empleo –tomado de von<br />
Bülow– de Luftpausen, o del “microrubato”, fluctuaciones<br />
de tempo de muy pocos compases, para<br />
enlazar secciones (v.g. 1:33 a 1:36 en el Allegro<br />
con brio de la Heroica) o subrayar relaciones temáticas<br />
o estructurales; del vibrato como efecto<br />
(la cuerda en la orquesta mengelbergiana toca<br />
con poco vibrato). A diferencia de Furtwängler,<br />
maestro de la frase larga, Mengelberg era un detallista,<br />
tanto en las dinámicas como en el fraseo.<br />
En ocasiones no demanda un legato perfecto, y<br />
se recrea en sutilezas de fraseo que hoy pueden<br />
considerarse amaneramiento, sin más (melodía<br />
de primeros violines en el Adagio de la Cuarta).<br />
Sorprende la variedad (y la fantasía en su aplicación)<br />
en las articulaciones de la cuerda: spiccato,<br />
staccato, poco legato, así como la<br />
persistencia de portamenti, uso ya periclitado en<br />
1940, que no obstante aplica con gusto. En este<br />
sentido impacta el fantasmagórico efecto que<br />
consigue haciendo tremolar a la cuerda sul ponticello<br />
en la tormenta de la Pastoral, obra de la que<br />
brinda una lectura poética, cantada, bellísima.<br />
33<br />
Miguel Ángel González Barrio<br />
“Como el de Toscanini,<br />
Walter, Furtwängler o<br />
Klemperer, el Beethoven<br />
de Mengelberg es de<br />
obligado conocimiento y<br />
estudio.”<br />
El Beethoven brioso, dionisíaco y dramático<br />
de Mengelberg puede llegar a irritar ocasionalmente<br />
por el rubato desmedido o la omisión de algunas<br />
repeticiones (¡exposición en el primer<br />
movimiento de la Quinta!), pero esa impresión<br />
cede paso a la fascinación de lo diferente, a la sensación<br />
de control absoluto sobre la orquesta, de<br />
legitimidad intelectual, de estar asistiendo a una recreación<br />
autorizada por el autor a cargo de uno de<br />
sus primeros discípulos, aunque la línea sea tenue<br />
e imaginaria. Como el Beethoven de Toscanini,<br />
Walter, Furtwängler o Klemperer –me limito a los<br />
históricos con integral–, de obligado conocimiento<br />
y estudio.<br />
WILLEM MENGELBERG dirige LUDWIG VAN BEETHOVEN<br />
(1770-1827): Integral de Sinfonías<br />
van der Sluys, Luger, van der Tulder, Ravelli / Royal Concertgebouw<br />
Orchestra. Dir.: Willem Mengelberg (1940) / AN-<br />
DROMEDA / Ref.: ANDRCD 5040 (5 CD) D5 x 2
34 diverdi siglos XIX & XX<br />
Avalancha Raff: aquí hay tomate<br />
El sello suizo TUDOR rinde un generoso y necesario tributo a su gran compositor decimonónico<br />
El año 1887, en la tercera edición de la Führer durch<br />
den Concertsaal (Guía de conciertos) de Hermann<br />
Kretzschmar –una de las obras de referencia para<br />
los melómanos de la época–, podía leerse que “Joachim<br />
Raff es quien, tras Berlioz y Liszt, ha sabido<br />
trasladar mejor la bandera de la música<br />
programática al terreno de la gran sinfonía”.<br />
Paradigma del músico agasajado en vida como<br />
un auténtico clásico y arrojado a las tinieblas del<br />
olvido poco después de su relativamente temprana<br />
muerte, Raff nació en 1822 en Lachen am Obersee,<br />
al borde del lago de Zúrich, hijo de madre<br />
suiza y padre alemán emigrado a tierras helvéticas.<br />
Muy dotado para la música, el joven Joseph Joachim<br />
estudió con su padre, modesto profesor de órgano,<br />
acabando su formación a los 18 años con los<br />
jesuitas de Schwyz. Inmediatamente Raff consigue<br />
una plaza de maestro de escuela en Rapperswil, en<br />
el cantón de Saint-Gall, en donde aprovecha sus ratos<br />
libres para tocar el piano y componer.<br />
En 1843 publica su Opus 1, una Serenata pianística<br />
que constituirá el inicio de un gigantesco legado<br />
para tecla cuyas obras inmediatas (los Opus 2 a<br />
6) serán editadas gracias a la entusiasta recomendación<br />
de Felix Mendelssohn –al que Raff envía sus<br />
manuscritos– en la prestigiosa editorial Breitkopf<br />
& Härtel de Leipzig. “Estoy seguro que si la portada<br />
de estas páginas llevara un nombre célebre –escribe<br />
Mendelssohn al editor– las venderíais muy<br />
bien. […] Están escritas de principio a fin con elegancia,<br />
sin tacha y al más moderno estilo”. Una excelente<br />
crítica de Robert Schumann aparecida en la<br />
Neue Zeitschrift für Musik augura un brillante porvenir<br />
al joven maestro que, con gran consternación<br />
por parte de su familia, abandona la enseñanza para<br />
consagrarse a la composición.<br />
La pobreza acompaña a Raff en su nueva residencia<br />
zuriquesa donde ha de ganarse la vida<br />
como copista y profesor de piano. La repentina<br />
muerte de Mendelssohn, con quien pensaba estudiar<br />
en Leipzig, trunca las esperanzas del incipiente<br />
compositor, que se traslada a Basilea –el 19 de<br />
junio de 1845 a pie y bajo la lluvia, tal es su pobreza–<br />
para conocer al representante de la otra gran<br />
corriente musical alemana: Franz Liszt. El encuen-<br />
tro con el genial pianista y compositor será trascendental<br />
para el desarrollo de la obra de Raff. El<br />
músico húngaro, al que Raff acompaña en una de<br />
sus numerosas giras de conciertos, encuentra para<br />
éste un empleo en un establecimiento musical de<br />
Colonia y, más tarde, otro en Hamburgo en la editorial<br />
Schuberth.<br />
Allí, y también en Stuttgart, Raff se dedica a<br />
labores de transcripción y orquestación, adquiere<br />
esa “mano” que le será tan indispensable cuando<br />
acometa su propio e ingente catálogo orquestal.<br />
En el otoño de 1849, invitado por la generosidad<br />
de Liszt, acude a Weimar; se inicia de esta forma<br />
una colaboración que le mantendrá al lado del autor<br />
de la Sinfonía Fausto hasta 1856. Seis años de<br />
estrecha colaboración durante los cuales trabaja<br />
para Liszt como secretario personal: escribe al dictado,<br />
ordena sus múltiples manuscritos, realiza<br />
copias… incluso colabora con Franz Doppler en<br />
la orquestación de algunos de sus poemas sinfónicos<br />
(como Prometeo, Mazeppa o Heroida fúnebre,<br />
que el músico húngaro retocará más tarde) además<br />
de estudiar, organizar conciertos, publicar y comenzar<br />
su propio catálogo.<br />
Pero agobiado, anulado incluso por la aplastante<br />
personalidad de su mentor, deseoso de volar con<br />
sus propias alas y no queriendo ocupar por más<br />
tiempo “un empleo de subalterno y jugar un rol secundario”,<br />
Raff abandona Weimar en 1856 para<br />
acompañar a su futura esposa, la actriz Doris Genast,<br />
con quien se instala en Wiesbaden. Serán esos<br />
los años más fecundos en la fecundísima carrera de<br />
Raff; años de enorme productividad y de una reputación<br />
que, como compositor y pedagogo, no para<br />
de crecer hasta que, en 1877, es nombrado primer<br />
director del recién fundado Conservatorio Hoch<br />
de Fráncfort, que cuenta con Clara Schumann y Julius<br />
Stockhausen –tan ligados ambos a la carrera<br />
de Brahms– como profesores y al norteamericano<br />
Edward MacDowell como uno de sus más distinguidos<br />
alumnos de composición.<br />
Al término de su vida en el año 1882, Raff había<br />
conseguido poner en pie un imponente legado<br />
constituido por 216 obras numeradas, más de<br />
70 sin numeración y 48 transcripciones en las que<br />
los más importantes géneros están representados.<br />
Desde el punto de vista estilístico, Raff se sitúa a<br />
mitad de camino entre el sinfonismo “puro” heredado<br />
de Mendelssohn y Schumann, dos de sus<br />
dioses tutelares, y el gusto por la música de programa<br />
característica de la “Neudeutsche Schule”<br />
representada por la estética de Wagner y Liszt. La<br />
maestría formal, la imaginación melódica y una<br />
hábil instrumentación siempre colorista y bien definida<br />
caracterizan la obra de este músico sensible<br />
y disciplinado al que Tudor, el sello suizo, dedica<br />
esta atractiva edición que ahora se presenta en<br />
nuestro mercado.<br />
En estos (hasta el momento) 18 volúmenes<br />
se incluye la práctica totalidad de su obra orquestal<br />
(las 11 sinfonías, suites, oberturas, transcripciones,<br />
los conciertos para piano, violín y<br />
Jean Marie Viardot<br />
“Raff es el paradigma del<br />
músico agasajado en vida<br />
como un auténtico clásico<br />
y arrojado a las tinieblas<br />
del olvido poco después<br />
de su relativamente<br />
temprana muerte.”<br />
violonchelo y otras páginas concertantes) y una<br />
antología muy representativa de su obra de cámara<br />
(las 5 sonatas y 10 sonatillas para violín y piano<br />
y otras piezas breves junto con 4 de sus 8 cuartetos<br />
de cuerda).<br />
A lo largo de estas más de 20 horas de música<br />
se suceden las sorpresas. En su legado sinfónico<br />
–que vino a ocupar un espacio casi vacío entre<br />
el último Mendelssohn y el advenimiento de<br />
Brahms– Raff prefiere el descriptivismo de la estética<br />
programática si bien sometido a los moldes<br />
formales tradicionales. Así, los ecos de Liszt resuenan<br />
en el Larghetto final de la Sinfonía nº 1 “A la patria”;<br />
las atmósferas feéricas mendelssohnianas se<br />
transparentan en la Danza de las dríadas de la Tercera<br />
“En el bosque” y la luminosidad mediterránea<br />
del autor de la Italiana en la Tarantella que cierra<br />
la Suite “Italiana”; las reminiscencias de Chaikovski<br />
–que lo tuvo en gran estima– en la coreográfica<br />
Abschied de la Séptima “En los Alpes”, Der erste Schnee<br />
de la Undécima “El invierno” o la Reigen der<br />
Gnomen und Sylphen de la Suite “En Turingia”. Pero<br />
el lenguaje de Raff, pese a su eclecticismo, se impone<br />
con personalidad en la contemplativa poesía<br />
que inunda la Barcarola de la Suite “Italiana”, la<br />
imaginería cinegética que atraviesa Die Jagd der<br />
Menschen en la Décima “En otoño”, la atmósfera caballeresca<br />
de la shakespearianas Oberturas “La<br />
tempestad” y “Macbeth”, la nobleza otoñal de la<br />
Abends Rhapsodie o el elaborado discurso que ver-<br />
Joachim Raff
tebra la trilogía central: Cuarta, Sexta y, sobre todo,<br />
esa Quinta “Leonora” que hace casi 40 años grabara<br />
para Decca al frente de la Filarmónica de<br />
Londres el impagable Bernard Herrmann.<br />
A quien semejante avalancha (con razón) atemorice<br />
deberá empezar a picotear en la obra del<br />
suizo-alemán por estas tres últimas obras, además<br />
de la Tercera, sin olvidar el cálido melodismo<br />
de que hacen gala los dos magníficos Conciertos<br />
para violonchelo –servidos, además, por un Daniel<br />
Müller-Schott en estado de gracia–, el lirismo fluido<br />
del Segundo Concierto para violín o la elegancia<br />
de escritura –marca de la casa– presente en las<br />
Sonatas para violín y piano nºs 1, 3 y 4. Gracias a esta<br />
magnífica edición, cuidadísima en todos los aspectos,<br />
incluso en la elección de los hermosos cuadros<br />
de Böcklin que la ilustran, el universo de Raff,<br />
cercano a Volkmann, Reinecke, Goldmark o Rubinstein<br />
y que allanaría el camino a los futuros jefes<br />
de fila de la nueva música alemana Reger y<br />
Strauss, ya no consta tan sólo de la dichosa Cavatina<br />
op. 85 nº 3 que le hiciera célebre.<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 7 en Si<br />
bemol Mayor In den Alpen, op. 201; Arreglo para orquesta<br />
de la chacona en Re menor, BWV 1004 de Johann Sebastian<br />
Bach, WoO 39; Abends. Rhapsodie / Bamberger Symphoniker.<br />
Hans Stadlmair, dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7117<br />
(1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 6 en Re<br />
menor, op. 189; Suite para orquesta en Fa Mayor, op. 194, In<br />
Ungarischer Weise / Bamberger Symphoniker. Hans Stadlmair,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7108 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 4 en Sol<br />
menor, op. 167; Oberturas Benedetto Marcello, Dame Kobold<br />
y Die Parole. Obertura de concierto, op. 123 / Bamberger<br />
Symphoniker. Hans Stadlmair, dirección / TUDOR / Ref.: TU-<br />
DOR 7113 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 5 en Mi Mayor,<br />
Lenore, op. 177; Suite No. 1 para orquesta, op. 101 / Bamberger<br />
Symphoniker. Hans Stadlmair, dirección / TUDOR /<br />
Ref.: TUDOR 7077 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 3 en Fa Mayor<br />
Im Walde, op. 153; Suite Italiana para orquesta / Bamberger<br />
Symphoniker. Hans Stadlmair, dirección / TUDOR / Ref.:<br />
TUDOR 7088 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 2 en Do<br />
Mayor, op. 140; Suite para orquesta Aus Thüringen / Bamberger<br />
Symphoniker. Hans Stadlmair, dirección / TUDOR / Ref.:<br />
TUDOR 7102 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 1 en Re<br />
Mayor An das Vaterland, op. 96 / Bamberger Symphoniker.<br />
Hans Stadlmair, dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7099 (1 CD)<br />
D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 8 en La Mayor<br />
Frühlingsklänge, op. 205; Sinfonía No. 10 en Fa menor Zu<br />
Herbstzeit, op. 213 / Bamberger Symphoniker. Hans Stadlmair,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7127 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sinfonía No. 9 en Mi menor<br />
Im Sommer, op. 208; Sinfonía No. 11 en La menor Der<br />
Winter, op. 214 / Bamberger Symphoniker. Hans Stadlmair,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7120 (1 CD) D2<br />
siglos XIX & XX 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Cuatro oberturas sobre<br />
dramas de Shakespeare (The Tempest, Otello, Macbeth<br />
& Romeo and Juliet); Elegía para orquesta, WoO 48; Obertura<br />
Festiva, op. 117 / Bamberger Symphoniker. Hans Stadlmair,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7128 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Conciertos para violín<br />
Nos. 1 y 2; Cavatina para violín y orquesta, op. 85 No. 3;<br />
Alla Hungara para violín y orquesta, op. 203 / Michaela Paetsch<br />
Neftel, violín. Bamberger Symphoniker. Hans Stadlmair,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7086 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Conciertos para violonchelo<br />
Nos. 1 y 2; Estudio-Fantasía Begegnung para violonchelo<br />
y piano, op. 86 No. 1; Dúo para violonchelo y piano<br />
en La Mayor, op. 59 / Daniel Müller-Schott, violonchelo. Robert<br />
Kulek, piano. Bamberger Symphoniker. Hans Stadlmair,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7121 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Concierto para piano<br />
y orquesta en Do menor, op. 185; Oda a la Primavera para<br />
piano y orquesta en Sol Mayor, op. 76 / Peter Aronsky, piano.<br />
Radio-Sinfonieorchester Basel. Jost Meier y Matthias Bamert,<br />
dirección / TUDOR / Ref.: TUDOR 7035 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Cuarteto de cuerdas<br />
No. 1 en Re menor, op. 77; Cuarteto de cuerdas No. 7 en Re<br />
Mayor Die schöne Müllerin, op. 192 No. 2 / Quartetto di Milano<br />
/ TUDOR / Ref.: TUDOR 7079 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Cuarteto de cuerdas<br />
No. 2 en Do menor Suite Älterer Form, op. 90; Cuarteto de<br />
cuerdas No. 6 en La Mayor, op. 90 / Quartetto di Milano / TU-<br />
DOR / Ref.: TUDOR 7116 (1 CD) D2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sonata para violín y piano<br />
No. 1 en Mi menor, op. 73; Sonata para violín y piano No.<br />
3 en Re Mayor op. 128; Sonata cromática para violín y piano<br />
en Sol menor (Sonata No. 4), op. 129 / Ariadne Daskalakis,<br />
violín. Roglit Ishay, piano / TUDOR / Ref.: TUDOR 7122 (1<br />
CD) D2<br />
WEINGARTNER~ Obertura Aus ernster Zeit;<br />
Sinfonía nº 5<br />
777101-2<br />
SPOHR ~ Complete symphonies, vol. 1<br />
777177-2<br />
ENNA ~ Heiße Liebe<br />
777250-2<br />
KIEL ~ Integral de cuartetos con piano<br />
777076-2<br />
JOSEPH JOACHIM RAFF (1822-1882): Sonatinas para violín<br />
y piano, op. 99; Seis Fragmentos de Salón para violín y piano,<br />
op. 85 / Michaela Paetsch Neftel, violín. Eric Le Van, piano<br />
/ TUDOR / Ref.: TUDOR 7129 (1 CD) D2 diverdi . com<br />
35
36 diverdi siglos XIX & XX<br />
Sonrisas y variaciones<br />
Obras orquestales de Reznicek<br />
por Michail Jurowski en CPO<br />
Jean Marie Viardot<br />
Ya nos hemos ocupado en diversas ocasiones –la última,<br />
en el boletín nº 142, a propósito de dos de sus<br />
sinfonías– de la obra orquestal de Emil Nikolaus von<br />
Reznicek (1860-1945). Con el extrovertido Michael<br />
Jurowski al frente de una rutilante Sinfónica de la<br />
WDR de Colonia, CPO prosigue su andadura por el<br />
legado musical del autor de Caballero Barba Azul.<br />
El verbo alegre y desenfadado de Reznicek fluye<br />
a lo largo de Una Obertura de comedia, chispeante<br />
página de 1895 dedicada a su compañero de<br />
estudios y futuro cuñado Felix von Weingartner y<br />
prima hermana de la obertura de Donna Diana, su<br />
ópera de tema español estrenada con gran éxito en<br />
Praga un año antes. Pero si esta piececita puede<br />
considerarse, pese a su encanto, menor en la producción<br />
del músico vienés, la que le sigue –Tema y<br />
variaciones sobre el poema “Historia trágica” de Chamisso–<br />
nos devuelve al magnífico alquimista sonoro<br />
de las portentosas Schlemihl y Der Sieger, grabadas<br />
anteriormente por el mismo sello. Como éstas, el<br />
poema sinfónico que estrenara Furtwängler en <strong>diciembre</strong><br />
de 1921 incluye una voz (en este caso la de<br />
bajo) al final de la obra. En medio, un deslumbrante<br />
trabajo de metamorfosis sobre un delicado tema<br />
que atraviesa, ataviado con los más refinados ropajes<br />
instrumentales, marchas fúnebres, danzas campesinas,<br />
escenas de caza y nocturnos sensuales.<br />
En idéntica línea de excelencia se desarrolla la tercera<br />
(y más dilatada) partitura, Variaciones sinfónicas<br />
sobre Kol Nidrey, fechada en 1929 y que Reznicek nunca<br />
llegaría a escuchar. La conocida melodía judía ya<br />
empleada por Max Bruch en 1880 para construir su<br />
Kol Nidrey sirve al vienés para demostrar su extraordinario<br />
dominio en el campo minado de la variación.<br />
Un trabajo emparentado temáticamente con su ópera<br />
Holofernes, estrenada en 1923, cuyas rutilantes filigranas<br />
tímbricas evocan por momentos a Mahler,<br />
Strauss y Schreker.<br />
EMIL NIKOLAUS VON REZNICEK (1860-1945): Eine Lustspiel-Ouvertuere;<br />
Thema und Variationen nach einem Gedicht<br />
von Chamisso; Symphonische Variationen über Kol Nidrey.<br />
BONUS: Reznicek dirige Reznicek: Eine Lustspiel-Ouvertuere<br />
(1922); Ouvertuere aus Donna Diana (1922)<br />
WDR Sinfonieorchester Köln. Michail Jurowski, dirección /<br />
CPO / Ref.: 777047-2 (1 CD) D2<br />
El sinfonismo suave<br />
Martyn Brabbins dirige la Primera<br />
de Elgar para GLOSSA<br />
José Alberto Pérez Díez<br />
Sir Edward Elgar fue un sinfonista tardío, un poco<br />
à la Brahms, con quien frecuentemente se le ha<br />
comparado, y no sólo porque ambos llegaran a la<br />
madurez antes de publicar sus primeras sinfonías.<br />
Las tres del inglés no ocupan, a mi modo de ver,<br />
un lugar central en su corpus más conocido, lugar<br />
destinado a cinco obras mucho más tocadas, grabadas<br />
y amadas, es decir, sus Variaciones Enigma,<br />
el Concierto para violonchelo, el Concierto para<br />
violín, las cinco marchas “militares” de Pompa y<br />
circunstancia y su oratorio El sueño de Geroncio,<br />
sobre el texto del católico cardenal Newman. Esta<br />
Primera sinfonía, estrenada por su dedicatario, el<br />
campeón wagneriano Hans Richter, el 3 de <strong>diciembre</strong><br />
de 1908 en Manchester con la Hallé, se articula<br />
en torno a temas melódicos sedosos y muy líricos,<br />
acordes al suave y terso sinfonismo inglés que bebe<br />
de fuentes posrománticas.<br />
La carnosa interpretación del poco conocido<br />
–pero muy prometedor– Martyn Brabbins al frente<br />
de la Orquesta de la Radio Flamenca me parece,<br />
a todas luces, inmejorable en su calidad y<br />
autenticidad. Tras el gran preludio al oratorio El<br />
Reino, de bíblicos acentos, en la sinfonía logra<br />
componer un conjunto de admirable equilibrio,<br />
ya desde la melódica y apacible introducción, y<br />
sostiene una sólida construcción en el desarrollo<br />
temático de la pieza que va surgiendo del tema inicial.<br />
El soberbio Adagio, pieza capital de la obra,<br />
cuyo arranque por un momento recuerda a la famosa<br />
variación Nimrod de las Enigma, es de una<br />
emotividad casi sobrecogedora; Brabbins convoca<br />
aquí toda la magia nostálgica de estas melodías<br />
tan inglesas, y culmina la gesta con un<br />
Lento-Allegro pleno de inspiración. En definitiva,<br />
una interpretación antológica que se encarna en un<br />
SACD de sonido transparente que en modo alguno<br />
debe perderse el melómano anglófilo.<br />
EDWARD ELGAR (1857-1934): The Kingdom;Sinfonía No. 1<br />
Flemish Radio Orchestra. Martyn Brabbins, dirección /<br />
GLOSSA / Ref.: GCDSA 922204 (1 SACD) D1<br />
Entre la religiosidad, el<br />
nacionalismo y Wagner<br />
La Leyenda de Santa Isabel, gran<br />
oratorio de Franz Liszt en CPO<br />
Caronte<br />
Pocas personalidades de la historia de la música tuvieron<br />
una relación tan desequilibrada y crítica<br />
con la religión como Franz Liszt. Su relación con<br />
el piano y la música sinfónica muestran permanentemente<br />
ese ideal de músico romántico y apasionado<br />
tan arquetípico de la convulsa Europa del<br />
siglo XIX. La Leyenda de Santa Isabel es un oratorio<br />
muy a la medida de sus más profundos sentimientos.<br />
Compuesto sobre un libreto de Otto<br />
Roquette, su creación fue inspirada por unos frescos<br />
en el castillo de Warburg. Santa Isabel, princesa<br />
de Hungría, optó, desde su riqueza, por el<br />
modelo franciscano de dejarlo todo, y dedicarse a<br />
los pobres, elevándose así como un símbolo de<br />
gran calado en la cultura de su país. Liszt, que apenas<br />
vivió en su patria pero se sintió siempre muy<br />
cerca de ella, dedicó su más famoso oratorio a este<br />
piadoso personaje.<br />
Curiosamente, la obra tiene como coordenadas<br />
espaciales las tres ciudades que marcarían, de<br />
alguna manera, su biografía artística, personal y espiritual.<br />
Comenzada en 1857 en Weimar –donde<br />
su relación con el pensamiento wagneriano sería<br />
mucho más que un préstamo estético–, terminada<br />
en 1862 en Roma –ciudad en la que el Papa Pío<br />
IX acostumbraba a deleitarse con sus improvisaciones<br />
mientras él reafirmaba sus intenciones clericales–,<br />
y finalmente estrenada en 1865 en<br />
Budapest: ¿qué mejor ciudad para ensalzar la figura<br />
de Santa Isabel?<br />
La interpretación dirigida por Carl St Clair<br />
mantiene el interés durante las más de dos horas<br />
que dura esta página llena de fervor religioso, citas<br />
de nostalgia manifiestamente nacionalista y el<br />
más puro discurso armónico y narrativo del Wagner<br />
romántico y legendario, el del Lohengrin,<br />
Tannhäuser o el Holandés.<br />
FRANZ LISZT (1811-1886): Die Legende von der Heiligen Elisabeth<br />
(La Leyenda de Santa Isabel)<br />
Solisten des MDR Kinderchores. Chor Die Ameisenkinder<br />
des Goethegymnasiums Weimar. Chor des Ungarischen<br />
Rundfunks. Staatskapelle Weimar. Dir.: Carl St. Clair / CPO /<br />
Ref.: 777339-2 (2 CD) D2 x 2
Sueño y ensueño<br />
La obra para chelo y piano<br />
de Fauré, por Ophélie Gaillard<br />
Qué gran músico este Gabriel Fauré, un poco emparedado<br />
por sus antecesores y sus consecuentes<br />
estilísticos, paralelo a un impresionismo que a<br />
veces lo eclipsa a la hora de mencionar los mejores<br />
logros de la época. De una formación impecable,<br />
dueño de unos recursos técnicos que le permiten<br />
expresar con una elegancia única unos sentimientos<br />
que pueden llegar a ser arrebatadores, sobre<br />
todo, claro está, en su obra de cámara, que es donde<br />
mejor luce su extraña –y única– mezcla de espiritualidad<br />
y de sensualidad, de lirismo y de drama<br />
íntimo pero discreto siempre. Es uno de esos compositores<br />
que nos ponen frente a la belleza de una<br />
forma más evidente y, a la vez, más, por así decir,<br />
honesta. Sueño y ensueño, un sentido del gusto<br />
que trasciende el equilibrio que se le supone a la<br />
música francesa para arrebatarse a través del estilo.<br />
Algo de eso es el arte.<br />
Este disco nos ofrece la casi totalidad –sólo<br />
falta la brevísima Sérénade– de su obra para violonchelo<br />
y piano, un territorio en el que estaba a gusto<br />
y que permite disfrutar todas sus cualidades.<br />
De la mano maestra de Ophélie Gaillard y Bruno<br />
Fontaine, desfilan por él las dos sonatas de plena<br />
madurez, es decir, contemporáneas de sus grandes<br />
obras de cámara –el Quinteto nº 2, el Cuarteto–,<br />
que revelan lo que esa vida cumplida pasaba entonces.<br />
A su lado, las piezas de salón –Elégie, Romance,<br />
Papillon, Sicilienne–, ésas en las que la<br />
elegancia nunca aparece como convencional sino<br />
como inherente a cualquier destino que el autor quisiera<br />
darle a su obra, como una cualidad de la que<br />
le resultaba imposible despojarse. Y, cómo no, su<br />
gran canción Après un rêve, en la transcripción de<br />
Pablo Casals. Precioso.<br />
siglos XIX & XX 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Pablo Batallán<br />
GABRIEL FAURÉ (1845-1924): Integral de obras para violonchelo<br />
y piano<br />
Ophélie Gaillard, violonchelo. Bruno Fontaine, piano (CD<br />
Catálogo <strong>2007</strong>) / AMBROISIE / Ref.: AM 130 (1 CD) D5<br />
Un retrato acabado<br />
Música coral del bretón Jean Cras,<br />
en TIMPANI<br />
Santiago Salaverri<br />
En 1995 ese infatigable escudriñador de los rincones<br />
olvidados del inmenso y apasionante repertorio<br />
francés a caballo entre los siglos XIX y XX que<br />
es Stéphane Topakian, editor de Timpani, publicaba<br />
un primer disco dedicado a la obra del marino<br />
militar bretón Jean Cras, quien, a diferencia de<br />
Rimski o Roussel, que abandonaron la Marina para<br />
consagrarse a la música, supo simultanear sendas<br />
carreras de modo brillante, pues alcanzó el grado<br />
de contraalmirante sin dejar, a lo largo de su no larga<br />
vida, de cultivar un quehacer creativo, lógicamente<br />
no muy abundante pero de amplio vuelo<br />
poético, excelente factura técnica y variedad de géneros.<br />
Las mélodies contenidas en aquel álbum daban<br />
fe de la extraordinaria sensibilidad, el gusto<br />
por el exotismo, helenista u oriental, y el buen hacer<br />
compositivo del que fuera discípulo de Henri<br />
Duparc; y a aquel disco sucedieron otros dedicados<br />
a la obra pianística, orquestal y de cámara, y a<br />
su única ópera, Polyphème. Ahora, redondeando el<br />
retrato, se nos ofrece, en grabación de la pasada<br />
primavera, toda su obra coral sacra y profana –a cappella,<br />
con voz solista o con acompañamiento de órgano–,<br />
más la marcha nupcial para órgano que<br />
compusiera en 1904 con destino a sus propios esponsales.<br />
Las composiciones recorren un largo<br />
cuarto de siglo, desde su Panis Angelicus de 1899 para<br />
soprano y órgano hasta Dans la montagne, cinco<br />
piezas para coro masculino fechada en 1925. Junto<br />
a esta obra de tema profano, pero transida de espíritu<br />
religioso, amor por la naturaleza y nostalgia<br />
del paisaje y las tradiciones de su Bretaña natal,<br />
destaca la Misa para cuatro voces a cappella, compuesta<br />
entre 1907 y 1908, obra despojada, esencial, próxima<br />
en espíritu al Requiem de Fauré. Le Madrigal<br />
de Paris dirigido por Pierre Calmelet, junto a solistas<br />
vocales e instrumentales, son cooperadores<br />
necesarios a tan íntimo disfrute.<br />
JEAN CRAS (1879-1932): Música coral, para voz y para órgano<br />
Sophie Marin-Degor, soprano. Pierre Farago & Vincent Rigot,<br />
órgano. Catherine Montier, violín. David Lauer, tenor. Le<br />
Madrigal de Paris. Pierre Calmelet, dirección / TIMPANI /<br />
Ref.: 1C1120 (1 CD) D2<br />
IBERIA<br />
albéniz /<br />
guerrero<br />
“Estamos ante uno de los discos<br />
del año”<br />
Javier Pérez Senz/El País<br />
“La Iberia de Albéniz/Guerrero es<br />
el punto en que converge el genio<br />
de dos grandes visionarios”<br />
Stefano Russomanno<br />
Orquesta Sinfónica de Galicia<br />
José Ramón Encinar<br />
GSP 98006<br />
diverdi . com<br />
37
Henry-Louis de La Grange<br />
38 diverdi entrevista<br />
El profesor Henry-Louis de La Grange es el más<br />
eminente biógrafo de Gustav Mahler del mundo.<br />
Su monumental monografía es, sin lugar a dudas,<br />
una de las más extraordinarias de nuestro tiempo<br />
en su campo. Desgraciadamente todavía no ha<br />
sido traducida al castellano, lo cual no ha impedido<br />
que la edición original francesa y la revisión<br />
inglesa en cuatro volúmenes, todavía en marcha,<br />
constituyan una referencia para el mundo mahleriano<br />
hispanoparlante. Su meticuloso método de<br />
investigación es además bien conocido entre nosotros<br />
gracias al único de sus libros traducido a<br />
nuestro idioma: Viena, una historia musical, así<br />
como por sus numerosísimas notas para grabaciones<br />
discográficas.<br />
Es imposible resumir los logros de Henry-<br />
Louis de La Grange en pocas palabras. Brevemente<br />
recordar que estudio música en Yale y Paris y que<br />
entró en contacto con la música de Mahler en la<br />
década de los 50, estudiando su vida y obra hasta<br />
la actualidad. Paralelamente ha sido organizador<br />
de festivales musicales, cofundador junto con Maurice<br />
Fleuret de la Bibliothèque Musicale Gustav<br />
Mahler y ha sido distinguido con numerosos honores,<br />
incluido el de “Caballero de la Orden de la<br />
Legión de Honor”. Pero por encima de todo es un<br />
hombre cercano y generoso, siempre dispuesto a<br />
compartir sus conocimientos y experiencias con<br />
cualquier entusiasta mahleriano.<br />
Henry-Louis de La Grange<br />
“Mahler nunca me ha defraudado”<br />
Entrevista con el gran especialista mundial en la vida y la obra de Gustav Mahler<br />
GUSTAV-MAHLER.ES: Antes de nada debo felicitarle<br />
por la inminente aparición del cuarto volumen<br />
de su gran biografía, que nos consta que es<br />
esperado ansiosamente por el mundo mahleriano.<br />
Había surgido el rumor de que estaría disponible<br />
este verano pero el sitio web de Oxford<br />
University Press, anuncia su publicación para enero<br />
del 2008. ¿Le importaría decirnos la fecha definitiva<br />
de aparición?<br />
DE LA GRANGE: La aparición en Inglaterra estaba<br />
planeada originalmente para el 25 de noviembre,<br />
un mes antes que la edición Americana. Pero<br />
ahora está previsto que ambas aparezcan el mismo<br />
día, 3 de enero de 2008.<br />
GM.ES: Se sabe que el volumen no sólo incluye todos<br />
los hechos sucedidos durante el periodo estadounidense<br />
del compositor sino también un<br />
sustancial número de apéndices relacionados con<br />
el conjunto de la vida y de la obra mahleriana. ¡Sin<br />
duda ha sido un reto extraordinario! ¿Podríamos<br />
decir que nos encontramos ante su volumen más<br />
ambicioso y definitivo? ¿Cuántos años le ha dedicado<br />
desde la aparición del tercer volumen?<br />
d.L.G.: El volumen precedente apareció en el 2000<br />
así que me temo que he necesitado seis largos años<br />
para completar este cuarto volumen, pero realmente<br />
contiene una extraordinaria cantidad de<br />
material nuevo.<br />
GM.ES: ¿Podría darnos alguna exclusiva sobre<br />
sus últimas investigaciones en este período de la<br />
vida de Mahler?¿Cuáles considera que son sus<br />
aportaciones o descubrimientos más interesantes?<br />
d.L.G.: Sin duda, de forma individual, la cuestión<br />
más importante la constituye la correspondencia<br />
intercambiada entre Alma Mahler y su amante<br />
Walter Gropius. Únicamente menos de la mitad de<br />
las cartas habían sido ya publicadas en la biografía<br />
del arquitecto. Introducir estas apasionadas<br />
cartas en el texto de mi nuevo volumen constituyó<br />
un gran reto, pues se conservan totalmente desordenadas,<br />
prácticamente la totalidad sin datar,<br />
y por si fuera poco no pueden ser fotocopiadas. El<br />
extraordinario valor de esta correspondencia radica<br />
en que contiene muchísima información nueva<br />
sobre Mahler, su obra, sus conciertos y sobre la<br />
atención constante y las clases de composición<br />
que impartía a su mujer. Gracias a estas cartas se<br />
hace evidente que el cambio de actitud de Mahler<br />
hacia ella dio sus frutos y Alma cada vez se sentía<br />
más y más cerca de él. De hecho ella nunca dejaba<br />
pasar la oportunidad de decirle a Gropius, que<br />
se desesperaba al otro lado del Atlántico, lo muy<br />
feliz que se sentía al lado de un marido tan atento<br />
a la vez que gran director. Por extraño que parezca<br />
uno acaba sintiendo verdadera lástima por Walter<br />
cuando escribe: “Ahora siento que él se ha<br />
convertido en el hombre para ti”. Todo parece indicar<br />
que por fin en esta etapa Alma fue totalmente<br />
consciente de la grandeza de Mahler como<br />
hombre y como artista. Muchos otros aspectos en<br />
este volumen son novedosos. La crónica de la carrera<br />
americana de Mahler ha sido desafortunadamente<br />
distorsionada, especialmente en la literatura<br />
musical americana, cuando esta etapa no fue en absoluto<br />
el triste y desastroso fracaso que tantos autores<br />
han descrito. Para Mahler fue una experiencia<br />
muy estimulante el abandonar el foso para pasar<br />
a tener una orquesta a su disposición con la cual<br />
dirigió un ingente repertorio de “vieja” y “nueva”<br />
música.<br />
GM.ES: ¿Es cierto que en este momento se encuentra<br />
inmerso en la revisión a fondo de su primer<br />
volumen, el único que resta por completar de los<br />
cuatro volúmenes planificados?<br />
d.L.G.: Este es un proyecto muy apasionante para<br />
mi, y muy probablemente mi última obra. Tal vez<br />
recuerdes que mi antiguo volumen anglo-americano<br />
(1973) concluía con el matrimonio de Mahler,<br />
mientras que la versión francesa paralela finalizaba<br />
con el comienzo del nuevo siglo: 1900. El nuevo<br />
primer volumen inglés finalizará con la llegada<br />
de Mahler a Viena. De esta manera la serie completa<br />
tiene esta estructura a mi juicio más lógica:<br />
1: El camino a Viena<br />
2: Viena I<br />
3: Viena II<br />
4: Nueva York<br />
Pablo Sánchez Quinteiro<br />
GM.ES: Volviendo al comienzo de su investigación<br />
¿Podría contarnos como empezó todo? Si no me<br />
equivoco fue en Nueva York en los 40.<br />
d.L.G.: Curiosamente todo comenzó en América<br />
en 1945 con la Novena Sinfonía, seguramente una<br />
de las más “difíciles” de todas las obras de Mahler.<br />
Acababa de llegar desde Francia a Nueva York<br />
para estudiar, cuando la noche siguiente acudí a un<br />
concierto en el Carnegie Hall dirigido por Bruno<br />
Walter. Como había tenido la fortuna de escuchar<br />
el debut de Walter en el Met en el 1941 con sus<br />
inolvidables interpretaciones de Fidelio y Don Giovanni,<br />
estaba tan entusiasmado por oírle de nuevo<br />
que compré una entrada sin molestarme en<br />
mirar el programa. En aquel momento todo lo que<br />
sabía sobre Mahler era que se le comparaba frecuentemente<br />
con Bruckner, que ambos compositores<br />
eran austriacos y que ambos habían escrito<br />
nueve largas sinfonías. No puedo decir que la Novena<br />
de Mahler fue una revelación inmediata pero<br />
sí que quedé asombrado, fascinado, incluso algo<br />
conmocionado con aquella música tan diferente de<br />
todo lo que había escuchado antes… Lo que mejor<br />
recuerdo es la asombrosa cantidad de grupetti<br />
en el Finale de la Novena; me sorprendían hasta el<br />
punto que me preguntaba como un compositor
Gustav Mahler<br />
podía haber elegido un motivo tan simple como material<br />
básico para un movimiento completo.<br />
GM.ES: ¿Decidió usted estudiar la música de Mahler<br />
en ese momento o bien posteriormente?<br />
d.L.G.: En poco tiempo compré todas las grabaciones<br />
y los libros sobre Mahler que cayeron en<br />
mis manos y pronto decidí que quería conocerlo<br />
todo acerca de él. Desafortunadamente mi alemán<br />
era todavía muy primitivo, pero varios libros, especialmente<br />
los de Alma, habían por suerte ya sido<br />
traducidos al inglés. Al avanzar en mi conocimiento<br />
del alemán me dediqué a buscar las versiones originales<br />
alemanas y artículos en periódicos y revistas<br />
contemporáneas. En ese momento ya había decidido<br />
escribir sobre Mahler, pero inicialmente con<br />
la única idea de escribir un breve libro en francés...<br />
Muy pronto empecé a seguir literalmente todas<br />
las huellas que Mahler había dejado en la tierra y<br />
a perseguir a todos aquellos amigos y parientes<br />
que habían sobrevivido al Holocausto. Pero por<br />
supuesto la música estaba siempre omnipresente;<br />
cuando y donde podía la escuchaba. Esto era para<br />
mí indispensable, pues obviamente justificaba mi<br />
elección de un compositor tan “impopular” y poco<br />
conocido para lo que gradualmente se estaba convirtiendo<br />
en un extenso libro.<br />
No debo dejar de decirte que antes de escribir<br />
una sola línea me sentí obligado a iniciar un<br />
dilatado y serio estudio de Armonía, Contrapunto<br />
y Análisis Musical. Durante cinco años me subordiné<br />
a la estricta disciplina de uno de los más<br />
famosos profesores de música de la época; Nadia<br />
Boulanger. Le quedaré eternamente agradecido<br />
por haber entendido perfectamente lo que yo necesitaba<br />
y deseaba aprender. Creo que lo que más<br />
le impresionaba de mí era la intensidad de mi pasión<br />
por la música.<br />
GM.ES: Su contribución fue esencial para identificar<br />
las numerosas falsedades y distorsiones que<br />
contienen los escritos de Alma Mahler. Ella era en<br />
ese momento una figura influyente en los Estados<br />
Unidos ¿Podría hablarnos sobre Alma? Usted estuvo<br />
en contacto con ella durante más de diez años;<br />
sabemos que le está muy agradecido por su ayu-<br />
entrevista 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
“Uno de los<br />
aspectos más<br />
fascinantes de Alma<br />
era su narcisismo, el<br />
cual era tan intenso<br />
que la había<br />
empujado a<br />
recuperar y destruir<br />
la mayoría de las<br />
cartas que ella<br />
había escrito a sus<br />
maridos y a su<br />
amante Kokoschka.”<br />
da, por eso tal vez no debe haber sido fácil para usted<br />
juzgar su papel como mujer de Mahler.<br />
d.L.G.: A mi juicio “juzgar” es algo que un biógrafo<br />
debería siempre evitar bajo cualquier circunstancia.<br />
Desde mi punto de vista la principal<br />
misión de un biógrafo es informar, identificar las<br />
fuentes más fiables, pero también contar una historia<br />
reviviendo personajes del pasado. También debería<br />
describir los lugares, encuentros, situaciones<br />
y hechos lo más imparcialmente posible... Los testimonios<br />
de los contemporáneos testigos directos<br />
del biografiado también deben ser citados a fondo,<br />
incluso aunque difieran entre sí.<br />
En ocasiones nuevos documentos pueden<br />
cambiar nuestra visión de una persona o incluso<br />
de un período completo de la vida del “héroe”. Por<br />
ejemplo la correspondencia Alma-Gropius que<br />
mencioné anteriormente arroja una nueva luz sobre<br />
los años finales de la vida de Mahler. Frecuentemente<br />
se insinúa que aunque Alma durante la<br />
enfermedad definitiva de su marido se comportó<br />
como la mujer ideal, era consciente de que la enfermedad<br />
era mortal, con lo que probablemente estaba<br />
ya a la expectativa de una nueva vida con un<br />
joven amante. Pues bien, lo contrario es exactamente<br />
lo correcto. De hecho ella estaba torturada<br />
por el remordimiento del dolor que había infligido<br />
a Mahler durante el verano precedente. Aun<br />
más, ella estaba disfrutando plenamente de su vida<br />
marital en Nueva York. De hecho Alma no se casó<br />
con Gropius tras la muerte de Mahler, sino sólo tras<br />
cuatro años y principalmente porque ella quería un<br />
niño “cristiano”. El destino la castigó, pues el deseado<br />
niño murió al poco tiempo.<br />
Para mi sorpresa, pues Alma sin lugar a dudas<br />
no era una mujer agradable (Katia Mann la<br />
describió como carente de amabilidad), ella fue<br />
muy agradable conmigo, y colaboradora desde un<br />
principio. Yo tenía 28 años cuando la conocí y ella<br />
captó perfecta e inmediatamente la seriedad de<br />
mis intenciones así como mi devoción por Mahler.<br />
A su padre, el pintor Emil Schindler, ella siempre<br />
lo había descrito como un “monumento”. Bien,<br />
en 1952, cuando la conocí, Alma también se había<br />
convertido en un monumento. Desde luego impresionaba<br />
por su aspecto y por su pasado; había<br />
gustav-mahler.es<br />
Tengo el gusto de presentar a los lectores del<br />
boletín de <strong>Diverdi</strong> la web mahleriana gustavmahler.es.<br />
Dedicada exclusivamente al compositor<br />
y director austriaco Gustav Mahler, la<br />
página web ha sido creada principalmente<br />
para que todos los mahlerianos hispanoparlantes<br />
tengan un lugar al que dirigirse, así<br />
como para todos los melómanos o curiosos<br />
que deseen acercarse a la figura del genial compositor.<br />
Transcurrido poco más de un año desde<br />
su creación, gustav-mahler.es presenta una<br />
amplia variedad de contenidos: críticas y calendario<br />
de conciertos, artículos, reseñas e información<br />
sobre novedades discográficas,<br />
catálogo bibliográfico y videográfico, álbum fotográfico,<br />
y una cronología biográfica firmada<br />
por el Prof. Henry-Louis de La Grange,<br />
además de una minuciosa información sobre<br />
la obra del compositor con la inclusión de traducciones<br />
de los textos al castellano. También<br />
hay disponible un foro de discusión en donde<br />
pueden participar todos los visitantes que<br />
así lo deseen.<br />
No quisiera pasar por alto la deferencia<br />
y reconocimiento que la Internationale Gustav<br />
Mahler Gesellschaft (Sociedad internacional<br />
Gustav Mahler) ha tenido con gustavmahler.es.<br />
Concluyo agradeciendo a todas las<br />
personas que colaboran haciendo de esta página<br />
web una realidad, especialmente al apasionado<br />
mahleriano Pablo Sánchez Quinteiro,<br />
por su encomiable trabajo a lo largo de este último<br />
año.<br />
Manuel del Río<br />
39<br />
Alma Mahler
40 diverdi entrevista<br />
vivido muchos más años que su padre y por tanto<br />
había tenido gran cantidad de tiempo para recrear<br />
su imagen. Desafortunadamente tenía poco que<br />
decirme sobre su pasado que no estuviese ya escrito<br />
en sus libros... En ningún momento podía<br />
dejar de olvidar que me encontraba en presencia<br />
de la mujer a la que Mahler había amado tan apasionadamente.<br />
Uno de los aspectos más fascinantes de Alma<br />
era su narcisismo, el cual era tan intenso que la había<br />
empujado a recuperar y destruir la mayoría de<br />
las cartas que ella había escrito a sus maridos y a su<br />
amante Kokoschka. Afortunadamente para mí, había<br />
una excepción importante, sus cartas a Gropius,<br />
las cuales él nunca aceptó devolverle. Además<br />
ella debió destruir al menos algunas de las cartas de<br />
Mahler que sin duda no encontraba muy halagadoras<br />
hacia ella, y tachó pasajes de otras, aunque preservó<br />
cuidadosamente la mayor parte de sus diarios<br />
privados los cuales muestran una imagen muy diferente<br />
y seguramente más realista de su vida que<br />
sus libros y memorias.<br />
Conmigo Alma fue sin duda amable. Ella me<br />
permitió examinar los autógrafos de las partituras<br />
mahlerianas, los cuales guardaba en un armario de<br />
acero al lado de su cama hasta el momento en que<br />
las vendió, justo antes de morir. También me permitió<br />
fotografiar muchas cartas y documentos de su<br />
colección, permaneciendo siempre a mi lado mientras<br />
realizaba todas esas fotos.<br />
GM.ES: Hablemos ahora acerca de Mahler. Nadie<br />
conoce su vida mejor que usted. En cierta ocasión<br />
dijo que Mahler no sólo era un gran compositor, sino<br />
también un gran ser humano ¿Cómo lo describiría?<br />
d.L.G.: Hay tantos aspectos distintos en la personalidad<br />
de Mahler, que describirlo en pocas palabras<br />
es algo que no puedo ni intentar. Lo que sí puedo<br />
decir es que he leído biografías de muchos compositores<br />
y en más de una ocasión he visto que el comportamiento<br />
de los mismos era enormemente<br />
decepcionante. Mahler, sin embargo, nunca me ha<br />
defraudado. No puedo pensar en ningún momento<br />
de su vida en el que su comportamiento pudiese<br />
ser considerado como interesado o mezquino. Siempre<br />
estaba dispuesto a luchar a favor de sus queridos<br />
“Maestros” de música, tal como el Caballero<br />
armado en el Friso Beethoven de Klimt; un idealista,<br />
a veces irritable y de trato difícil, pero siempre<br />
con las motivaciones y las metas más nobles, y esto<br />
es sin duda la razón de que enfureciese tanto a Richard<br />
Strauss (quien, por desgracia, era tan reacio<br />
a comprometerse)<br />
GM.ES: Con el paso del tiempo, la vida y la personalidad<br />
de Mahler han dado origen a un considerable<br />
número de leyendas que usted ha tirado por<br />
tierra en su biografía. Es muy a menudo descrito<br />
como un hombre triste, obsesionado por la muerte<br />
e incapaz de disfrutar los aspectos más felices de<br />
la vida. Especialmente en sus últimos años es des-<br />
“Pronto empecé a seguir literalmente todas las huellas<br />
que Mahler había dejado en la tierra y a perseguir a<br />
todos aquellos amigos y parientes que habían<br />
sobrevivido al Holocausto. Pero por supuesto la música<br />
estaba siempre omnipresente; cuando y donde podía la<br />
escuchaba.”<br />
crito con frecuencia como un ser acabado, carente<br />
de autoridad y obsesionado por el temor a la muerte.<br />
En cualquier caso, esta es la imagen que uno percibe<br />
de él viendo el documental de Bernstein sobre<br />
la Novena Sinfonía titulado Cuatro formas de decir<br />
adiós. ¿Es correcta esta visión o podemos pensar<br />
por el contrario que Mahler no dejó de sentir un<br />
poderoso impulso por vivir?<br />
d.L.G.: A esta pregunta me gustaría contestar no con<br />
mis propias palabras sino con las de mi difunto y venerado<br />
amigo, el psicoanalista austríaco Erwin Ringel.<br />
Él nunca dejó de admirar y comentar la fuerte<br />
personalidad de Mahler, que atribuye a dos fuerzas<br />
que convivían dentro de él: por una parte, su “conocimiento<br />
de la muerte”, adquirido durante su infancia,<br />
cuando varios de sus hermanos murieron<br />
siendo niños, y por la otra su igualmente poderosa<br />
“consciencia del futuro”.<br />
GM.ES: Por cierto, ¿conoció usted a Leonard Bernstein?<br />
Frecuentemente es reconocido como el responsable<br />
del resurgir mahleriano. ¿Está de acuerdo con<br />
esto?<br />
d.L.G.: Estoy totalmente de acuerdo. Él nunca fue<br />
mi director mahleriano favorito ni tampoco comparto<br />
muchos de sus puntos de vista sobre Mahler<br />
como hombre, pero en mi opinión él es quizás la persona<br />
y el artista que más contribuyó al cambio de<br />
status de la música de Mahler. Aquellos que nieguen<br />
este hecho no hacen justicia a su memoria ni<br />
a la verdad. Nos vimos a menudo y nunca dejó de<br />
decirme que le gustaría tener una “larga conversación”<br />
conmigo, pero pronto me di cuenta que eran<br />
sólo palabras amables. Bernstein se había formado<br />
una imagen personal de Mahler, una imagen que<br />
estaba modelada, me temo, sobre su propia personalidad.<br />
No tenía interés en ser confrontado con<br />
alguien que quizá supiera más sobre Mahler que él.<br />
GM.ES: Me atrevo a realizarle una difícil pregunta:<br />
¿Qué directores cree que han entendido mejor<br />
la obra de Mahler?<br />
d.L.G.: Esta es una pregunta de difícil respuesta,<br />
particularmente en esta etapa de mi vida. Después<br />
de pasar veinte años de mi vida realizando reseñas<br />
para la revista francesa Diapason sobre todas las<br />
grabaciones mahlerianas que iban apareciendo en<br />
ese tiempo, ahora ya no comparo versiones ni mucho<br />
menos señalo a ninguna de ellas como la “mejor”.<br />
Hay muchas maneras de dirigir a Mahler,<br />
ninguna de las cuales es “correcta” o “equivocada”.<br />
Desde luego sé si una versión me interesa o me motiva<br />
o cautiva, y eso es para mí lo más importante.<br />
En la actualidad el número de interpretaciones mahlerianas<br />
disponibles en disco es tan grande que es<br />
prácticamente imposible oírlas en su totalidad. Sí<br />
puedo decir que considero a Boulez un director<br />
mahleriano del máximo nivel. Para mí tiene una<br />
gran virtud: nunca añade o substrae nada de las par-<br />
tituras mahlerianas; las dirige tal como son y desde<br />
luego tiene el mejor oído que conozco para obtener<br />
el balance ideal entre sonoridades. Algunos sin<br />
embargo lo encuentran frío y “matemático”, pero<br />
yo creo que estas personas no han escuchado realmente<br />
sus grabaciones, y únicamente repiten un<br />
viejo y gastado cliché… Hace muy poco le escuché<br />
en Berlín una Tercera Sinfonía de lo más emotiva<br />
que jamás haya escuchado.<br />
Pero también admiro enormemente a Christoph<br />
Eschenbach, quien es un magnífico músico y uno<br />
de los más grandes mahlerianos de nuestro tiempo.<br />
Quizás lo que tengo más claro es si me disgusta<br />
una interpretación mahleriana, pero no te daré<br />
ningún nombre… Entre los pioneros todavía considero<br />
que probablemente Bruno Walter es el más<br />
grande y todavía adoro su Cuarta Sinfonía, la segunda<br />
obra de Mahler que yo escuché, en enero de<br />
1946. Pero también amo a Mitropoulos, Horenstein,<br />
y otros muchos. Willem Mengelberg también estuvo<br />
muy próximo a Mahler, aunque encuentro su<br />
grabación en vivo de la Cuarta nada convincente. Estoy<br />
seguro de que nunca hubiera dirigido en presencia<br />
de Mahler esta maravillosa obra de forma tan<br />
caricaturesca.<br />
GM.ES: Una cuestión especialmente controvertida<br />
respecto a Mahler es la cuestión religiosa. Judío,<br />
cristiano, panteísta, ateo… ¿Qué significaba la religión<br />
para Mahler?<br />
d.L.G.: Oskar Fried ha dado la mejor descripción<br />
“espiritual” de Mahler en un artículo publicado en<br />
los años 20. Retrata a Mahler como un “buscador<br />
de Dios”, un hombre a la búsqueda de Dios durante<br />
toda su vida. El panteísmo aparece en sus primeras<br />
obras, ya en la Tercera Sinfonía, pero también<br />
está presente al final de su vida en Das Lied von der<br />
Erde… La principal influencia espiritual sobre Mahler,<br />
lo que podríamos llamar su “gurú”, fue Siegfried<br />
Lipiner el cual es sin duda nuestra mejor fuente<br />
para entender la esfera religiosa y filosófica de Mahler.<br />
La figura de Cristo y la religión cristiana en su<br />
conjunto significaron mucho para él, creo que más<br />
que el judaísmo. Pero no creo que hubiera podido<br />
abrazar nunca una religión tradicional y organizada<br />
como su propia religión, bien cristiana o judía.<br />
GM.ES: Y la cuestión de su conversión. ¿Cree que<br />
Mahler sufrió algún tipo de remordimiento tal como<br />
algunos han afirmado?<br />
d.L.G.: Creo que Bernstein está totalmente equivocado<br />
a este respecto, de hecho he escrito un pasaje<br />
de diez páginas en mi cuarto volumen para explicar<br />
porqué discrepo de él tan rotundamente. El propio<br />
Mahler explicó su conversión: “No niego que me<br />
supuso un gran esfuerzo, de hecho podría decir que<br />
lo que me empujó a realizar tal acción fue un instinto<br />
de supervivencia. Pero interiormente no era especialmente<br />
reacio a la conversión.”
GM.ES: Después de dedicar tantos años de investigación<br />
a establecer la verdad sobre todo lo concerniente<br />
a la vida y obra de Mahler, ¿cuáles son los<br />
aspectos que todavía necesitan ser investigados o estudiados<br />
o las cuestiones que son realmente merecedoras<br />
de un estudio más a fondo?<br />
d.L.G.: ¡Si tuviese más tiempo podría encontrar<br />
muchísimos aspectos! Pero en este momento se me<br />
ocurre uno al cual planeaba dedicarle un apéndice<br />
de mi cuarto volumen pero que finalmente tuve que<br />
descartar, pues no encontré suficiente material:<br />
¡“Los instrumentos de la orquesta en tiempos de Mahler!”<br />
¿Eran diferentes de los nuestros? ¿Variaban<br />
mucho de un país a otro? ¿Se debería intentar reconstruir<br />
una orquesta mahleriana típica para revivir<br />
su sonido original? ¿Se deberían separar los<br />
primeros de los segundos violines? ¿Era realmente<br />
el vibrato una tradición posterior, desconocida en<br />
tiempo de Mahler, tal como algunos directores parecen<br />
hoy creer firmemente?<br />
GM.ES: Una última observación. Para el público español<br />
sin duda será grato conocer que usted ama mucho<br />
la música de Falla y que si no me equivoco<br />
conoce bien a su sobrina.<br />
d.L.G.: La sobrina y heredera del gran Manuel es de<br />
hecho una de mis amistades más cercanas y queridas.<br />
Gracias a ella di hace varios años dos conferencias<br />
en Madrid. Acudió bastante público y pronto<br />
fueron seguidas por la publicación de varios artículos<br />
en Scherzo. Maribel de Falla también llamó mi<br />
atención hacia un extraordinario y poco conocido<br />
artículo de Felipe Pedrell, el cual resulta haber sido<br />
uno de los “profetas” mahlerianos. También he disfrutado<br />
la amistad del compositor Luis de Pablo.<br />
Nota de la redacción<br />
Henry-Louis de La Grange © <strong>2007</strong><br />
La presente entrevista es una versión reducida de la que<br />
el lector interesado puede hallar acudiendo al sitio web<br />
gustav-mahler.es, un punto de encuentro inexcusable<br />
para todos los mahlerianos que se expresan en castellano.<br />
Queremos desde aquí manifestar nuestro agradecimiento<br />
a su director, Manuel del Río, a Pablo<br />
Sánchez-Quinteiro, autor y responsable de la entrevista,<br />
así como al propio Henry-Louis de La Grange, por<br />
su amabilidad al permitirnos reproducir su contenido<br />
en estas páginas.<br />
165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
“La crónica de la carrera americana de Mahler ha sido<br />
desafortunadamente distorsionada, especialmente en la<br />
literatura musical americana, cuando esta etapa no fue<br />
en absoluto el triste y desastroso fracaso que tantos<br />
autores han descrito.”<br />
“Chevalier” de La Grange<br />
José Luis Pérez de Arteaga<br />
Hace años, cuando las relaciones entre ambos eran, por decirlo con suavidad, “poco<br />
gratas”, Donald Mitchell se refería –y así aparece en varias ocasiones en Gustav Mahler:<br />
The Wunderhorn Years (Faber & Faber, Londres 1975)– a su colega francés como<br />
el “Baron de la Grange”; tal forma de dirigirse al musicólogo no pretendía ser respetuosa,<br />
antes al contrario. Pero, paradojas del saber, esa alusión a los orígenes aristocráticos<br />
de La Grange no hace sino justicia a la elegancia en el trato, la cortesía natural,<br />
la sapiencia sencilla y la cordialidad serena que son marchamo de la personalidad del<br />
erudito, al que tan perfectamente define Pablo Sánchez Quintero en la introducción<br />
a su espléndida entrevista: “un hombre cercano y generoso”.<br />
Henry-Louis de La Grange. 83 años, de los cuales más de 50 los ha dedicado, sin<br />
descanso y con pasión, al estudio de la figura de Gustav Mahler. No es un chiste o una<br />
frase exagerada: La Grange sabe tanto sobre Mahler como sólo Mahler ha podido conocer<br />
de sí mismo. A veces me hago una pregunta sin respuesta: ¿tenemos derecho a<br />
saber tanto sobre otras personas? Casi conocemos la vida sexual de Mahler de pe a<br />
pa, desde sus desahogos con cantantes de ópera –el, perdónese la expresión, “género”<br />
de consumo erótico que tenía más a mano– hasta las horas tristes de la aventura<br />
de Alma con Walter Gropius. El caso es que, cuando quien nos lo cuenta lo hace desde<br />
tal afecto, respeto y admiración por el biografiado, parece que existiese una evanescente<br />
bula sobre la materia. La Grange siempre te tiene en vilo con algunas de sus<br />
aportaciones o descubrimientos, y muchas veces te emociona con lo que te desvela.<br />
El último volumen de ese “opus magnum” indispensable que es su biografía de<br />
Mahler –es mucho más que una biografía, pero vamos a llamarlo así– contiene elementos,<br />
como siempre en La Grange, tan revolucionarios como esclarecedores. Y hay algo<br />
que sólo los que han tenido la fortuna enorme de conversar sobre Alma Mahler con<br />
el autor pueden entender: una suerte de armisticio, de pacificación, entre la viuda del<br />
compositor y La Grange. Nuestro hombre se ha pasado media vida, digámoslo con<br />
donosura, “poniendo a Alma en su sitio”, no por antipatía o encono, sino por prurito<br />
de científico: el tropel de inexactitudes que el cónyuge supérstite fue dejando, tras<br />
la muerte de Mahler, acerca de su marido y de su obra es, utilicemos otra expresión<br />
dulcificada, como poco colosal. Pero en este cuarto tomo –y aquí la publicación de los<br />
diarios del personaje a cargo de Antony Beaumont ha tenido tanta influencia como la<br />
edición de la correspondencia con Gropius– Alma, como el propio Mahler en esa fase<br />
final de su vida, adquiere una humanidad a ratos emotiva, con ese último año en América<br />
en el que el compositor recupera a su mujer. Alma deja de ser la, tantas veces vituperada,<br />
“pre-viuda alegre” que espera el desenlace para irse por fin con “el otro”, para<br />
mutarse en un ser humano que acepta y asimila el “amor nuevo” del marido y que adquiere<br />
definitivamente conciencia de la grandeza del personaje, por lo que el agravamiento<br />
de Mahler y su muerte la sorprenden/afectan como un mazazo. Por ello esa<br />
obsesión, casi conseguida, de que la posteridad ignorara la naturaleza de su relación<br />
con Gropius en vida de Mahler; de hecho, Anna, la hija, sólo se enteró de que su madre<br />
había sido amante del fundador de la Bauhaus en los años 80 del pasado siglo, por<br />
los trabajos de Reginald Isaacs en su biografía de Gropius. Y es, hermosa paradoja,<br />
La Grange, tantas veces “anti-Alma”, quien nos descubre esa parte última, esencial,<br />
de la historia.<br />
Obra “indispensable”, repitamos la idea. ¿Cuántas generaciones harán falta para<br />
que aparezca en castellano una edición de la obra de La Grange? Con la excusa de que<br />
“se puede leer” en francés o en inglés, ¿soslayaremos la vergüenza de que el texto (gigantesco,<br />
sí, o mejor: desde luego) más importante sobre Mahler esté virgen de traducción<br />
española? Lo peor –o sea, más que malo– es que ésta es también una pregunta<br />
sin respuesta.<br />
41
42 diverdi siglos XX & XXI<br />
Arcos y teclas para<br />
Nino Rota<br />
La obra para violín/viola y piano<br />
del músico transalpino<br />
Blas Matamoro<br />
En la apretada y veloz carrera de Nino Rota no<br />
podían faltar estas obras donde aparece la íntima<br />
relación entre el violín/viola y el piano. Dispersas<br />
por distintas fechas de su catálogo, las hay juveniles<br />
(1934, 1935, 1936, 1937) y de madurez (1969),<br />
con paradas en la década del cuarenta, es decir en<br />
el arranque de Rota como músico de cine y teatro,<br />
que es donde mejor se lo conoce. En todos los casos,<br />
se ha hallado un dedicatario solista al que dirigir<br />
la partitura.<br />
En términos generales, nuestro músico trabaja<br />
con el modelo de sonata heredado del romanticismo<br />
maduro: Brahms, para entendernos<br />
rápidamente. Pero también hay obras repentistas<br />
y breves, como el Intermedio para viola y piano y<br />
la improvisación para violín y piano Un diablo sentimental.<br />
No falta el aporte a un banda sonora fílmica,<br />
otra improvisación para Amantes sin amor,<br />
dirigido en 1947 por Gianni Franciolini sobre el relato<br />
de Tolstói La sonata a Kreuzer, uno de cuyos<br />
protagonistas es, según se sabe, un violinista.<br />
La estética de Rota puede adjetivarse de ecléctica<br />
y calificarse por la variada excelencia de sus escrituras.<br />
Aquí explota al máximo el lirismo de los<br />
arcos, su diálogo con el teclado, momentos de brillo<br />
ornamental a modo de comentarios, y constantes<br />
y aplicadas soluciones melódicas. Su armonía<br />
se mantiene en la claridad propia del neoclasicismo<br />
italiano que alimentó sus comienzos y se sostuvo<br />
a lo largo de sus años. Memoría romántica<br />
germana y nitidez latina hallan en tales ejercitaciones<br />
una síntesis meditada y feliz.<br />
NINO ROTA (1911-1979): Integral de obras para violín y piano.Integral<br />
de obras para viola y piano<br />
Marco Fornaciari, violín y viola. Gabriele Baldocci, piano /<br />
ARTS / Ref.: 47718-8 (1 SACD) D2<br />
De la Italia neoclásica<br />
Obras diversas de Franco<br />
Margola, en BONGIOVANNI<br />
Blas Matamoro<br />
La Italia musical del Novecientos conoció una interna<br />
polémica de interés. Se trataba de sacudir la<br />
fama de monopolio que la ópera tenía entre los<br />
italianos y que daba emblema nacional y aislamiento<br />
provinciano al arte sonoro de la península. Frente<br />
al éxito mundial de Puccini, Leoncavallo,<br />
Mascagni y demás operistas del llamado verismo,<br />
se plantearon alternativas. No iban contra la ópera<br />
sino contra su exclusividad. Así se retoma la tradición<br />
germanizante de Martucci y Catalani, se<br />
defiende el romanticismo con Pizzetti y Gian Francesco<br />
Malipiero, se acepta la maestría orquestal y<br />
armónica del impresionismo francés en Respighi<br />
y se cultiva un neoclasicismo con Casella, Busoni<br />
y Castelnuovo-Tedesco.<br />
Franco Margola (1908- 1992), nacido en Aquila,<br />
se adscribe a la línea de estos últimos. Entre las<br />
piezas aquí incluidas, es fácil de advertir su evocación<br />
del concerto grosso barroco en el Tríptico para<br />
arcos, en tanto el concierto de cámara clásico late<br />
al fondo de los dos Conciertos infantiles. La claridad<br />
de los planos y la limpidez económica de la<br />
redacción citan las opciones del segundo Stravinski<br />
y de los maestros italianos citados. En momentos<br />
del Nocturno y fuga la influencia clama por una<br />
armonía más ácida dentro del campo neoclásico,<br />
y aquí nos vamos hacia la Nueva Objetividad del<br />
Hindemith camarístico.<br />
La firma Bongiovanni, que editó en su tiempo<br />
las partituras de algunas obras margolianas, se<br />
ocupa ahora de grabarlas, siguiendo su acreditada<br />
política de poner al alcance del aficionado unos<br />
nombres u obras olvidadas de la cantera italiana.<br />
FRANCO MARGOLA (1908-1992): Kinderkonzerten Nos. 1 &<br />
2; Trittico para cuerdas...<br />
Ruggero Ruocco, piano. Irene Tella, violín. I Solisti Aquilani.<br />
Vittorio Parisi, dirección / BONGIOVANNI / Ref.: GB 5147-2<br />
(1 CD) D2<br />
Un oratorio laico<br />
Thyl Claes, de Wladimir Vogel,<br />
otro descubrimiento CPO<br />
Típica por sus sucesivos exilios, persecuciones políticas<br />
y encontradas solicitaciones estéticas, es la<br />
vida de Wladimir Vogel (1896-1984), músico del<br />
siglo XX. Nacido en la Rusia zarista, emigró en 1918<br />
a Alemania con su familia tras la revolución bolchevique.<br />
Enrolado en grupos de vanguardia, mantuvo<br />
siempre cierta distancia respecto a los dogmas<br />
artísticos del comunismo. No obstante, el nazismo<br />
lo obligó a nuevas emigraciones, por Holanda, Bélgica,<br />
Francia y, finalmente, Suiza.<br />
La formación profesional de Vogel también<br />
registra su paso por las arenas movedizas de su<br />
(nuestro, para unos cuantos) siglo. Recibió la temprana<br />
influencia, expresionista y sutilmente impresionista,<br />
cargada de desgarro eslavo y<br />
sensualismo latino afrancesado, de Scriabin. Busoni<br />
lo encuadró en el culto a la forma nítida del<br />
neoclasicismo. A un paso estaban Hindemith y la<br />
nueva objetalidad. Schönberg lo llevó hacia el atonalismo<br />
serial, que practicó Vogel sin dejar de escribir,<br />
entre medias de las series, acordes tonales.<br />
Esta riqueza de obediencias y cruzadas influencias<br />
se nota en el presente oratorio épico Thyl<br />
Claes, estrenado por Ernest Ansermet en Suiza<br />
en 1947. En él, con ancha libertad, Vogel echa mano,<br />
en tarea de sostenida eficacia, al canto hablado, a<br />
la recitación simplemente hablada con o sin fondo<br />
musical (melodrama y melólogo, por usar la<br />
nomenclatura clásica), a la narración y a una constante<br />
tarea relatora y climática de una orquesta<br />
manejada con extrema habilidad de efectos y timbres.<br />
En especial, cabe ir subrayando lo expresivo<br />
del coro que enuncia, con o sin canto, su presencia<br />
como un personaje de tragedia griega. La letra<br />
de la obra, debida a Charles de Coster, exalta a Till<br />
Eulenspiegel, no como al pícaro furtivo y gracioso<br />
de Richard Strauss, sino como a un héroe que<br />
lucha por la independencia flamenca en tiempos del<br />
imperialismo español.<br />
WLADIMIR VOGEL (1896-1984): Thyl Claes<br />
Blas Matamoro<br />
Eveline Didi, Jean Winiger, Marie-Thérèse Letornay. Choeur<br />
des XVI. Orchestra della Svizzera italiana. Luca Pfaff, dirección<br />
/ CPO / Ref.: 999960-2 (2 CD) D2 x 2
El destino de Panufnik<br />
ONDINE dedica un monográfico<br />
al autor de la Sinfonía de las esferas<br />
En el transcurso del convulso y a menudo terrible siglo<br />
XX, el destino de muchos músicos –de tantísimos<br />
seres humanos, pero estamos en una revista<br />
musical– fue la expulsión, la peregrinación, el exilio,<br />
cuando no la extinción violenta ante paredones o entre<br />
rejas y cercos de alambre electrizado. Algo de este<br />
siniestro lote le tocó también al polaco Andrzej Panufnik<br />
(1914-1991). Nacido varsoviano en una familia<br />
de músicos, a los nueve años ya supo componer.<br />
Estudió en su ciudad, en Viena, en Londres. Estuvo<br />
con los suyos durante la ocupación nazi, escribiendo<br />
himnos patrióticos para la Resistencia, bajo pseudónimos.<br />
Retomó su vida normal con la paz, debiendo<br />
emplearse en reconstruir sus obras, cuyas partituras,<br />
mayormente, habían sido destruidas durante la represión<br />
alemana contra la sublevación polaca. Se lo<br />
pudo oír en dúo de pianos con Lutoslawski, dirigiendo<br />
orquestas según las lecciones de Weingarten, viajando<br />
por Europa y Asia. Desconforme con la<br />
situación política de su país, se exilió en 1954 en Inglaterra,<br />
donde fue director de la orquesta de Birmingham.<br />
Su obra estuvo prohibida en Polonia hasta<br />
1977. En 1990, tras la caída del comunismo, volvió<br />
fugazmente a su tierra actuando en el Festival de Otoño.<br />
El arte de Panufnik ofrece una curiosa síntesis<br />
de expresionismo y clasicismo. Lo que aflora en sus<br />
partituras –de modo emblemático en su Sinfonía de<br />
esferas– es un temperamento eslavo propicio al desgarro<br />
patético y al gran gesto expresivo, pero todo<br />
está tratado con una nitidez de planos que sosiega el<br />
conjunto, le da solidez armoniosa y lo sitúa en una zona<br />
de remembranza propicia y apacible. Si bien la circunstancia<br />
hace de su Obertura heroica una velada muestra<br />
de patriotismo, en la Sinfonía sacra labora la peculiar<br />
manera polaca de vivir el catolicismo como liturgia popular,<br />
penumbrosa e interiorizada. Se advierte que,<br />
cerca o lejos de su terruño, Panufnik siempre habitó<br />
en algún lugar de esa Polonia portátil, inmarcesible y<br />
sonora cuyo mapa es una hoja pentagramada.<br />
ANDRZEJ PANUFNIK (1914-1991): Obras sinfónicas<br />
Tampere Philharmonic Orchestra. Dir.: John Storgårds / ON-<br />
DINE / Ref.: ODE 1101-5 (1 SACD) D1<br />
siglos XX & XXI 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Blas Matamoro<br />
Paraíso interrumpido<br />
Nueva grabación de Die ersten Menschen, la sorprendente única ópera<br />
de Rudi Stephan<br />
Totalmente desconocido para este cronista hasta hoy, el nombre de Rudi Stephan se suma a la lista<br />
de los olvidados de la edad de oro; a unos los fulminó el ángel exterminador de la historia, y otros<br />
subieron al cielo demasiado pronto (si se me permite el pequeño juego sobre algunos títulos de Buñuel).<br />
Stephan no tuvo tiempo de ser músico degenerado, ni se disipó en el Oriente (como Manfred<br />
Gurlitt, el autor del “otro” Wozzeck); a él se lo llevó la Primera Guerra Mundial, en una de cuyas trincheras<br />
murió, a los 28 años, en 1915. Aparece ahora en las muy meritorias grabaciones de Radio<br />
France (que nos ofreció en su momento la curiosísima Ivan IV de Bizet, el Ulisse de Dallapiccola o la<br />
magnífica versión de Armin Jordan de Una tragedia florentina de Zemlinsky), este Die ersten Menschen<br />
(Los primeros hombres), realizada por su autor entre 1909 y 1914 y estrenada póstumamente en<br />
Frankfurt el 1 de julio de 1920.<br />
Es algo más que la obra prometedora de un joven malogrado; compuesta con sensibilidad orquestal<br />
y una sabia concentración dramática en las cuatro únicas voces del reparto, Die ersten Menschen tiene<br />
un inconveniente que no le es peculiar, pues lo comparten, como es sobradamente sabido, grandes<br />
títulos de Haendel, de Rossini, de Janacék, por citar sólo tres nombres: un execrable libreto. Stephan<br />
se enamoró (los compositores no tienen por qué ser buenos críticos literarios) del homónimo “misterio<br />
erótico” de Otto Borngräber, una tragedia de lujuria y resentimientos mutuos encarnado por los<br />
primeros padres (aquí llamados Chawa y Adahm) y sus hijos, también progenitores nuestros, Chabel<br />
y Kajin, escrita para la escena en un lenguaje pomposo, hueco, cargado de pesados símbolos. Sujeto<br />
quizá a ese patrón literario, Stephan se aleja de la evanescente poética simbolista (tan atractiva en las<br />
óperas contemporáneas de Debussy, Chausson, Korngold o Zemlinsky), que asoma sin embargo en<br />
algunos de sus pasajes musicales, predominando en la partitura de Los primeros hombres una construcción<br />
wagneriana de grandes masas orquestales y largos monólogos líricos.<br />
Destacan en el buen registro de Radio France sus excelentes prestaciones vocales, y en especial la<br />
de Nancy Gustafson. El tenor wagneriano Wolfgang Millgramm confirma también su clase, aunque<br />
desde el punto de vista de la convicción dramática su voz resulte quizá un tanto engrosada para el papel<br />
del joven Chabel. En todo caso, la exploración de este paraíso perdido operístico vale la pena.<br />
RUDI STEPHAN (1887-1915): Die ersten Menschen<br />
43<br />
Leopoldo Baroja<br />
“Compuesta con sensibilidad orquestal y una<br />
sabia concentración dramática en las cuatro<br />
únicas voces del reparto, Los primeros hombres<br />
es algo más que la obra prometedora de un<br />
joven malogrado.”<br />
Nancy Gustafson, soprano. Franz Hawlatta, bajo. Wolfgang Millgramm, tenor. Donnie Ray Albert, barítono. Orchestre National<br />
de France. Sarah Nemtanu, violín solista. Kurt Masur, dirección (Grabación en directo, Salle Olivier Messiaen, París, Francia,<br />
24 de Enero de 2004) / NAIVE / Ref.: V 5028 (2 CD) D6 x 3<br />
Rudi Stephan
44 diverdi siglos XX & XXI<br />
JEAN SIBELIUS (1865-1957): El origen del<br />
fuego; Sandels... / Tommi Hakala, barítono.<br />
Tom Nyman, tenor.YL Male Voice Choir. Lahti<br />
Symphony Orchestra. Osmo Vänskä, dirección<br />
(Incluye siete grabaciones inéditas<br />
previamente) / BIS / Ref.: BIS 1525 (1 CD) D2<br />
GIRONA XXI: COMPOSITORS CATALANS,<br />
VOL. 1: Obras de Llamas i Rich, Suñer i Bover<br />
& Martinez Prat / Joan Carles Martínez<br />
Prat, guitarra. Eva del Campo, claved. Manel<br />
Valdivieso, dirección / COLUMNA MU-<br />
SICA / Ref.: 1CM 0173 (1 CD) D2<br />
CONLON NANCARROW (1912-1997): Estudios<br />
para piano mecánico, vol. 3, Nos. 31-<br />
41c / Bösendorfer-Ampico Player Piano &<br />
Fischer Grand Piano-Ampico Player Piano /<br />
MDG / Ref.: MDG 1405 (1 CD) D2<br />
DAVID DUNN (1953): Lorenz (2005); Autonomous<br />
and Dynamical Systems (2003);<br />
Nine Strange Attractors (2006); Gradients<br />
(1999) / David Dunn / NEW WORLD RE-<br />
CORDS / Ref.: 80660-2 (1 CD) D1<br />
EDWIN ROXBURG: Concierto para clarinete;<br />
Saturn / Linda Merrick, clarinete. RNCM<br />
Symphony Orchestra. Edwin Roxburg, dirección.<br />
Hertfordshire County Youth Orchestra.<br />
Peter Stark, dirección / NMC / Ref.: NMCD<br />
119 (1 CD) D2<br />
LORENZO PEROSI (1872-1956): Transitus<br />
Animae; O Padre Nostro / Orchestra Sinfonica<br />
Classica di Alessandria. Virgo Lauretana<br />
Loreto 2001. Dir.: Arturo Sacchetti /<br />
BONGIOVANNI / Ref.: GB 2421-2 (1 CD)<br />
D2<br />
MOISÈS BERTRAN: Variacions i Fantasia /<br />
León Giraldo, flauta. Paul-Henri Fischler,<br />
oboe. Elisabeth Isaza, clarinete. Leonardo<br />
Guevara, fagot. Bernardo Cardona, guitarra.<br />
Mac McClure, piano. Moisès Bertran, piano<br />
/ COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0172 (1<br />
CD) D2<br />
LOUIS-JAMES-ALFRED LEFÉBURE-WÉLY<br />
(1817-1869): Obras para órgano / Ben van<br />
Oosten, Cavaillé-Coll-Organ Eglise Sainte-<br />
Madeleine, Paris / MDG / Ref.: MDG 1278<br />
(1 CD) D2<br />
JOE JORDAN (1882-1971): From Barrelhouse<br />
to Broadway (20 canciones) / Bernadette<br />
Boerckel, soprano. Trevor Smith, tenor.<br />
The Paragon Ragtime Orchestra. Rick Benjamin,<br />
dirección / NEW WORLD RECORDS<br />
/ Ref.: 80649-2 (1 CD) D1<br />
STUART MACRAE: Concierto para violín;<br />
Two Scenes from the Death of Count Ugolino;<br />
Motus; Stirling Choruses / Birmingham<br />
Contemporary Music Group. Dir.: Susanna<br />
Mälkki / NMC / Ref.: NMCD 115 (1 CD) D2<br />
PIERLUIGI BILLONE (1960): 1+1=1 (Obras<br />
para clarinete bajo) / Petra Stump & Heinz-<br />
Peter Linshalm, clarinetes bajos / KAIROS /<br />
Ref.: 0012602 KAI (1 CD) D1<br />
FRANCES WHITE (1960): Centre Bridge:<br />
electroacoustic works / Ting, viola. Rinker<br />
Jr., contrabajo. Brown, shakuhachi. Kim, primer<br />
violín. Yoshioka, segundo violín. Cerutti,<br />
viola. Chapman, violonchelo. Paul<br />
Hostetter, dirección / MODE / Ref.: MODE<br />
184 (1 CD) D1<br />
DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975): Sinfonía<br />
No. 13 en Si bemol menor para bajo,<br />
coro & orquesta, op. 113 Babi Yar / Taras Shtonda,<br />
bajo. Czech Philharmonic Choir Brno.<br />
Beethoven Orchester Bonn. Roman Kofman,<br />
dirección / MDG / Ref.: MDG 1205 (1 CD)<br />
D2<br />
RALPH SHAPEY (1921-2002): Radical Traditionalism<br />
/ New York New Music Ensemble.<br />
Dir.: Robert Black / NEW WORLD<br />
RECORDS / Ref.: 80681-2 (2 CD) D1 x 2<br />
RICHARD BARRETT: Transmission-Elision /<br />
Richard Barrett, instrumentos electrónicos.<br />
Daryl Buckley, guitarra eléctrica. Benjamin<br />
Marks, trombón. Peter Neville, percusión.<br />
Susan Pierotti, violín. Carl Rosman, clarinete<br />
/ NMC / Ref.: NMCD 117 (1 CD) D2<br />
Novedades siglos XX & XXI<br />
MATTHIAS PINTSCHER (1971): En Sourdine;<br />
Tenebrae; Reflections on Narcissus / Frank<br />
Peter Zimmermann, violín. Christophe Desjardins,<br />
viola. Truls Mørk, violonchelo. Ensemble<br />
intercontemporain. NDR<br />
Sinfonieorchester. Matthias Pintscher, dirección<br />
/ KAIROS / Ref.: 0012582 KAI (1 CD) D1<br />
KORNGOLD (1897-1957): Sexteto en Re<br />
Mayor, Op.10. ZEMLINSKY (1871-1942): Dos<br />
movimientos para sexteto de cuerdas; Maiblumen<br />
blühten überal para soprano y sexteto<br />
de cuerdas / Juliane Banse, soprano.<br />
Wiener Streichsextett / PAN CLASSICS / Ref.:<br />
PAN 10120 (1 CD) D2<br />
ERIC TANGUY (1968): Conciertos para violonchelo<br />
Nos. 1 & 2 / Anne Gastinel, violonchelo.<br />
Orchestre national de France. Alain<br />
Altinoglu, dirección / NAIVE / Ref.:V 5078 (1<br />
CD) D2<br />
ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951): Pierrot<br />
lunaire op. 21. LUCIANO BERIO (1925-<br />
2003): Folk Songs / Stella Doufexis, voz,<br />
mezzosoprano. opus21musikplus. Maria<br />
Baptist, piano (Jazz Interludess). Konstantia<br />
Gourzi, dirección / NEOS / Ref.: NEOS 10709<br />
(1 CD) D1<br />
OPERA: New works for violin and piano<br />
(obras de Joe Cutler, Richard Causton, Joseph<br />
Phibbs, Bryn Harrison, Jonathan Powell &<br />
Morgan Hayes) / Darragh Morgan, violin.<br />
Mary Dullea, piano / NMC / Ref.: NMCD 108<br />
(1 CD) D2
El genio díscolo<br />
Nacido en Italia, pero criado en Brasil dentro de<br />
la tradición musical europea y establecido permanentemente<br />
en Montevideo, nacionalizado uruguayo<br />
en 1936, Guido Santórsola (1904-1994) fue<br />
uno de los compositores no guitarristas que se dedicaron<br />
con asiduidad al cultivo de la música para<br />
guitarra. Una gran novedad, característica del repertorio<br />
guitarrístico del siglo XX, que determinó<br />
que, por unas razones u otras (muchas veces por<br />
la obstinación insistente de un puñado de guitarristas),<br />
compositores como Heitor Villa-Lobos, Mario<br />
Castelnuovo-Tedesco, Alexandre Tansman,<br />
Manuel Ponce o Joaquín Rodrigo dedicaran parte<br />
sustancial de su talento a un instrumento que no<br />
era el suyo aupando la guitarra a una categoría<br />
nueva dentro del instrumentario musical. La incorporación<br />
entonces de la guitarra al repertorio<br />
concertante quedaba servida y todos los compositores<br />
citados –también Santórsola– contribuyeron<br />
tempranamente al repertorio para guitarra y<br />
orquesta. Hay puntos en común, como vemos,<br />
pero hay una diferencia muy notable: frente a la<br />
gran difusión de la música de aquellos compositores,<br />
la de Guido Santórsola ha merecido una<br />
atención mucho más escasa por parte de los guitarristas<br />
actuales. La razón fundamental de este hecho<br />
tiene que ver con el persistente peso del<br />
repertorio relacionado con Andrés Segovia, que<br />
nunca tocó obra alguna de Santórsola a pesar de<br />
haberle conocido y haber compartido con él ciudad<br />
durante casi una década (1936-1947) en la orilla<br />
uruguaya del Plata.<br />
Angelo Gilardino, que conoció a Santórsola,<br />
nos da en sus sabias notas al disco que ahora presentamos<br />
claves importantes para comprender el<br />
desencuentro entre Santórsola y Segovia, crucial<br />
en la difusión de la música del compositor. Tiene<br />
mucho que ver con un concurso de composición<br />
de una pieza para guitarra y orquesta promovido<br />
institucionalmente en Montevideo en 1942. No es<br />
difícil imaginar que, detrás de este concurso, debía<br />
haber influencias e intereses de Segovia y resulta<br />
extraño –o, más bien, significativo– que<br />
Santórsola se enterara sólo en el último momento<br />
de la convocatoria. No obstante, su Concertino<br />
siglos XX & XXI 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Música para guitarra de Guido Santórsola en STRADIVARIUS<br />
Javier Suárez-Pajares<br />
ganó el primer premio, pero Segovia no llegó a interpretarlo,<br />
cuando Santórsola había sido primer<br />
violín en su estreno del Concierto del Sur de Ponce.<br />
A partir de entonces, los genios de Segovia y<br />
Santórsola vivieron encontrados.<br />
Quien sí congenió, por lo menos durante ciertos<br />
años, con el compositor, fue Abel Carlevaro,<br />
cuyo estreno del Concertino inauguró una etapa<br />
de colaboración con Santórsola en la que Gilardino<br />
observa la depuración de su lenguaje guitarrístico.<br />
Al final, también partieron peras y Gilardino<br />
recuerda el desencanto y el escepticismo con que<br />
Santórsola vio a los guitarristas de su tiempo. No<br />
es que para ser interpretado sea preceptivo ser<br />
simpático, pero la simpatía siempre ayuda y la imagen<br />
proyectada por Santórsola ha sido un tanto<br />
antipática. Hoy presentamos un raro disco dedicado<br />
íntegramente a él por el guitarrista, paisano<br />
de su Italia natal, Antonio Rugolo –con quien ya<br />
no puede reñir– y somos conscientes de la injusticia<br />
porque, aunque estas piezas tardías del repertorio<br />
de Santórsola reflejan en sus ángulos no<br />
poco del genio díscolo del músico, son música valiosa<br />
y efectiva. En la obra de Santórsola se observa<br />
un punto de inflexión al serialismo en 1960 y,<br />
por ello, resulta muy interesante la comparación<br />
de su Chôro nº 1 de 1944, más convencional, con<br />
el excelente Valsa-Chôro de 1960 o el “Choro” inicial<br />
de las Cuatro piezas latinoamericanas de 1971<br />
que tiene en su abstracción del género popular<br />
bastante del Piazzolla guitarrístico. El repertorio<br />
se completa con la amplia y extraordinaria Sonata<br />
nº 2 “Hispánica” de 1971 y su Concerto a cinque<br />
para guitarra y cuarteto de cuerda firmado en 1978.<br />
Música poco frecuentada por los guitarristas actuales<br />
que conviene escuchar con mucha atención<br />
en la excelente interpretación acreditada por Rugolo<br />
en este registro.<br />
Guido Santórsola<br />
GUIDO SANTÓRSOLA (1904-1994): Música para guitarra<br />
Antonio Rugolo, guitarra. Quartetto Paul Klee / STRADIVA-<br />
RIUS / Ref.: STR 33777 (1 CD) D2<br />
45
46 diverdi siglos XX & XXI<br />
En lo más alto<br />
Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín, al frente de un monográfico<br />
KAIROS dedicado al joven Johannes Maria Staud<br />
Segundo monográfico que el sello Kairos dedica<br />
a Johannes Maria Staud (Innsbruck, 1974). El primero,<br />
publicado en 2003, se centraba principalmente<br />
en la música de cámara. Éste, en cambio,<br />
alterna tres piezas para gran plantilla con otras<br />
dos para instrumento solo. De las cualidades del<br />
joven compositor austríaco da fe la orquestal Apeiron<br />
(2004-5), sin duda la obra más ambiciosa del<br />
autor hasta la fecha, que llega aquí nada menos<br />
que en versión de la Filarmónica de Berlín bajo la<br />
batuta de Simon Rattle (¡!). Partitura de notable<br />
aliento expresivo y dramático, Apeiron muestra un<br />
gusto sonoro moderno pero no “excesivo”, tal vez<br />
teniendo en cuenta el perfil no precisamente vanguardista<br />
de los ilustres destinatarios. Más arriesgados<br />
suenan, en este sentido, Incipit III para<br />
trombón y orquesta (2005) y Violent Incidents para<br />
saxofón, vientos y percusión (2005/06), si bien el<br />
temperamento vigoroso de Staud le impide al músico<br />
regocijarse en radicalismos autocomplacientes<br />
y lo impulsa hacia una emotividad candente y<br />
cautivadora.<br />
De las dos piezas para instrumento solo, Peras<br />
para piano (2005) está concebida como complemento<br />
de Apeiron, en un emparejamiento<br />
marcado por tensiones contrapuestas demasiado<br />
desequilibrado para resultar convincente. Si Peras<br />
destaca por un cierto estatismo de marca feldmaniana,<br />
Toward a Brighter Hue para violín (2004)<br />
despliega una tensión y un dramatismo más acordes<br />
con la sensibilidad del músico. Staud se confirma<br />
como un autor dotado de indudable talento<br />
en el dominio de la instrumentación y en el manejo<br />
de la forma musical. Y cuando a uno le estrena<br />
la mismísima Filarmónica de Berlín, es casi innecesario<br />
decir que apunta alto.<br />
Simon Rattle<br />
JOHANNES MARIA STAUD: Apeiron; Incipit III; Towards a Brighter Hue; Violent Incidents; Peras<br />
Stefano Russomanno<br />
“Partitura de notable<br />
aliento expresivo y<br />
dramático, Apeiron es<br />
sin duda la obra más<br />
ambiciosa de Staud<br />
hasta la fecha, y llega<br />
aquí nada menos que<br />
en versión de la<br />
Filarmónica de Berlín<br />
bajo la batuta de<br />
Simon Rattle (¡!).”<br />
Berliner Philharmoniker. Sir Simon Rattle, dirección. WDR Sinfonieorchester. Lothar Zagrosek, dirección. Windkraft Tirol. Kasper<br />
de Roo, dirección. Marcus Weiss, saxofón. Uwe Dierksen, trombón. Marino Formenti, piano. Ernst Kovacic, violín / KAIROS<br />
/ Ref.: 0012672 KAI (1 CD) D1<br />
Caminar y caminar…<br />
La gran trilogía de Nono, en<br />
KAIROS<br />
Manuel Luca de Tena<br />
Hermosa e imprescindible joya discográfica que revela<br />
uno de los momentos más hondos y significativos<br />
de la música de las postrimerías del pasado<br />
siglo y de la vida creativa del propio Luigi Nono.<br />
“Caminante, no hay camino. Hay que caminar”, frase<br />
descubierta en un claustro toledano del siglo<br />
XIV, fue el detonante que indujo al compositor a<br />
tomar conciencia de la necesidad de “encontrar<br />
algo, pero sin certezas”, una energía en movimiento<br />
constante. La búsqueda “de algo que quizá no<br />
existe”, en referencia a Nostalgia, de Tarkovski, cineasta<br />
inspirador de No hay caminos, hay que caminar…Andrei<br />
Tarkovski (1987), está en esta obra<br />
escrita para siete grupos orquestales con la idea<br />
de crear recorridos dentro de un vasto espacio<br />
donde reina un profundo y esencial silencio; una<br />
compleja experiencia del tiempo al margen de su<br />
concepción utilitaria y de una intensa lentitud que<br />
se contrasta y señala con golpes dinámicos fortísimo.<br />
“Hay que caminar” sognando (1989), obra<br />
póstuma, escrita para dos violines, dibuja un recorrido<br />
a lo largo de ocho atriles estableciendo puentes<br />
de diálogo entre los dos intérpretes<br />
independientes y alejados físicamente para en su<br />
transcurso convertirse en un espiritual monólogo;<br />
un soñar despierto, necesariamente utópico. Caminantes…Ayacucho<br />
(1986-87) parte de tres referencias<br />
intelectuales: Machado, Ayacucho (Perú),<br />
como símbolo de la heroica resistencia al virrey<br />
español, y Giordano Bruno, condenado por la Inquisición,<br />
símbolo del viajero. Esta gran pieza mantiene<br />
un vínculo con Prometeo en su intenso, trágico<br />
viaje espiritual a los confines de lo audible en un<br />
inconmensurable espacio, tan mental como palpable,<br />
en donde la electrónica junto a la mezzo,<br />
los coros, el órgano, la flauta y tres grupos orquestales<br />
entran en ese “algo” de modo absolutamente<br />
sobrecogedor.<br />
LUIGI NONO (1924-1990): No hay caminos, hay que caminar...<br />
Andrej Tarkovskij; 'Hay que caminar' sognando; Caminantes...<br />
Ayacucho<br />
Arditti, Fabbriciani, Jennings, Otto / Experimentalstudio für<br />
akustische Kunst e.V. Solistenchor Freiburg. WDR Rundfunkchor<br />
Köln. WDR Sinfonieorchester Köln. Dir.: Emilio Pomárico<br />
/ KAIROS / Ref.: 0012512 KAI (2 CD) D2 x 2
Luigi Nono en Venecia<br />
La escucha despejada<br />
Los años transcurridos desde el estreno en 1984<br />
del Prometeo de Luigi Nono no han hecho sino ratificar<br />
la centralidad de esta anti-ópera –que el autor<br />
definió como “tragedia de la escucha”– en el<br />
panorama musical de finales del siglo XX. Un hilo<br />
conductor atraviesa toda la producción de Nono:<br />
el convencimiento de que, antes de cambiar la música,<br />
hay que cambiar al oyente. Ahí es donde gran<br />
parte de las veleidades de la vanguardia habían fracasado:<br />
en preocuparse por modificar los lenguajes<br />
sin preocuparse de cimentar una nueva<br />
percepción del sonido. Inmersos desde hace siglos<br />
en una cultura básicamente visual, nuestra escucha<br />
se ha reducido a un receptáculo de certezas, jerarquías<br />
y caminos asegurados de antemano.<br />
Para Nono, ningún cambio, ninguna revolución<br />
podía ser fructífera si al mismo tiempo no<br />
cambiaban los oídos del público. Por eso, para activar<br />
una percepción que fuera una apertura consciente<br />
hacia lo otro, desde finales de los años setenta<br />
el músico italiano empezó a concebir la composición<br />
como un espacio acústico diseminado de elementos<br />
mínimos, donde la utilización de<br />
instrumentos y voces en registros extremos, las<br />
dinámicas bajas, la subdivisión microinterválica,<br />
siglos XX & XXI 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
Sensacional registro de Prometeo, Tragedia dell'ascolto, “anti-ópera” de Luigi Nono, en COL LEGNO<br />
los sonidos armónicos y los multifónicos (procesados<br />
por medios electrónicos) conforman un universo<br />
de filamentos sonoros ambiguos.<br />
Prometeo compendia todas estas instancias<br />
estéticas en un trabajo amplio, laberíntico e inagotable.<br />
Cada objeto sonoro y cada fenómeno acústico<br />
pasan a constituir una revelación en sí mismos,<br />
pues no están orientados hacia ningún fin. Aquí no<br />
se cuenta ninguna historia, no habla ningún personaje,<br />
no existe puesta en escena alguna. El filósofo<br />
Massimo Cacciari se encargó de reunir textos<br />
procedentes de Ésquilo, Nietzsche, Rilke y Benjamin,<br />
entre otros. También en el aspecto musical,<br />
la obra se articula en fragmentos o “islas” sonoras<br />
de líquida y etérea factura, lamidos por el mar del<br />
silencio y atravesados por brisas estáticas. El resultado<br />
es una música intemporal, en donde laten<br />
los ecos transfigurados de los cori de Gabrieli o el<br />
lirismo depurado de Webern, a través de sonidos<br />
que parecen no tener ni comienzo ni final.<br />
La presente edición de Col legno se antoja<br />
modélica desde el punto de vista de la toma sonora,<br />
un aspecto absolutamente imprescindible. Las<br />
nuevas tecnologías del SACD permiten traducir el<br />
carácter pluridireccional de Prometeo con un gra-<br />
47<br />
Stefano Russomanno<br />
do de definición ausente en la anterior versión de<br />
Metzmacher (Emi-Ricordi). Asimismo, aquella<br />
grabación adolecía de otro grave problema. Al ser<br />
realizada en vivo, estaba salpicada constantemente<br />
por toses y ruidos del público, todavía más molestos<br />
por la utilización constante de dinámicas<br />
muy bajas.<br />
Esta nueva lectura dirigida en estudio por<br />
Paul Hirsch con la colaboración de André Richard<br />
–toda una autoridad en esta materia– cuenta por<br />
lo tanto con la ventaja, de entrada, de una milagrosa<br />
transparencia sonora, no manchada por la intrusión<br />
de ruidos ajenos: nada viene a estorbar el<br />
mágico hechizo de las atmósferas aquí recogidas.<br />
Desde el punto de vista estrictamente musical, el<br />
resultado es no menos satisfactorio. Los solistas<br />
del Ensemble Recherche y las huestes de las Orquestas<br />
de Friburgo y Baden-Baden ofrecen una<br />
prestación de primer orden. Para poder seguir el<br />
laberíntico desarrollo de la obra, Col legno añade<br />
una sustanciosa “partitura de escucha” de 113 páginas:<br />
no se trata de la partitura musical, sino de<br />
una guía que detalla paso a paso las intervenciones<br />
vocales con los respectivos textos y minutajes.<br />
No es algo imprescindible, pero su inclusión se<br />
agradece y redondea la que a partir de ahora va a<br />
ser la versión de referencia del Prometeo de Nono.<br />
LUIGI NONO (1924-1990): Prometeo, Tragedia dell'ascolto<br />
(1981/1985, para cantantes, narradores, coro, cuerdas solistas,<br />
vientos solistas, grupos orquestales e instrumentos electrónicos)<br />
Petra Hoffmann, Monika Bair-Ivenz, sopranos. Susanne Otto,<br />
Noa Frenkel, contraltos. Hubert Mayer, tenor. Sigrun Schell,<br />
Gregor Dalal, narradores. Solistenchor Freiburg. Solistenensemble<br />
des Philharmonischen Orchesters Freiburg. Solistenensemble<br />
des SWR Sinfonieorchesters Baden-Baden und<br />
Freiburg. ensemble recherche. Peter Hirsch, 1er director.<br />
Kwamé Ryan, 2º director / COL-LEGNO / Ref.: WWE 20605<br />
(2 CD) D1 x 2
48 diverdi siglos XX & XXI<br />
Penderecki, la serena<br />
desesperación<br />
Nuevo monográfico dedicado al<br />
gran autor polaco, en DUX<br />
Blas Matamoro<br />
Hábil en todos los géneros y dispositivos, Penderecki<br />
ofrece aquí dos conciertos o formas concertantes,<br />
más el segundo episodio de su inclasificable De<br />
Natura Sonoris (1971), suerte de búsqueda mítica<br />
acerca del origen del sonido, acaso la empresa constante<br />
del músico polaco. En efecto, Penderecki está<br />
siempre explorando las posibilidades inmediatas, táctiles<br />
si se quiere, atmosféricas, de la vibración sonora,<br />
como si la música empezara con él en un<br />
espacio vacío, a la manera como Aquel dijo la Palabra<br />
que dividió la luz de las tinieblas.<br />
En el Capricho (1967) para violín, aparte de<br />
mostrar su dominio del discurso violinístico, vuelve<br />
sobre la memoria del concierto romántico, trabajado<br />
como diálogo contrapuntístico entre solista<br />
y orquesta, a la manera como un sujeto interpela<br />
a una multitud poderosa y difusa, o un retrato individual<br />
se perfila sobre un fondo de aplastante<br />
complejidad climática. Otra es la solución del Concierto<br />
para piano “Resurrección” (2002), trufado<br />
de episodios virtuosísticos, pero que alterna el<br />
contrapunto piano-orquesta con la inclusión del<br />
piano en la orquesta misma, a la manera del piano<br />
sinfónico de Franck o Manuel de Falla. Es como<br />
si el individuo alternara su distancia con la inclusión,<br />
entendiendo, de nuevo, la orquesta como<br />
multitud. La maestría pendereckiana para diseñar<br />
fugaces formas melódicas y perderse y encontrarse<br />
en galaxias sonoras alternas, se descuenta y vuelve<br />
a probarse.<br />
Angustioso hasta una especie de sensualismo<br />
de la angustia, Pendrecki es capaz de organizar<br />
su religiosidad, de un catolicismo patético y<br />
eslavo, como la serena desesperación del creyente<br />
que atraviesa un mundo demoníaco, el de las<br />
crisis devastadoras del siglo XX. Su fe es resucitar<br />
como Cristo, tras el martirio que entrevé la serena<br />
bienaventuranza tras la serena desesperación.<br />
KRZYSTOF PENDERECKI: Capriccio para violín y orquesta<br />
(1967); De natura sonoris No. 2 (1971); Concierto para piano<br />
Resurrección (2001/2002)<br />
Patrycja Piekutowska, violín. Beata Bilinska, piano. National<br />
Polish Radio Symphony Orchestra Katowice. Krzystof Penderecki,<br />
dirección / DUX / Ref.: DUX 0582 (1 CD) D2<br />
Los mundos de Ferrari<br />
MODE reivindica la obra de uno de los grandes heterodoxos de la<br />
segunda mitad del siglo XX<br />
El interés por Luc Ferrari volvió a renacer unos<br />
años antes de su muerte, en agosto de 2005, gracias<br />
en parte a la fascinación de creadores multifacéticos<br />
como John Zorn o David Grubbs,<br />
quienes al margen de la “música culta” reeditaron<br />
y pusieron de nuevo en circulación varias<br />
obras importantes. Claro que en realidad Ferrari<br />
nunca encajó del todo en el panorama contemporáneo<br />
de su tiempo, a pesar de ser uno de los<br />
máximos adalides de la música concreta y cofundador<br />
con Pierre Schaeffer del Groupe de Recherche<br />
Musicale: de personalidad lúdica y risueña,<br />
absolutamente intuitiva y amante de la provocación<br />
inteligente, nunca comulgó con escuelas y<br />
dictados que coartaran lo más mínimo su libertad.<br />
Es cierto que estuvo donde y con quien había<br />
que estar en cada momento, con Messiaen, más tarde<br />
en Darmstadt con Stockhausen, Boulez o Kagel,<br />
después con Cage o Schaeffer, tocando sucesiva<br />
o alternativamente los palos de la electroacústica,<br />
la tonalidad, la atonalidad, la improvisación, la repetición<br />
minimalista... Ferrari absorbió influencias<br />
para crear un universo personal y de rara<br />
sensualidad sonora, sin dejar de afirmar en los sesenta<br />
que le gustaba el pop, y los Beatles en especial,<br />
o en los noventa el techno, por la reacción<br />
gestual inmediata y las mezclas en tiempo real de<br />
los Dj’s. Al caleidoscópico Luc Ferrari el sello<br />
Mode dedica ahora una serie de volúmenes, el primero<br />
de los cuales no podría resultar más atractivo<br />
para el melómano sin prejuicios al incluir dos<br />
composiciones que permiten asomarse a facetas tan<br />
relevantes de su producción como la vocal e instrumental<br />
y la “concreta”.<br />
Chansons pour le corps es una suite de cuatro<br />
canciones con interludios intrumentales referidas<br />
a partes del cuerpo femenino, a los ojos, las manos,<br />
los senos y el sexo, con una quinta pieza a manera<br />
de recapitulación afectiva, Canturreos en el<br />
silencio. La obra surge de entrevistas con desconocidas<br />
encontradas al azar en un parque, cuyas respuestas<br />
grabadas fueron reelaboradas en estudio<br />
y diseminadas a manera de fugaces presencias. La<br />
novelista Collette Fellous escribiría con ese material<br />
unos poéticos textos interiorizados en esta<br />
Antón Piedrahita Tirado<br />
“Ferrari absorbió<br />
influencias para crear<br />
un universo personal y<br />
de rara sensualidad<br />
sonora, sin dejar de<br />
afirmar en los sesenta<br />
que le gustaba el pop,<br />
y los Beatles en<br />
especial, o en los<br />
noventa el techno.”<br />
versión por la cantante y actriz Elise Caron, cuyo<br />
trabajo vocal, sencillo pero refinado, parece contradecir<br />
al compositor cuando una vez señaló su<br />
desconfianza por la voz “cantada” frente a la “espontánea”.<br />
Y es que estamos ante una escritura<br />
que pulsa con expresividad múltiples matices del<br />
pudor y el intimismo, accediendo a un reducto<br />
muy onírico de la personalidad femenina. Chansons,<br />
obra adscrita a la nueva tonalidad del Ferrari de los<br />
ochenta, demuestra igualmente un hechizante y<br />
económico uso de la instrumentación, cuyo cromatismo<br />
armónico parece evocar el colorido de<br />
un Messiaen; los intérpretes cuentan con amplios<br />
márgenes de actuación, sincronizándose con la<br />
cantante a partir de la irrupción de los fragmentos<br />
grabados.<br />
Et si tout entière maintenant... comparte rasgos<br />
estilísticos con la anterior –Fellous firma también<br />
el texto–, pero la labor electroacústica pasa a<br />
primer término. Se trata de un “cuento sinfónico”,<br />
de una película sonora que mezcla ficción y documental,<br />
realismo y poesía, cuyo peso recae sobre<br />
las grabaciones efectuadas a bordo de un rompehielos<br />
en su travesía ártica. Conversaciones, retazos<br />
de un ambiguo relato que da a entender una<br />
trama sexual entre una mujer, el capitán y el piloto,<br />
oleajes, ventiscas y otros sonidos ambientales<br />
se unen a descriptivas y opulentas tramas orquestales<br />
para constituir un collage, embriagador, de<br />
múltiples capas y texturas. Un verdadero viaje.<br />
LUC FERRARI (1929): Chansons pour le corps; Et si tout entière<br />
maintenant…<br />
Elise Caron, voz. Carol Mundinger, Sylvan Frydman, clarinetes.<br />
Christine Lagniel, percusión. Michel Maurer, piano. Michel<br />
Musseau, sintetizador. Anne Sèe, voz. Nouvel Orchestre<br />
Philharmonique.Yves Prin, dirección / MODE / Ref.: MODE<br />
081 (1 CD) D1
Música sacra de hoy<br />
Sabemos que la música sacra nunca se ha sustraído<br />
por entero a los principios artísticos y estéticos<br />
que gobiernan la naturaleza de la composición secular.<br />
Por ejemplo, sería una falacia argumentar<br />
que la música sacra es retrógrada per se, considerando<br />
su (relativa) acinesia estética en el tiempo.<br />
Diríamos que lo retrógrado en el arte implica la proyección<br />
de un juicio estético en relación con el hic<br />
et nunc de la obra tomada como un fin en sí misma,<br />
y por lo tanto inaplicable a aquélla. A la música<br />
religiosa se le supone un ethos ético que<br />
(necesariamente) ha de trascender la propia carne<br />
poética. No se halla la música sacra sesgada por la<br />
naturaleza transformista de géneros seculares<br />
como la ópera, la sinfonía o el concierto y no parece<br />
afectarle en demasía el variable humor de las<br />
estéticas musicales.<br />
La música sacra del letón Peteris Vasks no es,<br />
ciertamente, la excepción a la regla, sino el honrado<br />
panegírico de ese ethos. En las tres obras aquí<br />
registradas el buen melómano percibirá al vuelo la<br />
pluma espontánea y piadosa de un compositor que<br />
se sirviera del pentagrama para transusbstanciar<br />
una franca hondura metafísica. Apologista de la<br />
escritura melódica y de la armonía desbastada, la<br />
obra de Vasks está emparentada con la música ascensional<br />
de los (así llamados) “minimalistas místicos”<br />
(como ya se ha comentado en éstas y otras<br />
páginas): la severidad ascética de Gorécki y Tavener,<br />
la stasis de Kancheli, la poesía gradual de Kilar<br />
o el giro “tintinabular” de su vecino báltico Pärt<br />
parecen requebrarla. Por todo ello, este tríptico sacro<br />
del sexagenario autor de Voices (1991) y del laureado<br />
concierto para violín Tala Gaisma (1998),<br />
arrobará al oyente moderno, tan curtido en la fragosa<br />
música de nuestro tiempo, por su regresión a<br />
las beatitudes de la música filada desde el espíritu.<br />
No obstante, sería negligente despachar estas<br />
tres obras aduciendo simplemente la estética arcaísta<br />
que es común a todas ellas. Téngase en cuenta<br />
que diez años median entre el Pater Noster (1991)<br />
y la Misa (2000/2005) y un lustro entre éstas y el<br />
Dona Nobis Pacem de 1996. Desde la monodia no<br />
estricta del Pater Noster, en un estilo gregoriano ligerísimamente<br />
modulado (de forma A-B-A, con un<br />
siglos XX & XXI 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
ONDINE publica un CD dedicado a obras corales de Peteris Vasks<br />
David Rodríguez Cerdán<br />
puente a dos voces) a la Misa polifónica (en su versión<br />
para coro y cuerda de 2005, que es la que nos<br />
ocupa), la arquitectura de Vasks ha conocido en el<br />
ínterin (casi como una miniaturización de la propia<br />
historia) un ensanchamiento armónico que,<br />
previsiblemente, no ha abjurado de esos característicos<br />
tenidos en pedal (recordemos su barberiano<br />
Cantabile Para Cuerda, de 1979), la<br />
transparencia melódica, de ecos folclóricos, o las<br />
elecciones tonales del círculo “místico” de la Europa<br />
oriental.<br />
En lo interpretativo, mesuradas ejecuciones<br />
las del Coro de la Radio Letona y la de la sección<br />
de cuerda de la Sinfonietta Riga a las órdenes de<br />
Sigvards Klava, en perfecta sintonía con el mimbre<br />
litúrgico de los pentagramas.<br />
Peteris Vasks<br />
PETERIS VASKS (1946): Pater noster; Dona nobis pacem;<br />
Missa<br />
Latvian Radio Choir & Sinfonietta Riga. Sigvards Klava, dirección<br />
/ ONDINE / Ref.: ODE 1106-2 (1 CD) D2<br />
Kurtág en sus 80<br />
GYÖRGY KURTÁG (1926): Kurtág 80 Festival, Budapest<br />
49<br />
BMC edita el concierto homenaje<br />
al compositor y familia<br />
Manuel Luca de Tena<br />
“La mayor experiencia musical de mi vida fueron los<br />
34 segundos de tenso y resonante silencio entre la<br />
última nota de una pieza y el comienzo del aplauso”.<br />
Esto nos lo dice significativamente György<br />
Kurtág hijo, director artístico y musical de este registro<br />
en vivo que se desarrolló durante cinco jornadas<br />
en Budapest el pasado año y del que ahora se<br />
extraen y reúnen en doble CD las obras recientes<br />
no publicadas hasta la fecha, tres de las cuales sobrepasan<br />
los 20 minutos de duración, algo insólito<br />
para el maestro de la forma breve y aforística.<br />
…concertante… (2002- 2003) es una obra dedicada<br />
a dos asiduos colaboradores del húngaro, la<br />
violinista japonesa Hiromi Kikuchi y el viola Ken<br />
Hakii, que trazan junto a la orquesta un complejo<br />
paisaje musical concertante que se balancea entre<br />
la forma reconocible de la memoria de su tradición<br />
húngara y la extrañeza de un desconocido territorio<br />
que provoca un inestable y raro vuelo poético.<br />
Zwiegespräch (1999-2006…), para cuarteto de cuerda<br />
y sintetizador, es un fabuloso diálogo musical<br />
compuesto entre padre e hijo, entre percepciones distintas<br />
en las que median treinta años, pero que construyen<br />
un todo inseparable y aun susceptible de<br />
transformaciones en su permanente evolución. De<br />
nuevo, escrita para la sensible violinista japonesa, Hipartita<br />
(2000-2004), es una bellísima pieza en ocho<br />
partes con distintas tomas de sonido que son adaptadas<br />
a la visión, el movimiento y el gesto con la intención<br />
de poner de relieve el lento recorrido espacial<br />
del violín a través de once atriles y el despliegue de<br />
un intenso lirismo.<br />
Kurtág inventó el supersordino aplicado al piano<br />
vertical para conseguir un apagado, envolvente<br />
y sedoso sonido apoyado en un sensual registro grave.<br />
Algunos de sus Játékok (Juegos) los toca junto a<br />
su mujer Márta en dicho piano como delicioso y<br />
evanescente final a sus conciertos; y 19 de estas brevísimas<br />
composiciones se incluyen en este de verdad<br />
especialísimo registro.<br />
Márta y György Kurtág, György Kurtág Jr. / Keller Quartet,<br />
Hungarian National Philharmonic Orchestra. Dir.: Zoltán Kocsis<br />
/ BMC / Ref.: BMC 129 (1 CD) D1
50 diverdi siglos XX & XXI<br />
Benguerel: Réquiem para Espriu<br />
COLUMNA publica, en excelente lectura, una de las grandes obras<br />
sinfónico-corales del músico catalán<br />
Xavier Benguerel Godó (Barcelona 1931) pertenece<br />
a la llamada generación del 51, aquella que siguió<br />
al Cercle Manuel de Falla, primer intento en los<br />
años más oscuros y vacíos de la dictadura de Franco<br />
(1945-1950) de abrir una vía a la modernidad.<br />
Para Manuel Valls, el criterio que informa la música<br />
de Benguerel, compositor iniciado en el dodecafonismo,<br />
fue no perder de vista el fin esencial,<br />
observable en toda su producción, consistente en<br />
dar “música pura”, objetiva, alejada de pretensiones<br />
sentimentales y vinculada a una íntima necesidad<br />
de concreción formal. Valls se expresaba así<br />
en 1960, cuando apenas se conocía de Benguerel<br />
sino dos cuartetos de cuerda y el Concierto para piano.<br />
Pero las cosas cambiaron al paso de los años y<br />
el músico barcelonés, a partir de 1981, dejó a un<br />
lado, salvo excepciones, la música instrumental<br />
para darnos partituras elaboradas a partir de textos,<br />
y en general de grandes dimensiones (1), como<br />
el oratorio Llivre Vermell (1987), el Réquiem (1989)<br />
y el Te Deum (1993). A ellas seguirán 7 fábulas de<br />
La Fontaine, La Sanch (1996), Missa Spirensis (1997),<br />
Encanteri de les bruixes y la ópera Dalí (2000-2003),<br />
cuyo estreno en el Teatro de la Zarzuela no pudo<br />
realizarse por razones que desconozco, pese a ser<br />
un encargo expreso del Ministerio de Cultura.<br />
Ahora Columna Música lanza en dos compactos<br />
el Réquiem, dedicado por Benguerel al gran poeta<br />
Salvador Espriu (1913-1985). Del autor de La<br />
pell de brau ha seleccionado el músico siete breves<br />
y, como suelen en Espriu, impresionantes poemas.<br />
El resto (en este caso 17 números) se basa en el canónico<br />
texto latino del oficio católico de difuntos,<br />
sobre el cual, por ejemplo, Verdi compuso su célebre<br />
Réquiem. Si en aquella ocasión el músico parmesano<br />
lo hizo para Alessandro Manzoni, ahora<br />
el barcelonés lo dedicó a otro poeta emblemático<br />
de su Cataluña natal.<br />
El Réquiem de Benguerel, estrenado durante<br />
el X Festival Internacional de Música de Torroella<br />
de Montgrí el 5 de octubre de 1990, requiere cinco<br />
solistas, coro mixto y orquesta. Todos fueron<br />
dirigidos en el estreno por Romano Gandolfi. En<br />
el presente disco, dirigido por Miguel Ortega a la<br />
Orquesta Sinfónica de Barcelona i Nacional de<br />
Catalunya, los solistas vocales son Maribel Ortega,<br />
Marisa Martins, Dalmau González, Matteo<br />
Suk y Lluis Sintes. El barítono solista canta los<br />
textos de Espriu, de dramática y humana vibración,<br />
que permiten al compositor liberar esa fuerte<br />
expresividad que es característica esencial de su<br />
estilo. Lo sombrío se une a veces a lo terrorífico,<br />
pues estamos ante un Réquiem más cercano a los<br />
de un Berlioz o un Verdi que a los de Brahms y<br />
Fauré. Es, en cualquier caso, una obra formidable<br />
y en la cual el coro (en esta grabación magnífico<br />
el de Cambra del Palau de la Música Catalana) desempeña<br />
un papel muy importante. Benguerel demuestra<br />
en este Réquiem denso y penetrante, ser<br />
uno de los músicos más importantes de Europa.<br />
¿Para cuando su Dalí en Madrid?<br />
NOTAS<br />
Andrés Ruiz Tarazona<br />
(1) En ese sentido tiene razón el biógrafo y analista de<br />
su obra Jesús Rodríguez Picó (1953) (quien, por cierto,<br />
ha grabado también su ópera de cámara El paradis<br />
de les muntanyes en Columna, en excelente versión<br />
del maestro Marc Moncusí), cuando refiriéndose a<br />
las diversas etapas que integran el catálogo de Benguerel,<br />
dice que originan, a su vez, una manera personal<br />
de concebir la composición. Y añade: “La<br />
estrecha relación entre momento histórico y tipo de<br />
composición convierten al artista en un testimonio<br />
de su época; esta relación puede facilitar la comprensión<br />
de su lenguaje, rompiendo de esta manera<br />
los prejuicios sobre la dificultad de entender la música<br />
actual”.<br />
Xavier Benguerel Godó<br />
XAVIER BENGUEREL (1931): Requiem (a la memoria de Salvador<br />
Espriu)<br />
Maribel Ortega, soprano. Marisa Martins, mezzo. Dalmau<br />
González, tenor. Matteo Suk, Lluís Sintes, barítonos. Cor de<br />
Cambra del Palau de la Musica Catalana. Orchestra Simfònica<br />
de Barcelona i Nacional de Catalunya. Miquel Ortega, dirección<br />
/ COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0178 (2 CD) D10<br />
x 2<br />
Perspectivas disímiles<br />
Alberto Posadas y Mauricio Kagel<br />
en Donaueschingen 2006<br />
Germán Gan Quesada<br />
Vertientes bien diferenciadas de la posvanguardia<br />
musical que habita el principio de siglo se dan cita<br />
en este disco de Neos, que recoge dos estrenos absolutos<br />
del antepasado Festival de Donaueschingen:<br />
de un lado, la prolongación de estrategias de “acción<br />
musical” que, ejemplarmente, encarna la creación<br />
de Mauricio Kagel desde la década de los 60;<br />
de otro, la asunción de paradigmas extramusicales<br />
para la creación de arquitecturas sonoras en la obra<br />
del compositor vallisoletano Alberto Posadas.<br />
Genuina “farsa para ensemble” es el Divertimento?<br />
(2005/06) del músico argentino-alemán. A<br />
falta del elemento escénico que justifica la composición<br />
–apreciable en la grabación, pese a todo, en<br />
sucesos como la falsa afinación inicial, el paso de las<br />
hojas de la partitura o los aplausos y risas del público–,<br />
la rivalidad entre director e instrumentistas genera<br />
un discurso formal discontinuo, fundado en<br />
gestos aislados y a menudo banales: lo cómico se<br />
congela en un rictus dramático, en su doble acepción<br />
teatral y expresiva.<br />
Muy diversa es la propuesta de Posadas, atento,<br />
como su maestro Francisco Guerrero, a la aplicación<br />
de procedimientos matemáticos para la<br />
construcción formal y estructura interna de la obra<br />
musical; en este caso, Anamorfosis (2006) explora minuciosamente<br />
las posibilidades instrumentales y,<br />
por analogía con la técnica pictórica homónima,<br />
“deforma” la construcción armónica, la distribución<br />
de registros y la combinación de texturas, ofreciendo<br />
una obra plena de interés y de exigente<br />
escucha.<br />
Tan comprometidos con la ¿humorada? de Kagel<br />
como con la sostenida tensión de la obra de Posadas,<br />
el Schönberg Ensemble Amsterdam y su<br />
incombustible director Reinbert de Leeuw ofrecen<br />
versiones contrastadas y plenamente convincentes<br />
de este encuentro alemán de dos (posibles) caminos<br />
para la nueva música. Atentos…<br />
FESTIVAL DONAUESCHINGEN 2006, VOL. 4: MAURICIO<br />
KAGEL (1931): Divertimento? (2005/2006). ALBERTO POSA-<br />
DAS (1967): Anamorfosis (2006)<br />
Schönberg Ensemble Amsterdam. Reinbert de Leeuw, dirección<br />
/ NEOS / Ref.: NEOS 10727 (1 CD) D1
Ópera para la infancia<br />
Nacido en Lienz, en el Tirol, en 1958, Wolfgang<br />
Mitterer es una figura llamativa del actual panorama<br />
compositivo austriaco, en lo que atañe, por<br />
una parte, a la electroacústica y, por otra, a la improvisación.<br />
Reputado organista (una parte relevante<br />
de su catálogo está dedicada a este<br />
instrumento), la vertiginosa riqueza tímbrica de<br />
su instrumento ha marcado su impronta en una<br />
línea de trabajo en la que conviven dos tendencias<br />
diferentes: la exploración del fenómeno sonoro a<br />
partir de sus componentes y su transformación<br />
electroacústica, y la formalización de grandes acontecimientos<br />
audiovisuales en los que, sobre un amplio<br />
magma electrónico, se inscriben las<br />
intervenciones de grupos instrumentales y vocales<br />
de muy diferente procedencia, del free-jazz al<br />
rock, junto con agrupaciones de naturaleza más o<br />
menos experimental, meticulosamente calculadas<br />
y cronometradas, en una fulgurante heterogeneidad<br />
en la que convive una concepción ampliada<br />
del collage con el más exacerbado expresionismo.<br />
Mitterer ha trabajado en la creación colectiva con<br />
figuras tan contrastadas como Wolfgang Reisinger,<br />
Tom Cora, Hozam Yamamoto y Roscoe Mitchell,<br />
y ha realizado piezas de teatro musical<br />
radiofónico así como instalaciones electroacústicas<br />
de diferente escala. Alguno de sus trabajos ha<br />
sido comentado ya en estas páginas, como el caso<br />
de la excelente recopilación de música para órgano<br />
y electrónica (Col legno WWE 20615) o el de<br />
esa pieza de “Sinfonismo Brutal” (sic) titulada<br />
Coulored noise (Kairos 0012592 KAI) en la que,<br />
pese al excelente resultado sonoro, no deja de echarse<br />
en falta, como es lógico, el espacialismo envolvente<br />
de la realización en vivo.<br />
La pieza que aquí se comenta se mueve en un<br />
registro por completo disímil. Das tapfere Schneiderlein<br />
(El sastrecillo valiente: el conocido cuento de<br />
los hermanos Grimm) es una excelente muestra de<br />
lo que los modernos medios sonoros pueden ofrecer<br />
al servicio de una causa de naturaleza didáctica:<br />
la iniciación operística de los más pequeños,<br />
realizada con imaginación pero también con laudable<br />
sobriedad. Se ha elegido como tema un cuento<br />
mucho más conocido aún en los medios<br />
siglos XX & XXI 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
El Sastrecillo Valiente, ópera de Wolfgang Mitterer sobre el cuento de los hermanos Grimm,<br />
en COL LEGNO<br />
germanohablantes que entre nosotros, y se le ha<br />
dado un tratamiento que, a su vez, se apoya en dos<br />
modelos autóctonos de reconocida solvencia y, sobre<br />
todo, incontestable reconocibilidad: el Singspiel<br />
y el melólogo radiofónico, narrador incluido,<br />
lo que no impide que, si así se desea, la obra pueda<br />
subir a un escenario. El problema de escribir música<br />
para un público infantil que, al tiempo, no<br />
abjure de las conquistas del lenguaje ni del propio<br />
estilo personal del compositor es uno de los más<br />
difíciles y de solución más arriesgada que éste puede<br />
afrontar (un ejemplo admirable está en las piezas<br />
pianísticas didácticas escritas por nuestro Jesús<br />
Rueda). A partir de un excelente libreto de Helga<br />
Utz, Mitterer (autor también de una ópera libremente<br />
basada en textos de Chistopher Marlowe,<br />
Massacre) ha afrontado el desafío con eficacia y<br />
sabiduría. La música utiliza la electrónica con desenfado<br />
y habilidad siempre al servicio de la creación<br />
del adecuado ambiente dramático, y el canto<br />
está tratado con una sobriedad que busca en todo<br />
momento la plena comprensión del texto: salvo<br />
un contrabajo y varios teclados a cargo de un solo<br />
intérprete, todo el resto (motores, ruidos de la naturaleza,<br />
voces de animales, efectos sonoros diversos,<br />
sonidos instrumentales manipulados...)<br />
está pregrabado, transformado y programado, y<br />
sólo se requieren las seis voces necesarias para la<br />
51<br />
José Luis Téllez<br />
“El sastrecillo valiente es una excelente muestra de lo<br />
que los modernos medios sonoros pueden ofrecer al<br />
servicio de una causa de naturaleza didáctica: la<br />
iniciación operística de los más pequeños, realizada<br />
con imaginación pero también con laudable<br />
sobriedad.”<br />
ejecución directa: el sastrecillo protagonista está<br />
encomendado a una mezzo, siguiendo una convención<br />
largamente explorada que se remonta al<br />
mozartiano Cherubino. Sin caer jamás en lo vulgar,<br />
la música vocal aglutina lo tonal, lo modal y lo<br />
atonal, buscando en todo instante, tanto la caracterización<br />
de los personajes como la expresión de<br />
la situación dramática concreta, y no renuncia ni<br />
a la paráfrasis folclorizante ni al Sprechgesang si el<br />
instante así lo requiere. Sólo cabe poner un reparo<br />
a este registro: la ausencia de textos en otra lengua<br />
que no sea la original, lo que imposibilita su<br />
uso para cualquier oyente infantil ajeno al diccionario<br />
de los Grimm (cuyo texto es la base del narrador).<br />
Al menos, sugiere una idea: traducirlo<br />
íntegramente con vistas a su empleo en nuestros<br />
teatros operísticos. El ejemplo del Teatro Real con<br />
El pequeño deshollinador de Benjamin Britten en la<br />
excelente versión castellana de Luis Gago podría<br />
perfectamente aplicarse aquí y, de paso, permitiría<br />
enriquecer el parco repertorio de óperas para<br />
los niños.<br />
WOLFGANG MITTERER (1958): Das tapfere Schneiderlein<br />
(El Sastrecillo Valiente)<br />
Rombach, Dlouhy, Kölbl, Heegmann, Maurer. Karl Sayer, Michael<br />
Tiefenbacher, Florian Liewehr / COL-LEGNO / Ref.:<br />
WWE 20801 (1 CD) D1<br />
Wolfgang Mitterer
52 diverdi siglos XX & XXI<br />
Solidez y claridad<br />
CD consagrado al autor escocés<br />
Stuart MacRae en NMC<br />
Javier Palacio<br />
El Concierto para violín y orquesta del escocés Stuart<br />
MacRae (1976), seguramente la mejor pieza de<br />
este monográfico, nos sugiere que estamos ante<br />
un compositor dotado de fuertes recursos expresivos.<br />
La relación entre el solista y la orquesta crea<br />
un continuo de climas y texturas, roto eventualmente<br />
por nerviosos intercambios entre ambos. La<br />
parte del violín, a cargo de un inspirado Christian<br />
Tetzlaff, se despliega entre un lirismo de carácter<br />
algo lunar y la agitación espasmódica,<br />
elaborando formas de cierta complejidad que destacan<br />
sobre el tejido sonoro, denso en lo armónico,<br />
configurado por una BBC Scottish Symphony<br />
Orchestra bajo la batuta de Ilan Volkov. Ese lirismo<br />
se percibe en especial en el segundo movimiento,<br />
dedicado a Iannis Xenakis, quien falleció<br />
en el momento de componer la pieza, según explica<br />
MacRae; se trata de una elocuente y sentida<br />
elegía, de ambiente recogido e intimista alterado<br />
sólo por algún ominoso ataque orquestal. Aunque<br />
la estética sonora del compositor no resulte de<br />
enorme originalidad, cabe reconocérsele su solidez<br />
y claridad imaginativa. Tampoco juega a favor<br />
de estas piezas, compuestas entre 1999 y 2004,<br />
cierta homogeneidad de planteamientos. Justo es<br />
señalar con todo la intensidad dramática de Two<br />
Scenes from the Death of Count Ugolino, inspirada<br />
en un episodio del Infierno de Dante, beneficiada<br />
del notable aliento trágico insuflado por la mezzosoprano<br />
Loré Lixenberg. Motus, para conjunto instrumental,<br />
el Birmingham Contemporary Music<br />
Group, se construye sombríamente a partir de solos<br />
de diferentes instrumentos en colisión con el<br />
resto, creando cromáticos contrastes. Stirling Choruses,<br />
para orquesta, dibuja por su parte un paisaje<br />
animado por sabias combinaciones<br />
instrumentales, en donde se reserva a los metales<br />
una importante baza.<br />
STUART MACRAE: Concierto para violín; Two Scenes from<br />
the Death of Count Ugolino; Motus; Stirling Choruses<br />
Christian Tetzlaff, violín. BBC Scottish Symphony Orchestra.<br />
Ilan Volkov, dirección. Loré Lixenberg, mezzosoprano. Birmingham<br />
Contemporary Music Group. Susanna Mälkki, dirección<br />
/ NMC / Ref.: NMCD 115 (1 CD) D2<br />
Oscuro fuego<br />
Primer volumen de una atractiva<br />
“Colección Scelsi”<br />
Antón Piedrahita Tirado<br />
El sello Stradivarius presenta el primer volumen<br />
de la “Colección Scelsi”, proyecto en colaboración<br />
con la Fundación Isabella Scelsi, conservadora del<br />
legado del gran Giacinto, que ofrecerá nuevas grabaciones<br />
de sus obras con voluntad de convertirse<br />
en referencia interpretativa. El asunto pinta sin<br />
duda bien, en especial tras escuchar este primer disco<br />
registrado en 2005 durante el Festival Scelsi de<br />
Roma, a cargo de músicos italianos de altísimo nivel<br />
cuya idiosincrasia latina les permite moverse con<br />
facilidad inaudita por este universo de fuerte componente<br />
ritual y arcano dramatismo ceremonial.<br />
Y es que la selección de piezas parece concebida<br />
para ilustrar ese rasgo singular de la producción<br />
de Scelsi, la exploración de una dimensión<br />
ritual que dota a su obra de intransferible intensidad<br />
espiritual. De hecho Maknongan (divinidad<br />
creadora), aquí en versión para flauta baja, da la impresión<br />
de canto propiciatorio mediante una poética<br />
alternante de sonoridades “claras” y “oscuras”,<br />
servidas por un concentrado Roberto Fabbriciani<br />
que juega a placer con sus cambiantes abanicos<br />
tímbrico-cromáticos. En Cuarteto nº 2, de simetrías<br />
obsesivas que remiten a un tiempo cíclico, el<br />
Quartetto d’Archi di Torino no supera la lectura<br />
del Arditti, aunque se sitúa a su altura introduciendo<br />
la mayor tensión armónica –escúchense los<br />
movimientos primero y último– y una harto precisa<br />
articulación. Del tríptico Riti se nos ofrece I<br />
funerali d’Achille e I funerali di Carlo Magno: los<br />
Solistas del Musica Teatro Ensemble, la percusionista<br />
Fulvia Ricevuto y el chelista Francesco Dillon<br />
se entregan a la exuberancia tímbrica resaltando<br />
cada detalle, cada inflexión sonora de estas constelaciones<br />
de oscuro fuego. De Quattro Ilustrazioni<br />
sulle metamofosi di Vishnu Fabrizio Ottaviucci<br />
interpreta una interesante versión inédita, acentuando<br />
la fluidez y el refinamiento de la partitura<br />
sobre los contrastes acusados y sumándose al magnífico<br />
nivel interpretativo del disco<br />
GIACINTO SCELSI (1905-1988): Colección, vol. 1<br />
Quartetto d'Archi di Torino. Soloists of MusicaTeatroEnsemble<br />
/ STRADIVARIUS / Ref.: STR 33801 (1 CD) D2<br />
Tres en uno<br />
Eötvös, Zimmermann y Smolka,<br />
en el Festival Musica Viva<br />
Germán Gan Quesada<br />
Es decir, tres creadores reunidos en este registro<br />
misceláneo –del concierto de Zimmermann ya había<br />
editado, aunque con escasa difusión, esta misma<br />
versión London Hall en 1989– que inaugura la<br />
colaboración del joven sello Neos con el veterano<br />
festival muniqués “Musica viva”, tomando el relevo<br />
de Col legno.<br />
Revelador de su estilo inicial y de sus inquietudes<br />
poéticas es el concierto de Bernd Alois Zimmermann,<br />
fechado en 1950: así, la implosión de la<br />
forma clásica (Sonata) mediante el uso de ritmos<br />
populares –como el Tempo di rumba recurrente en<br />
el Rondó conclusivo– y el recurso a la cita de músicas<br />
pretéritas, en este caso el Dies iræ en la Fantasía.<br />
Por su parte, Peter Eötvös, bien conocido en su<br />
faceta de director y autor de exitosas óperas contemporáneas<br />
(no, no es un oxímoron…), se revela<br />
en Cap-Ko (2005), acrónimo de Concerto for Acoustic<br />
Piano, Keyboard and Orchestra, como atento heredero<br />
del legado de Bartók y de Ligeti, sobre todo<br />
en el aspecto rítmico, y se muestra dominador de timbres<br />
y resonancias orquestales.<br />
Por último, Walden, the distiller… (2000), de<br />
Martin Smolka, parte de las palabras de Thoreau<br />
para pintar un fresco que medita sobre la oposición<br />
entre Naturaleza y Sociedad en un rico lenguaje coral<br />
que hibrida el declamado gospeliano y la armonía<br />
consonante con inflexiones microtonales y una ocasional<br />
ininteligibilidad del texto por su fragmentación,<br />
reducción fonética o incorporación de sonidos<br />
vocales no lingüísticos.<br />
La versión de la obra de Eötvös –magnífico Aimard<br />
en ambos teclados– es la de su estreno en 2006<br />
y de la composición de Smolka sólo existía la publicada<br />
por Col legno en 2000; ambas, como el concierto<br />
de Zimmermann en el preciso arco de<br />
Mumelter, interpretadas por una Orquesta y Coro<br />
de la Radio bávara eléctricos bajo la batuta del propio<br />
Eötvös… Chapeau!<br />
PETER EÖTVÖS (1944): Cap-ko. BERND ALOIS ZIMMER-<br />
MANN (1918-1970): Concierto para violín y gran orquesta.<br />
MARTIN SMOLKA (1959): Walden, the Destiller of Celestial<br />
Dews<br />
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Dir.: Peter<br />
Eötvös / NEOS / Ref.: NEOS 10705 (1 CD) D1
jazz y otras músicas 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
El mejor Carnaval del mundo mundial<br />
Dos nuevas entregas de la aclamada colección La mota de polvo, dedicada a los más pequeños<br />
Fernando Palacios se supera a sí mismo, y saca al<br />
mercado el que, para mi gusto, es el mejor librodisco<br />
de la colección de La mota de polvo, … por<br />
ahora. Está dedicado a El carnaval de los animales<br />
de Camille Saint-Saëns, la obra más popular del autor,<br />
con permiso de Samson et Dalila y la Sinfonía<br />
nº3 con órgano, aunque se interpreta y se graba<br />
con menos frecuencia de la que merece; supongo<br />
que la razón estriba en la dificultad de reunir el<br />
peculiar grupo de once solistas que requiere, incluyendo<br />
xilófono, armónica de cristal y dos pianistas<br />
de talento. En este caso los solistas al teclado<br />
son Menchu Mendizábal y Francisco Luis Santiago,<br />
la orquesta es la genial Filarmónica de Gran Canaria<br />
(sin duda una de las mejores de España), y el<br />
director es el señor Adrian Leaper, que fue titular<br />
de este conjunto durante seis años.<br />
El carnaval de los animales es una composición<br />
especialmente adecuada para esta colección<br />
dedicada a comprender, difundir y disfrutar la música<br />
clásica. Es una partitura magistral y gamberra,<br />
… demasiado gamberra para su época, pues<br />
Saint-Saëns prohibió su interpretación mientras él<br />
estuviese vivo, ya que en sus satíricos pentagramas<br />
aparecen reflejados algunos de sus colegas de<br />
profesión (Offenbach en las tortugas, Berlioz en<br />
el elefante, Rossini y él mismo como fósiles…).<br />
Solamente era interpretada en reuniones privadas<br />
de amigos encabezadas por el propio Camille. El<br />
caso es que él mismo se saltó un poco su prohibición<br />
al permitir que la famosa Anna Pavlova incorporase<br />
a su espectáculo el fragmento dedicado al<br />
cisne, ahora famosísimo y pieza fundamental para<br />
los violonchelistas... y bailarinas.<br />
Para quien no conozca este carnaval, la obra<br />
consiste en una sucesión de retratos musicales de diversos<br />
animales, entre los que el humor de Saint-<br />
Saëns ubica también… ¡los fósiles y los pianistas!<br />
Enumerando tenemos la solemne marcha real del<br />
león, los cacareos del gallinero (ya utilizados por<br />
Rameau en el barroco), los pianos correteando como<br />
asnos salvajes, el lentísimo can-can de las tortugas,<br />
el vals de La condenación de Fausto para los elefantes,<br />
canguros saltando en las teclas del piano, un<br />
acuario delicadísimo digno de Debussy, rebuznos<br />
de los violines, el cuco convertido en clarinete, una<br />
pajarera en la que trina una flauta, los pianistas como<br />
terribles animales que encadenan infinitas escalas<br />
exasperantes, fósiles entre los que están la Danza macabra<br />
del propio Saint-Saëns y un aria de El barbero<br />
de Sevilla, el violonchelo transfigurado en<br />
delicadísimo cisne, y el gran desfile final que los reúne<br />
a todos. Todo esto y mucho más.<br />
Mucho más, porque aún no he contado nada<br />
de las maravillosas ilustraciones, todas a doble página,<br />
que pueblan el gran libro que acompaña al disco.<br />
Son, en mi opinión y con perdón del resto de<br />
los artistas, las mejores ilustraciones que he visto<br />
en un libro de esta colección. La imaginación de<br />
Laura Terré es acertadísima, utilizando con excelente<br />
y fino sentido del humor grandes obras pictóricas<br />
de la historia del arte (Van Gogh, Botticelli,<br />
Monet, Toulouse-Lautrec, Edward Hopper, Caspar<br />
Friedrich, Seurat, Magritte y muchos otros) en<br />
las que integra animales e instrumentos sin romper<br />
el espíritu original. Simplemente por disfrutar<br />
despacio de su versión de La Escuela de Atenas<br />
de Rafael, vale la pena comprarlo. Por si fuese<br />
poco, los textos de Fernando Palacios son en esta<br />
ocasión especialmente ocurrentes y adecuados.<br />
Es decir, en este libro-disco funcionan todos los<br />
elementos, del primero al último. Debo subrayar<br />
que este Carnaval de los animales, por su calidad,<br />
no solo gustará a los niños, sino que fascinará a todos<br />
los aficionados que sabemos disfrutar y divertirnos<br />
con lo mejor de la música y el arte pictórico.<br />
Además, La mota de polvo lanza otra novedad:<br />
el Till Eulenspiegel de Richard Strauss en libre<br />
versión llevada al cuento por Carmen Santonja,<br />
con sonrientes ilustraciones de un clásico del dibujo<br />
infantil en nuestro país, Jesús Gabán. Fer-<br />
53<br />
José Velasco<br />
nando Palacios le saca jugo al pillastre alemán que,<br />
trasponiéndolo a nuestras fronteras, sería el equivalente<br />
a un pícaro del Siglo de oro. Las aventurillas<br />
de este sinvergüenza son ejecutadas<br />
musicalmente por la Orquesta Filarmónica de<br />
“El carnaval de los animales es una composición<br />
especialmente adecuada para esta colección<br />
dedicada a comprender, difundir y disfrutar la<br />
música clásica.”<br />
Gran Canaria, magnífica colaboradora de esta colección<br />
infantil, y está dirigida en esta ocasión<br />
nada menos que por Pedro Halffter, el joven y exitoso<br />
maestro que se presta aquí a acercar tan animosa<br />
partitura straussiana a los jóvenes oyentes.<br />
¿No sería interesante, siguiendo este ejemplo, utilizar<br />
la Sinfonía doméstica del mismo autor para<br />
otro de estos libro-discos?<br />
Fernando Palacios<br />
CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921): El Carnaval de los Animales:<br />
Cuento musical narrado por Fernando Palacios<br />
Fernando Palacios, narrador. Orquesta Filarmónica de Gran<br />
Canaria. Adrian Leaper, dirección / AGRUPARTE-MOTA DE<br />
POLVO / Ref.: 9788495423511 (1 Libro-CD) P.V.P.: 19,95 euros-.<br />
RICHARD STRAUSS (1864-1949): Till Eulenspiegel (Cuento<br />
musical narrado por Fernando Palacios)<br />
Fernando Palacios, narrador. Orquesta Filarmónica de Gran<br />
Canaria. Pedro Halffter, dirección / AGRUPARTE-MOTA DE<br />
POLVO / Ref.: 9788495423573 (1 Libro-CD) P.V.P.: 19,95 euros-.<br />
Otras novedades AGRUPARTE-MOTA DE POLVO:<br />
SALZILLO Y SUS BELENES: Cuento musical de Fernando Palacios.<br />
Música de Benito Laurel, Federico Chueca, Wolfgang<br />
Amadeus Mozart, Fernández Caballero & Pérez Casas<br />
Fernando Palacios, narración. Orquesta Sinfónica de la Región<br />
de Murcia. José Miguel Rodilla, dirección / AGRUPAR-<br />
TE-MOTA DE POLVO / Ref.: 9788495423559 (1 Libro-CD)<br />
P.V.P.:19,95 euros-.<br />
KEPA MURUA & TASIO MIRANDA: Poemas y canciones<br />
Kepa Murua & Tasio Miranda / AGRUPARTE-MOTA DE POL-<br />
VO / Ref.: 9788495423559 (1 Libro-CD) P.V.P.: 19,95 euros-.
54 diverdi jazz y otras músicas<br />
Un asunto en Trinidad<br />
Carnaval en Trinidad, una nueva sesión de cine para los ojos cerrados de la factoría WINTER<br />
Empieza bien: como El castillo de Barba Azul de Bela<br />
Bartók o como ese maravilloso remake de Gilda<br />
con los mismos Rita Hayworth y Glenn Ford: La<br />
dama de Trinidad. Empieza bien, es decir, con alguien<br />
que nos cuenta una historia, o cuenta su historia:<br />
“no haré nunca daño a esa muchacha”. Ya lo<br />
advierte el subtítulo del cedé: Cinema for closed<br />
eyes. (Otra vez Bartók/Barba Azul, el preludio a voz<br />
sola –en la versión original–: “cierre los ojos-telón,<br />
la función va a empezar”.<br />
El cedé sigue con ese tono de novela negra, esa<br />
amenaza de drama que es el carnaval por todas<br />
partes, y en su versión de melancolía tórrida en el<br />
Trópico, triste para siempre. Aquí el tono lo marcan<br />
las Steel Orchestras, esas bandas de tambores<br />
de metal cuya parte percutida puede emitir varias<br />
notas con una afinación ambigua: viento en las ho-<br />
PARANG: Navidades caribeñas<br />
con The Lara Brothers /<br />
The Lara Brothers / WINTER<br />
& WINTER / Ref.: WIN<br />
910139-2 (1 CD) D1<br />
URI CAINE: The Classical Variations<br />
/ Uri Caine, piano.<br />
Kettwiger Bach Ensemble,<br />
coro. Dir.:Wolfgang Kläsener.<br />
Shulamith Wechter Caine, Julie<br />
Patton, poesía. David Gilmore,<br />
Nguyên Lê, guitarra.<br />
Ralph Alessi, trompeta. Greg<br />
Osby, saxo alto. Dave Binney,<br />
saxo soprano... / WINTER &<br />
WINTER / Ref.: WIN 910145-<br />
2 (1 CD) D1<br />
jas, olas batientes, cuerpos enfebrecidos, pero sin<br />
la carne los cuerpos, sin las rocas las olas, sin las<br />
hojas el viento, un universo de hojalata, desplazado,<br />
ni natural ni artificial, un poco a lo Manostijeras<br />
de Tim Burton. Incluso los gritos supuestamente<br />
de alegría que acompañan el final de cada actuación<br />
son infernales... El cuatro (con su virtuosidad<br />
por encima de toda sospecha) participa en ese remake:<br />
los zapateados frenéticos, los recuerdos peninsulares,<br />
dulces, jocosos, sensuales en las amplias<br />
guitarras ibéricas son resecados cuando suenan<br />
en el instrumento de 4 cuerdas; queda algo que se<br />
parece a su esqueleto. Y cuando las percusiones (venidas<br />
de la India) evocan el elemento humano, son<br />
pieles que parecen entumecerse bajo las puñadas<br />
de los esclavistas. Los calypsos, que tendrían que<br />
dar la nota más sensual, han conservado ese halo<br />
inquietante de I walked with a zombie de Tourneur,<br />
que debe de ser, creo, su verdadera identidad. Y para<br />
redondear la fiesta, los presentadores con megafonía<br />
(un toque turbio de feria) acentúan el ambiente<br />
artificial, irreal: Jean Cocteau hubiera apreciado,<br />
pero turistas, absteneos.<br />
CARNIVAL IN TRINIDAD: Calypsonians, Steelpans and Blue<br />
Devils<br />
Varios intérpretes / WINTER & WINTER / Ref.: WIN 910137-2<br />
(1 CD) D1<br />
LEOIA KANTIKA KORALA:<br />
Gabon Kantika! Música para<br />
la Navidad: Obras originales<br />
e inéditas dedicadas al Coro<br />
Kantika / Coro del Conservatorio<br />
de Leoia. Basilio Astulez,<br />
dirección / NB / Ref.:<br />
NB011 (1 CD) D3<br />
PACO PEÑA: Recital de guitarra<br />
flamenca (Obras de Ramón<br />
Montoya, Niño Ricardo,<br />
Sabicas, Paco de Lucía...) /<br />
Paco Peña, guitarra flamenca<br />
/ WIGMORE HALL LIVE /<br />
Ref.:WHLIVE 0016 (1 CD) D4<br />
Pierre Élie Mamou<br />
Novedades jazz & otras músicas<br />
LA MÚSICA DE AL-ANDA-<br />
LUS: Las Puertas de Oriente<br />
(Aleppo, encrucijada musical<br />
de Oriente-Occidente) /<br />
Omar Sarmini, canto. Ensemble<br />
Al-Ruzafa. Hames Bitar,<br />
dirección / ALMAVIVA / Ref.:<br />
DS 0145 (1 CD) D2<br />
Robert Munro<br />
MILES DAVIS: Integral de grabaciones<br />
en directo (1956-<br />
57) / Miles Davis, trompeta /<br />
UNITED ARCHIVES / Ref.:<br />
UAR506 (4 CD) D4 x 2<br />
Blue Morning
Un elenco vocal de lujo con el que alcanzó<br />
resultados memorables. Aquí<br />
suena el Klemperer equilibrado, racional<br />
y sensible, coherente en las<br />
relaciones de las partes con el todo,<br />
exacto en la pulsación y respetuoso<br />
en los tempi,e igualmente preocupado<br />
por resaltar los cambios y contrastes<br />
dinámicos que convirtieron al<br />
autor en referente de los grandes románticos.<br />
El director da a las partituras<br />
todo su contenido escénico y<br />
dramático, y consigue que el solfeo<br />
y la poesía lleguen al consenso artístico,<br />
gracias a una claridad casi científica,<br />
que aúna precisión en el gesto,<br />
respeto a la escritura y fantasía en el<br />
arco de expresión. ÓPERA ACTUAL<br />
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):<br />
Missa Solemnis / Söderström, Höffgen, Haefliger,<br />
Frick / Philharmonia Orchestra. Dir..<br />
Otto Klemperer / TESTAMENT / Ref.: SBT<br />
1408 (1 CD) D2<br />
Tacho de titánica la ocasión porque<br />
no hay un elemento en este trabajo<br />
que se pueda calificar de distinta forma,<br />
orquesta, director y sonido están<br />
a una altura admirable. El registro es<br />
simplemente excepcional y desde<br />
aquí lo recomiendo como CD de cabecera<br />
no sólo para amantes del<br />
compositor bohemio sino para audiófilos<br />
en general. La RCO se rinde<br />
ante la batuta de Jansons. La carga<br />
dramática y el virtuosismo orquestal<br />
desplegados lo convierten en unos<br />
de esos momentos que uno no es capaz<br />
de dejar de escuchar una y otra<br />
vez sin dejar de alabar la escritura orquestal<br />
de Mahler y la rendición de<br />
la RCO y Jansons ante tan titánica<br />
obra de arte. CD COMPACT<br />
GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía<br />
No. 1 en Re Mayor Titán /Royal Concertgebouw<br />
Orchestra. Mariss Jansons, dirección<br />
/ RCO LIVE / Ref.: RCO 07001 (1 SACD<br />
híbrido) D3<br />
Esta selección dedicada a los perdurables<br />
y estrechos lazos entre Nápoles y<br />
España, constituye ciertamente el más<br />
sabroso de los bocados. Incluye dos intermezzos<br />
vocales y una chispeante pequeña<br />
sinfonía de Leonardo Vinci, una<br />
cantata de Giuseppe Petrini y un irresistible<br />
trío cómico en forma de fandango<br />
de José de Nebra. Antonio Florio y los<br />
artistas con los que colabora regularmente<br />
son hoy maestros tan consumados<br />
en este repertorio que están fuera<br />
del alcance de cualquier posible competencia.<br />
Roberta Invernizzi está conmovedora<br />
y vibrante. Deslumbrante,<br />
tonificante, incomparable… ¡Hágase con<br />
este disco ya! GOLDBERG<br />
NAPOLI / MADRID: Cantatas e Intermezzos<br />
de Leonardo Leo, José de Nebra & Petrini /<br />
Cappella della Pieta de’Turchini. Dir.: Antonio<br />
Florio / NAÏVE / Ref.: OP 30274 (1 CD) D1<br />
Flautista virtuoso y conocedor de los<br />
meandros del Trecento,Pedro Memelsdorff<br />
no podía permanecer insensible<br />
al Codex Faenza, que hacia 1400 transmitió<br />
los primeros ejemplos del arte<br />
de la disminución instrumental.Teniendo<br />
en cuenta que Mala Punica no retrocede<br />
ni ante lo extraño ni ante lo<br />
espectacular, este recital desbarata y<br />
supera cualquier expectativa. El conjunto<br />
deja de lado la música profana<br />
para ofrecer la sobrecogedora faceta<br />
litúrgica de la colección. En especial<br />
combina las disminuciones instrumentales<br />
con las líneas vocales en un increíble<br />
torbellino. Fascinado por este<br />
trabajo inédito, donde desaparecen<br />
las tradicionales fronteras entre religioso<br />
y profano, entre escritura e improvisación,<br />
uno diría que tal vez no<br />
sepa aún gran cosa de la riqueza que<br />
atesora la música antigua. DIAPASON<br />
FAVENTINA: Música litúrgica del Codex Faenza<br />
117 (1390-1420) / Mala Punica. Pedro<br />
Memelsdorff, dirección / AMBROISIE / Ref.:<br />
AM 105 (1 CD) D1<br />
La obra es una buena muestra de la tragedia<br />
lírica francesa de la época y está<br />
llevada con imponente ritmo teatral por<br />
un Niquet en espléndida forma. El conjunto<br />
instrumental suena claro, equilibrado,<br />
poderoso cuando la ocasión lo<br />
requiere y el coro es magnífico. El trío<br />
protagonista rinde a un estupendo nivel.<br />
Encantadora resulta Stéphanie<br />
d’Oustrac, de hermoso timbre y una ligereza<br />
que sabe adaptarse a sus partes<br />
más conmovedoras. Cyril Auvity<br />
muestra unos agudos resplandecientes<br />
y limpios, y un fraseo de notable<br />
elegancia y exquisitez. Con gran poder<br />
expresivo el bajo Joao Fernández, registro<br />
ancho y suficiente flexibilidad y<br />
plasticidad en el fraseo, está magnífico<br />
en el final. SCHERZO<br />
ANDRÉ CARDINAL DESTOUCHES (1672-<br />
1749): Callirhoé / Le Concert Spirituel. Dir..<br />
Herve Niquet / GLOSSA / Ref.: GCD 921612<br />
(2 CD) D10 x 2<br />
Esta música, en la que un joven Rossini<br />
hace ensayos que luego adoptarán<br />
otro cariz en La italiana en Argel y El<br />
barbero de Sevilla, cobra paradójicamente<br />
vigor en este derroche visual,<br />
y tiene menos tiempo de mostrar sus<br />
caídas de tensión que Jean-Christophe<br />
Spinosi su fusta. De un reparto en<br />
donde todos, a comenzar por la excelente<br />
mezzo Sonia Prina, realiza sus<br />
prodigios tanto escénicos como vocales,<br />
destaca... un personaje mudo, un<br />
gerente de hotel catastrófico que evoca<br />
a Buster Keaton y a la vez al muchacho<br />
del enloquecido café del filme<br />
Víctor o Victoria, que lleva al conjunto<br />
a un delirio sutilmente chirriante. LE<br />
MONDE DE LA MUSIQUE<br />
GIOACHINO ROSSINI (1792-1868): La Pietra<br />
del Paragone / Prina, Holloway, Giordano,<br />
Senn / Chœur du Teatro Regio di Parma. Ensemble<br />
Matheus. Dir.: Jean-Christophe Spinosi.<br />
Giorgio Barberio Corsetti & Pierrick<br />
Sorin, dirección escénica / NAÏVE / Ref.: V<br />
5089 (2 DVD) D10 x 2<br />
En una primera escucha predomina el<br />
clima ascético, los tempi son lentos, las<br />
texturas sonoras aéreas, casi desmaterializadas<br />
como las de esa Sonata nº 3 de<br />
gran sobriedad, de una delicadeza en la<br />
expresión de las líneas melódicas sutilmente<br />
iluminadas por la pulsación etérea<br />
pero calurosa de las cuerdas,<br />
relevadas por la suavidad de las flautas.<br />
La ascesis no es sin embargo el único<br />
registro del director catalán. Su temperamento<br />
generoso se descubre en el uso<br />
de una extensa paleta de colores al servicio<br />
de una controlada teatralidad. De<br />
esta partitura excepcional Le Concert<br />
des Nations ofrece una lectura profunda,<br />
dramática y viva, en perfecta adecuación<br />
con la atmósfera humanista y la carga<br />
mística de cada una de las sonatas.<br />
CLASSICA-RÉPERTOIRE<br />
JOSEPH HAYDN: Las siete últimas palabras de<br />
Cristo en la Cruz / Le Concert des Nations.<br />
Francisco Rojas, evangelista. Dir.: Jordi Savall /<br />
ALIA VOX / Ref.: AV 9854 (1 CD) D2<br />
Claudio Cavina elige una velocidad mesurada<br />
y cómoda, nunca atropellada, siguiendo<br />
adecuadamente cada<br />
especificación instrumental de la partitura,<br />
sin modificaciones caprichosas.<br />
Emanuela Galli está particularmente<br />
magnífica, no menos que Marina De<br />
Liso, Mirko Guadagnini y Salvo Vitale.<br />
Cavina vence también en los momentos<br />
corales, llevados con naturalidad y soltura.<br />
Los violines suenan primaverales.<br />
Cavina triunfa indiscutiblemente, y su<br />
maravillosa grabación sube directamente<br />
al primer lugar de la lista de versiones<br />
recomendadas. GRAMOPHONE<br />
CLAUDIO MONTEVERDI (1567-1643): L’Orfeo<br />
/ La Venexiana. Dir.: Claudio Cavina / GLOS-<br />
SA / Ref.: GES 920913-S (2 CD) P.V.P.: 29,95<br />
euros.-
56 diverdi el zoco<br />
z oco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco<br />
Última oportunidad para conseguir unas excelentes grabaciones en las que los sellos confiaron en su día hasta tal punto que las hicieron embajadoras<br />
de sus catálogos anuales. Si ya de por sí el disco catálogo implica una fortísima rebaja en el precio final, <strong>Diverdi</strong> ofrece ahora un precio muy reducido en<br />
estas referencias seleccionadas. Existencias muy limitadas.<br />
BAILANDO CON DESCONOCIDOS: Música<br />
clásica del Siglo XX para .Works by<br />
Einar Englund, Alfred Schnittke, Moishei<br />
Vainberg, Camargo Guarnieri, Ervin<br />
Schulhoff, Oskar Nedbal, Alfred Schnittke,<br />
Marko Tajcevic, Arturo Márquez, Arthur<br />
Honegger, Stevan Hristic, Erkki<br />
Melartin, Bohuslav Martinu, George Antheil,<br />
Alberto Ginastera, Georges Enescu,<br />
Alexander Glazunov & Alfred<br />
Schnittke / LACHRIMAE / Ref.: LCD 9713<br />
(1 CD) P.V.P.: 4,20 euros.-<br />
CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921):<br />
Conciertos para piano Nos. 3 & 5 / Anna<br />
Malikova, piano.WDR Sinfonieorchester<br />
Köln. Thomas Sanderling, dirección<br />
(Contiene Catálogo <strong>2007</strong>) / AUDITE /<br />
Ref.: AUD 10012 (1 SACD) P.V.P.: 7,14 euros.-<br />
CONCERT DE DANSE: Obras de Lully,<br />
Charpentier, Rebel, Delalande & Rameau<br />
/ Howard Crook, tenor. La Petite Band.<br />
Sigiswald Kuijken, dirección (Incluye Catálogo<br />
2006/<strong>2007</strong>) / ACCENT / Ref.: ACC<br />
25001 (1 CD) P.V.P.: 6,97 euros.-<br />
GAETANO DONIZETTI: Maria Stuarda /<br />
Carmela Remigio, soprano. Sonia Ganassi,<br />
mezzosoprano. Joseph Calleja, tenor.<br />
Riccardo Zanellato, bajo. Marzio<br />
Giossi, baritone. Cinzia Rizzone, soprano.<br />
Orchestra del Teatro Donizetti di Bergamo.<br />
Fabrizio Maria Carminati,<br />
dirección / DYNAMIC / Ref.: CDS 510/1-<br />
2 (2 CD) P.V.P.: 3,15 euros.-<br />
Todo un compendio de barroco y clasicismo se reúne en esta colección<br />
de veinte discos de la prestigiosa colección ACCENT PLUS a un precio<br />
increíble. La familia Kuijken, René Jacobs, Jos van Immerseel, Marcel<br />
Ponseele, Paul Dombrecht, Konrad Junghänel, Maria Cristina Kiehr, Erik<br />
van Nevel, Roel Dieltiens, Andrew Lawrence King y Roberto Festa son<br />
algunos de los absolutos reyes de la música antigua con instrumentos originales<br />
que dan aquí lo mejor de sí mismos. Por su parte, al mismo precio,<br />
NAÏVE ofrece un bloque con lo más espectacular de su colección<br />
Voces Barrocas con sus artistas de bandera: Alessandrini, Sara Mingardo<br />
y Fabio Biondi entre otros. Dos festivales barrocos a elegir.<br />
INTEGRAL DE LA COLECCIÓN ACCENT<br />
PLUS (20 CDS): Obras de Henry Purcell, Georg<br />
Philipp Telemann,Wolfgang Amadeus Mozart,<br />
Arcangelo Corelli, Marin Marais,<br />
Domenico Scarlatti, Joao Rodrigues Esteves...<br />
/ Varios intérpretes (más información en la ficha<br />
de cada disco) / ACCENT / Ref.: BOX001<br />
(20 CD) P.V.P.: 99,00 euros.-<br />
Puede consultar el contenido de la<br />
colección completa en www.diverdi.com<br />
y en el boletín nº 160, junio de <strong>2007</strong><br />
INTEGRAL DE LA COLECCIÓN VOCES BA-<br />
RROCAS (15 CDS): Obras de J.S. Bach, M-A.<br />
Charpentier, De Lalande, Haendel, Purcel, Pergolesi,<br />
Monteverdi, Scarlatti, Vivaldi, Allegri,<br />
Amiot, Caresana... / Varios intérpretes (más<br />
información en la ficha de cada disco) / NAÏVE<br />
/ Ref.: BOX002 (15 CD) P.V.P.: 99,00 euros.-<br />
Puede consultar el contenido de la<br />
colección completa en www.diverdi.com<br />
y en el boletín nº 159, mayo de <strong>2007</strong><br />
WOLFGANG AMADEUS MOZART<br />
(1756-1791): Quinteto para clarinete en<br />
La Mayor, K.581; Trío para clarinete, viola<br />
y piano en Mi bemol Mayor K.498, Kegelstatt<br />
/ Wolfgang Meyer clarinete di<br />
basseto. Patrick Cohen, pianoforte. Quatuor<br />
Mosaïques (Incluye Catálogo 2006)<br />
/ NAIVE / Ref.: V 5059 (1 CD) P.V.P.: 8,37<br />
euros.-<br />
JESÚS RUEDA (1961): Obras de cámara<br />
+ Catálogo Col Legno 2006/07 / Ananda<br />
Sukarlan, piano. Proyecto Gerhard.<br />
José de Eusebio, dirección / COL-LEG-<br />
NO / Ref.:WWE 20208 (1 CD) P.V.P.: 2,78<br />
euros.-<br />
AUX MARCHES DU PALAIS: Romances &<br />
complaintes de la France d´autrefois / Le<br />
Poème Harmonique.Vincent Dumestre,<br />
dirección (+ catálogo ALPHA 2006) /<br />
ALPHA / Ref.: ALPHA 906 (1 CD) P.V.P.:<br />
6,97 euros.-<br />
DISCO CATÁLOGO CPO 2006: FRAN-<br />
CESCO MANFREDINI (1684-1762): 12<br />
Concerti Op. 3 (/ Les Amis de Philippe.<br />
Ludger Rémy, dirección / CPO / Ref.:<br />
777172-2 (1 CD) P.V.P.: 2,78 euros.-<br />
ACENTOS DEL BARROCO: Obras de<br />
Graupner, J.S.Bach, Telemann, Marcello,<br />
Blavet, Hotteterre, Couperin, Leo etc) / B.<br />
Kuijken, M. Ponseele & Il Gardellino, F.<br />
Theuns, M.Hantaï, E. Demeyere / AC-<br />
CENT / Ref.: ACC 25000 (1 CD) P.V.P.:<br />
5,26 euros.-<br />
DOMENICO BELLI (?-1627): Il nuovo stile<br />
(+ Catálogo ALPHA 2004-2005) / Guillemette<br />
Laurens, canto. Le Poème<br />
Harmonique. Dir.: Vincent Dumestre /<br />
ALPHA / Ref.: ALPHA 903 (1 CD) P.V.P.:<br />
5,57 euros.-<br />
PASTIME WITH GOOD COMPANY: La<br />
Rosina (L’Arpeggiata) / Un Cavalier di<br />
Spagna (L’Arpeggiata & Marco Beasley)<br />
/ A. Piazzolla: Michelangelo ’70 (Quatuor<br />
Habanera) / Gaudeat ecclesia (Diabolus<br />
in Musica) / J.S. Bach: Trío en sol<br />
mayor (Café Zimmermann) / T. Hume:<br />
Good Again (Nima Ben David) / L. Couperin:<br />
Preludio en do (Gustav Leonhardt)<br />
/ Tirsis s’en alloit mourir d’aise (Eugène<br />
Green) / N. Matteis: Passagio rotto e fantasia<br />
a violino solo senza basso (Hélène<br />
Schmitt) / G. Lasceux: Flûtes (Frédéric<br />
Désenclos) / Viadeira (Brice Duisit) / Bela<br />
Bartok a-t-il souri dans la nuit? (Joël Grare)<br />
/ Sally Gardens – Fisher’s Hornpipe<br />
– Ladies’ Hornpipe (Bruno & Esther Cocset)<br />
/ L.v. Beethoven: Für Elise (Arthur<br />
Schoonderwoerd) / Slieve Russell – Wellington’s<br />
Advance – The Three Little<br />
Drummers (Les Witches) / C. Janequin:<br />
Toutes les nuits (Le Poème Harmonique)<br />
/ ALPHA / Ref.: ALPHA 901 (1 CD) P.V.P.:<br />
5,26 euros.-<br />
CAPELLA DE MINISTRERS: 15 Anys / Capella<br />
de Ministrers. Carles Magraner, dirección<br />
/ CDM / Ref.: CDM 0202 (1 CD)<br />
P.V.P.: 3,47 euros.-<br />
Tres eran tres las cajas que BRILLIANT trae para este<br />
tiempo de regalos. Ronald Brautigam y amigos interpretando<br />
lo mejor del piano de Schumann, una amplia compilación<br />
de la obra orquestal de Glazunov por la Sinfónica<br />
Estatal Rusa dirigida por Poliansky, y el plato fuerte: la integral de las<br />
composiciones de Beethoven (igual que hicieron con Bach, Mozart y Chopin),<br />
con interpretaciones de altísimo nivel por artistas legendarios como<br />
Furtwängler, Haskil, Oistrakh, Masur, Gulda, Grumiaux, Solomon, Serkin,<br />
Karajan, Rampal, Haitink… Más y mejor Beethoven que nunca.<br />
ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Obras para<br />
piano, vol. 2 / Klára Würtz, Ronald Brautigam<br />
& Luba Edlina, pianos / BRILLIANT / Ref.: 92505<br />
(3 CD) P.V.P.: 9,75 euros.-<br />
ALEXANDER GLAZUNOV (1865-1936): Integral<br />
de sinfonías. Concierto para violín. Cantatas<br />
de la Coronación y Conmemorativa.<br />
Valses de concierto. Poema Lírico. Suite de<br />
Ballet Raimonda. Suite Característica / Julia<br />
Krasko, violín. Russian State Symphony Orchestra.Valeri<br />
Poliansky, dirección / BRILLIANT<br />
/ Ref.: 93565 (7 CD) P.V.P.: 22,75 euros.-<br />
LUWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Obras<br />
completas (85 CDs Obras + 15 CDs Grabaciones<br />
Históricas + 1 CD ROM con textos de<br />
las obras vocales y comentarios en castellano<br />
de las obras) / Cor & Orchester des Bayreuther<br />
Festspiele, Wilhelm Fürtwängler,<br />
Elisabeth Schwarzkopf, Otto Klemperer, Philharmonia<br />
Orchestra,Von Karajan, Arthur Schnabel,<br />
Edwin Fischer, David Oistrakh, Walter<br />
Gieseking, Vienna Philharmonic Orchestra,<br />
Martha Mödl, Wolfgang Windgassen, etc... /<br />
BRILLIANT / Ref.: 93553 (100 CD) P.V.P.: 99,00<br />
euros.-<br />
Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.
el zoco 165 / <strong>diciembre</strong> <strong>2007</strong><br />
z oco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco<br />
La gran escudería NAÏVE lanza en estas fechas invernales cinco cajas para quitarle el frío a cualquiera: compila cada una grabaciones<br />
recientes reunidas temáticamente (Música para arpa, para flauta y piano, Sacra, Europa Barroca o Antonio Vivaldi) a un<br />
precio más que reducido: por el precio de un disco sencillo, ahora puede llevarse cuatro. Atención a las grabaciones señaladas que<br />
se ofrecen: incluyen excelentes discos de la laureada edición Vivaldi o, por destacar alguno, un hermoso disco de arpa con las obras<br />
de Ginastera. Interesantísimo.<br />
MÚSICA PARA FLAUTA Y PIANO: Obras de Beethoven, Schubert, Weber, Debussy... / Emmanuel<br />
Pahud, flauta. Éric Lesage, piano. Juliette Hurel, flauta. Hélène Couvert, piano / NAIVE /<br />
Ref.: V 5128 (4 CD) D1 [4 CD AL PRECIO DE 1]<br />
MÚSICA SACRA: Obras de Von Bingen, Vivaldi, Bach, Mozart / Varios intérpretes, orquestas y<br />
directores / NAIVE / Ref.: V 5126 (4 CD) D1 [4 CD AL PRECIO DE 1]<br />
MÚSICA PARA ARPA: Obras de Joaquín Rodrigo, Alberto Ginastera, Gabriel Fauré, Claude Debussy,<br />
Gabriel Pierné, André Caplet, Maurice Ravel, Jean-Émile Paul Cras, Camille Saint-Saëns<br />
& Marcel Tournier / Isabelle Moretti, arpa. Quatuor Parisii. Real Orquesta de Sevilla. Edmon<br />
Colomer, dirección. Orchestre National de Lyon. David Robertson, dirección / NAIVE / Ref.: V<br />
5127 (4 CD) D1 [4 CD AL PRECIO DE 1]<br />
El sello británico REGIS sigue, poco a poco, aumentando su catálogo de serie económica incorporando importantes grabaciones alguna vez publicadas<br />
en otros sellos y que ahora es poco menos que imposible encontrar. Una parte está dedicada a los maestros rusos (obras de cámara de Glinka, música<br />
de Kabalevsky) o a sus geniales intérpretes (la sólida Nikolaieva); una segunda, ofrece el repertorio barroco en la serie ALTUS, que sigue descubriéndonos<br />
los excelentes compositores bohemios. Entre el resto, hay obras que brillan como el oro Real: no dejen pasar el soberbio disco de Korngold.<br />
BAROQUE BOHEMIA: Obras de Myslivecek,<br />
Gallina,Vent, Bárta, Fiala / Czech<br />
Chamber Philharmonic Orchestra. Vojtech<br />
Spurny, dirección / REGIS RECORDS<br />
/ Ref.: ALC 1014 (1 CD) D9<br />
MÚSICA PARA LOS REYES TUDOR EN-<br />
RIQUE VII & VIII: Obras de Robert Fayrfax,<br />
William Cornysh, Sheryngham &<br />
compositores anónimos/ The Hilliard Ensemble.<br />
The New London Consort. Philipp<br />
Pickett, dirección / REGIS RECORDS<br />
/ Ref.: ALC 1015 (1 CD) D9<br />
MY FAIR LADY: Música de Frederick Loewe<br />
y letras de Alan Jay Lerner/ Julie Andrews,<br />
Rex Harrison, Stanley Holloway /<br />
REGIS RECORDS / Ref.: FRC 6120 (1<br />
CD) D7<br />
JEAN SIBELIUS (1865-1957): Piano Album<br />
/ Annette Servadei, piano / REGIS<br />
RECORDS / Ref.: RRC 1281 (1 CD) D7<br />
CHARLES WIDOR (1844-1937): Sinfonía<br />
para órgano No. 5; Fragmentos de las<br />
sinfonías Nos. 8 & 6 / David Sanger, órgano<br />
/ REGIS RECORDS / Ref.: RRC 1282<br />
(1 CD) D7<br />
TATIANA NIKOLAIEVA interpreta JO-<br />
HANN SEBASTIAN BACH (1685-1750):<br />
Obras para teclado / Tatiana Nikolayeva,<br />
piano / REGIS RECORDS / Ref.: RRC 1285<br />
(1 CD) D7<br />
DMITRI KABALEVSKY (1904-1987): Música<br />
orquestal / Anatoly Sheludiakov, piano.<br />
Russian Cinematographic Symphony<br />
Orchestra. Walter Mnatsakanov, dirección<br />
/ REGIS RECORDS / Ref.: RRC 1287<br />
(1 CD) D7<br />
MIKHAIL GLINKA (1804-1857): Música<br />
de cámara/ Russian National Symphony<br />
Orchestra Soloists. Mikhail Pletnev, piano<br />
y dirección / REGIS RECORDS / Ref.:<br />
RRC 1288 (1 CD) D7<br />
ERICH WOLFGANG KORNGOLD<br />
(1897-1957): Suite Mucho Ruido y Pocas<br />
Nueces; Suite Straussiana; Concierto<br />
para violonchelo en Do Mayor, op. 37;<br />
Interludio de Das Wunder der Heliane,<br />
op. 20; Preludio al Acto 2º de Die Tote<br />
Stadt / Zull Bailey, violonchelo. Linz Bruckner<br />
Orchestra. Caspar Richter, dirección<br />
/ REGIS RECORDS / Ref.: RRC 1290 (1<br />
CD) D7<br />
ANDRÉS SEGOVIA: Guitar Masterclass.<br />
Obras de Castelnuovo-Tedesco, Sor,<br />
Bach,Villa-Lobos, Torroba, Ponce, Milán<br />
y Rodrigo / Andrés Segovia, guitarra / RE-<br />
GIS RECORDS / Ref.: RRC 1295 (1 CD)<br />
D7<br />
CANTANTES DEL SIGLO XX: 40 Grandes<br />
voces / De los Ángeles, Schwarzkopf,<br />
Björling, Del Monaco... / REGIS<br />
RECORDS / Ref.: RRC 2078 (1 CD) D7 x<br />
2<br />
Estas nueve cajas que ofrecemos nos sacarán sin duda del apuro del regalo inesperado, tanto si es para otros como si nos queremos<br />
premiar a nosotros mismos. Porque regalar o regalarnos el Desprez de A Sei Voci, las evoluciones camerísticas del Cuarteto<br />
Végh, la poética interpretación de Sokolov o los pasos iniciales de un aún jovencísimo Badura-Skoda es darnos el trato que merecemos.<br />
Obras de primerísima calidad, indispensables en toda discoteca privada que se precie.<br />
JOSQUIN DESPREZ (? 1440-1521): Misas<br />
y motetes / A Sei Voci. Bernard Fabre-Garrus,<br />
dirección / NAÏVE / Ref.: E<br />
8906 (6 CD) P.V.P.: 35,99 euros.-<br />
ANNE GASTINEL interpreta obras para<br />
violonchelo concertante de Dvorák,<br />
Block, Haydn, Saint-Saëns, Lalo & Fauré<br />
/ Anne Gastinel, violonchelo. Orchestre<br />
National de Lyon. Emmanuel Krivine, dirección.<br />
Les Solistes de Moscou. Yuri<br />
Bashmet, dirección / NAÏVE / Ref.:V 4969<br />
(3 CD) P.V.P.: 22,50 euros.-<br />
LOS GRANDES MOMENTOS DEL CINE<br />
FRANCÉS: Música y diálogos originales<br />
de películas de Carné, Malle, Pagnol,<br />
Renoir & Tati / NAÏVE / Ref.: K 1615 (5<br />
CD) P.V.P.: 33,00 euros.-<br />
GRIGORY SOKOLOV interpreta Bach,<br />
Beethoven, Chopin & Brahms / Grigory<br />
Sokolov, piano / NAÏVE / Ref.: OP 30421<br />
(5 CD) P.V.P.: 29,90 euros.-<br />
GRIGORY SOKOLOV interpreta BEET-<br />
HOVEN: Variaciones Diabelli; SCHUBERT:<br />
Sonatas nº18 y 21; CHOPIN: Sonata nº2,<br />
Estudios op.25; SCRIABIN: Sonatas 3 y 9;<br />
PROKOFIEV: Sonata nº8; RACHMANI-<br />
NOV: Preludio op.23 nº4 / Grigory Sokolov,<br />
piano / NAÏVE / Ref.: OP 30388 (5<br />
CD) P.V.P.: 29,95 euros.-<br />
ANTONIO VIVALDI: Las cuatro estaciones.<br />
Conciertos para cuerdas / Europa<br />
Galante. Fabio Biondi, dirección / NAÏVE<br />
/ Ref.: OP 30347 (4 CD) P.V.P.: 29,90 euros.-<br />
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):<br />
Los cuartetos para cuerdas / Cuarteto<br />
Végh / NAÏVE / Ref.:V 4871 (8 CD) P.V.P.:<br />
43,05 euros.-<br />
FABIO BIONDI: Obras de BOCCHERI-<br />
NI: Quintetos para cuerda; GEMINIANI:<br />
Concerti grossi & La Follia;LOCATELLI:<br />
Concerti grossi; TARTINI: 5 Sonatas para<br />
violin y bajo continuo; INVENCIONI E<br />
STRAVAGANZE: Música italiana para violín<br />
del siglo XVII/ Fabio Biondi, Europa<br />
Galante, R. Alessandrini, M. Naddeo, P.<br />
Montheilet / NAÏVE / Ref.: OP 30389<br />
(5CD) P.V.P.: 30,65 euros.-<br />
PAUL BADURA-SKODA interpreta MO-<br />
ZART (1756-1791): Sonatas para piano /<br />
Paul Badura-Skoda, pianoforte Johann<br />
Schantz ca. 1790 / NAÏVE / Ref.: E 8905<br />
(6 CD) P.V.P.: 29,90 euros.-<br />
57<br />
EUROPE BAROQUE: Obras de Haendel, Vivaldi, Pandolfi, D'India... / Ophélie Gaillard, violonchelo.<br />
Héloise Gaillard, flauta. Amarillis / NAIVE / Ref.: AM 143 (4 CD) D1 [4 CD AL PRECIO<br />
DE 1]<br />
ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Las Cuatro Estaciones; Conciertos / Sergio Azzolini, fagot.<br />
Hans Peter Westermann, oboe. Europa Galante. Fabio Biondi, violín y dirección. Orchestra Barocca<br />
Zefiro. Alfredo Bernardini, dirección. Concerto Italiano. Rinaldo Alessandrini, dirección.<br />
Sonatori de la Gioiosa Marca / NAIVE / Ref.: OP 30455 (4 CD) D1 [4 CD AL PRECIO DE 1]<br />
Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.
58 diverdi perfil<br />
los productores<br />
“Tengo un deseo y una visión. Realmente me gustaría<br />
organizar y crear instalaciones sonoras, en las<br />
que la experiencia consista en escuchar sonidos<br />
en condiciones muy especiales. Esto ya fue realizado<br />
por Edgar Varèse en la Exposición Universal<br />
de Bruselas en 1959, e incluso en los años 20<br />
Thomas Mann ya comprendió que una grabación<br />
y el fonógrafo necesario para reproducirla no eran<br />
productos comerciales, sino obras de arte: recuerde<br />
cómo Hans Castorp, el protagonista de La montaña<br />
mágica, sube un gramófono a su habitación y<br />
dice, ‘esto es un instrumento’.” Palabras de Stefan<br />
Winter, que fundó en 1995 el sello Winter &<br />
Winter (y anteriormente el sello de jazz JMT), etiqueta<br />
en la que la curiosidad intelectual y la creatividad<br />
estética que confluyen en su creador se<br />
reflejan a la perfección. “La cuestión clave al hablar<br />
de instalaciones sonoras es: ‘¿Cómo presentamos<br />
los sonidos a la audiencia?’ El primer paso<br />
es muy sencillo: un espacio oscuro que cuente con<br />
una excelente acústica y un excelente sistema de sonido,<br />
y en el que usted se sienta a gusto, se vuelva<br />
‘ciego’ y trate sólo de tener una buena experiencia<br />
sonora.”<br />
El tema del sonido, así como el de la experiencia<br />
auditiva en su totalidad, forma parte integral<br />
del trabajo artístico de Winter y sus músicos.<br />
“Como músico debes saber que tu sonido es como<br />
un color, y debes ser capaz de usar estos colores<br />
en un determinado espacio, al igual que hacen los<br />
pintores o los arquitectos, para lograr el efecto deseado.<br />
Cosas como encontrarme a un trío de jazz<br />
tocando con amplificación en una sala pequeña<br />
para 80 personas me siguen chocando enormemente”.<br />
Nos cuenta una experiencia creativa acerca<br />
de la búsqueda de espacios apropiados para sus<br />
músicos: “Quise grabar el Satie con Teodoro Anzellotti<br />
en la maravillosa Villa Medici en las afueras<br />
de Milán, a pesar de que trabajo en Múnich, Teo<br />
estaba viviendo en Freiburg y existe un fantástico<br />
estudio de grabación cerca de Stuttgart, al que<br />
acudo con frecuencia. Teo me dijo: ‘¡Puedo tocar<br />
en cualquier sitio!’ Pero lo persuadí de ir a Milán.<br />
Una vez allí, sacó su instrumento y comenzó a tocar.<br />
Tras unos minutos, su mujer vino a la sala de<br />
control y me dijo: ‘¡Teo me acaba de anunciar que<br />
ésta es la primera vez en su vida que se escucha a<br />
sí mismo!’ Pienso, por tanto, que tenemos la responsabilidad<br />
de realizar las grabaciones en las mejores<br />
condiciones posibles. Un buen productor<br />
debe intentar que el micrófono se torne ‘invisible’,<br />
que el músico no se percate de su presencia y que<br />
la tecnología no interfiera en el desarrollo musical.”<br />
Para Stefan Winter, el trabajo en el estudio<br />
de grabación es sólo la culminación de un largo<br />
proceso. “Cuando comenzamos a hablar acerca<br />
de un proyecto –y esto puede llevar dos o tres<br />
años– me siento como el comisario que organiza<br />
una exposición, que necesita hablar del ‘qué’,<br />
el ‘porqué’, el ‘dónde’ y el ‘cuándo’.” Igualmente<br />
importante para Winter –y esto es una actitud<br />
que lo distancia de muchos otros sellos– es su<br />
Stefan Winter<br />
Perfil del creador y ‘alma mater’ de WINTER & WINTER<br />
responsabilidad como editor de la música. “En<br />
Winter & Winter, de hecho, hacemos encargos de<br />
nuevas obras. Uri Caine se encuentra en la actualidad<br />
escribiendo una obra con el Cuarteto<br />
Arditti, y Fumio Yasuda se dispone a trabajar en<br />
adaptaciones de canciones de Weill, Brecht y Eisler<br />
para cuarteto de cuerda y voz.”<br />
Winter no niega la existencia de una cierta<br />
crisis en la industria musical, “pero para ser honesto<br />
debo decir que esta crisis es positiva (incluso<br />
aunque no sepa si conseguiremos sobrevivir),<br />
porque al menos el concepto de producción industrial<br />
en la música seria, tan habitual en los años<br />
60, 70 y 80, se acabará definitivamente.” Sin embargo,<br />
no es la música en sí la que está en crisis.<br />
“Existe una serie de proyectos increíblemente interesantes<br />
en la actualidad, y tanto la música como<br />
la escena musical están totalmente vivos. Pero no<br />
sé qué ocurrirá en el futuro. Creo firmemente en<br />
el arte de la grabación y en su supervivencia, pero<br />
se hará cada vez más especializado y cambiarán<br />
los métodos de distribución.” Que se reconozca<br />
este arte es otro de los objetivos de Winter. “Pienso<br />
que necesitamos que algo ocurra para que la<br />
gente comprenda, de una vez por todas, que el<br />
sonido grabado y la música no son únicamente herramientas<br />
de entretenimiento, sino que existen<br />
como forma artística, como hacer una película, tomar<br />
una fotografía o pintar. Se trata de algo más<br />
que documentar una interpretación. Me pregun-<br />
Mark Wiggins<br />
“Como músico debes saber que tu sonido es como un<br />
color, y debes ser capaz de usar estos colores en un<br />
determinado espacio, al igual que hacen los pintores o<br />
los arquitectos, para lograr el efecto deseado.”<br />
to qué ocurriría”, reflexiona, “si Sony, como propietario<br />
de la cinta analógica original de las Variaciones<br />
Goldberg por Glenn Gould, decidiera<br />
subastarla en Sotheby’s… Realmente me encanta<br />
el trabajo de Gould, pues fue uno de los escasísimos<br />
artistas que realmente comprendió el<br />
poder de una grabación, y dedicó más de año y<br />
medio a editar su interpretación, creando una auténtica<br />
obra de arte sonoro en el proceso.”<br />
Para conseguir transmitir el mensaje musical<br />
a la audiencia es inevitable asumir riesgos, indica<br />
Winter. “Pienso que si ocurre un hecho<br />
importante, debemos implicar a la música de hoy<br />
en día. Hace algunos años, cuando en Alemania<br />
se inauguró un monumento dedicado a las víctimas<br />
judías de Hitler, invitaron a una orquesta israelí<br />
para que tocara Beethoven. Mucho más<br />
apropiado habría sido, pienso yo, encargar una<br />
obra a alguno de los muchos compositores judíos<br />
que viven actualmente en Alemania. Un riesgo,<br />
quizá, pero la cultura, después de todo, no es<br />
democrática, ni lo ha sido nunca. Debemos ser lo<br />
suficientemente arrogantes como para proclamar<br />
que sabemos lo que es bueno y quién está<br />
haciendo buena música. Y entonces presentamos<br />
a estos artistas a la gente, en lugar de preguntarle<br />
qué es lo que quiere escuchar. Muchas veces,<br />
las audiencias responden de forma positiva a músicas<br />
que nunca antes habían escuchado. Y se enamoran<br />
de ellas.”<br />
Foto Juan Lucas
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