mayo de 2004 - Ramona

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PAGINA 66 | DOSSIER HISTÓRICO
Paternosto y Puente
Entre los caminos por los que se busca salida
a la situación compleja y hasta caótica
de la pintura actual, se cuentan aquellos
que intentan, en distintas partes del mundo,
un resurgimiento de las formas, sea en su
aspecto figurativo, sea en el de la abstracción
geométrica. En este último caso, unos retoman
las experiencias de una plástica consturctivogeométrica,
con sus clásicas características de
rigidez e impersonalidad, pero el grupo quizá
más interesante está formado por aquellos que
utilizan la geometría incorporando las últimas
experiencias plásticas. Entre nosotros son
Puente y Paternosto los que realizan esa retoma
de la expresión geométrica sobre otras bases.
Nos aportan un nuevo aspecto de la plástica
que podría bautizarse con el nombre de
geometría sensible. A la impasibilidad, a la dureza,
a la impersonalidad del arte concreto tradicional
en su versión geométrica, estos pintores
oponen una geometría de lo personal, en la
que la huella del creador, su particular sensibilidad,
dejan su impronta. La figura geométrica
deja de ser un elemento activo para convertirse
sólo en el soporte pasivo, en un verdadero
escenario, por así decir, neutro, sobre el cual
actúan los verdaderos personajes del cuadro:
el color y la textura. La anulación de la actividad
dominante de lo geométrico se obtiene por
la simplificcación máxima de la anécdota plástica
y por la subordinación a una simetría casi
estricta. Entonces resalta la actividad del color
ofrecido en forma móvil por la oposición de
franjas de colores diversos en el interior mismo
de las formas. Y se logra la vibración sensible
de la superficie por el mecanismo de la textura,
que en Paternosto reside en la calidad de la
materia misma del collage que da el color, y
que Puente obtiene por la matización de las
superficies coloreadas y por el desflecamiento
de los contornos de las formas.
Estos dos pintores revelan, en las obras expuestas,
el avance logrado por este nuevo camino,
y las grandes posibilidades que dejan
abiertas para ulteriores realizaciones.
Aldo Pellegrini
Capítulo IX
La nacionalidad del arte
Debo, ante todo, una aclaración, porque sé bien
que este tema de la nacionalidad del arte, al
que he arribado, no es comúnmente tolerable.
Más aún, es tema tabú. Basta mencionarlo para
que inmediatamente se lo quiera eludir, despreciándolo,
quitándole valor y jerarquía intelectual.
Este tema por ser muy difícil necesita la mayor
precisión. No quiero entrar en vaguedades.
Propongo de entrada tres nuevas perspectivas
sobre este tema. Primero. Comúnmente se dice
que el arte es internacional. No es así. El arte
es nacional en cuanto creación, ya que el
hombre vive en un determinado lugar, rodeado
de un determinado contexto. Es internacional
en cuanto al resultado, ya que los medios de
difusión lo hacen así.
Hemos hablado de un proceso creador internacional.
Pero es un hecho del contexto inmediato,
lo circundante al creador, el que hace
que determinados pasos en la marcha del arte
internacional lo den artistas de determinados
países y no de otros. Decir que el arte es internacional
para ustificar la ejecución de modas
internacionales, no es más que un pretexto.
Pero es cierto que la única forma de descubrir
el entorno inmediato, o sea el supuesto nacional,
es a la luz de la visión internacional, a la luz
de nuevas perspectivas.
Lo que se llama la visión internacional del arte
no es una cosa que esté hecha y que luego se
difunda (en ese supuesto sólo cabría la variante
nacional por pintoresquismo), sino que se
encuentra en permanente dinámica. Descubrir
la variante nacional es encontrar una nueva
perspectiva que ilumine el proceso de invención
internacional del arte contemporáneo. No
es cuestión de ponerse un rostro nacional, ni
de estar preocupado más por descubrir la variante
nacional que por el proceso creador en
sí mismo. Es cuestión, sí, de cómo contribuir a
éste, al gran rostro de la humanidad en perma