Kurzfilm - Kommunales Kino guckloch

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Themenschwerpunkt Filmreihe: Theaterträume | Einleitung Einführung Richard Hehn 8 Filmreihe: Theaterträume 3 Träume über ein Theater ohne Publikum. 3 Träume über ein anderes Theater. 3 Träume über die Kraft des Theaters. 3 Filme über Theater. Früher – vor nicht allzulanger Zeit – war es nicht ungewöhnlich, Kinos als „Lichtspiel-Theater“ zu bezeichnen. Ein Ausdruck der eine gewisse Wesensverwandtheit zwischen Kino und Theater nahelegt. Und zumindest architektonisch scheint dies nicht von der Hand zu weisen. Vor einem abgedunkelten Zuschauerraum hebt sich der Vorhang und das Publikum folgt (zumeist) einer von Schauspielern präsentierten Spielhandlung. Doch jeder, der irgendwann beginnt, sich mit dem einen oder anderen dieser beiden Medien zu beschäftigen, wird sehr bald feststellen, dass die Gemeinsamkeit sich hier auch schon erschöpft. Die frühesten Filme waren – in heutiger Definition – Dokumentarfilme. Die frühesten „Spielfilme“ waren alles andere als abgefilmtes Theater. Bereits Georges Melliès, der als Erfinder des Spielfilms gelten darf, erkannte, dass der Film einer anderen Dramaturgie folgen muss als das Theater. Die Erkenntnis, dass Film und Theater nicht die beiden Kehrseiten der selben Medaille sind, ist also eine Binsenweisheit. Doch die beiden Kunstformen können sich ergänzen. Das Kino kann die Flüchtigkeit einer Theater-Aufführung konservieren. Peter Brooks Film-Version seiner Marat/Sade Inszenierung beispielsweise ist sicher mehr als nur abgefilmtes Theater. Dennoch wird in jeder einzelnen Einstellung deutlich, dass es sich um die Dokumentation einer Bühnen-Inszenierung handelt. Ähnliches gilt für Arianne Mnouchkine, die einige ihre monumentalen Inszenierungen als Film adaptierte. Nur durch solche Film-Dokumente ist es uns heute noch möglich, diese wegweisenden Inszenierungen nachzuvollziehen. Ohne Kenntnis ihres historischen, theatralen Kontextes sind diese Filme jedoch kaum Kino-tauglich. Jonas Mekas gelang es mit seinem Film „The Brig“ (1964) vielleicht erstmals, die Intensität des Live- Erlebnisses einer Inszenierung (von Julian Beck) in ein anderes Medium zu transportieren. Doch ohne das, was damals, vor fast 50 Jahren auf einer winzigen Bühne stattgefunden haben mag, gesehen zu haben, ohne wirklichen Vergleich also, bleibt auch dies nur Mutmaßung. Aber allein schon die Erfahrung „The Brig“ zu sehen, auf grobkörnigem, schwarz-weißem 16mm-Film gedreht (oder wie ich, vor Jahren auf einer mehrfach kopierten VHS- Kassette, die eine Freundin aus New York mitbrachte) lässt uns die Intensität der Experimente von Julian Beck erahnen. Weiter zurück reicht das filmische Gedächtnis des Theaters leider nicht. Max Reinhardts Film- Adaption seiner Sommernachtstraum-Inszenierung von 1935 ist sicherlich beeindruckend, eine Vorstellung von der ursprünglichen Bühnen- Version vermittelt sie kaum. Die Arbeiten vieler anderer Theater-Regisseure im 20. Jahrhundert blieben filmisch komplett undokumentiert. Hier bleiben uns nur Fragmente – Fotografien bestenfalls, oder auch nur Kulissen und Kostüme, Regiebücher und Skizzen von musealem Wert. Für einen audiovisuellen Eindruck der Uraufführung von Lessings „Nathan“ oder der Probenarbeit von Artaud gäbe manch ein Theaterhistoriker sicherlich nicht nur seine rechte Hand. Doch all dies wird uns Themenschwerpunkt Filmreihe: Theaterträume | Einleitung für immer verborgen bleiben. Eine Jahrtausende-alte Nofretete können wir im Museum besichtigen. Von „Antigone“ bleibt uns ein raunender Text. Literatur als Leitfossil einer Kunst, die nicht zuletzt durch ihr permanentes Verschwinden fasziniert. Dann gibt es aber auch die zahllosen Filme aus dem Theater-Milieu, von sehr guten wie John Cassavetes „Opening Night“ bis hin zu eher schlechten wie Roland Emmerichs „Anonymous“. Darum soll es in dieser Reihe aber genauso wenig gehen wie um die vielen Verfilmungen von Bühnenstücken, die unser Bild dieser Stücke stärker prägen als jede Bühnenaufführung. Filme wie „Die Katze auf dem heißen Blechdach“, „Wer hat Angst vor Virgina Wolf?“ oder „Endstation Sehnsucht“. Wie kann man heute noch diese Stücke auf der Bühne sehen ohne die Gesichter von Elizabeth Taylor, Richard Burton, Marlon Brando oder Paul Newman vor Augen zu haben? Oder noch extremer im Musik-Theater: Wer heute „Hair“, „Anatevka“ oder die „Rocky Horror Show“ auf der Bühne sieht, vergleicht diese Aufführungen unweigerlich mit den entsprechenden Verfilmungen. Umgekehrt macht sich aber kaum jemand Gedanken bei der Besichtigung einer Renè-Pollesch-Inzenierung, wie viel diese Form des Theaters mit den Filmen von Fassbinder oder Godard zu tun hat. Doch auch darum soll es hier – im Kino – nicht gehen. Es soll auch nicht um jene Künstler gehen, die im Grenzbereich von Kino und Theater arbeiten, oder beide Medien gleichermaßen nutzen – Patrice Chereau, David Mamet, Sam Mendes – um nur einige wenige zu nennen. Nein, in dieser Reihe soll es um einen ganz anderen Aspekt gehen. Durch seine Möglichkeit, Räume und Träume sichtbar zu machen, die ansonsten für das Publikum unsichtbar bleiben würden, kann das Kino nämlich auch Theater-Visionen, die aus unterschiedlichsten Gründen unsichtbar bleiben müssten, sichtbar machen. Der Film dokumentiert und kommentiert dabei nicht, was auf der Bühne statt fand oder stattfinden sollte, sondern macht das sichtbar, was als Theater nicht möglich wäre, aber genuines Theater sein muss – und vor allem – sein will. Gleichzeitig gelingt diesen Filmen aber auch das Kunststück, uns zu zeigen, warum diese Stücke, diese Inszenierungen sich nicht auf einer öffentlichen Bühne vor einem Publikum manifestieren konnten. Und genau um diese „Theater-Träume“, die sich erst im Kino realisieren können, soll es in dieser Reihe gehen – mit drei Filmen, die kaum unterschiedlicher sein könnten. Da ist Ernst Lubitsch, der ein fiktives, unaufführbares Stück erfindet, nur um seine Schauspieler dann in eine noch viel groteskere, aber ebenso fiktive Realität zu entlassen, in der sie verdammt sind, weiterzuspielen. Da ist eine Shakespeare-Inszenierung im Hochsicherheitstrakt eines italienischen Gefängnisses, bei sich der die Erfahrungen der Gefangenen im Laufe des Proben mit der Handlung des Stückes vermischen. Und da ist ein alter Regisseur, der seine Schauspieler zu einem Theater-Film einlädt, bei dem sich Film und Bühne nicht nur ergänzen sondern auch ersetzen. Die drei Filme der Reihe „Theaterträume“ sind drei höchst unterschiedliche Beispiele dafür, wie sich Kino und Theater ergänzen können, wenn sie sich ihrer Verschiedenheit bewusst werden. Eben so wenig wie die Ausstellung der historischen Kulissen die Theateraufführung für die sie einst angefertigt wurden, sichtbar werden lassen kann, ersetzen diese Filme die Intensität einer Theateraufführung. Als Xerografien eines imaginären Theaters wollen sie Theaterträume transportieren. < Richard Hehn 9
Neustadt 29.09.13 | Donau Mo 30.09.13 | VS-Villingen Mi 02.10.13 Hitchcock Beginn: 20:15 Uhr, Kurzspielfilm in Villingen und Donaueschingen Singing off – Kurzfilm Neuseeland 1996 | Dauer 15 Min., OF mit dtsch. UT | ab 6 Jahren Regie Robert Sarkies | Kamera Stephe Downes | Musik Bruce Lynch | Darsteller David Corballis, Pamela Pow, Paul Barrett | Verleih Kurzfilmagentur Hamburg Ein in die Jahre gekommener Radiomoderator wird entlassen. In seiner letzten Sendung möchte er den Musikwunsch einer treuen Hörerin erfüllen. Jedoch kommt es zu einigen Komplikationen... < Hitchcock USA 2012 Regie Sacha Gervasi Buch John J. McLaughlin, Stephen Rebello Musik Danny Elfman Darsteller Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Toni Collette Produktion Fox Searchlight Pictures Laufzeit 98 Minuten, Farbe, Format: 1 : 2,35 FSK ab 12 Kino im Original mit VHS Alfred Hitchcock war nicht nur einer der besten Regisseure seiner Zeit, er war auch ein Meister der Selbstinszenierung. Nicht nur dadurch, dass er immer wieder eigene Kurzauftritte in seinen Filmen einbaute, oder dass er in den Originaltrailern seine Filme persönlich vorzustellen pflegte, ließen seine voluminöse Gestalt und sein markantes Profil zu einem Markenzeichen werden, welches auch heute, mehr als 30 Jahre nach seinem Tod noch fast ebenso viel Wiedererkennungswert besitzt, wie manches Firmenlogo. Wenn dann innerhalb eines Jahres gleich zwei Filme erscheinen, die Episoden aus dem Leben dieses Regisseurs behandeln, wird der Vergleich zwischen Darstellung und Wirklichkeit nur noch interessanter. Im Sommer 2012 war in den USA die HBO-Produktion „The Girl“ zu sehen, in der Hitchcock von Toby Jones verkörpert wird. Leider erreichte der Film, in dem es um das zwiespältige Verhältnis des Regisseurs zu Tippi Hedren, seiner Hauptdarstellerin in „Die Vögel“ und „Marnie“ ging, nicht die deutschen Kinos. Nur wenige Monate später trat dann Anthony Hopkins in diesem Film auf, den wir nun im Guckloch zeigen. Gervasis Film beginnt 1959 mit der Premiere von „North by Northwest“ (Der unsichtbare Dritte), Hitchcocks bis dahin größtem Erfolg. Von einem Journalisten muss sich der Regisseur die Frage gefallen lassen, ob es mit 60 Jahren nicht langsam an der Zeit wäre, sich aus dem aktiven Filmgeschäft zurück zu ziehen. Welch eine Frage! Bis jetzt war Hitchcock als routinierter Meister ausgefallener und spannungsreicher Krimis bekannt, doch mit seinen nächsten beiden Filmen sollte er Filmgeschichte schreiben und das Genre von Grund auf neu erfinden. „Psycho“, dessen Entstehungsgeschichte hier erzählt wird, ist nicht nur jener Film, der die angestaubten Regeln des Wer-war's?- Kriminalfilms komplett über den Haufen warf, sondern nebenbei auch noch zwei ganz neues Genres – den Slasher- und den Serienkiller-Film hervorbrachte. Insofern eine schöne Koinzidenz, dass ausgerechnet Anthony Hopkins, der mit „Das Schweigen der Lämmer“ den Serienkiller-Film im Mainstream-Kino etablierte, nun als Alfred Hitchcock zu dessen Wurzeln zurück kehrt. Insbesondere, da Psycho“ und „Das Schweigen der Lämmer“ auf die selbe Quelle zurück gehen. Vieles an „Psycho“ war ungewöhnlich – nicht nur für das Hollywood der 50er Jahre. Mit der Wahl des Buches von Robert Bloch über den Serienmörder Ed Gein, der zwischen 1944 und 1957 mindestens 15 Menschen ermordete, stieß Hitchcock auf totale Ablehnung. Zu wiederwärtig, zu geschmacklos und dem breiten Publikum nicht zu zumuten lautete die einhellige Meinung. Hitchcock ging das extreme Wagnis ein, den Film ohne Finanzierung eines der großen Filmstudios zu drehen und verpfändete sein gesamtes Privatvermögen für die Produktionskosten. Die Dreharbeiten fanden zwar auf dem Gelände der Paramount statt (wo auch heute noch das berühmte Motel steht), doch die Dreharbeiten würden komplett abgeschottet – weder Journalisten noch anderen war es möglich auch nur den kleinsten Hinweis auf den entstehenden Film 10 11
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