SUONO n° 527

INSIDE
Non sembra distante dal caso specifico dell’assistere a un concerto anche
se in questo caso si è accomunati dalla passione per un certo tipo di musica
o per un artista. La fonografia, che si tratti di registrazione analogica
o digitale, ha in qualche modo desacralizzato e desocializzato la musica
rendendo ripetibile l’evento e privatizzando l’ascolto. Sembra che questo
fenomeno abbia avuto l’effetto di creare nell’ascoltatore (che ricordiamo
libero di ascoltare tutta la musica che vuole quando e soprattutto come
vuole) il desiderio di una musica che non si possa ascoltare ovunque e
in qualsiasi momento. Musica con una precisa collocazione spaziale e
temporale, che riacquisti quella dimensione collettiva di cui si parlava
prima. Ciò avviene nella musica dal vivo che vede un incremento notevole
già dal 2006 facendo diventare le esibizioni live la principale risorsa
finanziaria delle band (laddove la musica liquida ha dato un duro colpo
al mercato della musica su supporto fisico).
Il rilancio del live risponde sicuramente a una smania semi consapevole
per l’evento irripetibile, proprio mentre la musica registrata diventa
gratuita, laddove la gratuità però corrisponde a una perdita di valore. Lo
spettacolo dal vivo, invece, non si può condividere con chi non è presente
nel luogo e all’ora dell’evento e non si può copiare (anche se dilaga sempre
più il fenomeno della diretta sui social media). Resta un momento
esclusivo che può essere vissuto solo una volta. Il concerto valorizza e
impone un ascolto costante e ininterrotto, ricco di coinvolgimento personale
e collettivo che mette in rapporto il pubblico con il pubblico e i
musicisti con il pubblico, con la musica che si dipana ovunque e rimbalza
tutto intorno. La domanda è: può l’ascolto di musica attraverso diffusori
portatili essere anch’essa un tentativo di rispondere a questo concetto
oltre a rappresentare un modo di affermazione del sé all’interno della
società e alla propria dichiarazione di appartenenza a un gruppo che
denota la propria identità attraverso un genere musicale o attraverso un
certo tipo di pratica musicale? La musica arriva ovunque, a prescindere
dalla cultura e dalla lingua parlata; la musica è recepita e tradotta, da chi
ascolta, nel proprio universo simbolico. Si può ascoltare musica senza
comprenderne la lingua ma recepirne la bellezza attraverso melodia,
ritmo e colore, rielaborare significati simbolici oltre l’ascolto e provare
una cascata di emozioni.
L’interesse sociologico in materia nasce dalle relazioni per l’appunto
sociali che il linguaggio musicale ha intrinseche. In tema di musica si
polarizzano due aspetti: la musicologia e la sociologia. La prima tratta
dell’oggetto musicale quale fenomeno da analizzare secondo prospettive
filologiche, storiche o linguistiche e poi prosegue l’indagine sulle
correlazioni neuro-fisiologiche dell’acustica inaugurata dal positivismo.
La riflessione musicologica ma anche psicologica e sociologica hanno
cercato di dare una risposta razionale se non addirittura scientifica del
fenomeno musicale. Anche dal punto di vista della pratica dell’ascolto e a
fenomeni legati al gusto e alla dimensione artistica. Gli studiosi orientati
all’interpretazione sociologica della musica hanno spesso visto il loro
impegno volto a reperire la regolarità dei comportamenti collettivi. Nella
riflessione sulla questione della pratica dell’ascolto Alphons Silberman
raccomanda che il sociologo si occupi in maniera critica di musica purché,
contemporaneamente, si occupi di critica sociale assumendo così
una posizione quasi deterministica della seconda sulla prima. Affrontando
di petto la natura stessa della musica come forma semplificata
del linguaggio, Theodor Adorno, oltre a sviluppare una propria critica
sociale, riconosce l’analogia con il linguaggio pur non assumendola come
puramente metaforica. Da un punto di vista prettamente psicosociologico,
l’argomento è ricco di implicazioni rispetto agli altri piani e livelli
della vita individuale ma anche socioculturale, dalla musica più semplice
a quella più complessa. Anche la musica cosiddetta d’uso come quella
destinata a riempire il silenzio in ambienti pubblici tra i più disparati,
scorre parallelamente a una vita collettiva che ne subisce e, allo stesso
tempo, ne indirizza la produzione e l’impiego. Anche questo fenomeno
rientra in quel concetto di musica come colonna sonora della nostra
vita, concetto di certo non nuovo ma che vede applicazione anche oggi
attraverso nuove forme, supporti e strutture. In Europa è emersa la
razionalizzazione del linguaggio musicale come sostiene Max Weber:
la musica si è sviluppata lungo strade sempre più autonome. Prova del
fatto che l’individuo e la comunità sono in grado di trasformare gli istinti
in modelli e pratiche culturali attraverso la stipulazione di regole più o
meno codificate. La musica è portatrice di valori impliciti che vengono
interpretati dal musicista e dall’ascoltatore, ivi comprese le specifiche
pratiche di ascolto. È qui che si costituisce quella struttura rituale intorno
alle specifiche pratiche di ascolto e che fanno da cornice alla musica ma
che hanno contemporaneamente un significato specifico e che utilizzano
la musica come strumento di identificazione sociale. Per quanto concerne
quel concetto che vede la musica come strumento di controllo, possiamo
affermare che così come l’industria culturale è capace di veicolare
il potere attraverso questi strumenti di comunicazione, gli ascoltatori
sono capaci di esercitare un potere altrettanto forte nella rielaborazione
della musica anche attraverso le pratiche di ascolto, selezionando la
musica, manipolandola e reinterpretandone i significati nel significante.
Un esempio ci viene dalla figura del DJ che rivendica un ascolto di tipo
creativo, cosa non distante da quello che avviene oggi attraverso le suddette
pratiche di ascolto e questa condivisione forzata che si fa talvolta
della musica e nello specifico delle proprie preferenze musicali.
40 SUONO luglio 2018