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Giugno
2013
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1° CORSO DI ICONOGRAFIA:
il Volto di Cristo
Si è conclusa con la benedizione delle icone durante
la santa messa nella cattedrale San Clemente,il primo
corso di iconografia del 2013, un cammino di due
mesi per gli allievi guidati dal maestro d’arte Fabio Pontecorvi.
Otto incontri dove i corsisti hanno conosciuto ed imparato con
entusiasmo la tecnica della tempera all’uovo e dell’applicazione
della foglia in oro, una tecnica antichissima utilizzata
dagli antichi maestri iconografi.
Lo scopo del corso è stato quello di dipingere su una tavola
in legno ingessata (Levkas) portando a termine un icona del
volto di Cristo. Importante è stato anche la preparazione alla
preghiera che durante le lezioni hanno accompagnato il lavoro
degli allievi. L’icona possiamo definirla una finestra verso
il divino, uno strumento che aiuta a contemplare il mistero di Dio e la
vita dei santi.
Ogni tappa ha visto la curiosità degli allievi che con capacità artistiche
hanno condiviso il loro lavoro in una ambiente favorevole come quello
del laboratorio del museo diocesano. Il lavoro si è svolto partendo
dal disegno per arrivare alla preparazione dei colori attraverso i pigmenti
colorati, con terre e ossidi e minerali.
“Importante nell’iconografia sacra è il colore che non può essere considerato
solo un semplice mezzo di decorazione, ma fa parte di un linguaggio
che tende ad esprimere il mondo trascendentale,verso l’alto.
Come per i simboli il colore è legato ad un significato” www.artesacraveliter.it
La preghiera quindi accompagnata alla tecnica ha dato quel valore spirituale
ad ogni tavola(Icona) che sarà uno strumento di preghiera per
gli allievi che hanno partecipato al corso.
Segue la preghiera dell’iconografo:
O Divino Maestro,
fervido artefice di tutto il creato,
illumina lo sguardo del Tuo servitore,
custodisci il suo cuore,
reggi e governa la sua mano,
affinché degnamente e con perfezione
possa presentare
la Tua immagine per la gloria, la gioia e la bellezza
della Tua Santa Chiesa.
Artemisia Gentileschi,
Giuditta che decapita Oloferne,
1620 circa, Galleria degli Uffizi di Firenze.
don Marco Nemesi*
L’emergere in campo artistico delle donne
coincide con la nozione moderna di ”artista”,
che vede il concetto intellettuale del
“fare arte” in opposizione alla manualità artigianale.
Eppure, oggi, si è spesso sorpresi all’idea che
nel 1600 la pittura fosse praticata anche dalle
donne. In realtà numerose artiste, tra la fine del
‘500 e l’inizio del ‘600, si sono “consacrate” alla
pittura e hanno conosciuto una discreta fortuna
in vita. Certo, all’epoca era impensabile per
una donna far carriera in ambito pittorico senza
l’appoggio, la tutela o la protezione di un uomo.
Eppure le pittrici esistevano ed erano anche apprezzate,
nonostante che per ben tre secoli il giudizio
sulla pittura “femminile” abbia risentito di quella
classificazione per categorie stabilita già da
Vasari nelle Vite, proprio nel momento in cui la
storia dell’arte si faceva strada in quanto disciplina.
Quelle stesse categorie che si sono poi
trasformate in “pregiudizio” lungo tutto l’800. Il
talento delle artiste, sebbene riconosciuto,
restava nel limbo, in una categoria a parte di
“interesse minore”.
Artemisia Gentileschi ne è l’esempio più evidente.
Riguardo ai meriti artistici di Artemisia, l’elogio
di Roberto Longhi la dice lunga: “l’unica donna
in Italia che abbia mai saputo che cosa sia pittura...”
e sebbene altre pittrici avessero intrapreso
quella via, sia nell’arte che nella biografia di
Artemisia Gentileschi, c’è qualcosa che la rende
particolarmente affascinante e che spiega l’interesse
di scrittori e registi nei suoi confronti.
Contemplando “Giuditta che decapita Oloferne”,
sempre Longhi scriveva:
“Chi penserebbe infatti che sopra un lenzuolo
studiato di candori e ombre diacce degne d’un
Vermeer a grandezza naturale, dovesse avvenire
un macello così brutale ed efferato […]
Ma - vien voglia di dire - ma questa è la donna
terribile! Una donna ha dipinto tutto questo?” e
ancora: “... che qui non v’è nulla di sadico, che
anzi ciò che sorprende è l’impassibilità ferina di
chi ha dipinto tutto questo ed è persino riescita
a riscontrare che il sangue sprizzando con
violenza può ornare di due bordi di gocciole a
volo lo zampillo centrale! Incredibile vi dico! Eppoi
date per carità alla Signora Schiattesi - questo
è il nome coniugale di Artemisia - il tempo di scegliere
l’elsa dello spadone che deve servire alla bisogna!
Infine non vi pare che l’unico moto di Giuditta
sia quello di scostarsi al possibile perché il sangue
non le brutti il completo novissimo di seta gialla?
Pensiamo ad ogni modo che si tratta di un
abito di casa Gentileschi, il più fine guardaroba
di sete del ‘600 europeo, dopo Van Dyck”.
L’analisi dell’opera rileva la particolare maestria
pittorica e l’estrema abilità nel servirsi dell’impasto
e della variegata tavolozza: i colori squillanti,
il luminoso panneggio e quel suo giallo inconfondibile,
il perfezionismo nel tradurre la realtà,
la minuzia orafa dei gioielli e delle armi.
Indubbia l’assimilazione del genio di Caravaggio
di cui risaltano evidenti i richiami e le influenze.
I due destini, d’altronde, sono accomunati
da una vita tormentata e segnata da dolorosi
eventi, lo stupro subito dall’una e il fatidico omicidio
in duello di Ranuccio Tomassoni per l’alcontinua
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