2.2006 PDF 5.4 mb - ITI

Impuls 02.2006 

Internationales Theaterinstitut Zentrum Bundesrepublik Deutschland

Editorial 

In diesen Tagen erhalten Sie die zweite Ausgabe des 

diesjährigen „Impuls“ – verbunden mit den besten 

Wünschen der Geschäftsstelle für eine friedliche Zeit 

zwischen den Jahren. 

Nachdem wir im Frühjahr die aktuellen Initiativen und 

Entwicklungen für den Tanz in Deutschland in den thematischen 

Mittelpunkt des Heftes gestellt hatten, wollen 

wir in dieser Ausgabe den Blick auf das Netzwerk 

des Internationalen Theaterinstituts lenken – nicht, indem 

Geschichte und Struktur der internationalen Organisation 

erläutert werden, sondern indem wir den Blick 

richten auf die vielfältigen Verbindungen und Kontakte, 

die sich Mitglieder des deutschen Zentrums des ITI in 

ihrer Arbeit geschaffen haben. Im Überblick über sehr 

unterschiedliche „individuelle Netzwerke“ sowie Intentionen 

und Zugänge zur internationalen Theaterarbeit 

soll dieses vielfältige Geflecht von Kontakten und Kooperationen, 

welches als ein Pendant zu den Projekten 

der Geschäftsstelle und der internationalen Netzwerks 

gesehen werden kann, erfahrbar werden. 

Parallel zur redaktionellen Arbeit haben wir Ende November 

/ Anfang Dezember drei internationale Projekte 

ausgerichtet – vom Forum-Theaterworkshop im Centre 

for Theatre in Conflict Zones, der deutsch-kanadischen 

Werkstatt zur Gegenwartsdramatik und der Konferenz 

„The New Surveillance“ berichten wir im Abschnitt „ITI 

Deutschland“, von den aktuellen Projekten der nationalen 

Zentren in aller Welt unter „ITI International“. 

Am Anfang des Heftes finden Sie wiederum Nachrichten, 

die wir hervorheben möchten, die in besonderer 

Weise für Kulturpolitik und Theater in Deutschland und 

im Ausland beachtenswert erscheinen. Im hinteren Teil 

stehen dann die gesammelten Meldungen zu Festivals, 

Workshops, Personalia und Medien der letzten Monate 

und mit dem Blick auf das nächste halbe Jahr. 

Die Theatertexte und Berichte, die den Abschluss des 

Heftes bilden führen schließlich nach Mexiko, New 

York und Finnland. 

Mit den besten Wünschen für 2007 

Thomas Engel, Michael Freundt

Inhaltsverzeichnis 

Magazin 

ITI ehrt Kurt Hübner mit Ehrenmitgliedschaft / Theaterplakate von Bühnenbildnern / Unsere 

Freundin und Kollegin Rosa Malsagova ist in Gefahr / Idomeneo - Debatte / Libanon / 

Awni Karoumi / „Der Faust“ - neuer Theaterpreis des Bühnenvereins / „Europa eine Seele 

geben“ 2006 / Jahreskonferenz des European Council of Artists (ECA) 2006 

in Berlin / EFAH Konferenz in Helsinki 

2 

Netzwerke internationaler Theaterarbeit 

AKT-ZENT / Manfred Beilharz, Staatstheater Wiesbaden / Deutscher Bühnenverein / Holk 

Freytag / Milenko Goranovic/ Hansgünther Heyme / euro-scene Leipzig / Euro Theater 

Central Bonn / Goethe-Institut / Norbert Kentrup / Andrej Kritenko / Klaus Maier / Wolfgang 

Mehring / NRW KULTURsekretariat / Peter P. Pachl / PACT Zollverein / Thomas Sauerteig 

/ Theaterhaus Stuttgart / Theater an der Ruhr / Theater- und Mediengesellschaft 

Lateinamerika / Dieter Welke / Petra Weimer, theater rampe 

6 

ITI Deutschland 

ITI Jahrestagung in Leipzig / STOP! – THINK! Forum-Theater im Sudan / Werkstattbegegnung 

zu kanadischer und deutscher Gegenwartsdramatik / The New Surveillance 

16 

ITI International 

31. Weltkongress des Internationalen Theaterinstituts in Manila / The Borges Project der 

NPG in Manila / Raija-Sinikka Rantala wurde Künstlerische Direktorin des ITI / 124. ExCom- 

Sitzung in Paris / Internationales Theaterzentrum Berlin wird „Research Centre“ des ITI-UN- 

ESCO / 2. Showcase des kroatischen Theater 2006 / International Culture and Arts Week 

in Nanjing (China) / Internationales Theaterfestival in Kamerun / Asian Dance Conference 

2007 / 25. Fadjr Festival in Teheran / Internationales Seminar zu Drama und Religion in 

Teheran / Keine Stücke in englischer Sprache / Kooperation der ITI-Zentren in Bangladesh, 

Indien, Nepal und Pakistan / Offizielle Eröffnung eines Theaterzentrums im Tschad / Theaterausbildung 

in Burkina Faso 

22 

Meldungen 

Kulturpolitik und Theaterlandschaft / Ausschreibungen / Festival / Workshops und 

Symposia / Positionen / Personen / Preise / Bücher / Internet 

26 

Theatertexte / Berichte 

• Theater vor der Wahl 

von Hedda Kage 

• Stadttheater New York – neue deutsche Stücke und eine Kantine dazu 

von Thomas Irmer 

• Reko Lundán (1969 – 2006) 

38

Magazin 

ITI ehrt Kurt Hübner mit 

Ehrenmitgliedschaft 

Zum 90. Geburtstag von Intendant 

und Regisseur Kurt Hübner würdigt 

das deutsche Zentrum des ITI den bedeutenden 

deutschen Theatermann, 

den „Rattenfänger für Talente“ (Friedrich 

Luft) mit der Ehrenmitgliedschaft. 

Schon im letzten Jahr hatte das Zentrum 

Hübner den Preis zum Welttheatertag 

verliehen und würdigte damit das Lebenswerk 

eines großen Beförderers des 

deutschen Theaters, das mit ihm und 

Theaterplakate von 

Bühnenbildnern 

mit vielen Theaterkünstlern, die durch 

ihn entdeckt und berühmt wurden, 

internationale Ausstrahlung gewann. 

Mit Kurt Hübner, Intendant, Regisseur 

und Schauspieler, verbindet sich der 

legendäre „Bremer Stil“. Seine elfjährige 

Bremer Intendanz von 1962 - 1973 

war eines der wichtigsten Kapitel des 

deutschen Theaters im 20. Jahrhundert, 

als eine Zeit des Aufbruchs und der politischen 

Reibungen. Zahlreich sind die 

Namen derer, die mit Hübner ein politisches, 

brisantes und brillantes Theater 

auf die Bremer Bühne brachten. Seien es 

Der Bund der Szenografen lenkt 

mit dem Katalog „Theaterplakate von 

Bühnenbildnern“ den Blick neu auf 

die längst in der Medien- und Werbewelt 

verschüttete Kunst des Theaterplakats. 

Ausgehend von der jährlichen 

DDR-Ausstellung „Die 100 besten 

Plakate“ versammelt der Katalog eine 

bemerkenswerte Anzahl künstlerischer 

Handschriften der Jahre 1950-1989 

und 1990-2005. Unter den 100 besten 

Plakaten nahmen seinerzeit Theaterplakate 

einen herausragenden Platz ein 

und erfreuten sich enormer Beliebtheit. 

Die Plakate, welche für das Berliner Ensemble 

entstanden, wurden noch Jahre 

nach ihrem Erscheinen neu aufgelegt, 

Werke von Karl von Appen und Karl- 

Heinz Drescher wurden noch 20 Jahre 

nach ihrem Erscheinen gedruckt und 

gekauft. Zu den vertretenen Bühnenbildnern 

gehören u.a. Karl von Appen, 

Helmut Brade, Anke Feuchtenberger, 

Achim Freyer, John Heartfield, Eberhard 

Keienburg, Volker Pfüller und Horst Sagert. 

Der Katalog ist das Ergebnis einer 

Ausschreibung und als Übersicht über 

die Leistungen von Bühnenbildnern 

im Bereich der Plakatkunst nach 1990 

gedacht. Aber nicht nur der Katalog ist 

beim Bund der Szenografen erhältlich, 

sondern auch die vorgestellten Plakate 

können zu Ausstellungszwecken beim 

Bund angefordert werden. Dieses Angebot 

gilt nicht nur für Museen und 

Galerien, sondern auch für Theater, die 

an der Ausstellung dieser Kleinode der 

Werbekunst - die an andere Zeitläufe 

und andere Kommunikationsformen 

zwischen Theater und Publikum erinnern 

- interessiert sind. 

Bund der Szenografen, Torstr. 207, 10115 

Berlin. Tel./Fax +49 30 441 92 75, kontakt@szenografen-bund.de 

www.szenografen-bund.de 

 

die Regisseure Peter Zadek, Peter Stein, 

Rainer Werner Fassbinder, Alfred Kirchner, 

Peter Palitzsch, Eberhard Fechner, 

Johannes Schaaf, Hans Neuenfels und 

Klaus Michael Grüber oder Bühnenbildner 

wie Wilfried Minks und Erich Wonder. 

Zum Schauspiel-Ensemble gehörten 

seinerzeit Jutta Lampe, Edith Clever, 

Bruno Ganz, Traugott Buhre, Buddy 

Elias, Hannelore Hoger, Vadim Glowna, 

Mechthild Grossmann, Irm Hermann 

und viele andere. Hübner, am 30. Oktober 

1916 in Hamburg geboren, lebt 

heute in München und Italien. 

Unsere Freundin und 

Kollegin Rosa Malsagova 

ist in Gefahr 

Die Regisseurin Rosa Malsagova war 

im Frühjahr 2005 auf Einladung des 

Goethe-Instituts und des Internationalen 

Theaterinstituts in Berlin. Gemeinsam 

mit dem Berliner Regisseur Peter 

Krüger, der vielfach in Tschetschenien 

und Inguschetien gearbeitet hat, entstand 

der Film „Kassandra in Berlin“. 

Mitte Oktober übermittelte uns Peter 

Krüger sehr beunruhigende Nachrichten 

aus Nasran. Rosa Malsagova 

berichtete ihm, sie sei, nachdem sie Kollegen 

in Nasran den Film „Mutter Courage 

in Tschetschenien“ gezeigt hatte, 

regelrecht aus dem Theater vertrieben 

und fristlos entlassen worden. Der Intendant 

hätte ihr feindliches Verhalten 

vorgeworfen. Der Entlassungsgrund 

sei ihr Interview für den Film „Mutter

Courage in Tschetschenien“ gewesen. 

Sie hätte sich gegen die Inguschetische 

Regierung geäußert... Rosa verwahrte 

sich gegen seine Anschuldigungen und 

verließ das Theater. Kaum war sie weg, 

hängte der Intendant den „Fristlosen 

Entlassungsbefehl“ für sie im Theater 

aus. Kurz danach sind „Polizisten“ in 

ihrer Wohnung erschienen. Sie durchsuchten 

das Haus, beschlagnahmten 

viele Sachen, sämtlich Arbeitspapiere 

und auch die VHS-Kopie des „Courage“-Films. 

Rosa wurde verhört und 

stand mit drei Kindern vor dem Nichts. 

Was sagte sie „Feindliches“ in Peter Krügers 

Film? „Ich habe wenig Vertrauen 

in die Regierung und die Politiker. Ich 

glaube nicht, dass sie in der Lage sind, 

noch den Wunsch haben unser Leben 

zu verbessern.“ (Übersetzung). 

Das deutsche Zentrum des ITI sandte 

vor diesem Hintergrund eine offizielle 

Anfrage an den inguschetischen Premierminister 

Malsagov und den Kulturminister 

Manolis mit der dringenden Bitte 

um Aufklärung der Vorgänge um Rosa 

Malsagova. Die letzten Nachrichten aus 

Nasran sprechen daraufhin davon, dass 

ihre Entlassung aufgehoben sei. sEnde 

November weilte Rosa in Berlin, um am 

One World Filmfestival teilzunehmen 

und gemeinsam mit Krüger ihren Film 

zu präsentieren. Wichtig auch für sie, 

um von den Verhältnissen vor Ort Abstand 

zu gewinnen und auch ihre stark 

angeschlagene Gesundheit zu stärken. 

Anschließend kehrte Rosa nach Russland 

zurück. Auf der Rückflug brach 

sie zusammen und musste sich in Moskau 

in ein Krankenhaus begeben. Die 

Schwester und die Kinder halten sich an 

einem unbekannten Ort auf... 

Weitere Informationen: Peter Krüger 

dibbuk-ensemble@das-dibbuk-haus.de 

www.das-dibbuk-haus.de 

Magazin 

Idomeneo - Debatte 

Ende September kündigte die Intendantin 

der Deutschen Oper Berlin, 

Kirsten Harms, an man werde die 

Neuenfels-Inszenierung von Mozarts 

„Idomeneo“ vom Spielplan nehmen 

- aufgrund einer Warnung vor radikalen 

Islamisten, die die Inszenierung 

als Provokation empfinden könnten. 

Hans Neuenfels Inszenierung von 2003 

schließt mit einem erfundenen Epilog, 

in dem Idomeneo Buddha, Mohammeds 

und Jesus köpft, um die Macht der 

Götter über die Menschen zu brechen. 

Das blutige Haupt Mohammed, so die 

Befürchtung, könnte nach dem Karikaturen-Streit 

als anti-islamisches Zeichen 

fatal missverstanden werden und unberechenbare 

Reaktionen zeitigen. Nach 

einer Warnung des Berliner Innensena- 

tors und nach Diskussion mit Neuenfels 

entschied sich Harms für die Absetzung. 

Feuilleton und kulturelle Öffentlichkeit 

- nach der Spiralblock-Affäre bereits in 

der Verteidigung der Freiheit der Kunst 

geübt - entrüsteten sich mehrheitlich 

über derartigen „vorauseilenden 

Gehorsam“ (Süddeutsche Zeitung). 

Ivan Nagel nannte die Entscheidung 

„schlimmer als feig“. Für die Freiheit der 

Kunst, so der Grundtenor der Debatte, 

hätte sich die für das Haus Verantwortliche 

nicht die Freiheit der Entscheidung 

nehmen dürfen. Wie in solchen Fällen 

gebräuchlich meldeten sich auch Kollegen, 

die das Stück im Zweifelsfall übernehmen 

würden - so der Intendant des 

Darmstädter Staatstheaters John Dew. 

Die Intendantin fand im Vorfeld ihrer 

Entscheidung allerdings keinen Rückhalt 

bei den zuständigen Politikern. 

Innensenator und Kultursenator ließen 

denn auch die Intendantin im Regen 

der öffentlichen Schelte stehen - und 

es bleibt zu vermuten, dass gerade im 

Falle einer Gefährdung der Aufführung, 

der Zuschauer oder des Hauses (vor der 

das Landeskriminalamt diffus gewarnt 

hatte) die Verantwortung alleinig die 

Intendantin hätte übernehmen müssen. 

Opernregisseur Joachim Herz schrieb: 

„Wenn ‚Idomeneo‘ spielplanmäßig angesetzt 

und gespielt worden wäre und 

es wäre etwas passiert, dann hätten alle 

aus vollem Halse geschrieen: Ja hat denn 

die Intendantin nicht gewusst, was in 

der Inszenierung los ist?“ Inzwischen 

ist die Oper - nach einer umfassenden 

öffentlichen Diskussion und nach einer 

veränderten Lageeinschätzung des 

Landeskriminalamtes - wieder auf dem 

Spielplan. 

Libanon 

Mitten im Sommer, als nach der 

Entführung zweier israelischer Soldaten 

die israelische Armee massive Angriffe 

gegen Städte und Dörfer im Libanon 

startete, schrieb Georgette Gebara 

- Vize-Präsidentin des ITI Libanon - ihren 

Brief „LESS FOR ARMS - MORE FOR 

CULTURE!“ 

Georgette Gebara hätte in dieser 

Zeit an der Weltkonferenz der World 

Dance Alliance (WDA) in Toronto teilnehmen 

sollen. Stattdessen blieb sie in 

Beirut - zwischen Bomben, die in der 

Nachbarschaft fielen, und Zivilisten, die 

auf der Flucht von Granaten zerrissen 

wurden. Zahlreiche Reaktionen - vom 

ITI-Präsidenten, dem ExCom, den ITI- 

Zentren und den internationalen Komitees 

- erreichten daraufhin das libanesische 

ITI, und einmal mehr wurde der 

Gedanke „LESS FOR ARMS - MORE FOR 

CULTURE!“ von Theaterkünstlern und 

Medien in vielen Teilen der Welt aufgegriffen. 

Hier Ausschnitte aus ihrem Brief, der 

statt ihres geplanten Vortrags auf dem 

Kongress in Toronto verlesen wurde: 

„Liebe Kollegen, 

Herzliche, aber traurige Grüße aus dem 

Herzen des vom Krieg erschütterten, belagerten 

Libanon. 

Heute sollte ich bei Euch sein, sollte zu 

einem Thema sprechen, das mir selbst 

sehr am Herzen liegt: „Choreografie als 

Ausdruck der IDENTITÄT“. Dank meiner 

hoch verehrten Freundin Ilona Copen war 

ich schon auf der Schwelle zur Konferenz 

der WDA Amerikas, des Süd-Pazifik und 

Europas, war fast dabei Euch alle zu treffen, 

von denen ich in den letzten Monaten 

so viele Nachrichten erhalten habe! 

Stattdessen bin ich hier geblieben und 

versuche in der Mitte der unbeschreiblichen 

Tragödie moralisch und physisch 

zu überleben und durchzuhalten. 

Ich möchte Euch aufrufen, der Welt des 

Tanzes von der großen Ungerechtigkeit 

des Horrors, den wir erleben, zu berichten. 

Weil schlecht beratene Kräfte zwei 

Soldaten gefangen setzten, wird nun ein 

ganzes Land in Gefangenschaft gesetzt 

und systematisch zerstört: die Infrastruktur, 

die Flughäfen, Höfen, Tanklager, Fabriken 

usw. usw. Und schlimmer: Zivilisten 

werden mit großkalibrigen Granaten beschossen, 

und die Körper jener zerfetzt, 

die versuchen sich in Sicherheit zu bringen. 

Während einer Pressekonferenz im Rahmen 

unseres letzten ITI-Weltkongresses in 

Manila diskutierten Theaterkünstler und 

Medien das übliche Problem der finanziellen 

Förderung. Ich fragte, warum wohl 

immer genügend Geld für Waffen, aber 

praktisch nichts für Kultur ausgegeben 

wird. Und ich schlug vor, dass Theaterkünstler 

und Medienleute Front machen 

sollten gegen das, was in vielen Teilen der 

Welt geschieht, und gemeinsam den Slogan 

„LESS FOR ARMS, MORE FOR CUL- 

TURE“ propagieren sollten - ein Vorschlag, 

der sofort aufgegriffen wurde. 

Aber wir Tänzer sind belastbar und ich 

bin sicher, dass ich bald bei Euch sein werde. 

[...] Wie Martha Graham mir sagte, 

als wir uns 1981 in Amman trafen: „Die 

größten Krieger und Eroberer sind nicht 

mehr als Sand zwischen unseren Füßen 

- habe keine Angst!“ Damals waren wir 

noch mitten in einem Krieg, der uns 15 

Jahre lang dezimierte. Mögen ihre Worte 

sich einmal mehr als wahr erweisen. 

Mit meinen herzlichen Grüßen und besten 

Wünschen, 

Georgette Gebara aus dem Libanon“

Magazin 

Awni Karoumi 

Am 27. Mai starb der irakische Regisseur 

und Theaterwissenschaftler Awni 

Karoumi im Alter von 60 Jahren in Berlin. 

Karoumi wurde in Mosul/Niniveh, 

Irak geboren und studierte in den 60er 

Jahren in Bagdad, machte in den 70er 

Jahren sein Diplom am theaterwissenschaftlichen 

Institut der Humboldt-Universität 

in Berlin, wo er auch 1976 mit 

einer Arbeit über das zeitgenössische 

arabisch-irakische Theater promovierte. 

Er war Dozent für Theaterwissenschaft 

an der Uni Bagdad und in Jordanien. 

Zahlreiche Inszenierungen europäischer 

Autoren wie Brecht, Müller, Frisch, 

Handke und Maeterlinck sowie politisch 

missliebiger arabischer Autoren machten 

ihn im arabischen Theater bekannt, 

setzten ihn aber auch der Verfolgung 

durch islamische Fundamentalisten 

aus. Seit Mitte der 90 Jahre lebte er 

mit seiner Familie im Berliner Exil. Hier 

gründete er auch sein eigenes Theaterprojekt, 

das Masrah-Theater. Seit 1997 

unterhielt er enge Arbeitsbeziehungen 

zum Theater an der Ruhr. Awni Karoumi 

erhielt zahlreiche Auszeichnungen und 

Ehrungen auf Festivals im Irak, in Tunis, 

Bahrein, Karthago, Kairo sowie vom 

Brecht-Zentrum in Berlin. Er verstand 

sich vor allem als „Kulturbotschafter“. 

Besonders nach dem zweiten Golfkrieg 

setzte er sich für den Wiederaufbau der 

zerstörten irakischen Theaterkultur und 

die Durchbrechung der jahrelangen 

Isolation ein. Er initiierte 2005 ein groß 

angelegtes Werkstattprojekt „Bagdad- 

Berlin“ mit einer 15-köpfigen Gruppe 

irakischer Schauspieler und Regisseure, 

die in Workshops am Theater an der 

Ruhr in Mülheim und in Berlin Impulse 

für ihre Arbeit sammelten und den Rohbau 

für ein deutsch-irakisches Stück mit 

nach Bagdad nahmen. Der Tod ereilte 

ihn währen der Neuinszenierung seiner 

Version von „Der Nachtreisende“ von 

Farouk Mohammed für die Werkstatt 

der Kulturen in Berlin. 

„Der Faust“ - neuer Theaterpreis 

des Bühnenvereins 

Am 24. November wurde im Essener 

Aalto Theater der Deutsche Theaterpreis 

„Der Faust“ vergeben. Schon im 

Vorfeld bekannt war die Ehrung für das 

Lebenswerk - diese ging an George Tabori. 

In acht weiteren Kategorien waren 

Künstler und Inszenierungen nominiert 

worden. So ging der Preis für die beste 

Regie Schauspiel an Jürgen Gosch für 

„Macbeth“, gespielt am Düsseldorfer 

Schauspielhaus - ein Stück, welches übrigens 

auch als wichtiger Bezugspunkt 

für die Regie-Ekel-Debatte diente. Für 

die beste darstellerische Leistung wurde 

Katharina Schüttler von der Berliner 

Schaubühne am Lehniner Platz für ihre 

Hauptrolle in „Hedda Gabler“ geehrt. 

Den Preis Beste Regie am Musiktheater 

teilen sich Jossi Wieler und Sergio Morabito 

von der Staatsoper Stuttgart für 

„Doktor Faustus“. Die Auszeichnung für 

die beste Regie am Kinder- und Jugendtheater 

ging an Klaus Schumacher vom 

Jungen Schauspielhaus Hamburg für 

„Mutter Afrika“. 

Den Nominierungen vorausgegangen 

war eine umfangreiche Recherche 

unter Theaterleuten, die Preiswürdiges 

vorschlagen konnten und sollten - nur 

nicht aus dem eigenen Hause. So versteht 

sich die nicht dotierte Auszeichnung 

nicht als Kritikerpreis, sondern als 

Würdigung „von Theaterleuten für Theaterleute“. 

Das Land Nordrhein-Westfalen 

und die Kulturstiftung der Länder 

unterstützen den Preis mit jeweils 

120.000 Euro. Der Deutsche Bühnenverein 

steuerte 24.000 Euro hinzu. 

„Europa eine Seele geben“ 

2006 

„Europa eine Seele geben“ war der 

Titel der zweiten Konferenz in Berlin - 

17. bis 19. November 2006. Mit großer 

politischer Aufmerksamkeit war im November 

2004 erstmalig diese Konferenz 

in Berlin ausgerichtet worden. Inwieweit 

kann das kulturelle Potenzial Europas 

den europäischen Einigungsprozess 

voranbringen? Diese Frage stand nun im 

Mittelpunkt der Konferenz, die wiederum 

am Sitz der Dresdner Bank in Berlin 

und in der Akademie der Künste ausgerichtet 

wurde. Initiert von einer bürgerschaftlichen 

Initiative um den ehemaligen 

Berliner Kultursenator Volker 

Hassemer, die Leiterin des DAAD-Künstlerprogramms 

Nele Hertling und den 

Amsterdamer Kulturunternehmer Steve 

Austen, sollte die Konferenz dazu beitragen, 

„das kulturelle Potenzial Europas in 

allen Lebens- und Politikbereichen praktisch 

wirksam werden zu lassen“. Die 

Harold Pinter „Die Geburtstagsfeier“, 

Inszenierung von Dieter Welke 

Konferenz brachte Vertreter aus Politik, 

Wirtschaft, Kultur und Zivilgesellschaft 

zusammen. Als Vortragende waren der 

Präsident der Europäischen Kommission 

José Manuel Barroso, Bundespräsident 

a. D. Richard v. Weizsäcker und Georges 

Soros, Chairman des Open Society Institutes, 

zugegen. Daneben hatten die 

EU-Kommissare Margot Wallström, Vladimir 

Spidla und Benita Ferrero-Waldner 

ihre Teilnahme zugesagt. 

Jahreskonferenz des 

European Council of Artists 

(ECA) 2006 in Berlin 

Auf Einladung der Internationalen Gesellschaft 

der Bildenden Künste (IGBK) 

und in Kooperation mit der Akademie 

der Künste Berlin und dem Gemeinsamen 

Europasekretariat der deutschen 

Kultur-NGOs (in dem auch das deutsche 

ITI-Zentrum Mitglied ist) fand vom 

24. bis 26. November 2006 zum ersten 

Mal eine Jahreskonferenz des European 

Council of Artists (ECA) in Deutschland 

statt. Der European Council of Artists 

(ECA) (www.eca.dk) ist eine interdisziplinäre 

Dachorganisation von Künstlervertretungen 

aus 25 europäischen 

Ländern mit Sitz in Kopenhagen. Die 

Berliner Konferenz widmete sich dem 

Thema „Kulturelle Vielfalt - Umsetzung 

des UNESCO-Übereinkommens zum 

Schutz und zur Förderung der Vielfalt

kultureller Ausdrucksformen“. Welche 

Auswirkungen hat die Konvention auf 

die nationale und die internationale 

kulturpolitische Diskussion? In welchen 

Ländern hat man sich (insbesondere 

seitens der Künstler/innen) bereits der 

Artikel der Konvention in der öffentlichen 

Argumentation bedient, um 

Anliegen durchzusetzen? Mit welchem 

Erfolg? Wie können auf nationaler und 

internationaler Ebene Kriterienkataloge 

entwickelt werden, mit deren Hilfe die 

Konvention zu einem wirksamen Instrumentarium 

werden kann, welches der 

Kulturpolitik und der öffentlichen Kulturförderung 

gegenüber drohenden wettbewerbsrechtlichen 

Einschränkungen 

neue Legitimität und Autorität verleiht? 

Mit diesen Fragen beschäftigten 

sich in Berlin die Vertreter/innen der 

25 ECA-Mitgliedsorganisationen (bildende 

Künstler, Autoren, darstellende 

Künstler, Filmschaffende, Komponisten, 

Musiker usw.) gemeinsam mit weiteren 

Experten aus Fachorganisationen sowie 

einem kulturpolitisch interessierten 

Fachpublikum. Eingebunden sind u.a. 

die Deutsche UNESCO-Kommission, 

die Mitgliedsorganisationen des Europasekretariats, 

insbesondere deren Experten 

zum Thema kulturelle Vielfalt, 

und das ‚Internationale Netzwerk für 

Kulturelle Vielfalt‘ (INCD), ein weltweit 

operierender Zusammenschluss von 

Künstlerinnen, Künstlern und Organisationen, 

der sich mit den Auswirkungen 

der Globalisierung auf den Kultursektor 

beschäftigt und den ersten Entwurf einer 

Konvention für kulturelle Diversität 

erarbeitet hat, der eine wichtige Grundlage 

des UNESCO-Dokumentes wurde. 

Internationale Gesellschaft der Bildenden 

Künste (IGBK), Rosenthaler Str. 11, 10119 

Berlin. Tel +49 30 23457666, Fax +49 30 

28099305, art@igbk.de 

www.igbk.de 

Magazin 

„Islands and Bridges“ 

EFAH Konferenz in Helsinki, 

5. bis 7. Oktober 2006 

Als herausragendes Beispiel, wie in 

der zweiten Jahreshälfte 2006 die finnische 

Ratspräsidentschaft genutzt wird, 

einen europäischen Dialog zu pflegen 

und Impulse in die Metropolen und Regionen 

zu senden, kann die Konferenz 

„Islands and Bridges“ des European Forum 

for the Arts and Heritage angesehen 

werden – ausgerichtet in Helsinkis 

Kulturfabrik „Cable Factory“ vom 5. bis 

7. Oktober 2007. 

Die Veranstalter (EFAH-Generalsekretärin 

Ilona Kish, EFAH Präsident 

Raj Isar und Chris Torch für die inhaltliche 

Gestaltung und Naseem Khan als 

Konferenzberaterin) hatten nach einer 

möglichst kommunikativen Formen für 

das Meeting gesucht und so prägten 

sehr kurze Statements der Referenten, 

schnelle Feedbacks aus dem Auditorium, 

und die stete Aufforderung an die Sprecher 

zur Reflexion auf die Positionen der 

anderen Panelisten die Moderation der 

plenary sessions. Kleine Arbeitsgruppen 

(sog. action interviews) vertieften den 

Austausch zu spezifischen Aspekten, 

Künstler wie Thierry Geoffroy-Colonel 

und die russische Künstlergruppe AES+F 

bildeten mit ihren Beiträgen Kontrast 

und Inspiration für die Debatte und 

Konferenz-Kommentatorin Lola Young 

fügte den verschiedenen Podien und 

Foren kritische, ergänzende und verbindende 

Überlegungen hinzu. 

Zu jenen Teilnehmern, mit deren 

Reden die sehr unterschiedlichen Herangehensweisen 

und Perspektiven 

zum Thema deutlich wurden, gehörten 

Jette Sadahl, Gus Casely-Hayford und 

Dragan Klaic. Jette Sandahl lenkte den 

Blick auf den Begriff der Identität, nach 

wie vor eine zentrale Kategorie in der 

Gesellschaft und hielt ein Plädoyer für 

das Widerstreben von Minderheiten- 

Kulturen zur Integration in die Mehrheitskultur. 

Gus Casely-Hayford entwarf demgegenüber 

ein Szenario, in dem elektronische 

Medien und virtuelle Räume die 

herkömmlichen Museen ersetzen und 

jedem einzelnen erlauben, seine eigene 

Kunstsammlung zu kreieren. Die Interaktion 

auf digitalem Wege fordert unser 

herkömmliches Verständnis von Identität 

heraus und erlaubt, diese gleichsam 

ins Spiel zu bringen, sich als globaler 

oder lokaler Akteur oder Teil einer virtuellen 

Gemeinschaft zu begreifen. 

Dragan Klaic äußerte sich skeptisch 

zum Erfolg der UNESCO Konvention 

zur Kulturellen Vielfalt in einem Klima, 

in dem sich westliche Länder Europas 

immer mehr kulturelle Homogenität 

denn Heterogenität anstreben würden. 

Dies dies wäre nur teilweise durch 

das Internet aufzuheben, insbesondere 

dann, wenn kulturelle Institutionen mit 

der dynamischen Entwicklung des Internets 

nicht mithalten könnten. Die Frage 

bleibe, ob kulturelle Vielfalt zu einer Entwicklung 

paralleler Ghettos führe oder 

ob die Entwicklung neuer Identitäten 

nicht Hand-in-Hand mit einer Strategie 

der „interkulturellen Kompetenz“ 

gehen müsse. Dragan Klaic erneuerte 

seinen Appell für ein Künstlerprogramm 

zum Training interkultureller Kompetenz, 

das die Teilnehmer in die Lage 

versetzen soll, diese Kompetenz für die 

Leitung transnationaler Projekte einzusetzen. 

Eine Reihe von Workshops diskutierte 

Kultur und Vielfalt in Beziehung zu 

gesellschaftlichen Bereichen und Politikfeldern, 

so der Stadtentwicklung, europäische 

Außenpolitik, Menschenrechte, 

Tourismus, Bildung und Entwicklung. 

Im anschließenden Panel wurden 

drei öffentliche und institutionelle Initiativen 

zur Stärkung des interkulturellen 

Dialogs vorgestellt. Die Initiative 

des niederländischen Staates nach dem 

Mord an Theo van Gogh, das schwedische 

Jahr des interkulturellen Dialogs 

2006, innerhalb dessen Themen der 

Kulturellen Vielfalt auf allen politischen 

Ebenen Priorität gegeben werden soll. 

Und das Programm „AlmostReal“ der 

Europäischen Kulturstiftung, in welchen 

neue dialogische Formen der Projektentwicklung 

und Kooperation erprobt werden. 

So unterschiedlich die vorgestellten 

Initiativen waren, gleich war ihnen 

der je den Umständen entsprechende, 

spezielle, für die Rahmenbedingungen 

entwickelte Zugang. 

Der zweite Konferenztag war der 

europapolitischen Seite des Themas 

gewidmet. Odile Quintin, Generaldirektorin 

des Direktoriats für Bildung 

und Kultur bei der Europäischen Kommission 

und Robert Palmer, Direktor für 

Kultur und und Kulturelles Erbe beim 

Direktoriat des Europarates stellten den 

Zugang ihrer Institutionen zum Thema 

vor. Einerseits die Initiative der EU-Kommission 

„2008 – Das Europäische Jahr 

des interkulturellen Dialogs“. Andererseits 

die verschiedenen Programme des 

Europarates und der Versuch, diese in 

2008 in einem Weißbuch des interkulturellen 

Dialogs vorzustellen. 

Beide befürworteten einen intensiven 

Dialog mit den Kulturschaffenden 

als Teil der Zivilgesellschaft und fragten 

die Konferenzteilnehmer nach ihren 

Vorstellungen und Anregungen. Die 

sehr unterschiedlichen Statements und 

Antworten kreisten um Themen der 

Mobilität, der Definition des Multikulturellen 

und die Forderung, die Akteure 

im Kulturbereich stärker in diese Initiativen 

einzubeziehen. Die Wahrnehmung 

der politischen Institutionen in Europa, 

Zugang und Ansprüche an sie stellt sich 

als äußerst divers dar. 

Im Schlusspanel stellten EFAH-Präsident 

Raj Isar und der Direktor der Europäischen 

Kulturstiftung Gottfried Wagner 

eine konkrete gemeinsame Initiative 

vor: die zivilgesellschaftliche Plattform 

für interkulturellen Dialog. Die Plattform 

wird Kooperationen zwischen kulturellen 

Organisationen wie auch mit 

anderen gesellschaftlichen Bereichen 

hervorheben und konkrete politische 

Schritte hin zu einer Strategie der EU für 

den interkulturellen Dialog befördern. 

www.efah.org

Netzwerke 

Netzwerke 

internationaler 

Theaterarbeit 

Netzwerke 

internationaler Theaterarbeit 

Jedes Impuls-Heft thematisiert die Arbeit des Internationalen 

Theaterinstituts, die internationale Theaterarbeit 

innerhalb des Netzwerks ITI und unabhängig 

von diesem. Mit diesem Heft wollte die Redaktion nicht 

nur die aktuellen Projekte der nationalen Zentren (allen 

voran unsere eigenen, die Projekte der deutschen Sektion) 

vorstellen und über den Weltkongress berichten, 

sondern das, was das Netzwerk ITI ausmacht – die Arbeit 

seiner Mitglieder – plastischer werden lassen. Damit 

sollen auch Fragen anklingen, wie ein solch großes 

Netzwerk auf zwei verschiedenen Ebenen – national 

und international – für den Einzelnen produktiv werden 

kann, an welcher Stelle Informationsaustausch und 

Zusammenarbeit entstehen, wo der Benefiz der Mitgliedschaft 

liegt und wo das Engagement im ITI künstlerische 

und kulturpolitische Effekte zeitigt. Fragen, die 

nicht in diesem Heft beantwortet, sondern angeregt 

werden sollen und am Horizont zukünftiger Ausgaben 

stehen. 

Das ITI ist heute in rund 90 Ländern präsent, es versteht 

sich als das größte Netzwerk professioneller Theaterleute, 

vor allem dasjenige, welches weltweit, auf allen 

Kontinenten, in den unterschiedlichsten Kulturkreisen 

vertreten ist. Aufgebaut in der Zeit nach dem Zweiten 

Weltkrieg folgt es in seiner Struktur dem Prinzip der Repräsentation: 

nationale Zentren repräsentieren die Theaterszene 

ihres Landes, in den Zentren existiert zumeist 

eine präsidiale Struktur, die Delegierten der Zentren 

wählen auf den Weltkongressen wiederum eine Spitze 

– das Executive Council, die Vize-Präsidenten und den 

Weltpräsidenten. Auch den Internationalen Programmkomitees, 

in denen die nationalen Zentren gemeinsame 

Projekte entwickeln, stehen Präsidenten vor. 

Dieses Prinzip erscheint als formalisiert, in ihm wirkt 

die Betonung der Hierarchie sehr stark. Doch zugleich 

wird es mit dieser sehr klaren Struktur erst möglich, 

Brücken zwischen unterschiedlichen Kulturen zu bauen. 

Die gemeinsame Struktur ermöglicht den Repräsentanten, 

einen Dialog auf gleicher Ebene zu führen, 

die Entscheidungsebenen zu definieren und zu klaren 

Verabredungen zu gelangen. Bei der Workshopreihe 

„My Unknown Enemy“ oder beim Aufbau des Centre 

for Theatre in Conflict Zones wurde dieser Weg vielfach 

deutlich. 

Zugleich hat sich in den letzten Jahren die Struktur 

des ITI als wandelbar und durchlässig erwiesen. Auf internationaler 

Ebene haben in den Programmkomitees 

neue Mitglieder neue Akzente gesetzt und mit ihrem 

Engagement auch Zugang zu den Entscheidungsstrukturen 

gefunden. Ende der 90er Jahre wurde die Debatte 

um eine erfolgreiche Netzwerkarbeit im ITI und die 

Umstrukturierung der Komitees sehr intensiv geführt. 

Verwiesen sei hier u.a. auf die Beiträge, die Martin Roeder-Zerndt 

hierzu schrieb und die in den damaligen 

Ausgaben von „impuls“ erschienen. Eines der Ergebnisse 

war die Gründung der New Project Group innerhalb 

des Internationalen Theaterinstituts. 

Und im 2002 neu gegründeten Young Practitioner’s 

Committee setzen junge Theaterleute neue Impulse.

Auf nationaler Ebene – im deutschen Zentrum – funktionieren 

Kommunikation und Informationsaustausch 

auf der Ebene der Kompetenz, des Austauschs von Wissen 

und der Suche nach Kooperationsmöglichkeiten. 

Gegen institutionelle Netzwerke, wie das ITI eines 

darstellt, lassen sich die Vor- und Nachteile kleinerer, 

informeller Netzwerke – die sich aus den Partnern 

eines Projektes und nur für die Zeit des bestehenden 

gemeinsamen Interesses formieren – diskutieren. Dies 

soll hier nicht geschehen, vielmehr soll im Folgenden 

die reizvolle Verbindung dargestellt werden, die aus 

beiden Formen von Netzwerken entsteht, wenn man 

die Mitglieder des deutschen ITI-Zentrums einerseits als 

Knotenpunkte ihrer individuellen Netzwerke begreift 

und sie sich selbst begreifen als Teil des Internationalen 

Theaterinstituts, in Verbindung zu Theaterleuten weltweit, 

mit denen sie gemeinsame Ideen und Positionen, 

mitunter auch gemeinsame Projekte verbinden. 

Im Frühjahr bat die Redaktion die Mitglieder des 

deutschen ITI-Zentrums, Aspekte ihrer eigenen internationalen 

Theaterarbeit darzustellen - in einem Profil 

ihrer Institution, der Beschreibung ihrer künstlerischen 

Projekte oder in einer Antwort auf die Frage, warum 

ihre Theaterarbeit ohne internationalen Austausch nicht 

denkbar wäre. Dieser Anfrage zugrunde liegt auch die 

simple Idee, dass erste Voraussetzung einer Zusammenarbeit 

das Wissen voneinander ist, die Anregung durch 

die Interessen und Erfahrungen des Anderen, des potentiellen 

Partners. 

Die Antworten, die wir erhielten, geben auf sehr 

unterschiedliche Weise Einblick in internationale Theaterarbeit, 

in das Selbstverständnis der Akteure, den 

Charakter des künstlerischen Austauschs und den Zuwachs 

an Erfahrung, der den Beteiligten aus den je 

unterschiedlichen Formen der Kooperation erwächst. 

Die Darstellung setzt Schlaglichter auf die Arbeit der 

ITI-Mitglieder, sie folgt den Antworten, welche die Redaktion 

erhielt und versteht sich weder als Auswahl der 

Redaktion noch als abgeschlossene Darstellung. 

Die folgenden Beiträge haben wir in eine alphabetische 

Reihenfolge gestellt. 


AKT-ZENT 

Internationales Theaterzentrum 

von Christine Schmalor 

„AKT-ZENT Internationales Theaterzentrum ist seit 

1995 in Berlin ansässig und bildet mit seinen Partnern 

in Italien, Frankreich, Skandinavien und Russland die 

European Association for Theatre Culture (EATC). Im 

Zentrum stehen Weiterbildung und Recherche in der 

Schauspiel- und Regiekunst, vor allem werden methodische 

Ansätze für die tägliche Probenarbeit sowie für 

die Ausbildung entworfen, entwickelt und im Selbstverlag 

veröffentlicht. Der künstlerische Leiter Prof. Dr. 

Jurij Alschitz hat in 10 Jahren ein „European Team of 

Teachers“ aufgebaut und wendet sich an alle Schauspieler, 

Regisseure, Pädagogen, die ihre Kenntnisse 

erweitern wollen. Umfangreiche Forschungsprojekte 

wurden von der Europäischen Kommission unterstützt. 

Mit „The Face of the 20th Century Woman“ wurde 

2000-02 „Die Vertikale der Rolle, eine neue Methode 

der eigenständigen Rollenvorbereitung“ in Laboratorien 

entwickelt und als Buch veröffentlicht. Mit „From 

Cliché in Art to the Art of Cliché“ 2005-06 erweiterte 

sich der aktive Kreis der Partner um mehrere nationale 

ITI-Zentren und Akademien, die im ITI/Unesco Theatre 

Training Committee vertreten sind. Seminare, Regie- 

Colloquien und ein mehrteiliges Laboratorium führten 

zu einer mehrsprachigen Produktion von Dostojewskijs 

„Weiße Nächte“. Aufgrund seiner einzigartigen Aufgabenstellung 

und europaweiten Vernetzung wurde AKT- 

ZENT auf dem ITI-Weltkongress in Manila als „Research 

Centre des ITI/Unesco Theatre Training Committee“ 

benannt und damit der Aktionsradius vergrößert. Projekte 

mit Modelcharakter sind in Planung: so Schauspielausbildung 

in Afrika und ein M.A. Studiengang für 

Schauspiellehrer. Außerdem soll die internationale Produktion 

„Weiße Nächte“ 2007 einem breiteren Publikum 

gezeigt werden. Einladungen zu Gastspielen oder 

Festivals sind willkommen!“ 

Kontakt: akt.zent@berlin.de, www.theatreculture.org 

„Weiße Nächte“, Inszenierung der European Association für Theatre Culture


Manfred Beilharz / Staatstheater Wiesbaden 

Internationale Aspekte wie der europaweite Austausch 

mit anderen Theatern sowie die Förderung von 

Ideen, Produktionen, Mitarbeitern, Werbung und Konzepten 

bilden eine Schwerpunkt in der künstlerischen 

und strategischen Ausrichtung des Staatstheaters Wiesbaden 

seit der Ernennung des Intendanten Manfred 

Beilharz im Jahr 2002. 

Die künstlerisch hochkarätigen Internationalen Maifestspiele 

zeigen alljährlich international renommierte 

Eigen- und Gastproduktionen aus den Bereichen Oper, 

Schauspiel und Tanz (z.B. Pina Bausch, die Cloud Gate 

Company), deren angesehene Künstler mit dem Publikum 

in einen interkulturellen Dialog treten. 2004 führte 

Manfred Beilharz das alle zwei Jahre stattfindende Festival 

„Neue Stücke aus Europa“ ein, das ausschließlich 

jeweils ca. 30 zeitgenössische Stücke in Aufführungen 

aus verschiedenen Ländern Europas zeigt. Auch das 

Rahmenprogramm sorgt für Diskussionsstoff, das sich 

in Themenpodien mit Fragen der kulturellen Identität, 

nationaler Erinnerung, politischer Traumata und Migration 

im Dialog mit den Autoren und Regisseuren auseinandersetzt. 

Das Hessische Staatstheater Wiesbaden 

wird dabei unterstützt von der European Theatre Convention. 

Intendant Manfred Beilharz initiierte 2002 die 

Mitgliedschaft des Wiesbadener Theaters in der europäischen 

Vereinigung. Manfred Beilharz ist Vorsitzender 

der Dramaturgischen Gesellschaft Berlin, Mitglied der 

Akademie für Darstellende Künste Frankfurt, Mitglied 

der European Theatre Convention Brüssel und Paris, Vizepräsident 

der Hessischen Theaterakademie Frankfurt 

sowie Präsident des deutschen Zentrums des ITI (Berlin). 

Auf dem letzten ITI-Weltkongress in Manila im Mai 

2006 wurde er zum dritten Mal zum Präsidenten des 

weltweiten ITI (mit Sitz in Paris) gewählt. 

www.staatstheater-wiesbaden.de 

Deutscher Bühnenverein 

Der Bühnenverein kümmert sich hauptsächlich um 

die Gestaltung der Rahmenbedingungen der Theater 

und Orchester. Da geht es um Politik und Finanzen, 

um Strukturelles und Rechtliches. Internationaler Austausch, 

vor allem auf europäischer Ebene, ist dafür unverzichtbar. 

Dies gilt nicht nur, weil sich die Rechtssetzung 

zunehmend auf die EU verlagert. Wichtig ist uns 

auch, durch Vergleiche mit dem Ausland zu erfahren, 

was wir besser machen und was wir nicht besser machen 

können. Dabei wird eines klar: Ensemble und Repertoire 

sollten nicht leichtfertig aufgegeben werden. 

Rolf Bolwin ist Geschäftsführender Direktor des Deutschen 

Bühnenvereins. 

www.buehnenverein.de 

Holk Freytag 

„Warum ist Ihre Theaterarbeit ohne internationalen 

Austausch nicht denkbar“? 

Schon die Frage, ob internationale Kontakte wichtig 

sind, ist anachronistisch. In einer Zeit, die von den 

Strukturen der Globalisierung bestimmt wird, sollte es 

selbstverständlich sein, dass das Denken und Handeln 

besonders der Kulturszene nicht an den Landes- oder 

Erdteilgrenzen aufhört. Diese Strukturen sollten wir für 

den Transport unserer Ideen nutzen. 

Holk Freytag ist Intendant des Staatsschauspiels Dresden. 

„Orestes“, Inszenierung von Hansgünther Heyme 

Milenko Goranovic 

„Als Theaterautor habe ich mich in den letzten Jahren 

ausschließlich mit den Fragen der Begegnung der 

Kulturen oder der kulturellen Begegnungen auseinandergesetzt. 

In den Stücken „Z 2001“ und „Flaschenpost 

aus Deutschland“ wird diese Problematik aus der 

Sicht der Minderheit thematisiert. Als Übersetzer und 

auch als Dramaturg am Roma Theater Pralipe und dem 

Theaterhaus Stuttgart betrachte ich den internationalen 

Austausch als die wichtigste Voraussetzung dafür, dass 

das Gegenwartstheater seinem Namen gerecht werden 

kann. Und übrigens: Ohne internationalen Austausch 

stünde meine Antwort nicht hier.“

Hansgünther Heyme 

„Warum ist Ihre Theaterarbeit ohne internationalen 

Austausch nicht denkbar?“ 

Erstens. Die von mir ins Leben gerufenen FESTSPIELE 

LUDWIGSHAFEN, eine große und schwere Aufgabe, 

wären ohne intensive internationale Zusammenarbeit 

mit unseren Partnertheatern in Europa nicht denkbar. 

An dem Gastspielhaus in Ludwigshafen, welches weder 

Probenräume noch Werkstätten hat, zudem einen in 

den letzten Jahren brutal geschrumpften Etat, können 

Eigenproduktionen (welche für die Identität des Hauses 

und für die Identifikation der Bürger mit ihrem Theater 

wichtig sind) nur als Koproduktionen entstehen. Eine 

auf mehrere Jahre zurückgehende Zusammenarbeit mit 

dem Theatre National du Luxembourg ermöglichte die 

Entstehung wichtiger Inszenierungen: fern vom Alltag 

deutschen Durchschnitts. Durch die Impulse eines neuen 

Landes zusätzlich motivierte Schauspieler erarbeiteten 

mit mir hier unter anderem im Oktober 2005 die 

„Elektra“ des Euripides. Eine in jeder Hinsicht neuartige 

Koproduktion, denn Kostüme und Bühnenbild wurden 

am Nationaltheater in Zagreb hergestellt - von interessierten, 

bemühten und hervorragenden Werkstätten. 

Die intensive und vielfältige Zusammenarbeit machte 

die Produktion in ihrer Qualität erst möglich, hob das 

künstlerische Niveau trotz der logistischen Schwierigkeiten 

und ermöglichte, dass sie in Zagreb, in Luxembourg, 

in Maribor, in Wien (Art Carnuntum) und in 

vielen deutschen Städten gastieren konnte. 

Zweitens. Im Frühjahr erarbeitete ich den „Orestes“ 

des Euripides am Slowenischen Nationaltheater in Maribor 

in slowenischer Sprache. Obwohl ich mein Leben 

lang geradezu fanatisch um die deutsche Sprache 

ringe, entdeckte ich in den vergangenen Jahren meine 

Lust an Inszenierungen in einer fremden Sprache. Meine 

wichtigsten Arbeiten der letzten Jahre entstanden 

im Ausland: Shakespeares „Der Kaufmann von Vendig“ 

(2000) und „König Lear“ (2002) am Abadía Theater in 

Madrid auf Spanisch, die „Medea“ des Euripides (1999) 

in Usbekistan am Ilkhom-Theater auf Russisch. Das Aufeinanderprallen 

grandioser Schauspieler (welche mich 

durch ihre Andersartigkeit und besondere Offenheit 

faszinieren) und meiner für diese doch sehr fremden 

Auffassung von Theater bewirken eine äußerst produktive 

und für alle einzigartige Arbeitsatmosphäre. Diese 

fremdsprachigen Aufführungen waren in Deutschland 

große Erfolge, vielleicht auch, weil ich ohne die selbstverständliche 

deutsche Sprache mich auf „andere Mittel“ 

des Theaters stürzte und somit eine sehr fremde 

und neue theatralische Sinnlichkeit erreichte. 


euro-scene Leipzig 

von Ann-Elisabeth Wolff 

„Für die euro-scene Leipzig als europäisches Theater- 

und Tanzfestival sind internationale Kontakte die 

wichtigste Grundlage - wie die Luft zum Atmen. Das 

ITI stellt für mich dafür die wichtigste Anlaufstelle in 

Deutschland dar (im europäischen Maßstab etwa mit 

dem IETM vergleichbar). Information und Ratschläge 

von den kompetenten Kollegen des ITI setzen Maßstäbe 

und Vergleiche. Die Rolle der Musik in Theater und 

Tanz wurde innerhalb der euro-scene Leipzig im November 

2006 näher beleuchtet. Meist sind unsere Gastspiele 

Sparten überschreitend, für jedes Gebiet gibt es 

im ITI Mitglieder - Musik, Theater, Tanz, und jederzeit 

kann ich mit ihnen Gedanken austauschen. Berlin spielt 

dabei die wichtigste Rolle, und die neue ICE-Verbindung 

lässt Leipzig zum „Vorort“ der Hauptstadt noch 

näher rücken. Die 16. euro-scene Leipzig fand vom 07.- 

12.11.2006 unter dem Motto „Konsonanzen - Dissonanzen“ 

statt, inklusive der Jahrestagung des ITI am 11. 

und 12.11.2006.“ 

Ann-Elisabeth Wolff ist die Festivaldirektorin 

der euro-scene Leipzig. www.euro-scene.de 

Euro Theater Central Bonn 

von Gisela Pflugradt-Marteau 

Das Euro Theater Central Bonn hat sich seit seinen 

Anfangsjahren durch eine gezielte Zusammenarbeit mit 

europäischen Gastbühnen und internationalen Künstlern 

um den Dialog der Kulturen verdient gemacht. Der 

Gründungsgedanke beruhte darauf, dass eine international 

geprägte Stadt wie Bonn, in der sich Menschen 

unterschiedlichster Kulturen begegnen, ein Theater ermöglicht 

und verlangt, dessen Programm auf Toleranz 

und kulturellen Austausch angelegt ist. In 36 Jahren ist 

eine internationale Struktur gewachsen, ohne die der 

Theaterbetrieb nicht mehr denkbar wäre: so beschäftigt 

das Theater Mitarbeiter, Regisseure, Schauspieler, Bühnenbildner 

und Gäste unter anderem aus Ungarn, Rumänien, 

Bulgarien, Holland, Russland und der Schweiz. 

Auch auf dem Spielplan spiegelt sich der internationale 

Charakter des Theaters wider, auf dem Stücke namhafter 

europäischer Autoren stehen, vor allem jener, 

die sich in Leben und Werk um die Gesamteuropäische 

Idee verdient gemacht haben. Momentan bereitet sich 

das Ensemble auf die nun mittlerweile 6. Teilnahme am 

„World performance arts festival“ in Lahore (Pakistan) 

vor, bei dem es mit dem Stück „Der fahrende Schüler 

ins Paradies“ von Hans Sachs in englischer Sprache auftreten 

wird.


Goethe-Institut 

Die 128 Goethe-Institute in aller Welt arbeiten mit 

den wichtigsten lokalen Partnern der jeweiligen Theater- 

und Tanzszene zusammen und entwickeln aus 

diesem kontinuierlichen Gespräch gemeinsame Projektvorhaben. 

Sie initiieren und begleiten Projekte in 

den Bereichen Schauspiel, zeitgenössischer Tanz, Performance, 

Kinder- und Jugendtheater, Puppen- und Figurentheater 

und Neue Deutsche Dramatik: 

Präsentation von herausragenden und innovativen 

Theater- und Tanzproduktionen in Kooperation mit 

örtlichen Veranstaltern 

• Auslandsgastspiele von deutschen Theatern und 

Ensembles 

• Gastspiele von Ensembles aus Entwicklungs- und 

Transformationsländern in Deutschland 

• Kulturpolitische Schwerpunkte wie Kulturwochen, 

Deutsche Festspiele im Ausland 

Kultureller Austausch und internationale künstlerische 

Zusammenarbeit von wichtigen Künstlern aus Deutschland 

und den Gastländern 

Ausbildung und Fortbildung 

• Stipendien (Internationales Forum junger Bühnenangehöriger, 

Hospitations-Stipendien für junge 

Theaterschaffende an deutschen Bühnen in Zusammenarbeit 

mit dem ITI) 

• Workshops 

• Vorträge, Seminare 

Auf seinen Seiten www.goethe.de/theater und www.goethe.de/tanz 

informiert das Goethe-Institut für ein weltweites 

Fachpublikum über die Grundlagen seiner Arbeit 

und bietet mit der digitalen Theaterbibliothek, Portraits 

von Regisseuren, Bühnenbildnern, Dramatikern und Choreografen 

und weiteren Angeboten umfassende Informationen 

zur zeitgenössischen Tanz- und Theaterszene in 

Deutschland. 

www.goethe.de 

• Gastregien, Gastchoreografien 

• Koproduktionen 

• Szenische Lesungen 

• Übersetzungsförderung neuer deutscher Dramatik 

• Lokale Produktionen deutscher Stücke 

• Kolloquien 

• Begegnungen im Nachwuchsbereich 

Norbert Kentrup 

Ein Teil der Aktivitäten von SHAKESPEAERE und 

PARTNER findet im Ausland statt. Der wohl bekannteste 

Ausländer „SHAKESPEARE“ ist Namenspatron des Theaters 

und „PARTNER“ kann man mit dieser Dramatikerwerkstatt 

in einer globalisierten Welt nicht mehr 

nur in Deutschland haben. Shakespeares Globe ist seit 

1997 wieder in London zu erleben. Der Leere Raum 

und die Interaktion im hellen Zuschauerraum mit dem 

Publikum sind ästhetische Herausforderungen, die erst 

ganz am Anfang stehen. Das ist unser Ziel: Kein Museum, 

wie leider oft in London zu erleben, sondern 

die Frage, wie kann der Vers, die Aktion, die Emotion 

in der Architektur von Shakespeares „Wooden O“ das 

heutige Publikum auch in anderen, nicht so optimalen 

Räumen gedanklich und emotional in Bewegung bringen? 

Da ich das Privileg hatte, eine Saison in London 

den Shyklock zu spielen, konnte ich viele Erfahrungen 

für Workshops, Lesungen und Arbeiten an Schauspielschulen 

als Regisseur mit in andere Länder nehmen. 

Mit dem Stück „Die Brüder Grimm“ von Dagmar Papula 

gab es bisher insgesamt 189 Vorstellungen. Das 

„Te-Hand“ Japanisch-Deutsches Projekt von thevo 

Bühnenbild wurde von vornherein „flugfähig“ konzipiert, 

so konnte die Produktion nach Polen, Bulgarien, 

Schweiz, Estland und Finnland auf Reisen gehen. (Die 

Einladung nach Murmansk und nach Japan konnten wir 

noch nicht wahrnehmen.) Da man im Ausland die Märchen 

der Gebrüder Grimm kennt, war die Vorstellung 

ein sinnvoller Ansatz, etwas über deutsche Geschichte, 

die Paulskirche und das Leben der berühmten Deutschen 

zu vermitteln. Damit wir nicht nur etwas nach 

„Außen“ tragen, wurde die Uraufführung von Dagmar 

10

Andrej Kritenko 

„Ich bin ein Ukrainischerreisepassbesitzer, der seit 12 

Jahren in Stuttgart lebt. Am Sonntag flog ich nach Graz 

und versuchte dort ein deutsches und ein moldawisches 

Stück auf die Bühne zu bringen. Im November fuhren 

wir mit dem Kamerunischenpassinhaber Félix Kama, 

meinem Sohn Myron und dem Hund Casimir wieder 

nach Niederschlesien. Dort werden wir „Wo ist besser“, 

Text von und mit Félix, wieder spielen: auf Französisch, 

Deutsch, Eton, Polnisch und Ukrainisch. Außer in Polen 

haben wir „Wo ist besser“ in der Ukraine, in Lettland 

und in den Vereinigten Arabischen Emiraten gespielt. 

Klaus Maier/ thevo 

Papula „Die Komikerin“ von dem finnischen Regisseur 

Vesa Tapio Valo inszeniert, den wir über das ITI kennen 

lernten. Mit Vorstellungen (deutsch gespielt, manchmal 

simultan übersetzt) und Vorträgen (Lesungen auf 

deutsch und englisch) waren wir seit 2001 in Bulgarien 

(im Goethe-Insitut), Polen (Shakespeare Festival 

Gdansk), Neuseeland (Shakespeare Globe Centre und 

Goethe-Institut Neuseeland), England (Internationales 

Shakespeare Globe), Finnland und Estland (Goethe-Institut). 

Für 2007 ist eine Reise mit „Timon von Athen“ 

nach Irland, Schottland und England geplant.“ 

Wir haben auf Festivals mehrere Preise bekommen und 

kriegen immer neue Einladungen. Kürzlich nach Weißrussland, 

nach Litauen und Kroatien. [...] Aber ich bin 

mir nicht sicher, ob es in unserem Fall um einen echten 

Austausch geht. Wir freuen uns auch, dass bis jetzt immer 

noch wir, und nicht andere Personen an unserer 

Stelle aus dem Ausland zurück nach Stuttgart kehrten. 

Kann sein, dass niemand mit uns tauschen will. Weder 

zu hause noch im Ausland ...“ 


„Unsere Theaterarbeit ist ohne internationalen Austausch 

nicht denkbar, da sie aus diesem Austausch hervorgeht. 

Ausgangspunkt für unsere Arbeit ist der Gedanke, 

dass in einer demokratischen, polyvalenten Welt 

mehrere Wahrheiten nebeneinander existieren können. 

Diese Wahrheiten ergänzen sich und sind - auch wenn 

sie sich auf den ersten Blick widersprechen sollten - nur 

zwei Perspektiven derselben Menschlichkeit, die wir zu 

beschreiben uns bemühen. Poesie und Kunst sind dabei 

Werkzeuge der Menschen um mehrere Wahrheiten, 

also komplexe Zusammenhänge zu erfassen und begreifen 

zu können. thevo - Theater von Menschen für 

Menschen - macht bi-kulturelle Theaterprojekte, deren 

Wolfgang Mehring 

Ziel darin liegt, dass KünstlerInnen aus zwei verschiedenen 

Kulturen gleichberechtigt ein gemeinsames Werk 

entwickeln und aufführen, das Unterschiede und Gemeinsamkeiten 

der Kulturen zum Inhalt hat. In diesem 

Jahr arbeiten wir mit Kollegen in folgenden Ländern zusammen: 

Chile, Frankreich, Japan, Polen, Tschechien. 

Aus manchen dieser Kontakte entwickelt sich nur ein 

Auftritt auf einem internationalen Festival, einige (wie 

mit der Ukraine und Japan) münden in etwa dreijährige 

bi-kulturelle Koproduktionen.“ 

Kontakt: www.thevo.de 

„Mit der Öffnung der Welt, dem Zugang zu anderen 

Kulturen und der damit verbundenen Relativierung 

eigener Werte ging das kulturelle Selbstbewusstsein 

verloren, verstärkte sich die Suche nach einem neuen 

Lebenssinn. - Wiederholt werde ich eingeladen, Erfahrungen 

aus der Zusammenarbeit mit Theatern verschiedener 

Kulturbereiche Europas, Asiens, Afrikas an einem 

Ort zusammengefasst weiterzugeben. Es verbindet sich 

damit die Erwartung der Demonstration und Vermittlung 

neuer, noch nicht gespeicherter Ausdrucksformen 

[...]. Tatsächlich wäre jedoch genau die Erfahrung zu 

vermitteln, dass sich unser Theater gerade nicht durch 

Eklektizismus von Formen exotischer Provenienz erneuern 

kann (was nur seine äußere Theatralik neu aufputzt), 

sondern allein aus dem Entwurf eines universellen 

Bewusstseins und damit eines ganzen Menschen 

heraus, statt immer nur Teilaspekte zu postulieren. Die 

traditionelle abendländische Ethik ist in ihrer Lebensferne 

seit langem nicht mehr befähigt, Fragen und Probleme 

unserer Zeit allein zu meistern, und die Strukturen 

asiatischen und afrikanischen Bewusstseins sind 

durchaus zu integrieren, in die künstlerische Arbeit mit 

einzubringen. [...] Es geht darum, die Inspirationsquellen 

und Lebensbezüge anderer Kulturen in unserem 

Theater (wieder) lebendig zu machen, statt auch hier 

immer und immer exotische Formen und entwickelte 

Bühnenkünste zu vermarkten [...].“ 

Der frühere Leiter des traditionsreichen französischen 

Avantgarde-Theaters Théâtre du Vieux Colombier, Wolfgang 

Mehring, begreift sich als „europäischer Theatermann“. 

Er hegt ein begieriges Interesse an den Theater- 

und Tanzformen anderer Kulturen, dabei lehnt er im 

interkulturellen künstlerischen Austausch die bloße Reproduktion 

exotisch-fremder Formen rigoros ab. Wolfgang 

Mehring war und ist vielmehr von den „Urformen des 

Theaters und der jeweiligen Bewusstseinsstruktur“ fasziniert, 

mit denen er bei seinen vielen Tourneen, Workshops 

und Inszenierungen in Schwarzafrika, im Vorderen Orient, 

in Nordafrika, Asien und Amerika in Berührung kam. Sein 

Text stammt aus „Die Vermarktung des Geistes. Theater 

heute“, in: Zeitmitschrift. Journal für Ästhetik. Nr. 5. 

Herbst 1988. S. 17-44. 

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NRW KULTURsekretariat 

von Dr. Christian Esch 

„Internationales Theater prägt in zweierlei Hinsicht 

die Programme des NRW KULTURsekretariats: Mit dem 

Festival Freier Theater „Impulse“ ist der Kulturverbund 

der 21 großen Städte Nordrhein-Westfalens seit langen 

Jahren auf dem internationalen Pfad. Das Festival lebt 

vom Austausch der Gruppen aus Deutschland, Österreich 

und der Schweiz. Bei der nächsten Ausgabe im 

Herbst 2007, kuratiert von Tom Stromberg und Matthias 

von Hartz, wird erstmalig die beste der vorgestellten 

deutschen Produktionen vom Goethe-Institut auf 

Weltreise geschickt. Außerdem wollen wir demnächst 

auch Produktionen aus dem fremdsprachigen Ausland 

zeigen. Im Rahmen des Fonds Experimentelles Musiktheater, 

den es seit 2005 zusätzlich zum bewährten 

Fonds Neues Musiktheater gibt, wählt eine namhafte 

Jury bezogen auf einen spezifischen „anderen“ Musiktheaterbegriff 

internationale Einreichungen aus dem Inund 

Ausland aus. Das NRW KULTURsekretariat und die 

Kunststiftung NRW finanzieren sie und bringen sie an 

Bühnen des Landes zur Uraufführung. International ist 

aber auch die integrative Transkultur im eigenen Lande: 

Welt- bzw. ethnische Musik, Lehraufträge zur Weltmusik 

an Musikhochschulen (beides im Programm „Das 

3. Ohr“) oder auch Unterrichtsangebote an türkischen 

Instrumenten in Musikschulen („Baglama für alle“). 

Vom Kunst -und Künstleraustausch „Transfer“ (2005- 

07 mit der Türkei) ganz zu schweigen: Für das Theater 

gilt wie für Musik und Bildende Kunst: International ist 

überall.“ 

Peter P. Pachl 

„Immer schon war das Theater ein Brennspiegel gesellschaftlicher 

Entwicklungen und Veränderungen. Reaktionen 

erfolgen bei Künstlern zumeist schneller und 

heftiger, denn Emotionen gehören zu unserem Alltag. 

Aber auch die Bereitschaft zu neuen Denkmodellen ist 

stärker vertreten als in der Gesellschaft ringsum. Denn 

die konkrete, szenische Entwicklung von Utopien ist 

Teil unserer Arbeit. (Bis vor zwei Dezennien hatte das 

Theater noch generell Einfluss auf die Mode, nicht umgekehrt.) 

Der Brennspiegelcharakter des Theaters und 

sein analytischer Wert waren Fürsten und Kunstmäzenen 

vergangener Jahrhunderte nicht unbekannt. Auch 

Politikern der Neuzeit blieb er nicht verborgen: Noch 

bevor Konzerne, Banken und Großindustrie die zur 

Mehrung ihres Kapitals bei gleichzeitiger Reduzierung 

der Arbeitsplätze angedachten Fusionen realisierten, 

wurden Theatern Fusionen verordnet, wurden innere 

und äußere Akzeptanz, entstehende gesellschaftliche 

Probleme, insbesondere aber tatsächliche Einsparungen 

getestet. Offenbar haben diese Versuchsanordnungen 

die Erwartungen bestätigt und den Wirtschaftskonzernen 

Mut gemacht, Fusionen auf internationaler Basis 

zu vollziehen. Jenseits von Fusionen ist Globalisierung 

im Theater seit Jahrzehnten ein Faktum. Nationalitätenübergreifend 

thematisieren wir jene Probleme, die uns 

weltweit schon heute und erst recht morgen beschäftigen, 

verlebendigen und versinnlichen sie in neuen und 

vorzugsweise in neu gelesenen, alten Stücken. Dies ist 

unsere Form der Globalisierung, unser internationales 

Zusammenspiel.“ 

Peter P. Pachl ist Regisseur, Dramaturg, Publizist und 

Künstlerischer Leiter am pianopianissimo musiktheater, 

München. 

PACT Zollverein 

Thomas Sauerteig 

„PACT Zollverein“ (Performing Arts Choreographisches 

Zentrum Tanzlandschaft Ruhr) befindet sich 

in der ehemaligen Waschkaue der Zeche Zollverein. Die 

Zeche wurde übrigens von der UNESCO zum Weltkulturerbe 

erklärt. Auf 3000 m² Fläche geben drei Studios, 

eine große und eine kleine Bühne, sowie Foyer und 

Wintergarten Raum für das spartenübergreifende Programm 

mit Eigen- und Koproduktionen sowie Gastspielen. 

Künstlerresidenzen sowie die diskursiv-praktische 

Reflektion in Form von Symposien und Hochschulplattformen, 

das künstlerische Forschen und Entwickeln in 

Laborsituationen, Trainings und Workshops bilden eine 

Architektur der Entwicklung. Eine internationale Vernetzung 

und interdisziplinäre Ausrichtung bilden hierbei 

die Grundlage unserer Arbeit.“ 

Kontakt: www.pact-zollverein.de 

„Barcelona: Meer, Fußball, Architektur, Mode, Design, 

Film, und außerdem gibt es hier auch noch Theater. 

Seit sechs Jahren lebe ich hier und arbeite als Regisseur, 

Übersetzer und Anlaufstelle für Fragen nach neuen 

deutschen Stücken, Autoren, etc... Im Frühjahr habe 

ich an der Sala Beckett „Die Frau von früher“ inszeniert, 

als erste Premiere einer Reihe von drei Schimmelpfennig-Stücken. 

Im Moment bereite ich am selben Theater 

Turrinis „Endlich Schluss“ vor, im Rahmen des Theaterfestivals 

„Grec“, und hoffe, wegen des Premierentermins, 

dass Spanien nicht ins Halbfinale kommt. Und ich 

sitze an der Übersetzung des neuen Stücks (Arbeitstitel 

„Transit“) von Carles Batlle, dessen letzte Arbeit, „Versuchung“, 

bisher am Burgtheater und in Tübingen gespielt 

wurde.“ 

12


„Danton‘un Ölümü“, Koproduktion den Theater an der Ruhr mit den Städtischen Bühnen Istanbul 

Bettina Sluzalek / 

Theaterhaus Stuttgart 

„Seit Jahren hat es sich das Theaterhaus Stuttgart 

zur Aufgabe gemacht, mit Mitteln des Theaters Antworten 

und Modelle für die Multinationalität in unserer 

Gesellschaft zu finden. Daher besteht das internationale 

Schauspielensemble des Theaterhauses aus 11 Schauspieler/innen 

aus acht Ländern und versucht, die heutige 

gesellschaftliche Realität auf der Bühne abzubilden. 

Natürlich fließen dabei auch die jeweiligen kulturellen 

Hintergründe und die unterschiedlichen (Theater-)Er- 

fahrungen der Schauspieler in die Arbeit mit ein, was 

den Produktionen eine ganz besondere Authentizität 

verleiht. Ein gelungenes Beispiel dafür ist die Theaterhausproduktion 

„Dirty Dishes“, die inzwischen in Stuttgart 

zum Kultstück avancierte und seit der Premiere 

1995 in ca. 600 Vorstellungen von mehr als 150.000 

Menschen gesehen wurde.“ 

Bettina Sluzalek hat die Künstlerische Geschäftsführung 

am Theaterhaus Stuttgart inne. 

Das Theater an der Ruhr und die Internationalen 

Theaterlandschaften 

Überzeugt davon, dass das Theater universal ist, eine 

Sprache spricht, die Menschen jenseits aller nationalen, 

kulturellen, religiösen und politischen Unterschiede 

verstehen, hat das Theater an der Ruhr bereits vor 25 

Jahren begonnen, sein Konzept eines kontinuierlichen 

internationalen Austauschs zu entwickeln. Es war damit 

eines der ersten europäischen Theater, das die künstlerische 

und politische Bedeutung einer derart transnationalen 

Theaterarbeit erkannt hat. Mehr als 34 Länder 

hat das Theater an der Ruhr seit seiner Gründung bereist, 

mindestens ebenso viele Theater aus diesen Ländern 

waren zu Gast im Mülheimer Theaterhaus. Über 

die Jahre ist ein Netzwerk von Theatern auf vier Kontinenten 

entstanden. Diese Beziehungen erschöpfen sich 

nicht in wechselseitigen Gastspielen, sie sind vielmehr 

eine intensive Beschäftigung mit Gedanken und Haltungen 

anderer Kulturen. Künstlerisches und politisches 

Engagement sind mithin untrennbar miteinander verwoben. 

Die gegenwärtige Situation im Nahen Osten 

verdeutlicht auf erschreckende Weise die Bedeutung 

und Notwendigkeit eines kontinuierlichen kulturellen 

Dialogs. Die Theaterlandschaft Seidenstraße, die in den 

vergangenen Jahren die internationale Arbeit maßgeblich 

bestimmt hat, sowie das Festival Neues Europa, also 

Orient und Okzident, bilden das konzeptionelle Herz 

dieser besonderen Internationalen Theaterlandschaften 

2006. Anlässlich seines 25-jährigen Bestehens erweitert 

das Theater an der Ruhr das Programm. Von August 

bis Dezember 2006 werden Theater aus Iran, Irak, Zentralasien, 

Tunesien, Türkei, Serbien und Montenegro, 

Marokko sowie Ungarn, Litauen und Slowenien im Theater 

am Raffelbergpark in Mülheim an der Ruhr zu Gast 

sein. Publikumsgespräche, Diskussionen und Konzerte 

werden die Aufführungen begleiten. 

13


Theater- und Mediengesellschaft 

Lateinamerika 

Die ITI-Mitglieder Hedda Kage, Alexander Stillmark, 

Dieter Welke, Kati Röttger, Maria Franziska Schüller, 

Angie Hiesl und Almuth Fricke sind aktiv in der Theater- 

und Mediengesellschaft. Die Theater- und Mediengesellschaft 

Lateinamerika e.V. versteht sich nicht 

nur als Promotor des lateinamerikanischen Theaters in 

Deutschland, sondern fördert auch den intensiven Austausch 

zwischen Theaterschaffenden in den einzelnen 

Regionen des Kontinents. Als Privatinitiative wurde sie 

1988 von ÜbersetzerInnen, DramaturgInnen und TheaterwissenschaftlerInnen 

gegründet und leistet seitdem 

eine kontinuierliche kulturelle Zusammen- und Vermittlungsarbeit. 

Ihre Mitglieder organisieren Konferenzen 

und Lesungen, initiieren Übersetzungen und Buchpublikationen 

und vermitteln Theatertexte und Hörspielmanuskripte 

an Verlage, Theater und Rundfunkanstalten. 

Darüber hinaus pflegt die TMG die theaterwissenschaftliche 

Forschung am Institut für Romanische Philologie 

an der Ludwig-Maximilians-Universität München, wo 

sie auch die Sammlung „Lateinamerikanisches Theater“ 

verwaltet. Bisher wurden acht Anthologien lateinameri- 

kanischer Dramatik mit deutschen Übersetzungen und 

einem wissenschaftlichen Begleitteil herausgegeben. 

Die Theater- und Mediengesellschaft Lateinamerika ist 

natürlich auch bei wichtigen Konferenzen und Foren 

zum lateinamerikanischen Theater vertreten, zuletzt 

bei dem Forum zur internationalen Verbreitung dramatischer 

Texte im Juni in Mexico-City oder bei dem 

Symposium über den brasilianischen Dramatiker Nelson 

Rodrigues Ende April in Berlin. Für das Treffen von 

Dramatikern aus allen WM-Ländern „Dichter ran!“ 

im Rahmenprogramm der diesjährigen Mülheimer 

„stücke 2006“ kuratierte sie die lateinamerikanische 

Beteiligung. Ihre Website www.tmg-online.org informiert 

nicht nur über aktuelle Veranstaltungen zum 

und Aufführungen von Theater aus Lateinamerika in 

Deutschland, sondern bietet auch eine Datenbank mit 

Übersetzungen sowie eine umfangreiche Linksammlung. 

Momentan laufen die Vorbereitungen für „Transatlantische 

Bilderwelten“, ein europäisch-lateinamerikanisches 

Projekt für theater- und filmwissenschaftliche 

Forschungsvorhaben, und für das Dialogprojekt 

„Mythos und Repräsentation“. 

www.tmg-online.de 

Dieter Welke 

„Die internationale Theaterarbeit ist untrennbar mit 

meinem persönlichen und beruflichen Lebensweg verbunden. 

Seit meiner Kindheit bin ich in zwei Kulturen 

und Sprachen zuhause, der deutschen und der französischen. 

Zum Theater kam ich vor nun fast dreißig Jahren 

in Paris, wo ich seit Mitte der 70er Jahre lebte und 

arbeitete. Das französische Theater mit seinem reichen 

Erbe und seiner großen Experimentierfreudigkeit hat 

mich entscheidend geprägt. Bis 1992 war ich als Dramaturg 

Mitglied der Compagnie des Matinaux, einer 

Pariser Theatertruppe, der einst auch zwei der bedeutendsten 

französischen Theaterleute des 20. Jahrhunderts 

angehörten: der Bühnenbildner Charles Dullin 

sowie der Schauspieler und Regisseur Louis Jouvet. Die 

Theaterarbeit Jouvets ist für mich bis heute Vorbild und 

Quelle der Inspiration. In meiner Pariser Zeit habe ich 

zahlreiche deutsche Texte ins Französische übersetzt 

und adaptiert, sowohl zeitgenössische Stücke als auch 

alte Texte, wie den „Ackermann aus Böhmen“, der bis 

heute in Frankreich oft gespielt wird. Die Pariser Bühnenfassung 

dieses Textes wurde später zur Vorlage für 

weitere Übersetzungen und Inszenierungen in Italien, 

Portugal, England und Irland. Auch heute noch ist die 

Compagnie für mich künstlerische Heimat. Bei ihr habe 

ich mein Handwerk gelernt; dies umfasst eigentlich alles, 

was zur praktischen Theaterarbeit gehört, nicht nur 

das Dramaturgisieren. Ich bin spät nach Deutschland 

zurückgekehrt. 1992 holte mich Frank-Patrick Steckel 

als Dramaturg ans Schauspielhaus Bochum mit dem 

expliziten Auftrag, das Haus verstärkt für die internationale 

Kooperation zu öffnen - ein Auftrag, den ich 

mit viel Enthusiasmus wahrgenommen habe. Immer 

wieder kam es zur Zusammenarbeit mit ausländischen 

Regisseuren, vornehmlich aus dem französischen und 

spanischen Kulturraum. Daneben entstanden Übersetzungen 

und Bearbeitungen französischer und spanischer 

Texte ins Deutsche. Als Auslandsdeutscher und 

französischer Theatermann betrachtete ich die deutsche 

Theaterlandschaft aus der Nähe der eigenen Kultur 

und aus der Distanz des Fremden. Den doppelten 

Blick habe ich stets beibehalten. Zeitweilig hatte es 

mich nach Lateinamerika verschlagen, in der bleiernen 

Epoche der Militärputschs und Diktaturen. Ich habe viel 

Elend und Blut gesehen. Auch dies hat mich nachhaltig 

geprägt. Die spanische Sprache wurde meine dritte 

Lebens- und Arbeitssprache; 1995 ging ich nach Buenos 

Aires, um dort mit dem Theaterkollektiv „Periférico 

de Objetos“ die „Hamletmaschine“ zu erarbeiten, eine 

Inszenierung, die in vielen Ländern der Welt gezeigt 

wurde. Bis zum Jahre 2002 habe ich immer wieder mit 

dieser Gruppe gearbeitet. Seit neun Jahren widme ich 

mich verstärkt der Regie und war in dieser Funktion 

viel in Lateinamerika unterwegs. 1999 entschloss ich 

mich, die Fleischtöpfe des deutschen Theaters hinter 

mir zu lassen und ging in ein Land, in dem Bürgerkrieg 

herrscht: nach Kolumbien. In Bogotá arbeitete ich als 

Dozent für Schauspiel und als Regisseur. Im Zusammenhang 

mit meiner Regiearbeit übersetzte ich auch wieder 

Theaterstücke, diesmal ins Spanische. Als ich 2001 

nach Deutschland zurückkam, musste ich die bittere 

Erfahrung machen, dass internationale Arbeit in der 

deutschen Theaterszene viel zu wenig wahrgenommen 

wird. Und so treibt es mich immer wieder zurück zum 

transatlantischen Brückenbauen, ob nach Kolumbien, 

Venezuela, Mexiko, Argentinien oder Ecuador. Ansonsten 

wohne ich in einem Städtchen am Taunusrand mit 

dem sehnlichen Wunsch, dort nicht zu verfaulen.“ 

Dieter Welke ist Gesellschafter der Société des Auteurs et 

Compositeurs Dramatiques (Paris) und der Theater- und 

Mediengesellschaft Lateinamerika (TMG) Dieter Welke, 

Regisseur und Dramaturg. 

14

Petra Weimer/ theater rampe 

„Eigentlich sind wir seit 1998 auf „deutschsprachige 

Gegenwartsautoren“ spezialisiert; haben 

aber im Lauf der Zeit bemerkt, dass es herrlich ist, 

sich auch den europäischen Gegenwartsautoren 

anderer Sprachräume zu öffnen. So haben z.B. 

Valère Novarina (Frankreich), Filipp Vanluchene 

(Belgien), Chaim Bernlef nach Jongerein /Levano 

(Niederlande) und Lajos Parti Nagy (Ungarn) ihre 

deutschen Erstaufführungen in sehr spannenden 

Inszenierungen am theater rampe stuttgart erlebt. 

In Planung sind nun weitere Projekte mit internationalem 

Kontext: Für 2007 ein internationales 

Musiktheaterprojekt mit dem Titel „HesseIndia“, 

in dem es um die Sehnsucht des Europäers 

nach Indien geht. Librettist ist Bernhard Glocksin 

(Neuköllner Oper Berlin). Komponist ist der Niederländer 

spanischer Herkunft Rafael Reina, der 

am Konservatorium in Amsterdam einen neuen, 

experimentellen Studiengang eingerichtet hat: 

„Western Music with non-western concepts“. Er 

komponiert zeitgenössische Musik, die zum Teil 

auf süd-indischen Musikkonzepten beruht. Ich 

werde die Regie führen. Premiere ist für Febr. 2007 

im theater rampe stuttgart geplant. Es spielt das 

AXYZ Ensemble aus Amsterdam, und es handelt 

sich um Musiktheater, in dem zwar gesungen wird 

(eine Sängerin, die aber zum musikalischen Ensemble 

gehört), aber auf der Bühne agieren werden 

Schauspieler, Tänzer und ein(e) Figurenspieler/in. 

Weitere Aufführungen werden in Wien, im Rahmen 

des Netzzeit Festivals „Out of Control“ März 2007 

zu sehen sein, sowie im Herbst 2007 in Amsterdam 

und Den Haag. Ein weiteres Projekt am theater 

rampe stuttgart im Jahr 2007 ist ein deutschamerikanisches 

Projekt. Zwei Schauspieler des 

theater rampe stuttgart werden im Sommer 2007 

nach Amerika (New York, Pittsburg, Chicago) reisen 

und dort auf zwei amerikanische Schauspieler 

treffen, im Gepäck ein Stück, welches ein österreichischer 

Autor als Auftragsarbeit geschrieben hat. 

Es geht um die Begegnung von „normalen“ Menschen, 

Europäern und Amerikanern, die mit dem 

„neuen“ deutsch-amerikanischen Verhältnis umgehen, 

das nicht mehr so „schön“ zu sein scheint, 

wie es mal war. Wie läuft die Kommunikation über 

das Verhältnis Amerika-Europa heute in der intellektuellen 

Schicht ab? Wie sprechen wir über das 

neue Amerika aus der Sicht eines Deutschen, wie 

sprechen die Amerikaner über Bush und Michael 

Moore...was verbindet uns, was unterscheidet 

uns? Die Aufführungen sind in englischer Sprache 

in Amerika und in deutscher Sprache in Europa 

(theater rampe stuttgart). Bei diesem Projekt partizipiere 

ich als Schauspielerin.“ 

Petra Weimer ist Schauspielerin, Regisseurin und 

Dramaturgin und arbeitet am theater rampe stuttgart, 

einem experimentellen Haus, das sich mit Gegenwartsdramatik 

beschäftigt. 


15

ITI 

die sich mit Überwachung und Kontrolle 

im öffentlichen Raum beschäftigt 

und lud in Leipzig Vertreter aus Technik, 

Wissenschaft und Politik mit Künstlern 

aus Deutschland und den USA zur Diskussion. 

Das ITI als Theaterorganisation 

der UNESCO engagiert sich weltweit für 

den Schutz der kulturellen Vielfalt und 

für die Zusammenarbeit zwischen den 

Theaterkulturen. Das deutsche ITI-Zentrum 

mit Sitz in Berlin setzt mit eigenen 

Projekten maßgebliche Impulse im 

Weltverband. In der Jahresversammlung 

wurden die Arbeit der Fachkommissionen 

und Arbeitsgruppen ausgewertet 

sowie die nationalen und internationalen 

Arbeitsebenen koordiniert. Für das 

ITI-Festival „Theater der Welt“ informierte 

der Kurator des nächsten Festivals 

2008 in Halle, Torsten Maß, über 

den Stand der Vorbereitungen und die 

konzeptionelle Ausrichtung. Die Mitgliederversammlung 

wählte einen neuen 

Vorstand. Ihm gehören an: Laura 

Bermann (Musikdramaturgin, Berlin), 

Stephanie Gräve (Dramaturgin, Bonn), 

Harald Müller (Verlagsleiter von Theater 

der Zeit, Berlin), Irina Pauls (Choreografin, 

Freiburg), Jürgen Schitthelm (Direktor 

der Schaubühne am Lehniner Platz 

Berlin), Bettina Sluzalek (Künstlerische 

Geschäftsführerin des Theaterhauses 

Stuttgart), Alexander Stillmark (Regisseur, 

Berlin) und Ann-Elisabeth Wolff, 

(Festivalleiterin der euro-scene Leipzig). 

Der Präsident der deutschen ITI-Sektion, 

Manfred Beilharz (Intendant Staatstheater 

Wiesbaden), der auch dem Weltverband 

vorsteht, sowie der Vizepräsident 

Roberto Ciulli (Intendant Theater an der 

Ruhr, Mülheim) führen ihre Arbeit im 

Präsidium fort. Der zweite Vizepräsident 

Volker Ludwig kandidierte nicht mehr 

für eine neue Amtszeit. Als sein Nachfolger 

wurde Martin Roeder-Zerndt, Intendant 

des Theaters Heilbronn, gewählt. 

STOP! – THINK! 

Forum-Theater im Sudan 

Von Thomas Engel 

DEUTSCHLAND 

ITI Jahrestagung in Leipzig 

Das deutsche Zentrum des Internationalen 

Theaterinstituts (ITI) hat am 

11. und 12. Nov. 2006 seine Jahrestagung 

in Leipzig abgehalten, in deren 

Rahmen das ITI in Zusammenarbeit mit 

der euro-scene Leipzig zwei öffentliche 

Podiumsdiskussionen veranstaltete. 

Zum Thema „Vom Gesamtkunstwerk 

zum entgrenzten Theater“ diskutierten 

Nike Wagner (Kunstfest Weimar), Barbara 

Mundel (Theater Freiburg i. Br.), 

Fabrizio Cassol (Gent) und Paul Koek 

(De VeenFabriek, Leiden) die Tendenzen 

zur verstärkten Durchdringung von 

Text, Körperausdruck und Musik und 

zur Aufhebung der klassischen Spartentrennungen 

im gegenwärtigen Theater. 

Unter dem Titel „Bewegungsmelder“ 

betreibt das deutsche ITI in einer seiner 

Projektlinien eine Recherche zu Theater, 

Im zweiten Jahr der Zusammenarbeit 

des deutschen mit dem sudanesischen 

ITI-Zentrum fand in Khartum der zweite 

international geleitete Workshop für 

Theatermacher mit Projekten in Konfliktregionen 

statt. Das hierfür von beiden 

Zentren gegründete Centre for Theatre 

in Conflict Zones, angesiedelt beim sudanesischen 

ITI und 2005/06 maßgeblich 

gefördert durch das Auswärtige Amt 

/ Institut für Auslandsbeziehungen, Projekt 

ZIVIK, war Gastgeber eines Forum- 

Theaterworkshops, geleitet von Bárbara 

Santos, Theatre of the Opressed (CTO), 

Rio de Janeiro. Das von Augusto Boal in 

den sechziger Jahren gegründete CTO 

ist einer der wichtigsten Orte für sozial 

emanzipatorisches, politisches Theater 

im Sinne von Demokratie stiftender 

Basisarbeit in Kommunen auch ohne 

nennenswerte kulturelle Infrastruktur. 

Bárbara Santos, seit Jahren in der Leitung 

des CTO und in Brasilien mit zahlreichen 

Projekten sowie mit Workshops 

in Palästina, Angola, Indien und Europa 

präsent, konnte durch das deutsche 

ITI-Zentrum erstmals für das Centre for 

Theatre in Conflict Zones in den Sudan 

geholt werden. Siebzehn professionelle 

Schauspieler aus Khartum, Darfur, den 

Südprovinzen und aus dem östlichen 

Sudan waren ausgewählt worden, Forum-Theatertechniken 

zu erlernen und 

zu praktizieren, um diese später selbst 

in ihrer Arbeit in Flüchtlingscamps und 

Dörfern in den Krisenregionen des Sudan 

anwenden zu können – Theater 

als Einladung zum Gespräch, zur Wiedergewinnung 

von sozialem und kulturellem 

Konsens. Sieben Schauspieler 

16

waren schon das dritte Mal dabei, denn 

das Projekt begann mit einer Einladung 

zu Theater der Welt 2005 nach Stuttgart 

(wir berichteten). Während des 

ITI-Workshops „BildBauStelle III – My 

Unknown Enemy“ lernte Bárbara Santos 

die Gruppe für drei Tage kennen 

und stellte erste Trainingsschritte vor. 

Nun wurde eine Gruppe mit Teilnehmern 

aus den beiden vorangegangenen 

Workshops und fünf „Neuen“ aus allen 

Landesteilen zusammengestellt. 

Tabu-Themen 

Aus den Erzählungen und Beobachtungen 

entstanden rasch zwei kurze, 

provozierende Szenen, der Konsens 

über eine dritte brauchte Arbeit. Die 

erste Szene brachte ein Tabu-Thema 

auf den Tisch. Noch nie war bisher 

auf dem sudanesischen Theater der 

Nord-Süd-Konflikt dargestellt worden. 

Statt einem fertigen Stück, einer Autorenmeinung 

wurde ein Diskussionsangebot 

unterbreitet, das ein Beispiel 

zitierte: Eine Romeo-und-Julia Story, 

sie aus dem arabischen Norden, er aus 

dem afrikanischen Süden. Nach einem 

missglückten Verhandlungsmeeting 

der beiden Väter endet die Flucht des 

Paares per Ehrenmord durch den Bruder 

des Mädchens tödlich. Nun spielten 

die Zuschauer Lösungsmöglichkeiten 

durch, indem sie selbst in eine der Rollen 

schlüpften. Ein zweiter Konflikt war 

ähnlich virulent. Eine junge Absolventin 

auf dem steinigen Web zum Job: Sie 

setzt sich gegen den autoritären Vater 

und den Bruder durch und weist die sexuellen 

Avancen zweier Bosse ab, bis sie 

am Ende resigniert und doch nicht den 

erhofften Job vom triumphierenden 

dritten Arbeitgeber bekommt, der sie 

vor die Tür setzt – vor der bereits die 

Zuhälter warten. Bei einer öffentlichen 

Voraufführung im College for Music 

and Drama der Universität Khartum 

stiegen reihenweise die StudentInnen 

auf die Bühne um gegenzuhalten – mit 

Empörung, List, Souveränität. Die dritte 

Szene, die ursprünglich als eher private 

Variante politischer Vorsicht von einigen 

der Teilnehmer eingebracht worden war 

– Ehemann wird von luxussüchtiger Frau 

wider besseres Wissen in die Schuldhaft 

getrieben – wurde schrittweise kräftig 

geschärft. Am Ende verschuldete sich 

ein Regierungsbeamter, der aus machtpolitischen 

Gründen seinen Job verliert 

und gerät in die Abhängigkeit des lokalen 

Finanzfilzes, der ihn am Ende höchst 

legal ins Kittchen steckt. 

Diese Inhalte galt es so zu kommunizieren, 

dass ein aktiver Dialog mit 

dem Publikum entsteht, ein tätliches 

Eingreifen mit der eigenen Person in die 

gespielte Geschichte stattfindet. Hierfür 

wurden Methoden des Umgangs 

mit dem Publikum trainiert. Animateur 

des Publikums, „Joker“ zu sein heißt, 

Lockerheit und Wachheit herzustellen, 

Befangenheit zu nehmen, auf gegenseitigen 

Respekt gegründet einen genussvollen 

kollektiven Lernprozess in Gang 

zu setzen. Gleichzeitig mussten die einzelnen 

Rollen so weit „gebaut“ werden, 

dass den Schauspielern alle möglichen 

Improvisationen in Reaktion auf die 

Eingriffe des Publikums zur Verfügung 

standen. Deshalb unterbrach Bárbara 

Santos immer wieder den Spielfluss 

– „Stop! Think! Ask questions!“ - um 

mit inneren Monologen aus einer Situation 

heraus und spontanen Fragen der 

Mitspieler an die Figur das Spektrum 

der Rolle von innen und außen anzureichern. 

Jenes scharfe, fordernde „Stop! 

Think!“ versinnbildlicht auch den gesamten 

Arbeitsprozess, der immer wieder 

Objektivierung einforderte, kritische 

Auseinandersetzung provozierte und 

permanent das Bewusstsein über die eigenen 

Koordinaten innerhalb der Gruppe 

ausbildete. So war es auch keine höfliche 

Floskel, wenn ein Teilnehmer rückblickend 

bemerkte, er hätte nicht nur 

methodisch dazugelernt, sondern ihm 

sei auch seine Rolle in der Gesellschaft, 

in der er lebt, bewusster geworden. 

Umsetzung in die Praxis 

Eine Gruppe der Teilnehmer geht 

unmittelbar im Anschluss in eine Bewährungsprobe. 

Im Auftrag von UNICEF 

und Deutschem Entwicklungsdienst begleiten 

sie ein Rückführungsprojekt von 

Flüchtlingen aus den Nuba-Bergen. Die 

Rückkehrer werden nach vielen Jahren 

in einem Camp am Rande von Khartum 

eine veränderte Heimat vorfinden, neue 

Nachbarn, Reste der Familie vielleicht 

auch nur Gräber, bestenfalls. Diese 

Rückkehr vorzubereiten und einen Neuanfang 

zu begleiten, wird alle Fähigkeiten 

der Theaterleute fordern. Sicher 

werden sie nicht alle Probleme lösen 

können, wie auch. Aber sie werden mit 

großen Gruppen von Jugendlichen und 

Erwachsenen arbeiten, werden Angebote 

auf eine Weise machen, die keiner 

der Betroffenen bisher die Chance hatte 

kennen zu lernen und sie werden auf 

ihre Weise ein weiteres Mosaiksteinchen 

für den langen Wiederaufbau des Sudan 

schaffen. Das existentiell Notwendige 

dieser Art von Wiederaufbau formulierte 

Yussuf Saad, der alte, weise Dekan des 

College for Musik and Drama, der den 

immer wieder bedrohten Etat seiner 

kleinen Einrichtung zu verteidigen hat: 

„They can make new buildings – but if 

they don’t ‚built the people’ the ‘unbuilt 

people’ will come and destroy the new 

buildings, again and again.” 

Strategische Planung 

Am letzten Tag unseres Aufenthalts 

waren wir eingeladen, am ersten runden 

Tisch der Minister für Information, 

Kultur, Finanzen(!) und Kommunikation 

samt einer Anzahl von Staatssekretären 

mit einer großen Gruppe von Theaterleuten 

teilzunehmen. Man brachte die 

für sudanesische Verhältnisse revolutionär 

neuen Themen „Strategische Planung“ 

und „Kulturpolitik“ zur Sprache. 

Ein interessanter Dialog scheint hier 

in Gang zu kommen. Das brisanteste 

Problem brachte ein Schauspieler (mit 

großer Selbstverständlichkeit jener, der 

das obligate Begrüßungsgebet zelebriert 

hatte) auf den Punkt: Eine zentrale 

Kulturpolitik, wie sie zur Stärkung 

der sudanesischen Identität vielfach 

gefordert wurde, sei ein heikel Ding 

– müsste sie doch, wie alle Politik des 

Landes, scharia-geleitet sein und eine 

islamische „Leit-Kultur“ halte er im 

multikulturellen und multiethnischen 

Sudan schlicht für falsch. Einverständnis 

herrschte in der Auffassung, dass ohne 

durch Mehrheiten getragene Planung 

kein effektiver Aufbau möglich und die 

Kunst ein dafür dringend benötigter 

Vermittlungsfaktor sei. Das roch vielfach 

nach Begehrlichkeiten zur Rekrutierung 

der Kunst als Vehikel der Politik, war 

aber auch in seiner Erstmaligkeit eine 

sensationell offene Geste der Politik an 

die Künstler, die ihrerseits ihre Vorstellung 

und Forderungen deutlich und 

mit souveränem Verantwortungsbewusstsein 

formulierten. So geschehen 

in Khartum, am 29. November. 

Das Centre for Theatre in Conflict 

Zones wurde als Beispiel erfolgreicher 

strategischer Planung im Kulturbereich 

herausgestellt, folglich erhielten 

die Teilnehmer ihre Zertifikate aus der 

Hand von gleich vier Ministern. Auf der 

nationalen Ebene inzwischen anerkannt 

wird die internationale Vernetzung des 

Zentrums im nächsten Jahr weiter vorangetrieben 

werden. Eine durch das ITI 

initiierte Arbeitsbegegnung im Rahmen 

des Gastspiels einer Theatergruppe aus 

Ruanda im März ist ein erster Schritt. 

Eines der wichtigsten Ergebnisse ist aber 

noch etwas anderes: Tarik, ein eher in 

sich gekehrter, intensiv und ernsthaft 

arbeitender Lehrer aus Nyalla/Darfur, 

zum zweiten Mal dabei, und auf 

der Bühne von großer Gelöstheit und 

schlagfertigem Humor, wird eine ständige 

Außenstelle des Centre for Theatre 

in Conflict Zones errichten. Zwei Workshops 

in Darfur (vier weitere im Süden, 

Osten und in Khartum) im nächsten 

Jahr sind bereits geplant und von sudanesischer 

Seite ausfinanziert. Das ITI 

Deutschland macht sich auf die Suche 

nach Unterstützungsmöglichkeiten für 

die Infrastruktur. 


17


Werkstattbegegnung 

zu kanadischer und 

deutscher 

Gegenwartsdramatik 

Von Birgit Schreyer Duarte 

Fotos zu 

TIM CARLSON „Allwissen“ 

Vor sieben Jahren wäre in Deutschland 

eine Veranstaltung, wie sie gerade 

am Maxim-Gorki-Theater stattgefunden 

hat – ein Workshop zur neuen Stückentwicklung 

für Dramaturgen aus Kanada 

und Deutschland – extrem schwer vorstellbar 

gewesen, um nicht zu sagen 

unvorstellbar. Vielleicht nicht für jeden, 

sicher aber für diejenigen, die ich damals 

davon zu überzeugen versuchte, 

dass meine beabsichtigte Diplomarbeit 

interessant und relevant sein könnte: 

Kanadisches Drama. Am theaterwissenschaftlichen 

Institut der Münchener 

Ludwig-Maximilian-Universität, in lokalen 

Buchläden, in der Unibibliothek, 

unter Freunden und Kollegen wurden 

diese beiden Begriffe schlicht als Oxymoron 

betrachtet. Wie Prof. Albert-Rainer 

Glaap in unseren Diskussionen noch 

einmal bestätigte, die Kenntnis von beidem 

– kanadischer Theaterpraxis und 

Stücken – war unter Akademikern und 

Theaterpraktikern in Deutschland fast 

nicht vorhanden, bzw. begrenzt auf 

eine Handvoll kritischer Literatur, die 

hauptsächlich von Prof. Glaap selbst 

verfasst worden war. Natürlich kann ich 

nicht für die anderen Theaterinstitute 

in Deutschland sprechen, doch nach 

meinen Forschungen war die Wahrnehmung 

kanadischer Theaterkultur minimal 

und mein Vorhaben, eine ganze 

Abschlussarbeit zu diesem Thema zu 

schreiben, stieß häufig auf Skepsis und 

Ungläubigkeit. Ich hebe diese (frühere) 

Ignoranz so hervor, um zu zeigen, dass 

der Erfahrungs- und Wissensaustausch 

zwischen Kanadiern und Deutschen, 

der durch die Veranstaltung letzte Woche 

ermöglicht wurde, von beiden 

Seiten begrüßt wurde: Während die 

Mehrheit der kanadischen Teilnehmer 

ihre Begeisterung zum Ausdruck brachten, 

deutsche Theaterkultur und –praxis 

kennenzulernen, mit der sie bisher weitgehend 

unvertraut waren, wurde hoffentlich 

auch deutlich, dass das Bedürfnis 

nach und Interesse an Informationen 

über die jeweiligen Theaterstrukturen 

und Besonderheiten nicht nur aufseiten 

der Kanadier existierte. 

In den letzten fünf bis zehn Jahren 

ist bezüglich des Austauschs zwischen 

den beiden Ländern viel passiert: Wie 

wir gelernt haben, sind inzwischen ca. 

30 kanadische Stücke auf deutschen 

Bühnen aufgeführt worden! Allerdings 

waren solche Aktivitäten bislang eher 

Resultat zufälliger Entdeckungen oder 

individueller persönlicher Beziehungen 

und können daher nicht als systematisch 

bezeichnet werden. Der Workshop, der 

vom Internationalen Theaterinstitut in 

Berlin und der Kanadischen Botschaft 

organisiert und vom Maxim-Gorki-Theater 

beherbergt wurde, war mit Sicherheit 

ein Schlüsselereignis im künstlerischen 

und ökonomischen Austausch 

zwischen den beiden Theaterkulturen. 

Zum ersten Mal wurden etwa 30 Professionelle 

aus dem Theaterbereich und 

Akademiker aus Deutschland und Kanada 

für den Zeitraum von einer Woche 

versammelt, um zu diskutieren, sich zu 

befragen, zu erklären, zu forschen und 

die jeweiligen Theatertraditionen bzw. 

gegenwärtigen Praktiken des Stückeschreibens, 

der Dramaturgie, Kuratierung, 

Programmierung, Finanzierung, 

Veröffentlichung und der Pflege des 

zeitgenössischen Theaters gegenseitig 

zu bestaunen. Einige Annahmen haben 

sich sicher während dieses Austauschs 

auf beiden Seiten bestätigt, doch viel 

mehr wurde wahrscheinlich infrage 

gestellt oder auch korrigiert: Deutschland 

als das Theaterland, wo Milch und 

Honig fließen, mit vollen Häusern und 

ohne den Zwang, als Sklave des Kartenverkaufs 

den Publikumsgeschmack 

zu bedienen? Kanada als ein kulturelles 

Niemandsland mit einer zu kleinen und 

zu verstreuten Bevölkerung, um eine 

Kunstform aufrecht zu erhalten, die eine 

geschulte Gemeinschaft braucht, um zu 

existieren? 

Für mich persönlich war das Treffen 

der Theatermacher der beiden Länder 

spannend und 

auf vielen Ebenen entscheidend, zuweilen 

sogar surreal: Während der sechs 

Jahre, die ich 

jetzt als Deutsche in Kanada lebe 

(forschend als Doktorandin zum Thema 

Drama und gelegentlich als Dramaturgin 

arbeitend), hatte ich einiges über 

Kanadas Theaterkonventionen und gegenwärtige 

Entwicklungen zu lernen. 

Und in dieser Zeit erfuhr ich viele Facetten 

des Diskurses über Unterschiede 

und Ähnlichkeiten bei der Annäherung 

beider Länder an das Theater. Ich erinnere 

mich lebhaft an die allererste dieser 

Debatten; die fand in einem alten VW 

mit meinem ersten kanadischen Theatermentor 

statt, bei dem ich damals ein 

einmonatiges Praktikum machte. Wir 

waren auf dem Weg zur ersten kanadischen 

Theaterprobe, die ich erleben 

sollte, für ein kleines Sommertheater 

in Süd-West-Ontario. Die Fahrt dauerte 

nur 45 Minuten und wir beide hatten 

uns gerade erst getroffen, doch wir waren 

vom ersten Moment an in erhitzte 

und leidenschaftliche Streits über alle 

möglichen Aspekte des Theatermachens 

und unseren Zweifel an den Unterschieden 

zwischen unseren kulturellen Horizonten 

involviert. Ensembletheater? 

Respekt vor dem Text? Autorentheater? 

Regietheater? Dramaturgie als Beruf? 

Neue Stückentwicklungsworkshops? 

Keine zweite Produktion? Kein Booen im 

Theater? Hierarchische Theatersysteme? 

Eine 50 Jahre alte Dramentradition? 

Post-Kolonialismus im Theater? Und so 

weiter und so fort. Viele dieser Fragen 

und viele neue trage ich in den letzten 

Jahren, bei meinen akademischen und 

praktischen Begegnungen mit Theater 

in Kanada, mit mir herum. Einige erscheinen 

irgendwie momentan beantwortet, 

die meisten aber sind komplex 

geblieben und führen jedesmal zu einer 

neuen Reihe von Fragen, wenn man sie 

klar zu beantworten versucht. Ich habe 

viele imaginäre Diskussionen zwischen 

kanadischen Theatermachern und denen 

„zu Hause“ im Kopf ausgetragen, 

als Versuch, die Pros und Kontras der 

jeweiligen kulturellen Praxis und die 

Prinzipien und Anschauungen dahinter 

besser zu verstehen. Mit anderen Worten: 

Für mich war dieses Treffen, wo ein 

solcher Zusammenprall der Kulturen 

tatsächlich passierte, hoch inspirierend 

und lang vorausgeahnt. 

Um mit den Eindrücken zu beginnen, 

die ich von dem Workshop letzte 

Woche gesammelt habe: Am Beginn 

der Diskussion habe ich eine interessante 

Tendenz bei den Gesichtspunkten 

der Teilnehmer festgestellt: Entgegen 

meinen ursprünglichen Erwartungen 

gingen die Ansichten der Kanadier untereinander 

über Theater und die Rolle 

der Dramaturgie weiter auseinander 

als die der Vertreter der verschiedenen 

Länder zu diesem Thema. Fast keine 

Sitzung ging ohne eine manchmal erhitzte 

Debatte unter den kanadischen 

Theatermachern über die Stellung des 

Texts im dramaturgischen Prozess der 

Produktion vorüber. Während es die 

Überzeugung und Praxis einiger Theatermacher 

ist, den Stücktext als Ausgangspunkt 

für die Erarbeitung einer 

Theaterproduktion zu betrachten und 

als das eigentliche Mittel, um Inhalte ins 

Theater zu bringen, kritisierten andere 

die in Kanada traditionelle Vormachtstellung 

des Texts und riefen allgemein 

nach einem umfassenderen Einbezug 

anderer als textbasierter Prozesse in die 

Produktion. Dass am geschriebenen 

und gesprochenen Text als Hauptobjekt 

für eine Untersuchung des dramaturgischen 

Prozesses festgehalten wurde, 

hätte man vielleicht als Gesamttendenz 

im Raum bezeichnen können, dennoch 

blieb die Spaltung der scheinbar unvereinbaren 

Ansätze in den Konversationen 

der kanadischen Teilnehmer offensichtlich. 

Im Gegenteil dazu gab es unter 

den deutschen Theaterpraktikern keine 

annähernd so klare Teilung fundamentale 

Techniken betreffend, obwohl es 

dort sicher Meinungsverschiedenheiten 

in anderen Aspekten gab. Zusätzlich 

wurde über die Woche natürlich die 

Spaltung zwischen quebecischen und 

anglo-kanadischen Theaterstilen und - 

18

strukturen wiederholt offenbar – doch 

wer hätte hier wirkliche Unterschiede 

vermutet? 

Wohl zur Überraschung derjenigen 

Teilnehmer, die hauptsächlich eine 

Bestätigung ihrer Vorannahmen zur 

ausländischen Kultur erwartet hatten, 

zeigten sich in unserer Diskussion vielfältige 

Facetten: Es gibt mehr Ähnlichkeiten 

zwischen deutschen und kanadischen 

Theaterpraktiken heute als wir 

vielleicht ahnten. Dafür, dass wir eine 

Kultur, die erst im 20. Jahrhundert ihren 

eigenen Theaterkanon entwickelt hat, 

um sich von der Hinterlassenschaft ihrer 

britischen Kolonialmacht zu befreien, 

neben ein Land stellten, das sich selbst 

seit Jahrhunderten damit brüstet, eine 

starke Theatertradition zu haben, die 

„nationsbildend“ ist, waren einige praktische 

Belange überraschend geläufig in 

beiden Ländern, Kanada und Deutschland. 

Zu einem dieser Schlüsselaspekte 

wurde die Frage nach dem Interesse an 

zeitgenössischer Dramatik – mit der folgenden 

Differenziation: In beiden Ländern, 

so scheint es, gibt es gegenwärtig 

ein relativ großes Interesse an und 

Wahrnehmung von neuen Stücken, 

und die Kritiker schenken den zeitgenössischen 

Entwicklungen im Theater 

generell ein hohes Maß an Beachtung. 

Wo immer das Label „Uraufführung“ 

oder „deutschsprachige Erstaufführung“ 

eingesetzt werden kann, freuen 

sich die Theater in Deutschland, wenn 

sie ihren eigenen Stempel drauf setzen 

können und die Kritiker sind eifrig dabei, 

darüber Rezensionen zu schreiben. 

Hier möchte ich allerdings anführen, 

dass der „Autoritäts“grad, den einige 

deutsche Kulturkritiker in ihrem Feld 

innehaben und, um es auf den Punkt 

zu bringen, der Einfluss, den sie auf 

den Ruf eines Theaters haben, schwer 

mit der Position kanadischer Kritiker zu 

vergleichen ist. (Allein der Fakt, dass die 

deutschen Teilnehmer kontinuierlich 

auf das „gehobene Feuilleton“ rekurrierten, 

wenn sie gewisse Theaterkritiker 

ins Spiel brachten, sprach für sich.) 

Interessanterweise existiert das derzeitige 

Interesse an neuer Dramatik in 

Deutschland erst seit ca. zehn Jahren, 

geschürt durch individuelle Anreize wie 

z. B. Thomas Ostermeiers Entdeckung 

der neuen Welle in der Jungen Britischen 

Dramatik, die er Mitte der 90-er 

Jahre übersetzt in der Berliner DT-Baracke 

präsentierte. Kanadas anhaltendes 

Engagement für die Entwicklung neuer 

Stücke hat ironischerweise inzwischen 

eine über dreißigjährige Geschichte. 

Wie auch immer, die Beachtung der 

Neuen Dramatik vonseiten des Publikums 

ist in beiden Ländern zahlenmäßig 

eher gering: Es gibt zwar einen kleinen 

Prozentsatz in der Bevölkerung größerer 

Städte, der die Szene verfolgt, doch 

dieser besteht weitgehend aus Theatermachern 

selbst, Theaterstudenten und 

einer Handvoll eingeweihter Intellektueller. 

Ein Unterschied ließ sich darin erkennen, 

was über die Haltung der meisten 

Schauspieler gesagt wurde: In Kanada 

bedeutet relevantes Theater faktisch: 

neue Stücke. Schauspieler schaden ihrer 

Karriere eher, wenn sich ausschließlich 

den „ehrenvollen“ Klassikern der hohen 

Kunst widmen. In Deutschland scheint 

es so zu sein, dass für viele Schauspieler 

das Spielen von neuer Dramatik bedeutet, 

große Bühnenproduktionen und die 

Chance zu verpassen, ihr Talent in berühmten 

A-Rollen renommierter Stücke 

zu beweisen. In einem zeitgenössischen 

Drama besetzt zu werden, wird deshalb 

häufig als Spielen in der letzten Reihe 

betrachtet, nichts, das einen berühmt 

macht. Fairerweise muss man sagen, 

dass in beiden Kulturen neue Dramatik 

in der Regel auf kleinen Studiobühnen 

präsentiert wird und ihr nur kleine Produktionen 

zugestanden werden. Neue 

Autoren und deren Arbeit zu zeigen, 

ist in Deutschland wie in Kanada ganz 

klar ein Risiko für eher mainstreamorientierte 

Bühnen, die stark von ihrer 

Abonentenzahl abhängen. In Kanada 

werden solche Produktionen zwar nicht 

immer auf der Studiobühne großer 

Kompanies gezeigt, aber dafür exklusiv 

von Theatergruppen entwickelt, die nur 

entstanden sind, um sich auf neue Dramatik 

zu spezialisieren. 

Was sich in unseren Diskussionen 

als ziemlich widersprüchliches Thema 

erwiesen hat, war der Grad der Trennung 

verschiedener Theaterformen und 

Kunstdisziplinen: Verschmelzen die Theater 

in Deutschland die Disziplinen oder 

driften unterschiedliche Ansätze und 

Stile eher auseinander? Und wie sieht 

das in Kanada aus? Die Meinungen der 

Teilnehmer zu diesen Fragen waren 

offensichtlich geteilt. Einige argumentierten, 

dass Deutschland endlich mit 

seinem traditionellen Theaterverständnis 

brechen und sich für neue Formen 

der Kreuzung von Performance-Kunst, 

Choreographie, Installation und ex- 


19


perimenteller Stücke öffnen würde. 

Thomas Frank, als Kurator von Berlins 

alternativem Theater Sophiensäle, und 

das kreative Team hinter der Maxim- 

Gorki-Studiobühne, Andrea Koschwitz 

und Armin Petras, waren starke Vertreter 

dieser Tendenz. Andere beobachteten, 

dass das Land noch immer an der 

alten Teilung von „Unterhaltung“ und 

„hoher Kunst“ in der Theaterkultur festhält 

und dass diese Genres noch immer 

klar definiert, vermarktet und als solche 

vom Publikum rezipiert werden. Hier 

Verallgemeinerungen vorzunehmen, 

wäre gefährlich, zumal die Mehrheit der 

anwesenden deutschen Theatermacher 

zur Zeit in Berlin tätig war, ein Ort, der 

sicher nicht repräsentativ für das ganze 

Land ist und viel mannigfaltiger und 

mehr federführend in seinen Theaterstilen 

ist als durchschnittliche deutsche 

Städte. 

Die Kanadier im Raum konnten ebenfalls 

keinen Konsens darüber finden, ob 

kanadisches Theater heute eine höhere 

Integration verschiedener Kunstformen 

erlaubt als es das in früheren Phasen 

getan hat. Klar wurde, dass gewisse 

Regionen besonders stark in diesen fließenden 

Genres sind, an erster Stelle die 

aus Vancouver stammenden Gruppen, 

die eine gewagte Mischung aus Techniken 

in ihre oft site-specific Produktionen 

bringen – Tanz, visuelle Kunst, 

Musik, Akrobatik, Multimedia – und die 

meistens nicht den Text als ihren Ausgangspunkt 

für die kreative neue Arbeit 

nutzen. Theatermacher mit ähnlichem 

Fokus aus anderen urbanen Zentren Kanadas 

waren auch anwesend, doch es 

konnte lediglich geschlussfolgert werden, 

dass dieser stilistische Trend bisher 

lediglich in isolierten Fällen gedeiht, 

aber allgemein eher von konventionellen 

Theaterstrukturen eingedämmt 

wird, wie z. B. dem permanenten Mangel 

an Geld und Spielstätten im Land. 

Ein anderer Punkt in der Debatte, 

der für die meisten nicht in einer 

klaren Antwort aufging, war die Frage, 

wie mit dem Publikumsgeschmack 

umzugehen ist. Weder die Deutschen 

noch die Kanadier erklärten sich einverstanden 

mit dem, was die allgemeine 

Tendenz in ihren Ländern ist oder sein 

sollte. Folgen wir oder bestimmen wir 

die Vorlieben des Publikums? Einige 

deutsche Theatermacher bestätigten, 

dass ihr Theaterauftrag in der Tat darin 

besteht, auf aktuelle Entwicklungen in 

ihrer Umgebung zu reagieren und die 

Bevölkerung ihrer Stadt ernstzunehmen, 

indem sie deren Belange bei der 

Planung der nächsten Theatersaison 

berücksichtigen. Andere behaupteten, 

dass sie hauptsächlich auf der Grundlage 

ihrer eigenen künstlerischen Interessen 

arbeiten könnten, nachdem sie 

den Publikumsgeschmack erfolgreich 

trainiert hätten. Unter den kanadischen 

Teilnehmern war die deutlichste Trennung 

wieder die nach regionalen Unterschieden: 

Für einige schien immer 

noch Quebec der fruchtbarste Boden zu 

sein, um ein interessiertes Stammpublikum 

für herausfordernde Vorstellungen 

heranzuziehen. Andere sprachen der 

Region die Toleranz für ein so genanntes 

„gefährliches“ Theater ab. Es schien 

jedenfalls, dass die meisten Kanadier etwas 

erstaunt über die relativ starke und 

andauernde Bindung waren, die einige 

der deutschen Theater offenbar mit ihrem 

Publikum aufrechterhalten. 

Als einen der wertvollsten Einblicke 

empfand ich es, die Parallele im aktuellen 

Trend beider Länder zu beobachten, 

einen Erzähler als strukturierendes 

Prinzip für Stücke und Aufführungen 

einzusetzen. Während sich die deutschen 

Teilnehmer zu diesem aktuellen 

Phänomen als einer „Rückkehr“ zum 

Narrativen, nach einer Periode von 

Dekonstruktion und Fragmentierung 

in vorangegangenen Theaterstilen, äußerten, 

definierten die Kanadier diese 

Entwicklung nicht als eine klare Reaktion 

oder Gegenbewegung zu früheren 

Preferenzen. Die kanadische Theatertradition 

sei, so wurde argumentiert, stark 

in der Tradition des Geschichtenerzählens 

verankert und die Hingabe und der 

Glaube an das Narrative als Ausdrucksmittel 

sei bis heute prominent geblieben. 

Einige deutsche Dramaturgen 

erklärten diese Tendenz als Reaktion 

auf die Bedürfnisse des Publikums, das 

in der heutigen Umgebung von Unsicherheiten 

wie schrumpfenden Städten, 

einer älter werdenden Population, 

Werteverlust, dem Rückgang sozialer 

und ökonomischer Netze zunehmend 

nach Koherenz in der Theatererfahrung 

und nach Schlüssen sucht, die wieder 

das Gefühl von Stabilität vermitteln. In 

Bezug auf das schwierige Thema, ob 

offenes Ende, klare Schlussfolgerungen, 

oder irgendetwas wie Erlösung in zeitgenössischen 

Stücken, gingen die Meinungen 

wieder weit auseinander. In 

manchen neuen Produktionen streben 

kanadische Künstler an, überhaupt keinen 

Schluss anzubieten, nicht einmal 

einen Abschluss des Erzählten, um dem 

Publikum die Erlösung vorzuentzuhalten 

und stattdessen eine Leere zu schaffen, 

die vom Rezipienten selbst zu füllen 

ist, auch, um dessen Sinn für das Geheimnisvolle 

zu bewahren. Als die Übertragbarkeit 

Kanadischer Dramatik auf 

deutsche Bühnen diskutiert wurde, trat 

interessanterweise der Unterschied in 

den Ansätzen zu Stückschlüssen wieder 

zutage: Die meisten kanadischen Produktionen 

haben ihre Schlüsse scheinbar 

zu gut definiert, um in die Programmierung 

für zeitgenössische deutsche 

Empfindungen zu passen. (Der Begriff 

„Kitsch“ kam nur in diesem Zusammenhang 

auf.) Dies war in der Tat einer 

der wenigen Momente, wo der dramatische 

Inhalt selbst Thema unseres kulturellen 

Austausches war – was für mich 

persönlich sogar interessanter war als 

Aspekte der Praxis oder Struktur im Vergleich. 

Wenn dieser Fokus für einige von 

uns erst spannend wurde als der Workshop 

sich seinem Ende näherte, können 

wir uns sagen, dass diese Woche ja nur 

der Auftakt eines länger anhaltenden, 

fruchtvollen und bereichernden Austausches 

war. 

Wenn es jetzt so scheint, dass ein 

Großteil des Diskurses, der in diesem 

Raum stattfand, uns die Ähnlichkeiten 

zwischen kanadischer und deutscher 

Theaterpraxis heute aufzeigte, sollen 

hier ein paar der vielen Unterschiede 

aufgezählt werden, die wir „gegenseitig“ 

entdeckten. Ein Aspekt, der sich für 

mich nie wirklich erklärt hat, aber dennoch 

während meines Aufenthaltes in 

Kanada zunehmend evident wurde, ist 

in der Diskussion letzte Woche klar definiert 

worden: Während Deutschlands 

20

dominierende Tradition das Regietheater 

ist, ist es in Kanada das Autorentheater. 

Aus kanadischer Perspektive 

ist dieses Merkmal nur allzu logisch, 

evolutionsbedingt sozusagen: Die Notwendigkeit, 

einen einheimischen kanadischen 

Theaterkanon zu schaffen, 

konnte nur durch die Autoren erfüllt 

werden, die Stücke verfassten und dies 

auch in Zukunft tun würden. Der Autor 

wird als die erste Stufe betrachtet, als 

Stifter; das Herz der Kreation ist die Aufführung 

und die Kunstform ist das Theater. 

Zugegebenermaßen hat das fast 

zeitgleiche Aufkommen des kollektiven 

Schreibens in den 70-er Jahren die Idee 

der Autorität des einzelnen Autors angefochten, 

trotzdem erfreuen sich die Dramatiker 

immer noch eines relativ hoch 

angesehenen Status im System und erhalten 

derzeit die meiste Unterstützung 

innerhalb des kanadischen Theaters. 

Nie zuvor hat hat es eine solche Vielfalt 

an Stückentwicklungsprogrammen und 

Workshop-Angeboten in Kanada gegeben 

wie heute. In Deutschland glaubt 

man, die Aufführung erhalte erst ihr 

volles Potential, wenn der geniale Regisseur 

als Interpret des Stücktextes seine 

ganz eigene Vision hinzufügt. Das mag 

jetzt vereinfacht und generalisierend 

klingen, doch interessanterweise bestätigten 

sich solche „Stereotypen“ in unseren 

Debatten weitgehend. 

In diesem Zusammenhang fasziniert 

mich immer die Frage nach der 

Hierarchie, und sie wurde auch hier 

mehrfach aufgeworfen. Das deutsche 

Stadttheatersystem, ein einzigartiges 

kulturelles Phänomen mit seiner bürokratischen 

Struktur und ideologischen 

Vollmachten, die Stadtbewohner zu 

erziehen und aufzuklären, ist z. B. eine 

Manifestation hierarchischer Ordnung. 

Jeder Beruf hat darin seinen Platz und 

seine Rolle. Zwischen den Funktionen 

zu changieren, kommt extrem selten 

vor und ist schwierig. Nicht so in Kanada: 

Die meisten Autoren haben vorher 

eigene Erfahrungen in anderen Theaterfunktionen 

gemacht, sie waren z. 

B. Schauspieler. Häufig arbeiten Regisseure 

als Dramaturgen, Dramaturgen 

als Schauspieler und Schauspieler gehen 

zur Regie oder zum Schreiben über, 

u.s.w.. Natürlich hat ein Intendant im 

deutschen Theatersystem normalerweise 

auch verschiedene Erfahrungen im 

Theatermachen, sei es als Dramaturg, 

Regisseur oder Autor-Regisseur. Was 

aber dennoch aus kanadischer Sicht als 

ganz besonders empfunden wird, ist 

dass der deutsche Intendant faktisch 

von der Stadt ernannt wird und nicht 

von der Theaterkommune. Dies macht 

natürlich Sinn im Hinblick auf die soziale 

Verantwortung, die die Stadttheater 

– basierend auf den Grundideen 

Lessings und Schillers – als Erziehungsanstalt 

für sich beanspruchen. Nichtsdestotrotz 

steht im Jahre 2006 sowohl 

das Regietheater als auch seine soziale 

Verantwortung erneut zur Debatte. 

Ein anderes Phänomen, das mit 

solchen Traditionen zusammenzuhängen 

scheint, tauchte in den Konversationen 

auf: Die meisten deutschen 

oder europäischen Theaterleute hätten 

es schwer, den kanadischen Textansatz 

als eine Arbeitsgrundlage zu begreifen: 

Während deutsche Regisseure/Dramaturgen 

berüchtigt für ihr skrupelloses 

Streichen und Redigieren von Stücktexten 

sind, um sie an ihre persönliche 

Vision der Produktion anzupassen, wird 

in Kanada dem Text noch weitgehend 

absolute Authorität gewährt. Jedes geänderte 

Wort muss mit dem Autor oder 

dem Verlag abgesprochen werden. In 

Deutschland hingegen ist es Gang und 

Gebe, ganze Abschnitte zu streichen, 

um im Stück ein bestimmtes Problem 

herauszustellen oder um eine neue Perspektive 

auf einen Klassiker zu ermöglichen. 

Die Entdeckung solch entgegengesetzter 

Konventionen rief natürlich 

auf beiden Seiten, Deutschen und Kanadiern, 

erstaunte Reaktionen hervor, 

und für einige eröffnete die Idee, einen 

existierenden Text während des Arbeitsprozesses 

auf seine Bedeutung für eine 

individuelle Produktion hin zu manipulieren, 

eine völlig neue Perspektive auf 

die Performance-Textarbeit. 

Als wir die Vorstellungen beider Länder 

von der Arbeit eines Dramaturgen 

verglichen, kamen wir – erwartungsgemäß 

– auch zu einer Reihe von Differenzen. 

In Bezug auf die Frage, wieviel 

Einfluss ein Dramaturg wirklich auf das 

Profil eines Theaters hat, gingen die 

Meinungen wieder auseinander, besonders 

unter den kanadischen Theaterpraktikern. 

Signifikant für die Arbeit 

eines „typischen“ kanadischen Dramaturgen– 

und das war unter den deutsche 

Kollegen nahezu unbekannt – ist 

die Durchführung von Stückentwicklungsprogrammen, 

deren Hauptcharakteristikum 

Autorenworkshops sind. 

Die Idee, eine große Menge verschiedener 

Stückentwürfe zu entwickeln, 

was durch den Workshopprozess in der 

kanadischen Tradition quasi bedingt 

ist, war für einige deutsche Teilnehmer 

schwer vorstellbar und erschien sogar 

als kontraproduktiv. Dass das unfertige 

Stück fortlaufend mit dem zuständigen 

Dramaturgen diskutiert wird, wobei sogar 

Schauspieler involviert sind, spricht 

wieder für die derzeitige Tendenz in Kanada, 

den Prozess über das Resultat zu 

stellen. Heutzutage ist für kanadische 

Autoren eine langfristige Arbeitsbeziehung 

entweder mit einem Dramaturgen 

oder einem Regisseur und die Ideenentwicklung 

für ein Stück über eine oder 

mehrere Workshopproduktionen bis zur 

Endfassung fast die Norm. Das heißt, 

dass Aspekte der Aufführung eine integrale 

Rolle bei der Entstehung des Endprodukts 

spielen können, seien es Einwürfe 

des Dramaturgen, Interpretatioen 

oder Improvisationen der Schauspieler, 

die Choreographie oder Elemente der 

Spielstätte oder des Bühnenbilds. Langfristige 

Arbeitsbeziehungen zwischen 

Autoren und Dramaturgen oder Regisseuren 

existieren genauso in Deutschland, 

doch der Fokus scheint hier eher 

auf der Entwicklung des Gesamtwerks 

bzw. des Profils eines Autors zu liegen 

als auf einem speziellen Stück. Die Konzentration 

auf Einzelstücke spielt eher 

in der Beziehung zwischen dem Autor 

und dem Lektor des Verlages, der das 

Werk vertreibt, eine Rolle. Das ziemlich 

komplexe System sogenannter Bühnenverlage 

und ihrer dazugehörigen Dramaturgen, 

die die Arbeitsbeziehungen 

mit Dramatikern unterhalten, wurde 


21


der Gruppe am Beispiel des Kiepenheuer 

Bühnenverlags durch dessen Theaterverlagsdramaturgin, 

Anke-Elisabeth See 

nahegebracht. Auf der anderen Seite 

sind nichtproduzierende dramaturgische 

Institutionen wie z. B. das kanadische 

„Nightswimming“ in Deutschland 

völlig unbekannt. Selbst wenn hier 

ein Dramaturg ein anhaltendes Interesse 

für das Werk eines Autoren hat, passiert 

dies sozusagen neben den eigentlichen 

Aufgaben, die ein hausangestellter Dramaturg 

zu erfüllen hat. Das Konzept einer 

Autorenvereinigung oder Autorenlabor 

ist heutzutage sowohl in Kanada 

als auch in Deutschland bekannt. 

Eins der vorhersehbaren Ergebnisse 

unseres Kulturentreffens war der fast 

unvermeidliche Vergleich von Fördermöglichleiten 

für Theater, der Größe 

der Spielstätten und des Publikums. Zugegeben, 

die vier verschiedenen Bühnen 

innerhalb eines Theatergebäudes, 

zu denen wir bei unserem Besuch in 

der Schaubühne geführt wurden, und 

die berühmte, individuell verstellbare 

Hebebühne dort sind auch für deutsche 

Maßstäbe beeindruckend. (Allerdings 

bin ich mir nicht mehr ganz sicher, 

mit welchen kulturellen Maßstäben ich 

Theater in meiner Heimat, Deutschland, 

erfahre...). Insgesamt gab es eine 

Ungleichheit, die sich schlicht aus der 

Höhe öffentlicher Förderung ergab, die 

deutsche Theater, verglichen mit kanadischen 

Zahlen, immer noch erhalten. 

Dennoch schienen nicht alle Vorteile, die 

gemeinhin mit einem gut geförderten 

Theatersystem einhergehen, auch von 

beiden Seiten als solche betrachtet zu 

werden. Die fesselndste Diskussion 

in diesem Kontext war der Vergleich 

von Ensemble- und Repertoiretheater 

mit dem in Kanada sehr verbreiteten 

Gastschauspielersystem und der ensuite? 

Programmierung. Offensichtlich 

erscheint das deutsche Modell vielen 

Theaterpraktikern noch immer als ideale 

Voraussetzung, um in einer sicheren 

und vertrauten Umgebung zu experimentieren, 

eine starke Beziehung zwischen 

Regisseur und Schauspieler aufzubauen 

und der Theatergemeinschaft 

einen soliden Stückekanon zu liefern. 

Diese ist dann eingeladen, sich mit der 

Ideologie des Theaterprofils zu identifizieren, 

indem sie regelmäßig die Repertoirestücke 

besucht. Die Gefahr der 

künstlerischen Stagnation und die unglaublich 

schwere Zugänglichkeit eines 

Repertoiresystems für freie Schauspieler 

erschien den kanadischen Theatermachern 

eher nachteilig. In diesem Punkt 

gab es bei den Teilnehmern beider Kulturtraditionen 

auch Überschneidungen 

in den Vorlieben und Meinungen. 

Folgende Beobachtung, die von einigen 

der deutschen Mitwirkenden im 

Raum gemacht wurde, empfinde ich als 

besonders wichtig für mein eigenes Interesse 

an der Rolle des Theaters im Identitätsbildungsprozess: 

In Deutschland 

erwarten die meisten Theatergänger einen 

ernsthaften Diskurs oder relevante 

Themen, wenn sie ins Theater gehen. 

Über die Unterhaltung hinaus haben 

sie auch das Bedürfnis, herausgefordert 

und zum Denken angeregt zu werden. 

In Kanada hingegen kann ich mich des 

Gefühls nicht erwehren, dass Theater 

als etwas Elitäres angesehen wird, etwas 

wie die Kategorie „Original mit Untertitel“, 

an der sich nur ein kleiner Teil des 

Publikums zu erfreuen weiß. Zahlenmäßig 

mag der Unterschied zu Deutschland 

gar nicht so groß sein, doch der 

Grad, inwieweit Theater auch heute als 

integraler Teil unseres Kulturverständnisses 

akzeptiert wird, scheint mir in 

Deutschland höher zu sein. Durchweg 

verwirrend und ohne Konsensfindung 

im Workshop blieb die Frage, ob Berlin 

nun zu viel Publikum hat, um es ausreichend 

mit Theater zu versorgen oder zu 

viel Theater, um die Zuschauerräume zu 

füllen... 

Auf der Suche nach konkreten Ergebnissen 

dieser inspirierenden Veranstaltung 

kann man zusammenfassend 

sagen, dass es wieder keine Übereinstimmung 

in dem Versuch gab, „einen“ 

kanadischen Dramastil zu definieren. 

Doch es wurden in der Gruppe sehr 

konkrete Schritte vorgestellt, wie diese 

erste Begegnung zu einem weiteren 

fruchtbaren Theateraustausch zwischen 

beiden Ländern genutzt werden kann. 

Wir wurden eingeladen, an der Erweiterung 

des Theaternetzwerks mitzuwirken, 

wodurch mehr solcher Aktivitäten, 

weitere Lernprozesse für beide Seiten 

und vor allem mehr kanadische Dramatik 

auf deutschen Bühnen ermöglicht 

werden. Die Jurymitglieder der 

kanadischen Botschaftsinitiative, die 

neue kanadische Stücke auswählt und 

sie dem deutschen Publikum in Übersetzung 

zugänglich macht, gaben uns 

Auskunft über ihren Auftrag, die Auswahlkriterien 

und die Methodik, mit der 

sie die ersten sechs Stücke ausgewählt 

haben. Dies erinnerte mich wieder an 

meine eigene anfängliche Faszination 

für ausländische Theaterkultur und es 

beeindruckte mich wieder, wie sehr 

sich die Dinge in den letzten Jahren im 

Hinblick auf einen systematischen und 

fruchtbaren Austausch von kanadischen 

und deutschen Ideen über Theater entwickelt 

haben. 

Die stärksten Erinnerungen bei 

solchen Veranstaltungen wie dem 

Workshop in Berlin sind meistens Begegnungen 

mit einzelnen auf einer 

persönlichen Ebene. Für mich waren 

das, bei einem Glas Wein – oder eher 

Berliner Bierspezialitäten – unsere Gespräche 

über die Aufführungen, die 

wir in der Woche sahen. Wesentlich 

textbasiertes Theater mit Leuten zu sehen, 

die die Sprache nicht verstehen, 

ist sehr empfehlendwert! Wir lernen so 

viel über dieselbe Aufführung auf anderen 

Ebenen, die als theatrale Mittel 

außerhalb der Sprache existieren. Was 

immer in solchen Produktionen für die 

kanadischen Gäste hervortrat, was sie 

aus dem Gesehenen machten und wie 

weit sie mit dem Stück ohne deutsche 

Sprachkenntnisse in Berührung traten, 

sagt uns nicht nur etwas über die Aufführung 

selbst, sondern auch darüber 

etwas, wie andere kulturelle und individuelle 

Empfindungen auch andere 

Theatererfahrungen zulassen. Die vier 

Produktionen, die wir sahen, waren alle 

so unterschiedlich, dass sie uns genügend 

Diskussionsmaterial boten und, 

wie jemand betonte, enthielten einige 

passend die Elemente, die nach nordamerikanischen 

Maßstäben als stereo- 

22

type Konventionen für zeitgenössische 

deutsche Regie gelten: massenhaft klebrige 

Flüssigkeiten, die über Schauspieler 

oder Bühnenboden oder vorzugsweise 

über beides ausgegossen werden (Anja 

Hillings „Protection“). Ich stimme damit 

insofern überein als dass es hier um 

einige Merkmale geht, die ich als charakteristisch 

für den deutschen Fokus im 

Theater betrachte, wie z. B. eine spielerische 

Betonung des Texts, gepaart 

mit einem kahlen Bühnenbild und einer 

präzisen Bewegungschoreographie (Michael 

Thalheimers Faust-Produktion), 

eine kreative Nebeneinanderstellung 

von Multimedia, Nicht-Schauspieler- 

Körpern und einer kollageähnlichen 

Annäherung an aktuelle Themen (Rimini 

Protokolls Wallenstein) und natürlich 

Frank Castofs stark polarisierender Stil, 

seine Extravaganzen auf die Bühne zu 

bringen(Endstation Amerika). 

So geht mein herzliches Dankeschön 

an die Organisatoren, Gabriele 

Naumann-Maerten und Andrea Zagorski, 

nicht nur dafür, dass sie diese einzigartige 

Begegnung zwischen scheinbar 

so verschiedenen Kulturen hergestellt 

haben, sondern auch dafür, dass sozusagen 

eine Spielfläche vorhanden war, 

Raum für Reaktionen, Gefühle und den 

Austausch unserer sehr persönlichen 

Abenteuer mit Theater. Welch ein Genuss, 

neben einem unserer Gäste aus 

Kanada im Publikum zu sitzen und ihn 

laut und über die ganze Vorstellung lachen 

zu hören, wo er kein Deutsch versteht 

– das ist es, was in der Woche mit 

Sicherheit meine eigene Wahrnehmung 

von Theater erweitert hat. 

The New Surveillance 

Eine Internationale Konferen mit 

Wissenschaftlern und Künstlern 

In Kooperation von Internationalem 

Theaterinstitut und Technischer Universität 

Berlin fand am 30. November und 

1. Dezember 2006 die Konferenz „The 

New Surveillance“ statt. Das deutsche 

ITI-Zentrum hatte die Konferenz in seine 

Projektreihe „Bewegungsmelder“ 

als ein Modul integriert und konnte auf 

diesem Wege einen äußerst kreativen 

Austausch zwischen Künstlern und Wissenschaftlern 

initiieren. Kontrolle öffentlicher 

Räume und individuellen Verhaltens 

begreift „Bewegungsmelder“ 

konzeptionell als Ausdruck jener gesellschaftlichen 

Prozesse, in denen sich soziale 

und kulturelle Unterschiede in der 

Segmentierung des urbanen Lebensraumes 

bis hin zur Gettoisierung niederschlagen 

und mehr Sicherheit durch die 

Ausgrenzung des Unsicheren erzeugt 

werden soll. Die Auseinandersetzung 

von Künstlern aus Theater und Tanz mit 

derartigen „sozialen Bewegungen“ soll 

das Projekt befördern. Daher nutzte das 

ITI die Konferenz als „ Bewegungsmelder 

Modul_02“ die Chance der Begegnung 

mit internationalen Fachleuten 

auf dem Gebiet der Überwachung und 

gesellschaftlichen Kontrolle für einen 

Wissenstransfer zwischen künstlerischen 

und wissenschaftlichen Zugängen und 

Methoden. 

Wissenschaftler und Künstler aus 

15 Ländern stellten ihre Methoden zur 

Bearbeitung verschiedener Phänomene 

der Überwachung vor – im Zentrum 

stand das Thema Videoüberwachung, 

empirische Beispiele und Diskussion 

gingen aber über diesen Bereich weit 

hinaus. In herausragender Weise inspirierend 

für die anwesenden Künstler – 

denen nach einer Ausschreibung durch 

das ITI die Teilnahme an der Konferenz 

ermöglicht wurde – waren sicherlich die 

Vorträge von Kevin Haggerty (University 

of Alberta, CA), Lucas Introna (Lancester 

University Management School, UK) 

und Didier Bigo (Institut d’etudes politiques 

de Paris, Frankreich). 

Haggerty stellte in seinem Vortrag 

„The Process and Politics of Evaluating 

Surveillance, or Methodology as a Knife 

Fight“ u.a. die Taktiken und Strategien 

vor, mit denen Hersteller und politische 

Befürworter von Überwachungstechnik 

und -maßnahmen bestimmte Studien 

zu Effizienz und Wirksamkeit so bearbeiten, 

dass das gewünschte Ergebnis am 

Ende der Studie erscheint. Lucas Introna 

(„What Surveillance Does: Exploring the 

ethics and politics of algorithmic surveillance 

systems“) führte vor Augen, wie 

die Kategorien von Absicht und Wirkung 

im Zusammenspiel von menschlichem 

Handeln und technischen Möglichkeiten 

überhaupt nicht mehr greifen, wenn die 

Effekte von Überwachungsmaßnahmen 

beschrieben werden sollen. Und Didier 

Bigo beschrieb eine Gegenwart, die von 

der Zukunftsvision aus des Hollywood- 

Blogbusters „Minority Report“ nicht 

weit entfernt ist. Die Gefahr des Terrors 

und die allgegenwärtige Bedrohungen 

sind die großen Erzählungen der Gegenwart 

geworden. Das Bestreben, zukünftige 

Bedrohungen zu verhindern, 

rechtfertigt ein umfassendes System 

der Überwachung und Datensammlung. 

Der Versuch, Profile anzulegen, 

nach denen potentielle Täter im Vorfeld 

erkannt werden können führt zu 

einem beängstigenden System der Verdächtigungen. 

Die Annahme dass der 

Attentäter der Zukunft nicht mehr ein 

dunkelhäutiger Araber zu erkennen ist 

– es gilt immer, auf das Nicht-Erwartete 

vorbereitet zu sein –, sondern als europäische 

Blondine daherkommt, macht 

jeden verdächtig. 

Neben diesem geballten Hintergrundwissen 

waren es insbesondere 

die Fehler und Lücken im System im 

Gegensatz zur vorgespielten Perfektion, 

oder auch die kreativen Momente der 

Theoriebildung und die rein darstellerischen 

Fragen im Interpretieren und 

Verkaufen von wissenschaftlichen Ergebnissen, 

welche für die anwesenden 

Künstler interessant wurden. Welche 

Anregungen sich aus diesen Beiträgen 

– die leider kaum ausführlicher diskutiert 

werden konnten – ergeben, soll ein 

Workshop Anfang nächsten Jahres, zu 

dem der künstlerische Teilnehmerkreis 

der Konferenz wiederum eingeladen 

wird – näher beleuchten. 

Zwischen den wissenschaftlichen 

Beiträgen wurden mit großem Interesse 

die Präsentationen der kanadischen 

Medienkünstlerin Michelle Teran, der 

Berliner Choreografin Isabelle Schad 

und der New Yorker Medien- und Konzeptkünstlerin 

Jill Magid verfolgt. 

Michelle Teran stellte ihre Arbeiten 

im öffentlichen Raum vor, in denen sie 

mit Hilfe eines speziellen Videoempfängers 

Funksignale privater Videokameras 

auf Häuserwänden und Straßen sichtbar 

macht – so dass der private und der 

öffentliche Raum sichtbar werden und 

die Grenzen zwischen physischem und 

sphärischen Raum verschwimmen. 

Isabelle Schad zeigte „SwitchPositionFreezeControl“, 

ein Solostück, in 

dem sie vor einem Monitor, der eine 

Live-Aufnahme ihres Tanzes zeigt, ihren 

Körper, seine Form, Bewegungen zu 

produzieren und die Möglichkeiten, mit 

dem Publikum zu kommunizieren, untersucht. 

Eine spröde Arbeit, die jedoch 

durch die Konstruktion der Beobachtungssituation 

auf der Bühne und im 

Verhältnis zum Publikum eine Vielzahl 

von Assoziationen und Anknüpfungen 

für dieses spezielle Publikum bot. 

Und zeigte Jill Magid Ausschnitte 

aus ihren Videoarbeiten, die teilweise 

in direkter Zusammenarbeit mit Polizeistellen 

und Überwachungsfirmen entstanden 

und in denen sie das System 

der Überwachungskameras benutzt, 

sich im Medium in Szene zu setzen. Weniger 

das Thema „Überwachung und 

Kontrolle“ steht bei ihr im Zentrum des 

Interesses als der Versuch, zu den anonymen 

Autoritäten eine sensibles Verhältnis 

aufzubauen. 

Die Konferenz war ein erster Schritt, 

Wissenschaftler und Künstler an einem 

Ort zusammen zu bringen. In einem 

nächsten Schritt wären die Erfahrungen 

und Anregungen genauer aufzunehmen, 

wäre einem konzentrierten Austausch 

mehr Raum zu widmen. 

Auch soll dieser Text nur ein erster 

Bericht vom Verlauf sein, eine Aufarbeitung 

der Ergebnisse der Konferenz wird 

für das nächste Frühjahr angestrebt. 

www.ztg.tu-berlin.de/surveillance; www. 

iti-germany.de 


23

ITI 

INTERNATIONAL 

31. Weltkongress des Internationalen Theaterinstituts 

in Manila abgeschlossen 

Vom 22. bis 28. Mai fand in Manila 

der 31. Weltkongress des Internationalen 

Theaterinstituts (ITI) statt. Auf Einladung 

des philippinischen Zentrums trafen 

sich die Theaterschaffenden aus 69 

Ländern. Eine Woche lang tagten Regisseure, 

Dramatiker, Theaterwissenschaftler 

und Veranstalter im Plenum und in 

Arbeitsgruppen zu Fragen ihrer internationalen 

Zusammenarbeit und entwickelten 

ihre Projekte – so u.a. zur Theaterarbeit 

in Konfliktgebieten, zum internationalen 

Dramatikerwettbewerb, zum 

internationalen Austausch von jungen 

Theaterleuten und dem Internationalen 

Musiktheaterworkshop. Nachdem sich 

das Internationale Theaterinstitut in den 

letzten Jahren gemeinsam mit anderen 

Nicht-Regierungsorganisationen ganz 

wesentlich für die Ausarbeitung und 

Annahme des UNESCO-Übereinkommens 

zur Kulturellen Vielfalt engagiert 

hat, setzte auch der 31. Weltkongress 

– eröffnet durch Koichiro Matsuura, 

Generaldirektor der UNESCO – seinen 

Schwerpunkt auf die Zusammenarbeit 

des ITI mit der UNESCO und das Wirken 

für die Ziele der Weltorganisation. Der 

Erhalt der Vielfalt der Theatersprachen, 

der Schutz des kulturellen Erbes sowie 

die vielfältigen Formen eines Theaters 

für den sozialen Wandel bestimmten die 

Themen der Kolloquien, Podien und Arbeitsgruppen. 

Grußbotschaften erreichten 

den Kongress auch von Kofi Annan, 

Generalsekretär der Vereinten Nationen 

und von Vaclav Havel. Unter den insgesamt 

11 Beschlüssen zur internationalen 

Zusammenarbeit, die der Kongress 

in seiner Schlusssitzung verabschiedete, 

ist als herausragend die gemeinsame 

Anstrengung des Weltverbandes für die 

Umsetzung der UNESCO-Übereinkunft 

zur Kulturellen Vielfalt zu nennen. Das 

ITI unterstützt alle Bemühungen zur Ratifizierung 

des Übereinkommens in den 

einzelnen Staaten. Durch eine möglichst 

umfassende Sammlung von Informationen 

zur Gefährdung künstlerischer 

Arbeit und der Vielfalt der Theatersprachen 

wird das ITI auch in der Lage sein, 

Verstöße anzuzeigen. Für diese Arbeit 

der weiteren Unterstützung und Beobachtung 

des Ratifizierungsprozesses 

hat das ITI eine Expertengruppe gebildet, 

die mit anderen Netzwerken und 

24 

Nicht-Regierungsorganisationen kooperieren 

wird. Durch die europäischen 

ITI-Zentren wurde zudem eine Note 

eingebracht, die vor den Gefahren von 

Fördermodalitäten warnt, welche – insbesondere 

durch die Förderprogramme 

der EU und zunehmend auch auf nationaler 

Basis – die Förderung der kulturellen 

Netzwerke fast ausschließlich auf 

Projektbasis ausrichten. Die negative 

Folge dieser Praxis, des Abbaus institutioneller 

Strukturen in den Nicht-Regierungsorganisationen, 

ist der unumkehrbare 

Verlust eines über Jahrzehnte 

aufgebauten Know How in der internationalen 

Zusammenarbeit. Im Focus des 

Kongresses standen auch die Mobilität 

und der Austausch junger Künstler. So 

wurde der Kongress von einem internationalen 

Theaterfestival und einem 

Treffen von Schauspielschulen aus aller 

Welt begleitet. Der ITI-Fonds zur Förderung 

der Mobilität junger Theaterleute, 

insbesondere aus der nicht-westlichen 

Welt, wurde inzwischen um 100.000 

Euro aus Mitteln des Spanischen Kulturministeriums 

aufgestockt. Die Delegierten 

waren auch aufgerufen, das 

Präsidium des Weltverbandes zu wählen. 

Dr. Manfred Beilharz, Intendant des 

Hessischen Staatstheaters und Präsident 

des deutschen ITI-Zentrums und seit 

2002 Präsident des weltweiten Theaternetzwerks, 

wurde einstimmig wiedergewählt. 

Ebenso wurden die beiden 

Vize-Präsidenten, Jean Pierre Guingané 

aus Burkina Faso und Ramendu Majumdar 

aus Bangladesh wiedergewählt. 

www.iti-worldwide.org

Die Aufgabenstellung war aufregend. 

Sieben Projektgruppen aus sieben 

Ländern entwickeln jeweils 10 Minuten 

Theater/ Performance über einen Text 

von Borges und gestalten daraus einen 

gemeinsamen Theaterabend. Zu Beginn 

unserer zweiwöchigen Begegnung, 

zeigten die sieben Gruppen jeweils ihre 

10 Minuten Theater / Performance. 

Ein spannender Moment, etwas anzuschauen, 

mit dessen Grundlagen sich 

alle intensiv befasst hatten, und überrascht 

zu werden von den Extrakten, 

den Sichtweisen und den Mitteln der 

Kollegen. Dieser praktische Blick auf ein 

gemeinsames Thema, in seinen unterenge 

Kurven – weites Land – schöne Aussicht 

The Borges Project der NPG in Manila 

schiedlichen Ausführungen, besitzt eine 

ganz eigene Qualität. Wir lernten nicht 

nur unterschiedliche Techniken kennen, 

wie in einem Workshop, sondern die 

Eigenarten in Deutung, Arbeitsprozess 

und Formen. Bei einer von vornherein 

gemeinsamen Arbeit wäre dies so nicht 

erkennbar geworden. Die Qualität des 

ersten Schrittes macht den Zweiten, 

eine gemeinsame Aufführung zu gestalten, 

angenehm schwer. Die Frage, was 

ist das Theater, die Landschaft in der die 

einzelnen Teile ihre Eigenheit bewahren, 

aber doch etwas Gemeinsames, Neues 

schaffen, konnten wir in der zur Verfügung 

stehenden Zeit nicht abschließend 

beantworten. Schnelle Ideen, die die 

sieben Teile quasi durch einen inszenatorischen 

Trick zusammenbinden, würden 

sich gegen einzelne oder mehrere 

dieser Teile richten, das war schnell klar. 

Die Frage, ob sich die Teile überhaupt 

verbinden lassen, möchte ich trotzdem 

mit Ja beantworten. Für den Prolog und 

den Epilog der Aufführung, sind wir darauf 

verfallen die Klänge - in Gesang, 

Instrument und Wort - zu untersuchen 

und haben so einen Weg beschritten, 

der uns mit etwas mehr Zeit weitergeführt 

hätte. Die lockere Aneinanderreihung 

der Teile für die Aufführungen war 

eine unprätentiöse Lösung, dem Stand 

der Arbeit angemessen. Insofern ist das 

Projekt noch nicht abgeschlossen. 

Frank Düwel, Regie deutsche Gruppe 

www.iti-worldwide.org 


Raija-Sinikka Rantala 

wurde Künstlerische Direktorin des ITI 

Auf dem 31. ITI-Weltkongress wurde 

die Nominierung von Raija Sinikka 

Rantala, Regisseurin und Präsidentin 

des finnischen ITI-Zentrums, zur Künstlerischen 

Direktorin des ITI mit großer 

Zustimmung aufgenommen. Mit dieser 

neu geschaffenen Position wird deutlich, 

dass das ITI die künstlerische Qualität 

der Projekte und den ästhetischen 

Diskurs stärker in den Blick nehmen will, 

mit Raija Sinikka Rantala wurde zugleich 

eine Persönlichkeit gewonnen, die mit 

großer Erfahrung im interkulturellen 

Dialog und Respekt vor den sehr unterschiedlichen 

künstlerischen Angängen 

in unterschiedlichen Theaterkulturen 

die Diskussion über künstlerische Fragen 

stimulieren wird. Raija Sinikka Rantala 

war Anfang der 1970er Jahre mit 

der Gründung von Teatterikeskus die 

erste Direktorin einer Dachorganisation 

für die Freie Theatergruppen in Finnland. 

Als Regisseurin an der Finnischen 

Theaterschule (1972-79) baute sie die 

Finnische Theaterakademie mit auf und 

entwickelte die weiterführenden Ausbildungsprogramme 

der Akademie (1980- 

83). In einer Zeit großer sozialer, politischer 

und ökonomischer Umbrüche in 

der finnischen Gesellschaft arbeitete sie 

für zwei große Theaterhäuser, das Theater 

in Lahti (1985-90) und das Stadttheater 

von Helsinki (1991-97). In den 

letzten Jahren arbeitete Rantala als freie 

Regisseurin sowohl in Finnland wie auch 

am Moskauer Künstlertheater, in Luxemburg, 

Peru und in Polen. Solidarität ist 

ein zentraler Begriff ihrer Theaterarbeit, 

und so rief Rantala ihre Künstlerkollegen 

auch zu einem umfassenden Dialog in 

einer immer mehr von Multikulturalität 

und Diversität geprägten Welt auf. „Die 

Menschen sollten Unterschiede nicht 

nur tolerieren, sondern umgekehrt in 

der Andersartigkeit einen menschlichen 

Vorzug sehen. Als Bewohner dieses Planeten 

ist jeder ein Teil der Menschheit, 

und jede Kunst, welche die Achtung vor 

der Würde des Menschen vermittelt, 

sollte uns wichtig sein.“ 

124. ExCom-Sitzung in Paris 

„AKT-ZENT“ 

– Internationales Theaterzentrum Berlin wird 

„Research Centre“ des ITI-UNESCO Theatre Education and 

Training Committee 

Die aktuelle Sitzung des Executive 

Council des ITI, also des Vorstands des 

weltweiten Netzwerks fand - geleitet 

von ITI-Präsident Manfred Beilharz - 

vom 2. bis 4. Dezember in Paris statt. 

Ergebnisse der Tagung werden im nächsten 

impuls-Heft übermittelt. 

General Secretariat of the International 

Theatre Institute, UNESCO, 1 rue Miollis, 

75015 Paris, France. 

Tel. +33 1 45 68 48 80 iti@unesco.org 

Beim diesjährigen Weltkongress des 

Internationalen Theaterinstituts (ITI) 

vom 22. bis 28. Mai in Manila tagten 

Theaterschaffende aus 69 Ländern im 

Plenum und in Arbeitsgruppen zu Fragen 

der internationalen Zusammenarbeit 

und entwickelten Projekte. Dabei 

wurde das internationale Theaterzentrum 

AKT-ZENT in Berlin von dem Komitee 

für Theaterausbildung mit der 

Erforschung neuer Lernmethoden beauftragt. 

AKT-ZENT führt mit seinen 

Partnerorganisationen der European 

Association for Theatre Culture (EATC) 

unter der Leitung von Prof. Jurij Alschitz 

Forschungsprojekte in Europa durch. 

EATC ist der Zusammenschluss der 

internationalen Theaterzentren AKT- 

ZENT, KOINE (Frankreich), PROTEI (Italien) 

und SCUT (Skandinavien), die als 

Stätten des Lernens, Experimentierens 

und Forschens gegründet wurden. Mit 

der Entscheidung für einen Research 

Centre des ITI-UNESCO soll nun der 

Aktionsradius von AKT-ZENT über die 

europäischen Grenzen hinausgehen; 

Ausbildungsprogramme in Asien und 

Afrika sind geplant, wobei das erste Laboratorium 

im Oktober in Burkina Faso 

beginnt. 

www.theatreculture.org 

25


2. Showcase des kroatischen 

Theater 2006 

Immer wieder macht das kroatische 

ITI-Zentrum durch Showcases mit zeitgenössischen 

Produktionen des kroatischen 

Theaters internationale Veranstalter 

auf neueste Trends aufmerksam. 

Ein verführerisches Prinzip – in wenigen 

Tagen gewinnen die einfliegenden Festivalmacher 

einen Überblick über die 

Szene, Künstler könnten vielfach neue 

Kontakte ins Ausland knüpfen. Der 

zweite Showcase dieser Art wurde vom 

12. bis 17. Oktober 2006 ausgerichtet. 

International Culture and 

Arts Week in Nanjing 

(China) 

Vom 27. September bis 09. Oktober 

2006 fand in Nanjing im Gebiet Jiansu 

die erste Internationale Kunst und Kulturwoche 

statt – geprägt durch zahlreiche 

Opern- und Ballettaufführungen. 

Den nationalen Beitrag bildeten drei 

Opern, die von der UNESCO als Meisterwerke 

des immateriellen kulturellen 

Erbes anerkannt sind, die Stücke „Yueji“, 

„Yuju“ und „Kungu“. Das internationale 

Programm prägten das russische 

Ballett „Spartakus“, eine traditionelle 

Koreanische Oper und das irische Show- 

Ballett „Spirit of Dance“. Das ITI wurde 

bei diesem Festival, organisiert durch 

die Kulturabteilung der Gebietsregierung 

von Jiangsu in Zusammenarbeit 

mit dem chinesischen Zentrum des ITI, 

durch seine künstlerische Direktorin Raija-Sinikka 

Rantala und die Generalsekretärin 

Jennifer Walpole vertreten. Nanjing 

ist auch im Gespräch als Austragungsort 

für den nächsten ITI-Weltkongress. Für 

das nächste Jahr ist geplant, die Kunstwoche 

zum Festival Theater der Nationen 

auszubauen. 

Chinese Centre of ITI, (Chinese Theatre 

Assoc.), 52 Dun Siba Tiao, Beijing, 

China. Wang Ling (Int‘l. Coord) 

Tel.: +86 10 8404 3352, 

Fax +86/10/8404 3352 

China_iti@bbn.cn 

Internationales 

Theaterfestival in Kamerun 

Im November 2006 wurde das 15. 

Cameroon International Theatre Meeting 

(RETIC) in Yaounde (Kamerun) 

ausgerichtet. 30 Gruppen aus Afrika, 

Asien und Europa waren beim Fesitval 

vertreten, das sich als Förderung der 

afrikanischen Theaters und junger afrikanischer 

Künstler sowie als Plattform 

für den Austausch zwischen neuen Theaterästhetiken 

und konventionellen dramatischen 

Formen versteht. Erklärtes 

Ziel ist die gleichwertige Wahrnehmung 

des afrikanischen Theaters zwischen den 

Theaterkulturen der Welt. Diesen Zielen 

dienten neben den Aufführungen auch 

eine Ehrung des Dramatikers Léopold 

Sédar Senghor, ein internationales Seminar 

zum Problemfeld der Autorenrechte, 

ein Workshop für Künstlerinnen 

aus Zentral Afrika, eine Treffen von Direktoren 

und künstlerischen Leitern afrikanischer 

Festivals und Veranstaltungen 

für ein breites Publikum. Leider steht 

keine Website zum Programm und den 

nächsten Terminen zur Verfügung, man 

erhält aber Informationen über das ITI 

in Kamerun. 

Ambroise Mbia, ITI Cameroun, BP 8163 

Youndé, Cameroon. Tel. +237 2 769 65 

65, Fax: 237/2 222 1873 

iticameroun@yahoo.fr 

Asian Dance Conference 

2007 

Die dritte Asian Dance Conference 

wird vom 07. bis 12. Februar 2007 in 

Tokio stattfinden. Organisiert vom japanischen 

ITI-Zentrum und unter der 

Schirmherrschaft des ITI international 

Dance Committee stellt die Konferenz 

eine Austauschplattform für Künstler 

in Asien – mit seiner enormen Vielfalt 

an Theaterkulturen, ästhetischen Stilen 

und künstlerischen Handschriften dar. 

iti@topaz.dti.ne.jp 

www.green.dti.ne.jp/~iti 

25. Fadjr Festival in Teheran Das Dramatic Arts Centre (in welchem 

das iranische ITI-Zentrum integriert ist) 

kündigt die 25. Ausgabe des Festivals 

an. Die Organisatoren werden wieder 

15 Produktionen aus dem Ausland und 

Das Fadjr Festival in Teheran gilt als 

Muss für alle, die sich über die aktuelle 

Theaterentwicklung im Iran informieren 

wollen, als Gradmesser für das kulturpolitische 

Toleranzpotential der Mächtigen 

und als bedeutende Plattform für den 

Kulturaustausch mit dem Nahen Osten. 

40 Iranische Neu-Produktionen zeigen, 

sowie Seminare und Workshops anbieten. 

Der geplante Zeitraum wird vom 8. 

bis 17. Januar 2007 sein. 

Dramatic Arts Centre, International Affairs 

Office, Vahdat Hall, Ostad Shahryar 

St. Hafez Ave., Teheran, Iran, 

Tel. +98 21 66708861 

Internationales Seminar 

zu Drama und Religion 

in Teheran 

Das Dramatic Arts Centre in Teheran 

wird in Kooperation mit der Fakultät für 

Theater und Musik der Universität Teheran 

ein Internationales Seminar zu „Drama 

und Religion“ veranstalten und ruft 

im Herbst 2006 zur Einsendung von Beiträgen 

auf. Das Treffen soll der Debatte 

über die Rolle der Religion im kreativen 

Prozess und in der Entwicklung der dramatischen 

Kunst, ihren gegenseitigen 

Einfluss im Laufe der Theatergeschichte 

und der Diskussion über und die Rolle 

des Theaters in der Gegenwart dienen. 

Konferiert wird in englischer und persischer 

Sprache, die einzureichenden 

Abstracts sollten in Englisch oder in Persisch 

verfasst sein. 

Iranian Centre of ITI, Vahdat Hall, Ostad 

Shahryar, Av. Hafez, Teheran, Iran. Tel. 

+98 21 670 88 61, +98 21 672 6478 

Fax +98 21 6725316 iraniti@neda.net, 

majidsarsangi@yahoo.com 

26

Keine Stücke in englischer 

Sprache 

Ein internationales Panorama des 

zeitgenössischen Theaters plant das 

griechische Zentrum des ITI für Februar 

2007 und wird – entgegen dem Trend 

zur globalen Verkehrssprache Englisch 

auch unter Künstlern und in den Künsten 

– Stücke präsentieren, die keinesfalls 

in Englisch, sondern am besten in 

der Sprache einer Minderheit aufgeführt 

werden. Festivaldirektorin ist Olga 

Pozeli. 

itigr@otenet.gr 

Kooperation der ITI-Zentren 

in Bangladesh, Indien, Nepal und Pakistan 

Seit einigen Jahren kooperieren die 

ITI-Zentren Bangladesh, Indien und Nepal 

in gemeinsamen Festivals oder auch 

im Workshop „My Unknown Enemy“ 

(2004). Seit diesem Jahr existiert auch 

ein Zentrum in Pakistan. Gemeinsam 

wird nun die erste Begegnung der Ausbildungsreihe 

„Encountering Images“ 

in Zusammenarbeit mit dem Theatre 

Education and Training Committee des 

ITI ausgerichtet. Lokaler Veranstalter ist 

das ITI Bangladesh, welches zum großen 

Teil mit privaten Mitteln diese Begegnung 

junger Theaterleute fördert. 

Bangladesh Centre of the ITI, 

Dhaka Chamber Building (6th Floor) 

65-66 Motijheel C. A., 

Dhaka 1000, Bangladesh. 

Tel. +880 2 956 23 80, 

Tel. +880 2 956 83 26, 

Fax: +880 2 956 08 82 

iti@adexpressions.com 


Offizielle Eröffnung eines 

Theaterzentrums im Tschad 

In N’Djamena (Tschad) ist das THE- 

MACULT Cultural Centre durch die 

Company des Maoundoh-culture Theatre 

offiziell eröffnet worden. Das Haus, 

das in einem Arbeiterviertel gelegen ist, 

bietet mit seiner Open-Air-Theaterarena 

Raum für Aufführungen, Proben, öffentliche 

Veranstaltungen und Workshops. 

Chad Centre of the ITI, B.P. 4330 

N’Djamena, Chad.’ 

Tel. +235 5172 83, 

Fax: +235 51 77 05 

themacult@yahoo.fr 

Theaterausbildung 

in Burkina Faso 

Von März 2006 bis Oktober 2007 

läuft die Workshop-Reihe, die vom 

Centre for Training and Research in the 

Performing Arts (CFRAV) in Ouagadougou 

(Burkina Faso) und der Leitung von 

Jean-Pierre Guingané, Vize-Präsident 

des ITI ausgerichtet wird. Nachdem im 

Frühjahr 2006 Techniken des Schauspielens, 

Bewegungsarbeit und Afrikanischer 

Tanz auf dem Lehrplan standen, 

gab Raija-Sinikka Rantala im Oktober einen 

Kurs in Social Intervention Theatre. 

Im Frühjahr 2007 werden im Februar 

und Mai die Kurse mit Workshops zu 

Entwicklung von Bühnen-Charakteren, 

zu Licht- und Ton auf der Bühne, zum 

Stimmtraining und der Geschichte des 

Theaters fortgesetzt. Den afrikanischen 

Theatertechniken widmen sich Kurse in 

den Sommermonaten, so zu Storytelling 

und Afrikanischem Trommeln. Auch an 

die Brotjobs der Theaterleute auf dem 

afrikanischen Kontinent wird gedacht: 

im Herbst lautet der Schwerpunkt: der 

Schauspieler und die Kamera. 

African Regional Office for ITI, 01 BP 

5743, Oagadougou 01, Burkina Faso. Tel. 

/ Fax: +226 50 36 59 42, 

espacegambidi@yahoo.fr 

„Der Laden des Goldschmieds“, Inszenierung des Euro Theater Central 

27

Meldungen 

KULTURPOLITIK UND 

THEATERLANDSCHAFT 

25 Jahre THEATER AN DER RUHR 

Am 19. November 1981 begann die 

künstlerische Arbeit des Theater an der Ruhr 

mit einem Skandal: „Lulu“ von Frank Wedekind 

hatte Premiere und ein solcher Umgang 

mit einem wichtigen Stück war das damalige 

Publikum nicht gewohnt. Skandalös empfunden 

wurde, dass sich sämtliche Erwartungen 

an die Aufführung nicht einlösten. Szenen 

ohne Text erzählten von der Welt. Die Gegenwart 

grundierte das Stück, ohne im Text 

benannt zu werden – so dass sich viele Zuschauer 

in ihrer Wahrnehmung irritiert sahen. 

Diese Aufführung war der erste Schritt zur 

Entwicklung einer ästhetischen Autonomie, 

um das Theater aus der Fesselung durch die 

Literatur zu befreien. Es war auch der erste 

große Auftritt von Gordana Kosanovic, die in 

den ersten fünf Jahren die Arbeit des Theater 

an der Ruhr stark mitgeprägt hat und die am 

08. August 1986 verstarb. Ihr zum Gedächtnis 

vergibt der Förderverein des Theater an 

der Ruhr seit 1987 zweijährig den Gordana- 

Kosanovic-Schauspielerpreis. Am 19. November 

2006 wurde dieser Preis an Karin Neuhäuser 

verliehen. Frank Raddatz stellte sein 

Buch „Die Botschafter der Sphinx“ über die 

künstlerische Arbeit des Theater an der Ruhr 

erstmals vor. Die iranische Schauspielerin 

und Regisseurin Narges Hashempour, 2001 

Preisträgerin des Gordana-Kosanovic-Schauspielerpreises, 

brachte ihr Stück „Songs for 

Her“ zur Uraufführung. 

Berliner Operstiftung in der Diskussion 

Nach der Neubildung des Berliner Senats 

– wonach der Regierende Bürgermeister der 

deutschen Hauptstadt zugleich Kultursenator 

wird – befindet sich die Berliner Opernstiftung 

mit dem Rücktritt des Generaldirektors 

der Opernstiftung, Michael Schindhelmnund 

der Debatte um neue Konzepte nicht eben 

in leichtem Fahrwasser. Kultursenator Flierl 

hatte die Opernstiftung 2004 ohne das nötige 

Führungspersonal auf den Weg gebracht, 

Schindhelm kam erst nach einer Übergangsphase, 

in der er das Theater Basel weiter 

führte, nach Berlin. Schindhelms Pläne zur 

Reform der Opernstiftung, für die er mehr 

Zeit gefordert hatte, kommen nun neu in die 

Diskussion – zu der auch das mögliche Ende 

der Stiftung, die Schließung eines Opernhauses 

oder die Fusion zweier Häuser gehört. 

Die Veränderungsvorschläge kamen nach 

drei Jahren Opernstiftung allerdings auch zu 

spät, um die enormen Absenkungen von 17 

Millionen Euro bis 2009 erreichen zu können. 

Schindhelms Plan, die Deutsche Oper 

zukünftig nach dem Stagione-Betrieb zu führen 

wird nun diskutiert. Der von Wowereit 

favorisierte Plan sieht aber die Übernahme 

der Staatsoper durch den Bund vor. 

Die Unesco-Konvention über den 

Schutz und die Förderung der Vielfalt 

kultureller Ausdrucksformen wird in 

deutsches Recht umgesetzt. 

Die Unesco-Konvention über den Schutz 

und die Förderung der Vielfalt kultureller 

Ausdrucksformen wird in deutsches Recht 

umgesetzt. Das Bundeskabinett hat einen 

entsprechenden Gesetzentwurf beschlossen. 

Das Unesco-Übereinkommen zum Schutz 

kultureller Vielfalt wird das Recht der beigetretenen 

Vertragsstaaten auf eine eigenständige 

Kulturpolitik völkerrechtlich bestätigen. 

Notwendig wird dies, da durch das Allgemeine 

Abkommen zum Handel mit Dienstleistungen 

(GATS) der Handel mit Dienstleistungen 

zunehmend liberalisiert wird – mit 

Auswirkungen auch auf den Kultur- und 

Bildungsbereich. Die Unesco-Vertragsstaaten 

erkennen in ihrem Übereinkommen die Dop- 

28

pelnatur kultureller Aktivitäten, Güter und 

Dienstleistungen an. Sie betonen, dass diese 

aber keinesfalls nur unter wirtschaftlichen 

Gesichtspunkten gesehen werden können. 

Kernstück des Übereinkommens ist daher das 

Recht eines jeden Staates, regulierende und 

finanzielle Maßnahmen zu ergreifen, um die 

Vielfalt der kulturellen Ausdrucksformen auf 

seinem Staatsgebiet zu schützen. Die 33. 

Unesco-Generalkonferenz hat die Unesco- 

Konvention zum Schutz der kulturellen Vielfalt 

am 20. Oktober 2005 mit 148 zu zwei 

Stimmen beschlossen. Deutschland gehörte 

auf der Konferenz zu den stärksten Befürwortern. 

Derzeit sind bereits zehn Staaten 

der Konvention beigetreten. Mindestens 30 

Staaten müssen sie ratifizieren, damit sie in 

Kraft tritt. „Es kommt nunmehr darauf an“, 

so der Kulturstaatsminister, „dass die Unesco- 

Konvention von den Mitgliedsstaaten der 

Europäischen Union rasch ratifiziert wird.“ 

Nach der Bundesregierung entscheidet nun 

der Bundestag über den Gesetzentwurf zur 

Umsetzung des Unesco-Übereinkommens. 

www.bundesregierung.de 

Mehr Finanzmittel für Auswärtige 

Kultur- und Bildungspolitik 

Die Zusage von 13,5 Mio. Euro zusätzlicher 

institutioneller Mittel durch den Haushaltsausschuss 

des Deutschen Bundestages 

für das Goethe-Institut ermöglicht einerseits, 

das bestehende Netz des Goethe-Instituts zu 

erhalten, andererseits aber auch die deutsche 

Präsenz in Wachstumsregionen zu stärken. 

Das Auswärtige Amt und das Goethe-Institut 

haben in den letzten Monaten gemeinsam 

an einem Reformkonzept gearbeitet, um das 

Goethe-Institut als Gesicht und Stimme der 

Auswärtigen Kulturpolitik zukunftsfähig aufzustellen. 

Ein ebenso positives Signal für die 

deutsche Auswärtige Kultur- und Bildungspolitik 

ist die Erhöhung der Förderung des 

deutschen Auslandsschulwesens um 1 Mio. 

Euro. 

Theaterstatistik 2004/05 

Zum 40. Mal ist die vom Bühnenverein 

herausgegebene Theaterstatistik mit den 

wichtigsten Daten der Theater und Orchester 

in Deutschland, Österreich und Schweiz 

erschienen. Die öffentlich getragenen Theater 

in Deutschland mussten auch in der Spielzeit 

2004/05 wieder Zuschusskürzungen 

verkraften. Erneut sind die Zuweisungen 

der öffentlichen Hand für die Theater- und 

Orchesterbetriebe gesunken. Zwar stiegen 

die Zuweisungen der Länder um knapp 4 

Millionen Euro (2003/04 hatten die Länder 

um 12,7 Millionen Euro reduziert), die 

Kommunen verringerten ihr finanzielles Engagement 

jedoch um mehr als 40 Millionen 

Euro (2003/04 war im kommunalen Bereich 

bereits eine Kürzung um 30,7 Millionen Euro 

erfolgt). Diese Kürzungen konnten wie in 

den vergangenen Jahren nur durch weiteren 

Personalabbau aufgefangen werden. 265 

Beschäftigungsverhältnisse wurden in der 

Spielzeit 2004/2005 abgebaut. Dieser Personalabbau 

geht zunehmend an die Substanz. 

Erneut zeigt sich dies an einem Rückgang 

der Veranstaltungszahlen. Nachdem in der 

letzten Spielzeit 800 Veranstaltungen weniger 

stattfanden, reduzierte sich 2004/05 die 

Veranstaltungszahl um 1.236 auf 62.675. 

Das entspricht einem Minus von etwa 1,9 

Prozent. Die Zahl der Inszenierungen an den 

öffentlich getragenen Theatern hingegen 

blieb mit 4.629 weitgehend konstant. „Dies 

zeigt, wie sehr sich die Theater und Orchester 

bemühen, trotz geringerer öffentlicher 

Finanzierung ein vielseitiges künstlerisches 

Angebot aufrechtzuerhalten“, so Rolf Bolwin, 

Direktor des Deutschen Bühnenvereins, 

heute in Köln. Da in diesem Jahr deutlich weniger 

Privattheater und Musicalhäuser ihre 

Daten zur Verfügung gestellt haben, hat sich 

die Besucherzahl der Privattheater in dieser 

Statistik von ca.11,8 Millionen auf rund 9,9 

Millionen Besucher reduziert. Insgesamt erreichten 

damit die deutschen Theater-, Orchester- 

und Festspielunternehmen in der 

Spielzeit 2004/2005 rund 33,2 Millionen 

Besucher (im Vorjahr 35,6 Millionen). Davon 

entfielen rund 19,14 Millionen auf die öffentlich 

getragenen Theater (im Vorjahr 19,6 

Millionen), etwa 2,6 Millionen Besucher auf 

die selbstständigen Kulturorchester (im Vorjahr 

2,7 Millionen), und rund 1,6 Millionen 

Besucher (im Vorjahr 1,5 Millionen) sahen 

Vorstellungen der Festspielunternehmen. 

Erfreuliches ist beim Einspielergebnis zu vermelden: 

Die Theater und Orchesterbetriebe 

waren in der Spielzeit weiterhin ökonomisch 

erfolgreich. Das Einspielergebnis, also der 

Anteil der Einnahmen, die durch die Theater 

selbst erwirtschaftet wurden, erreichte in der 

Spielzeit 2004/2005 17 Prozent. Im Vorjahr 

waren es 16,3 Prozent, wobei die Steigerung 

teilweise auf eine veränderte Berechnungsweise 

zurückzuführen ist. 

Akademie Musiktheater heute nimmt 

15 neue Stipendiaten auf 

Das zweijährige Förderprogramm unterstützt 

erstmals auch Komponisten. Im 

Frankfurter Künstlerhaus Mousonturm wurden 

15 neue Stipendiaten in das Förderprogramm 

der Akademie Musiktheater heute 

aufgenommen. Eine zehnköpfige Jury wählte 

aus knapp hundert Bewerbern jeweils vier 

junge Regisseure und Dirigenten, drei Dramaturgen, 

zwei Intendanten sowie erstmals 

auch zwei Komponisten aus. Welche Impulse 

braucht das Musiktheater der Gegenwart? 

Wohin entwickelt sich die Kunstform Oper, 

welche gesellschaftliche Relevanz hat sie 

überhaupt? Die fünfzehn neuen Stipendiaten 

der Akademie Musiktheater heute werden 

diese und andere wichtige Fragen in den 

nächsten zwei Jahren gemeinsam mit ihren 

Mitstudenten sowie mit vielen anderen Verantwortlichen 

im Musiktheater-Bereich diskutieren. 

Die Akademie Musiktheater heute 

ist ein 2001 gegründetes Projekt der Deutsche 

Bank Stiftung für angehende Führungskräfte 

des Opernbetriebs. Die Stipendiaten 

besuchen herausragende Operninszenierungen 

der Saison, treffen die Macher von 

heute zu Hintergrundgesprächen und erarbeiten 

in Workshops eigene Positionen zu 

Fragen des gegenwärtigen Opernbetriebs. 

In diesem Jahr wurden erstmals auch junge 

Komponisten in das Programm aufgenommen. 

„Die Akademie Musiktheater heute 

ist nicht nur ein herausragendes Projekt der 

künstlerischen Nachwuchsförderung der 

Deutsche Bank Stiftung - wir verstehen sie 

auch im Sinne einer Weiterentwicklung der 

Kunstform Oper“, erklärt Michael Münch, 

Vorstand der Stiftung. „Deshalb haben wir in 

diesem Jahr erstmals auch Komponisten aufgenommen. 

Das Musiktheater von morgen 

braucht engagierte, junge Menschen, die 

sich auf ihre Weise mit ihm auseinandersetzen. 

Da stellt sich auch die Frage nach zeitgenössischer 

Opernliteratur: Welche Musik 

ist geeignet, die Oper heute lebendig und 

aktuell zu gestalten? Und wie kann man das 

Publikum an diese Musik heranführen?“ 

Deutsche Bank Stiftung / 

Akademie Musiktheater heute 

Laura Krautkrämer. 

Tel. + 49 (0) 6171-92 33 90 

laura.krautkraemer@db.com 

www.musiktheater-heute.org 

Das Kuratorium des Fonds 

Darstellende Künste fördert 

62 Projekte Freier Tanz- und Theatergruppen 

mit 538.270 EURO 

Der Fonds Darstellende Künste, der seine 

Zuwendungen in Höhe von 1.000.000 Euro 

von der Kulturstiftung des Bundes erhält, 

vergab in seiner zweiten Kuratoriumssitzung 

2006 insgesamt 538.270 Euro zur Förderung 

von 62 herausragenden Projekten aller Sparten 

der darstellenden Künste, die sich durch 

ihre besondere Qualität auszeichnen, von 

gesamtstaatlicher Bedeutung sind und zur 

künstlerischen Weiterentwicklung der darstellenden 

Künste beitragen. Dazu gehören 

vier Sonderprojekte „OSTEUROPA“, die in 

Kooperation zwischen deutschen und osteuropäischen 

Künstlerinnen und Künstlern entstehen 

und außergewöhnliche Projekte für 

Kinder und Jugendliche zum Ziel haben. Das 

Motto dieses zweiten Sonderprojektes des 

Fonds lautet: „Zuschauer von heute, Gestalter 

von morgen - für die Zukunft Europas“ 

Nächster Abgabeschluss für Projektanträge 

ist der 1. Februar 2007. 

Günter Jeschonnek, 

Geschäftsführer Fonds Darstellende Künste, 

Weberstraße 59a, 53113 Bonn. 

Tel. 0228 280 48-57/-58, 

Fax 0228 280 48-59 

info@fonds-daku.de 

www.fonds-daku.de 

Forsythe-Performance «Human Writes» 

im Festspielhaus Hellerau 

Nach der feierlichen Eröffnung des renovierten 

Festspielhauses Hellerau im Dresdner 

Norden fand in der sanierten Spielstätte die 

Deutschlandpremiere der Tanzperformance 

«Human Writes» des US-amerikanischen 

Choreografen William Forsythe statt. Die 

Aufführung ist das Eröffnungsstück und zugleich 

der Beginn des festen Engagements 

der Forsythe-Company in Dresden. In der 

Vergangenheit war die Truppe bereits mehrmals 

zu Gastspielen angereist. Das Premierenstück 

befasst sich mit individuellen und 

gesellschaftlichen Grundregeln und nimmt 

dabei Bezug auf die Veröffentlichung der 

«Allgemeinen Erklärung der Menschenrechte» 

durch die Vollversammlung der Vereinten 

Nationen (UNO). „Human Writes“ 

ist eine performative Installation, die nach 

Angaben der Tanzcompany sowohl die Geschichte 

der Menschenrechte als auch die 

Schwierigkeiten ihrer Erfüllung reflektieren 

soll. Das Festspielhaus Hellerau wurde seit 

2004 umfassend erneuert und erhielt unter 

anderem neue Haus- und Bühnentechnik. 

Der Zuschauerraum bietet Platz für bis zu 

600 Personen. Die Arbeiten kosteten insgesamt 

11,5 Millionen Euro. Bis Ende des Jahres 

sind 63 Veranstaltungen in der sanierten Aufführungsstätte 

geplant. Der 1911 von Heinrich 

Tessenow konzipierte Bau ist fortan dem 

Meldungen 

29

Meldungen 

Europäischen Zentrum der Künste Hellerau 

unter der Intendanz von Udo Zimmermann 

angegliedert. Das Festspielhaus Hellerau galt 

bis zum Ersten Weltkrieg als europaweit bedeutendes 

Zentrum der Moderne. Allein 

zwischen 1911 und 1914 hielten sich dort 

zahlreiche Größen der europäischen Kulturelite 

auf, darunter der Architekt Le Corbusier, 

die Schriftsteller Franz Kafka, Rainer Maria 

Rilke, Gerhart Hauptmann und Stefan Zweig, 

die Komponisten Sergej Rachmaninow und 

Ferruccio Busoni sowie die Maler Oskar Kokoschka 

und Emil Nolde. Das Festspielhaus 

ist Teil der 1909 gegründeten Gartenstadt 

Hellerau. 1939 bauten die Nationalsozialisten 

das Festspielgelände zur Polizeischule 

um. 1945 zog die Rote Arme auf das Gelände. 

Nach 1992 wurde das stark beschädigte 

Festspielhaus nach und nach wieder für kulturelle 

Zwecke genutzt. 

Europäisches Zentrum der Künste / Kunstforum 

Hellerau, Karl-Liebknecht-Strasse 56, 01109 

Dresden. Tel. +49 (0) 351 26462 0 

www.kunstforumhellerau.de 

Frankfurter Autorenforum für Kinderund 

Jugendtheater 2006 

Welche künstlerischen Prozesse sind notwendig, 

ein Theaterstück zu schreiben? Diese 

und andere Fragen wurden auf dem Frankfurter 

Autorenforum für Kinder- und Jugendtheater 

vom 30.11. – 2.12.06 diskutiert. Zu der 

renommierten Veranstaltung des Kinder- und 

Jugendtheaterzentrums in der Bundesrepublik 

Deutschland waren 16 Dramatikerinnen 

und Dramatiker – u.a. die Nominierten für 

den Deutschen Kindertheaterpreis und den 

Deutschen Jugendtheaterpreis 2006 – sowie 

weitere Referenten eingeladen. 150 Besucher 

aus dem In- und Ausland folgten den 

Lesungen und Gesprächen und hatten die 

Möglichkeit, die neuen Stücke und Stückprozesse 

zu diskutieren. Am Donnerstag, 30.11. 

fand im Rahmen des Forums die Verleihung 

des Deutschen Kinder- und des Deutschen 

Jugendtheaterpreises 06 statt. 

Kinder- und Jugendtheaterzentrum in der Bundesrepublik 

Deutschland 

Henning Fangauf, Schützenstraße 12, 

60311 Frankfurt am Main. 

Tel. +49 69 296661 

h.fangauf@kjtz.de www.kjtz.de 

Rauchen muss sein Ṛ 

Zur aktuellen Gesundheitsdebatte hat 

sich nun auch der Deutsche Bühnenverein 

geäußert und die Bundesregierung gemahnt: 

Die Absicht, in Theatern ein generelles 

Rauchverbot gesetzlich vorzuschreiben, wäre 

rechtlich nicht haltbar. In vielen Dramen ist 

das Rauchen Bestandteil der Regieanweisung 

des Autors. Das gilt beispielsweise für Ibsens 

„Nora“ oder die Tschechow-Stücke „Onkel 

Wanja“ und „Die Möwe“. Es kann per Gesetz 

nicht vorgeschrieben werden, dass ein 

Werk für eine Aufführung verändert werden 

muss. Das gilt erst recht, wenn es noch urheberrechtlich 

geschützt ist, wie etwa Moritz 

Rinkes „Die Optimisten“, in dem einer der 

Protagonisten (Nick) dem anderen (Kraus) 

eine brennende Zigarette ausdrückt und sagt: 

„Wenn du heute noch eine rauchst, bring 

ich dich um“. In George Taboris Stück „Die 

Brecht-Akte“ zündet sich Brecht eine Zigarre 

an. Das Rauchen ist also – oft auch durch die 

Regie – ein im Theater immer wieder eingesetztes 

Stilmittel. Dies zeigt zum Beispiel die 

von Jürgen Gosch erarbeitete Inszenierung 

des Schimmelpfennig-Stücks „Ambrosia“, 

die kürzlich am Deutschen Theater in Berlin 

Premiere hatte. Der Regieanweisung dieses 

Stückes entsprechend („Auf der Bühne wird 

ununterbrochen geraucht und getrunken.“) 

ist das Kettenrauchen Teil des dargestellten 

Absturzes eines bürgerlichen Mittelstandes, 

der jegliche Hoffnung aufgegeben hat. „Die 

Kunstfreiheit gebietet für das Rauchen auf 

der Bühne gesetzliche Sonderregelungen“, 

mahnte der Direktor des Bühnenvereins, Rolf 

Bolwin, in Köln an. 


Glauben - ein Thema für das Theater 

„Glauben“ war das Thema der Fachtagung 

des Arbeitskreises Kirche und Theater 

in der EKD in Kooperation mit der Bundesakademie 

für kulturelle Bildung Wolfenbüttel 

und der Bundesarbeitsgemeinschaft Spiel 

und Theater. Auf den deutschen Bühnen haben 

die Bibel, die Zehn Gebote, das Thema 

Glauben in den letzten Spielzeiten häufig 

Vorlagen für Inszenierungen geliefert. Der 

Glauben findet in den darstellenden Künsten 

Ausdruck als Ethik und als seelische Befindlichkeit. 

Religiöse Erfahrungen und religiöses 

Wissen werden lebendig, auf freiwillige und 

undogmatische Weise. Zeigt sich darin die 

Sehnsucht nach Spiritualität, der es nicht 

nur um Selbstverwirklichung geht, sondern 

auch um Kritik an Lebensgestaltungen, die 

ohne Religiosität und Spiritualität auszukommen 

versuchen? Ist es die Suche nach Orientierung, 

nach Werten, nach Sinn und gelingendem 

Leben angesichts bedrängender 

persönlicher und gesellschaftlicher Fragen? 

Nicht nur beim Rückgriff auf religiöse Texte 

und Themen begegnen sich Theater und Religion. 

Künstlerische Ästhetik und gerade die 

Ästhetik des Theaters ermöglicht intensive 

sinnliche Erfahrungen, die uns ergreifen und 

auch religiös gedeutet werden können. Sie 

öffnet die Wahrnehmung für das, „was uns 

unbedingt angeht“ (Tillich). Sein und Bedeutung, 

Zeichen und Bezeichnetes werden 

im theatralen Geschehen zusammengeführt 

– eine Erfahrung, die man auch mystisch 

nennen könnte. Manchmal freilich geht das 

nicht ohne Konflikte ab. Welche Bedeutung 

Ästhetik, Sinnlichkeit und Körperlichkeit auch 

in der religiösen Praxis haben, in Liturgie und 

Religionspädagogik, haben die Kirchen schon 

längst erkannt und handeln entsprechend. 

Neben der Bildenden Kunst spielen theaterpädagogische 

Ansätze dabei eine besondere 

Rolle. In der Tagung werden Theatermacher, 

Theaterpädagogen, Autoren und Theologen 

über Ästhetik und religiöse Erfahrung sprechen, 

Praxisbeispiele kritisch betrachten und 

den ästhetisch-religiösen Dialog proben. 

Klaus Hoffmann 

Arbeitskreis Kirche und Theater e.V. in der EKD, 

Simrockstr. 8, 30171 Hannover. 

Tel.0511- 4581799, hoffmann@bag-online.de 

Internationale Konferenz: Kultur und 

Entwicklung – Wege in die Praxis 

Auf der gemeinsamen Konferenz „Kultur 

und Entwicklung – Wege in die Praxis“ 

sollten vom 20. bis 22. November in Berlin 

die Ergebnisse zusammengeführt und konkrete 

Handlungsperspektiven entwickelt 

werden. Höhepunkt war der Vortrag „Cultures 

between Innovation and Tradition: The 

Challenges of Diversity and Distinctiveness“ 

des Stadtentwicklungs-Experten Charles 

Landry. Auf der anschließenden zweitägigen 

Fachkonferenz wurden Arbeitsgruppen und 

Foren gemeinsame Ziele von Entwicklungszusammenarbeit 

und auswärtiger Kulturarbeit 

definieren. Dabei ging es auch darum, 

gemeinsam mit den Vertretern der regionalen 

runden Tische und Experten aus Politik, 

Verwaltung, Wissenschaft, Wirtschaft und 

Medien konkrete Handlungsperspektiven zu 

formulieren. www.goethe.de 

Leitungswechsel bei den Sophiensælen 

Die Berliner Sophiensæle haben eine 

neue Leitung, lange schien offen, wer die 

Nachfolge von Amelie Deuflhard, die als 

Künstlerische Leiterin von Kampnagel nach 

Hamburg wechselt, antreten wird. Die Gesellschafter, 

darunter auch Jochen Sandig 

und Sasha Waltz, die eben in Berlin mit dem 

Radialsystem eine neues Haus für die Künste 

eröffnet haben, ließen lange mit der Entscheidung 

auf sich warten. Nun wird Thomas 

Frank, der neben Deuflhard für das Programm 

der Sophiensæle stand, an das Theater Wien 

wechseln, neue Leiterin wird Heike Albrecht, 

die als Tanzkuratorin am Leipziger LOFFT, als 

Kuratorin des westend-Festivals und zuletzt 

als künstlerische Leiterin der Tanznacht Berlin 

auf sich aufmerksam machte. 

Nachrichten aus Argentinien - zutiefst 

beunruhigend 

Endlich, dreißig Jahre nach Beendigung 

der Militärdiktatur in Argentinien, wird dort 

versucht über diejenigen zu richten, die 

verantwortlich sind für die Entführung von 

Diktaturgegnern, deren Folterung, Vergewaltigung, 

Ermordung und Enteignung derer 

Kleinstkinder in den Jahren 1976 bis 1983. 

Vor neun Tagen, wurde in einem historischen 

Urteil Ex-Polizeichef Etchecolaz zu lebenslanger 

Haft verurteilt, wegen Genozid und 

Verbrechen gegen die Menschenrechte. Am 

Morgen des 18.09. diesen Jahres, am Tag der 

Urteilsverkündung durch das Tribunal N°1 der 

Stadt La Plata, „verschwand“ einer der Hauptzeugen 

der Anklage, Herr Julio López, ohne 

ein Anzeichen über seinen Verbleib zu hinterlassen. 

Ein Umstand, der die Arbeit des Gerichts 

zunächst erschwerte, da in Argentinien 

die Hauptzeugen bei der Verkündung des 

Urteils zugegen sein müssen. Herr Lopez wurde 

im Oktober 1976 von Kräften Etchecolaz` 

entführt und über Jahre in zwei verschiedenen 

Vernichtungslagern in der Provinz Buenos 

Aires festgehalten. Er galt als einer der Tausenden 

von Verschwundenen. Heute ist er 76 

Jahre alt. Acht Tage nach seinem plötzlichen 

Verschwinden lässt sich noch immer nicht sein 

aktueller Aufenthaltsort bestimmen. Mehrere 

Personen, ebenfalls Zeugen, und Organisationen 

zum Schutz der Menschenrechte die 

mit diesem Fall vertraut wurden sind bedroht 

worden. Daher unser Aufruf an die internationalen 

und öffentlichen Medienanstalten, 

dieses neue Verbrechen bekannt, die Öffentlichkeit 

auf die wieder gefährdete Sicherheit 

der argentinischen Bevölkerung aufmerksam 

zu machen und um die Herausgabe der Geisel 

Julio López zu verlangen, in der Hoffnung, 

dass dieser noch am Leben ist. 

Übermittelt von Claudia Billourou 

30

Neue Konstruktion für den Tanz in 

Freiburg und Heidelberg 

Mit Beginn der Spielzeit 2006/2007 

setzten die Theater Freiburg und Heidelberg 

ihre seit 2004/2005 bestehende Zusammenarbeit 

im Bereich des Tanzes fort. Die Intendanten 

Barbara Mundel und Peter Spuhler 

freuen sich, dass es gelungen ist, Joachim 

Schlömer als künstlerischen Leiter und Kurator 

für den Tanz zu gewinnen. Die neu formierte 

Sparte arbeitet als ein Laboratorium 

für Zeitgenössischen Tanz unter dem Namen 

pvc. „pvc ist ein Versuch, zeitgenössischen 

Tanz in Stadttheaterstrukturen auf einer anderen 

Vermittlungsebene neu zu denken“, 

so die Initiatoren. 

Neues Theaterhaus in Potsdam 

Nach 211 Jahren wurde am Freitag, 22. 

September, in Potsdam erstmals wieder ein 

Theater eröffnet. Damit geht für das Ensemble 

des Hans Otto Theaters eine lange Zeit der 

Provisorien und Ersatzspielstätten zu Ende. 

Vom renommierten Kölner Architekten Gottfried 

Böhm entworfen, liegt das an die Sydney 

Oper erinnernde Gebäude direkt am Ufer 

des Tiefen Sees. Eine Anlegestelle für Schiffe 

macht für Gäste aus Potsdam und Berlin auch 

eine Anreise auf dem Wasser möglich. Dies ist 

wohl einzigartig in der deutschen Theaterlandschaft. 

Allerdings kämpften Bauleute und 

Hausherren in den ersten Wochen der Inbetriebnahme 

mit starken Problemen der Akustik. 

Zur Eröffnung waren Bundespräsident 

Horst Köhler sowie der brandenburgische 

Ministerpräsident Matthias Platzeck und Potsdams 

Oberbürgermeister Jann Jakobs zugegen. 

Intendant Uwe Eric Laufenberg empfing 

den Schlüssel des neuen Hauses. 

Radialsystem V 

Berlin hat ein neues Haus für die Künste 

- insbesondere für den (Zeitgenössischen) 

Tanz und die (Alte) Musik. In Berlin wurde das 

Radialsystem V mit einem bunten Programm 

eröffnet. Das neue “Haus für die Künste” 

liegt am Spreeufer nahe dem Ostbahnhof. 

Die künstlerische Leitung des Projektes liegt 

in den Händen von Jochen Sandig, dem Manager 

von Sasha Waltz & Guests und Folkert 

Uhde, dem Manager der Akademie für Alte 

Musik. 

www.radialsystem.de 

Schauspiel Stuttgart ist 

„Theater des Jahres“ - 

38 Kritiker nannten Höhepunkte der 

Saison 2005/06 

Das Schauspiel Stuttgart ist in der diesjährigen 

Kritiker-Umfrage der Zeitschrift 

Theater heute zum „Theater des Jahres“ 

gewählt worden. Hasko Weber ist nach den 

Kritikern der überzeugendste Neustart der 

Saison gelungen. Vor allem in seiner ersten 

Spielzeit 2005/06 konnte die Gesamtleistung 

des Hauses die Kritiker überzeugen. Weber 

mache Theater, das Ästhetik, Aktualität und 

Sinnlichkeit packend und poetisch miteinander 

verbindet. Zu den „Schauspielern des 

Jahres“ wurden Katharine Schüttler für die 

Titelrolle in Thomas Ostermeiers Inszenierung 

der „Hedda Gabler“ und Felix Goeser 

als Platonow in Karin Henkels Tschechow- 

Inszenierung gekürt. Erwähnenswerte Nennungen 

erhielten Sandra Hüller als Dido in 

Sebastian Nüblings „Dido und Aeneas“ und 

Ernst Stötzner als Duncan in der „Inszenierung 

des Jahres“ der „Macbeth“ von Jürgen 

Gosch. In der Kategorie „Kostümbildner/ 

in“ gewannen Johannes Schütz mit seinen 

Arbeiten in Goschs „Macbeth“ und „Drei 

Schwestern“ und Muriel Gerstner in „Dunkel 

lockende Welt“ an den Münchener Kammerspielen. 

Für eben dieses Stück erhielt Händl 

Klaus den Titel „Dramatiker des Jahres“, 

gefolgt von Feridun Zaimoglu und Günter 

Senkel, die mit „Schwarze Jungfrauen“ die 

Kritiker überzeugen konnten. Ausländische 

Dramatiker wurden Biljana Srbljanovic für 

„Heuschrecken“, Neil LaBute für „Wie es so 

läuft“ und „Fettes Schwein“ sowie Simon 

Stephens für „Am Strand der weiten Welt“. 

In der „Nachwuchs“-Kategorie überzeugten 

Katharina Lorenz für ihre Rollen bei Jürgen 

Gosch und Jürgen Vontobel als Nachwuchsregisseur. 

Tanzcompagnie Nord-West zwischen 

Bremen und Oldenburg gegründet 

Markus Müller, Generalintendant des 

Oldenburgischen Staatstheaters und Hans- 

Joachim Frey, designierter Generalintendant 

des Bremer Theaters, stellten im Herbst das 

Konzept der zukünftigen Zusammenarbeit 

beider Häuser im Bereich Tanztheater vor. 

Basis ist eine langfristig angelegte Kooperation 

zwischen der Tanzcompagnie des Oldenburgischen 

Staatstheaters und dem Bremer 

Tanztheater. Die Tanzcompagnie Oldenburg 

und das Bremer Tanztheater gehen jeweils 

von einem eigenständigen künstlerischen 

Profil aus, um sich als zwei gleichgewichtige 

Partner zu begegnen und gemeinsam eine 

starke Doppelcompagnie, die „Tanzcompagnie 

Nord-West“ (Arbeitstitel), zu bilden, die 

als neue, gemeinsame Dachmarke regional, 

aber auch international etabliert werden soll. 

Sowohl in Bremen als auch in Oldenburg werden 

eigenständige Tanzsparten mit jeweils 10 

fest engagierten Tänzerinnen und Tänzern 

bestehen. Die Tanzcompagnie des Oldenburgischen 

Staatstheaters und das Bremer Tanztheater 

arbeiten unter der Leitung eines neu 

geschaffenen Direktoriums an jedem Haus 

mit einem Choreografen in Residenz. Darüber 

hinaus ist die Verpflichtung von Gastchoreografen 

vorgesehen. Geplant sind pro Spielzeit 

jeweils zwei Produktionen in Oldenburg und 

in Bremen sowie eine gemeinsame große 

Produktion mit allen zwanzig Tänzern. Alle 

fünf Neuproduktionen einer Spielzeit werden 

sowohl in Oldenburg als auch in Bremen als 

Repertoire gezeigt. Durch den Austausch der 

Produktionen werden Synergieeffekte sowie 

eine große Vielfalt im Spielplan gewährleistet. 

Als Choreograf in Residenz für die Tanzcompagnie 

des Oldenburgischen Staatstheaters 

wird ab der Spielzeit 2007/08 der Hamburger 

Choreograf Jan Pusch verpflichtet. Analog 

laufen Verhandlungen mit dem Bremer Spartenleiter 

Urs Dietrich für das Bremer Tanztheater. 

Sie werden jeweils eine Choreografie pro 

Spielzeit kreieren und sind darüber hinaus für 

die Zusammenstellung und choreografische 

Betreuung der Ensembles verantwortlich. 

Sie beraten das Direktorium bei der Auswahl 

der Gastchoreografen und der künstlerischen 

Weiterentwicklung der Compagnien. Die Leitung 

der neuen Doppelcompagnie obliegt 

einem zweiköpfigen Direktorium: Direktor 

wird Honne Dohrmann, leitende Dramaturgin 

Dr. Patricia Stöckemann. Das Direktorium 

zeichnet verantwortlich für das Repertoire des 

Ensembles, seine ästhetische Ausrichtung, 

das gemeinsame Budget der neuen Struktur, 

die Verpflichtung der Gastchoreografen und 

die Außenvertretung der Doppelcompagnie. 

Die neue Tanzcompagnie Nord-West (Arbeitstitel) 

untersteht dem Oldenburger Generalintendanten 

Markus Müller sowie dem 

designierten Bremer Generalintendanten 

Hans-Joachim Frey. Die Teilcompagnien Bremer 

Tanztheater und Tanzcompagnie Oldenburg 

bleiben wirtschaftlich ihren jeweiligen 

Häusern angegliedert. Alle Aktivitäten werden 

unter dem eigenständigen Corporate Design 

und auf der eigenen Website der Tanzcompagnie 

Nord-West (Arbeitstitel) kommuniziert. 

Als Gastchoreografen sollen möglichst profilierte 

inund ausländische Künstler verpflichtet 

werden, die dem Tanztheater und dem 

zeitgenössischem Tanz nahe stehen. Wiederaufnahmen 

berühmter Choreografien sind 

denkbar, vorzugsweise von den Originalchoreografen 

neu einstudiert. Die ersten beiden 

Premieren sind für den 19. und 20. Oktober 

2007 vorgesehen. 

Václav Havel – 

Ein Fest zum 70. Geburtstag / 

Ausstellung mit Bühnenbildern 

Mit großem Erfolg ging am 6. und 

7.10.2006 „Václav Havel – Ein Fest zum 70. 

Geburtstag“ über die Bühne des Hauses der 

Berliner Festspiele. Für die Veranstaltung kooperierten 

das Tschechische Zentrum und die 

Berliner Festspiele mit der Robert-Bosch-Stiftung, 

der Dramaturgischen Gesellschaft und 

dem Internationalen Theaterinstitut. Neben 

der Vorstellung von „Kiss You, And Tears“ 

von Mohammad Charmshir, mehreren Podiumsdiskussionen 

– so diskutierte im Panel 

zu „Erfolg und Wirkung Václav Havels’ u.a. 

Manfred Beilharz, Präsident des Internationalen 

Theaterinstituts - und dem Konzert der 

„Plastic People of the Universe“ konnte auch 

die Ausstellung mit Bühnenbildern zu Havel- 

Stücken in der Tschechischen Republik und 

international zahlreiche Besucher begeistern. 

Leider war die Ausstellung in diesem Rahmen 

nur zwei Tage zu sehen, sie steht jedoch für 

weitere Präsentationen beim Tschechischen 

Zentrum zur Verfügung. 

www.czech-berlin.de 

Judith Malina wurde 80 Jahre jung 

Zu Ehren von Judith Malina, der Gründerin 

des legendären Living Theatre, veranstaltete 

die Akademie der Künste am Hanseatenweg 

in Zusammenarbeit mit dem Fonds 

Darstellende Künste und dem Internationalen 

Theaterinstitut sowie den Berliner Regisseuren 

Karin Kaper und Dirk Szuszies im 

Rahmen der Reihe „Hoffnung Theater“ eine 

besondere Geburtstagsgala, die sich weit 

über den Anlass hinaus aktuellen Fragen politischen 

Theaterschaffens widmete. Judith 

Malina zeigte Szenen aus aktuellen Arbeiten, 

dokumentarische Szenen stellten die Zeit, in 

der das Living Theatre in Berlin war, vor. Und 

Peter von Becker diskutierte mit Judith Malina, 

Christoph Schlingensief, Matthias Lilienthal 

und Daniel Wetzel (Rimini-Protokoll). 

Veränderungen bei den ZBF-Agenturen? 

Anfang des Herbstes hatte die Ankündigung, 

die Bundesagentur für Arbeit würde 

ihre Künstlervermittlung in Leipzig und Hamburg 

schließen, Aufregung und Protest aus- 

Meldungen 

31

Meldungen 

gelöst. Im Zuge einer laufenden Reform prüft 

die Bundesagentur für Arbeit (BA) auch, wie 

die Zentralstelle für Arbeitsvermittlung - und 

damit auch der dort angesiedelte Künstlerdienst 

- in Zukunft optimal organisiert werden 

kann. Angesichts der derzeitigen politischen 

Diskussion hat der Vorstand der BA 

beschlossen, grundsätzliche Entscheidungen 

zu diesem Thema erst zu treffen, wenn Beschlüsse 

auf politischer Ebene gefallen sind. 

In die Kritik war der Künstlerdienst der BA 

durch eine Feststellung des Bundesrechnungshofes 

und eine daran anschließende 

Aufforderung des Rechnungsprüfungsausschusses 

des Bundestages gekommen. Bemängelt 

wurde insbesondere die Tatsache, 

dass Künstlerinnen und Künstler durch die 

BA vielfach in selbstständige Engagements 

vermittelt werden. Die BA würde damit über 

ihren gesetzlichen Auftrag hinausgehen. Inzwischen 

verändert sich jedoch die Rechtslage. 

Im Bundestag wird eine Gesetzesinitiative 

mit dem Ziel angestrebt, dass die BA in 

selbstständige Tätigkeiten vermitteln kann, 

da auch Selbstständigkeit ein Ausweg aus Arbeitslosigkeit 

und Leistungsbezug ist. 

Werkstatistik 2004/05 des Deutschen 

Bühnenvereins 

Die Werkstatistik des Deutschen Bühnenvereins 

„Wer spielte was?“, informiert über 

das Gesamtrepertoire des Theaters im deutschen 

Sprachraum für die Spielzeit 2004/05. 

Das Jugendstück „Klamms Krieg“ von Kai 

Hensel, welches sich mit dem aktuellen 

Schulalltag auseinandersetzt, wurde mit 31 

Inszenierungen am häufigsten inszeniert. Die 

meisten Besucher lockte Goethes „Faust“ 

und Stephen Sinclair’s Arbeitslosen-Revue 

„Ladies Nicht“ in jeweils 28 und 27 Inszenierungen 

an. Das Schiller-Jahr spiegelte sich 

auch im Repertoire wider. In Deutschland 

gab es 111 Inszenierungen seiner Werke; die 

meistgespielten Stücke dabei waren „Kabale 

und Liebe“ (25), „Die Räuber“ (18), „Die 

Jungfrau von Orleans“ (12), „Maria Stuart“ 

(11) und „Don Carlos“ (11). Im Musiktheater 

setzten sich mit Mozarts „Zauberflöte“ (45), 

Humperdincks „Hänsel und Gretel“ (25) und 

Bizets „Carmen“ (22) und Opern von Verdi, 

Puccini, Wagner und Rossini als Opernwerke 

des klassischen Repertoires durch. Der Anteil 

der Ur- und Erstaufführungen lag bei 8 

%, und ist damit im Vergleich zum Vorjahr 

um 4% zurückgegangen. Im Bereich des 

Schauspiels ist der Anteil mit 15,9 % stabil 

geblieben. Konkret wurden 32 Opern und 

300 Schauspielwerke ur- bzw. erstaufgeführt. 

Besonders erwähnenswert dabei sind Lukas 

Bärfus’ „Der Bus“ (Thalia Theater Hamburg), 

Peter Handkes „Untertagblues“ (BE) und 

Marius Mayenburgs „Eldorado“ (Schaubühne 

am Lehniner Platz) im Bereich Schauspiel 

und Hans Zenders „Chief Joseph“ (Deutsche 

Staatsoper Berlin), Joachim Hespos’ „iOPAL“ 

(Niedersächsisches Staatstheater Hannover) 

und Toro Takemitsus „My Way of Life“ 

(Deutsche Staatsoper Berlin) im Bereich 

Musiktheater. Die Werkstatistik des Deutschen 

Bühnenvereins umfasst 430 Bühnen in 

Deutschland, Österreich und der Schweiz. 


AUSSCHREIBUNGEN 

Hospitationsprogramm 

Wie in jedem Jahr können sich junge 

Theaterleute aus nicht-westlichen Ländern 

für das Hospitationsprogramm bewerben. 

Dabei handelt es sich in der Regel um Theaterleute, 

die in ihrem Heimatland bereits 

weiter reichende Erfahrungen im Theater 

gesammelt haben und die ihrerseits ihre 

Erfahrungen als Multiplikatoren in der Theaterszene 

weiter tragen. Voraussetzung für die 

Einladung ist die künstlerische Qualifikation 

des Bewerbers. Die Auswahl der Bewerber 

erfolgt in Zusammenarbeit mit ITI-Zentren 

und Zweigstellen des Goethe-Instituts. 

www.iti-germany.de 

Autorentheatertage 2007 

am Thalia-Theater 

„Was hält die Gesellschaft zusammen?“ 

fragt das Hamburger Thalia Theater junge 

Autorinnen und Autoren unter 40 Jahren 

und bittet um die Einsendung neuer, noch 

nicht uraufgeführter Stücke für die Autorentheatertage 

vom 1. bis 16. Juni 2007. Gesucht 

werden Stücke, die mit einer kritischen 

Aufmerksamkeit den Veränderungen und 

Verwerfungen der Gesellschaft im Großen 

wie im Kleinen nachspüren. Juror ist das Ensemble 

des Thalia Theaters und damit auch 

ein Großteil der Schauspieler, die die ausgewählten 

Stücke in der Langen Nacht der Autoren 

in Form von Werkstattinszenierungen 

präsentieren werden. 

Einsendeschluss ist der 31. Januar 2007. Manuskripte 

in zweifacher Ausfertigung an das 

Thalia Theater, Stichwort Autorentheatertage, 

Alstertor, 20095 Hamburg. 

(Bitte keine Monologe!) www.thalia-theater.de 

No Ballet 

Nachdem im März 2006 no ballet, der 

1. Internationale Choreografie-Wettbewerb 

Ludwigshafen 2006, mit über 300 Bewerbungen 

aus insgesamt 35 Nationen eine 

enorme nationale und internationale Beachtung 

gefunden hat, veranstaltet das Theater 

im Pfalzbau, erneut auf Initiative und unter 

der künstlerischen Leitung der Choreografin 

Juliane Rößler, den 2. Internationalen Choreografie-Wettbewerb 

Ludwigshafen 2007. 

Zur Jury gehören Marguerite Donlon (Choreografin), 

Hansgünther Heyme (Intendant, 

Regisseur), Pit Holzwarth (Regisseur), Klaus 

Obermaier (Komponist, Medienkünstler), 

Graziella Padilla (Choreografin, Tanzpädagogin), 

Hartmut Regitz (Tanzkritiker), Juliane 

Rößler (Choreografin), Friedrich Schirmer 

(Intendant) und Darrel Toulon (Choreograf). 

Anmeldeschluss ist der 31.12.2006. 

www.no-ballet.com 

Stiftung Kunstfonds - Stipendien und 

Projektförderung in 2007 

Bildende Künstlerinnen und Künstler mit 

ständigem Wohnsitz in Deutschland können 

sich bei der Stiftung Kunstfonds für das Jahr 

2007 um ein einjähriges Arbeitsstipendium 

(16.000 Euro) oder um einen Projektzuschuss 

bis maximal 25.000 Euro bewerben. 

Außerdem stehen Mittel für Konservierungsmaßnahmen 

von Medienarbeiten und die 

Erarbeitung von Werkverzeichnissen zur 

Verfügung. Anträge können nur bildende 

Künstlerinnen und Künstler mit ständigem 

Wohnsitz in Deutschland oder deren Rechtsnachfolger 

stellen. Der Bewerbungsschluss 

war der 31. Oktober 2006. Die Anträge müssen 

bis zu diesem Termin vollständig in der 

Geschäftsstelle der Stiftung Kunstfonds in 

Bonn vorliegen. Die Jury wird ihre Entscheidung 

im Februar 2007 treffen. 

Anträge, Vergaberichtlinien und Hinweise zur 

Antragstellung: 

http://www.kunstfonds.de/kuenstlerprogramm.html 

www.kunstfonds.de/kuenstlerprogramm.html 

Stipendien für Theaterschaffende 

Die Theaterproduktionsgesellschaft „wasihrwollt 

Productions“ von Peter Zadek und 

Tom Stromberg vergibt acht Postgraduierten-Stipendien 

an Absolventen verschiedener 

Bühnenstudiengänge, die an Zadeks 

Inszenierung von Shakespeares „Was Ihr 

wollt“ (Premiere im Mai 2007 bei den Wiener 

Festwochen) mitarbeiten würden. 

Genauere Informationen zu der Ausschreibung 

stehen unter www.wasihrwollt.eu 

Symposium - 

TanzForschung & TanzAusbildung 

Das Symposium „TanzForschung & Tanz- 

Ausbildung“ – aus Anlass des 20. Jahrestages 

der Gründung der Gesellschaft für Tanzforschung 

wird vom 4. bis 7. Oktober 2007 in 

der Staatlichen Ballettschule Berlin ausgerichtet. 

Hierzu geht der Call for Papers. 

Die Tanzerziehung an Schulen und freizeitkulturellen 

Einrichtungen ist in Bewegung 

gekommen, die Tanzausbildung an 

Berufsfachschulen und Hochschulen wird 

neu strukturiert und im universitären Bereich 

etabliert sich die Tanzwissenschaft mehr und 

mehr zu einem eigenständigen Fach. Das Jubiläum 

der Gesellschaft für Tanzforschung ist 

ein günstiger Anlass, um zu einer kritischen 

Bestandsaufnahme aufzurufen und Ergebnisse 

und Folgen dieser Entwicklungen zu 

reflektieren. Nicht zuletzt kann eine solch 

kritische Analyse dazu beitragen, einen Ausblick 

nach vorn und Perspektiven für zukünftige 

Arbeits- und Aufgabenfelder zu gewinnen. 

Aufgrund der anstehenden Reformen 

auf dem Bildungs- und Weiterbildungssektor 

sowie der strukturellen Veränderungen im 

Bereich der professionellen Ausbildung an 

Berufsakademien und Hochschulen wird die 

Diskussion neuer Ausbildungskonzepte und 

Studienmodule bei der Berliner Tagung einen 

breiten Raum einnehmen. Darüber hinaus 

möchte das Symposium einen Überblick über 

die Entwicklung der Tanzwissenschaft im 

deutschsprachigen Raum (und international 

vergleichend) geben, mit ihren Forschungsschwerpunkten 

und Forschungsleistungen, 

aber auch mit ihren wissenschaftstheoretischen 

Fragen und Problemen. Interessierte 

Tanzwissenschaftlerinnen und Tanzwissenschaftler 

werden gebeten, passende Beiträge 

einzureichen. Alle Universitäten und 

wissenschaftliche Einrichtungen werden 

eingeladen, sich an diesem Symposium aktiv 

zu beteiligen, indem sie über ihre laufenden 

Forschungsprojekte bzw. ihre aktuellen wissenschaftlichen 

Schwerpunkte berichten. 

Es werden verschiedene Präsentationsmöglichkeiten 

vorhanden sein (Vortrag, mediale 

AV-Lecture Demonstration, Poster). Inhaltlich 

sollten die Beiträge entweder Herausforderungen 

und Chancen für neue Konzepte 

32

einer zeitgemäßen Tanz- und Tanzpädagogikausbildung 

thematisieren oder sie sollten 

über eine wissenschaftliche Forschungsarbeit 

berichten. Das Jahrbuch 18 (2008) der Gesellschaft 

für Tanzforschung soll die Tagung 

dokumentieren. Wir bitten Sie höflich um die 

Einreichung eines einseitigen Abstracts mit 

der inhaltlichen Skizzierung des geplanten 

Beitrags. Termin: 15. Februar 2007. 

Kontakt: Dr. Claudia Fleischle-Braun, 

Kastanienweg 8, 70597 Stuttgart. 

Tel. 0711 / 7654897 

Fax 0711 / 9073854 

mail: claudia.fleischle@arcor.de 

www.gtf-tanzforschung.de 

TRANSFERT THÉÂTRAL (TT) 

THEATER-TRANSFER 

Das Bureau du Théâtre et de la Danse 

macht aufmerksam auf die Deutsch-französische 

Übersetzerstipendien für zeitgenössische 

Theaterstücke. Die Stipendien unter 

dem Titel THEATER-TRANSFER (TT) TRANS- 

FERT THÉÂTRAL, die vom Bureau du Théâtre 

et de la Danse der Französischen Botschaft 

in Berlin, vom Goethe-Institut Lyon, von Beaumarchais 

und von der DVA-Stiftung Stuttgart 

koordiniert und finanziert werden, sind 

erneut für 2007 ausgeschrieben worden. Ziel 

des Programms ist es, Übersetzungs- und 

daran anknüpfende Inszenierungsprojekte 

zeitgenössischer Theatertexte aus dem jeweiligen 

Nachbarland in Deutschland und 

Frankreich zu ermöglichen. Im Jahr 2006 

wurden folgende Übersetzungen unterstützt: 

„Ma mère qui chantait sur un phare“ 

von Gilles Granouillet (Übersetzung: Bettina 

Arlt); „Les travaux et les jours“ von Michel Vinaver 

(Übersetzung: Dr. Almuth Voß) „Théâtre 

sans animaux“ von Jean-Michel Ribes 

(Übersetzung: Heinz Schwarzinger); „Das 

Schamhaar“ von Wilfried Happel (Übersetzung: 

Sylvain Delétang). 

Einsendeschluss für Bewerbungen ist der 

31. März 2007. 

btd@kultur-frankreich.de 

www.kultur-frankreich.de 

FESTIVALS 

„Neue Stücke aus Europa“ – eine Bilanz 

Beim Festival „Neue Stücke aus Europa“, 

welches sich ausschließlich zeitgenössischer 

Dramatik widmet, gaben dieses Jahr vom 15. 

bis 25. Juni 29 Ensembles aus 22 Ländern mit 

39 Aufführungen Einblicke in die zeitgenössische 

Theaterwelt Europas, wobei die Stücke 

in der jeweiligen Originalsprache inszeniert 

waren und simultan ins Deutsche übersetzt 

wurden. Die Künstlerische Leitung lag bei 

Manfred Beilharz, Ursula Ehler, Tankred Dorst 

und Markus Bothe. Als diesjähriger Preisträger 

für die beste Übersetzung wurde Klaus 

Detlef Olof für seine Übersetzung von Ana 

Lasics „Fuzine Blues“ aus dem Slowenischen 

geehrt. Lobend erwähnt wurden Recai Hallac 

für seine Übersetzung des türkischen Stücks 

„Rache“ von Mahir Günsiray und Petra Serwe 

für ihre Übersetzung Koens Tachelets 

„Der Asylsucher“ aus dem Niederländischen. 

Zu den bemerkenswerten Gastspielen zählte 

u.a. die Inszenierung des „Asylsuchers“ von 

Johan Simons, „Scharzland“ von Arpad Schilling 

aus Ungarn, „Kunstschwimmer“ von David 

Drabek aus Tschechien und „In der großen 

Welt“ von Joel Pommerat aus Frankreich. 

Das ITI, die Dramaturgische Gesellschaft, das 

Deutsch-Französische Forum Junger Kunst 

und die Europäische Theaterkonvention veranstalteten 

Symposien, in denen u.a. auch 

die 72 DramatikerInnen debattierten. 

AT.TENSION 

Die norddeutsche Kulturlandschaft wurde 

in diesem Jahr um eine Attraktion reicher: 

vom 15. – 17. September 2006 veranstaltete 

der Kulturkosmos Müritz e.V. auf dem 

Flugplatz Lärz in Mecklenburg erstmals das 

internationale Theater- und Performance-Festival 

AT.TENSION#1. Auf dem weitläufigen 

ehemaligen russischen Militärflugplatz Lärz, 

inmitten der Mecklenburger Seenplatte, 

trafen drei Tage lang internationale Theatergruppen 

und Gäste zur theatralen und 

künstlerischen Grenzüberschreitung zusammen. 

Sie begaben sich auf die Spur neuer 

und experimenteller Aktions- und Wahrnehmungsräume. 

Die bereits durch das Fusion- 

Festival wiederbelebten Ruinen des kalten 

Krieges, die von der roten Armee hinterlassen 

wurden, bieten dafür ideale Voraussetzungen. 

Die künstlerische Palette reichte von 

Tanztheater, Performances und Open-Air- 

Spektakel über Kabarett und Installationen 

bis hin zu einem ausgesuchten musikalischen 

Beiprogramm. Hierfür bieten sich auf dem 

Gelände des Kulturkosmos diverse einmalige 

Spielstätten: verbunkerte Flugzeughangars, 

eine alte Landebahn, das ehemalige Luftschloss 

der Berliner Kabarett Anstalt sowie 

diverse Freiflächen stehen den Künstlerinnen 

und Künstlern zur Verfügung. Insgesamt 15 

Theaterproduktionen präsentierten sich in 

ca. 30 Aufführungen. Eine Besonderheit von 

AT.TENSION#1 lag in dem Anspruch, verschiedene 

Theaterformen in einen kreativen 

Dialog miteinander zu setzen. Dafür waren 

Künstler und Theaterschaffende unterschiedlicher 

Genres eingeladen, um die drei Tage 

packend und mitreißend zu gestalten. Um 

die mehr als außergewöhnlichen Gegebenheiten 

des Geländes adäquat einzubeziehen, 

hatte der Kulturkosmos Müritz e.V. einen 

Produktionspreis ausgeschrieben. Aus über 

30 eingereichten Projekten wurde ein Projekt 

ausgewählt und das Projekt LEICHTER 

ALS LUFT der Gruppe TROIKA, welches das 

ehemalige Militärflugplatzgelände in seinen 

Besonderheiten aufgreift und die umfangreichen 

Möglichkeiten optimal nutzte, gefördert. 

Höhepunkt des Festivals war das große 

Feuer-Spektakel IL CORSO der Gruppe PAN. 

OPTIKUM aus Freiburg. 

www.kulturkosmos.de 

2. Festspiele Ludwigshafen 

21. Oktober - 16. Dezember 

Auch zur 2. Ausgabe der Festspiele im 

Theater im Pfalzbau setzte Hansgünther 

Heyme, Intendant und künstlerischer Leiter 

der Festspiele, wieder auf ein Programm aus 

internationalen Produktionen aus den Bereichen 

Tanz und Theater für ein breites Publikum. 

17 Gastspiele aus dem Ausland und 

aus Deutschland wurden gezeigt. Neben 

fünf deutschsprachigen Erstaufführungen, 

darunter Maurice Béjarts „Zarathustra. Das 

Lied vom Tanz“, präsentierten die Veranstalter 

auch eine Inszenierung von Heyme in 

slowenischer Sprache. Prognostizierte Höhepunkte 

sind die Mauro Bigonzettis Tanztheaterinszenierung 

„Romeo und Julia“, „My 

Name ist King“ der Kompanie Déjà Donnée, 

Heymes Inszenierung von „Orestes“ sowie 

eine Themenwoche anlässlich der Todeswoche 

Bertolt Brechts, im Rahmen derer das BE 

gastiert. 

www.theater-im-pfalzbau.de 

Cross The Line - Live Art aus den USA 

Die Aufführungsreihe „Cross The Line“ 

zeigte US-Solo Live Art in Frankfurt, Berlin 

und Leipzig. Die Kuratorin Carola Lehmann 

präsentierte Deutsche Uraufführungen der 

Soloperformer Allen Johnson und Penny 

Arcade, Lectures und Diskussionen. „When 

I got to New York I saw something less familiar: 

a kind of boundary-breaking solo 

performance: Not standup comedy, not cabaret, 

no one-character play, not reading or 

poetry – and I loved the energy and originality 

of this solo work.” (Jo Bonney) Nach 

allen Aufführungen fanden Gespräche – über 

Solo Live Art, Öffentlichkeit und politische 

Gesten in den USA – statt. In „My Life As History“ 

erforscht Penny Arcade in einer zweistündigen 

Tour de Force zwischen Stand Up 

Comedy und Redeperformance „My Life as 

History“ das Werden und das Sein. Immer 

selbst im Zentrum ihrer Erzählungen, der 

einzige Maßstab dessen, was sagbar ist, erinnert 

sich Penny Arcade an den mittleren Abschnitt 

ihres Lebens und fragt: Wer sind wir 

am Anfang, wer sind wir am Ende? Wann erhalten 

wir unser fertiges Selbst? Es geht ums 

Erfinden und Wiedererfinden, um unsere Visionen, 

um unseren Platz in der Geschichte 

und darum wo sich alles kreuzt. Humorvoll, 

leidenschaftlich und ergreifend untersucht 

der Künstler, Dichter, Lastwagenfahrer und 

Mechaniker Allen Johnson in „Another You“ 

die Schonungslosigkeit und Verwundbarkeit, 

die man für eine intime Begegnung mit 

Gott, einem Liebhaber oder mit sich selbst 

braucht. Unter der Regie von Sean Ryan entstand 

seine Soloperformance - eine Reihe 

grausam ehrlicher, ineinander verwobener 

Monologe über unser grundlegendes Bedürfnis 

nach Intimität. „Mickey Mouse im 

Fadenkreuz“ von Carola Lehmann erweiterte 

die Reihe um eine weitere Komponente: Die 

auf einer Reise durch die USA entstandene 

Performance zeigt in Form von Interviews 

und Geschichten mit beißendem Witz, wie 

US-Künstler die gegenwärtige politische Situation 

in den USA verhandeln. Es passieren 

ein paar seltsame Sachen, die den Keim einer 

neuen politischen Ära erahnen lassen. 

Abende in New York verbringen wir mit den 

Menschen, die mit ihren Aktionen im öffentlichen 

Raum diesen Ereignissen den Boden 

bereitet haben und geben den Zuschauern 

deren mehr oder weniger brauchbare Gesellschaftsentwürfe 

mit auf den Weg. „Cross The 

Line“ ist ein Projekt des Mousonturm Frankfurt, 

des Lofft Leipzig und des Büros für Kulturvermittlung, 

Kunst macht schön und wird 

vom Cutting Edge Festival unterstützt. 

www.kunstmachtschoen.de 

Fidena 2006 – „Unter die Haut“ - 

27. September - 3. Oktober in Bochum 

Ende September war Bochum wieder 

Zentrum der internationalen Figurentheaterszene. 

Das Motto der diesjährigen Ausgabe 

unter der künstlerischen Leitung von 

Annette Dabs lautete „Unter die Haut“. Über 

Meldungen 

33

Meldungen 

20 Produktionen von Gruppen aus Europa 

und Afrika wurden an den verschiedenen 

Spielstätten gezeigt, wobei das Spektrum 

von Installationen über Videokunstperformances 

zu Objekttheater reichte. 

www.fidena.de 

International Performing Arts Market 

in Montreal 2006 

Dass sich die Kanadier verstärkt für den 

internationalen Austausch und auf dem 

Kunstmarkt engagieren ist bekannt, das Ausmaß 

ist doch immer wieder beeindruckend. 

Zum 12. Mal versammelte CINARS vom 14. 

bis 18. November 2006 internationale Künstler 

und Veranstalter in Montreal. Über 1000 

Fachleute aus 60 Ländern sahen 130 Tanz-, 

Theater-, Musik- und Performance-Aufführungen 

– aus Kanada und dem Rest der Welt. 

150 Kurse und Workshops komplettierten 

das Monsterprogramm. Wer den Termin verpasst 

hat, findet dennoch Infos zum Angebot 

auf der Website. 

www.cinars.org 

Laokoon-Festival auf Kampnagel 

brach Besucherrekord 

Für das diesjährige Kampnagel Sommerfestival 

LAOKOON konnten Intendantin 

Gordana Vnuk und Geschäftsführerin Tessa 

Beecken bereits vor dem Abschluss eine 

äußerst positive Bilanz ziehen: Bei derselben 

Zahl von Theater- und Tanz-Produktionen 

wie im Vorjahr kann das Haus bei erwarteten 

rund 15.000 Zuschauern fast ein Drittel 

mehr Besucher verzeichnen. 10 Tanzund 

Theaterhighlights aus Großbritannien, 

Frankreich, der Schweiz, Italien, Ungarn, 

Finnland, Russland, Mazedonien und China 

– darunter neun Deutschlandpremieren und 

drei Kampnagel-Koproduktionen – machten 

das Theaterzentrum vom 23. August bis zum 

9. September zu einem Anziehungspunkt für 

Hamburger und Gäste der Stadt. Mehrfach 

spielten die insgesamt über 100 internationalen 

Künstler vor ausverkauften Hallen. 

Sowohl Bildertheaterproduktionen, wie sie 

von der Cie 111, der Cie Philippe Genty oder 

Akhe vorgestellt wurden, als auch Tanz- und 

Theaterstücke, in denen sich u.a. Tero Saarinen, 

Emma Dante oder Branko Brezovec mit 

lokalen Traditionen auseinandersetzten, wurden 

mit starker Nachfrage und begeistertem 

Applaus honoriert. Größter Beliebtheit bei 

Groß und Klein erfreute sich die begehbare 

Luftskulptur der britischen Architects of Air, 

die LAOKOON für neun Tage auf der Kleinen 

Moorweide präsentierte. Daneben konnten 

Funk-, Soul- und Reggae-Konzerte als eigenständige 

Programmschiene bis zu 300 

Fans pro Abend in die Kampnagel Music Hall 

locken. Das Sommerfestival, das seit 2001 

unter dem Namen des griechischen Priesters 

stattfand, wurde nach vier Jahren unter 

der Leitung außereuropäischer Kuratoren 

nun wieder von der Intendantin selbst programmiert 

und leitet ihre letzte Spielzeit auf 

Kampnagel Hamburg ein. Gordana Vnuk: 

„Mit der Programmauswahl von innovativen 

Künstlern aus allen Kontinenten, die wir in 

den vergangenen sechs Jahren eingeladen 

haben, konnten wir einen künstlerischen 

und politischen Kontrapunkt zum bestehenden 

Festivalmarkt setzen. Die Bilanz des diesjährigen 

Festivals lässt uns mit großer Freude 

feststellen, dass sich LAOKOON mit seinem 

eigenständigen und eigenwilligen Profil in 

der lokalen, überregionalen und internationalen 

Kulturlandschaft etabliert hat.“ 

Kampnagel Hamburg, Jarrestr. 20-24, 

22303 Hamburg Tel. +49/40/2709490 

mail@kampnagel.de www.kampnagel.de 

THESPIS - 

5. Internationales Monodrama Festival 

10. bis 17. November 2006 in Kiel 

Nach acht prall gefüllten Theatertagen 

mit 16 verschiedenen Solo-Produktionen aus 

Australien, Japan, Italien, Marokko, Israel, 

Polen, Russland, Turkmenistan, Armenien, 

Großbritannien, der Ukraine, Südafrika und 

Deutschland ist das fünfte THESPIS-Festival 

am 17. November 2006 zu Ende gegangen. 

Das Programm bot erneut einmalige 

Einblicke in Theatertraditionen aus den unterschiedlichsten 

Ländern und Kulturen, zum 

Großteil erstmals auf einer deutschen Bühne 

zu sehen. 

Am 17. November 2006 um 22:30 Uhr 

gab die Jury (Valery Khasanov/Russland, 

Renate Klett/Deutschland, Cersten Gerecht/ 

Deutschland, Abel Solares/Guatemela) die 

Preisträger des 5. Internationalen Monodrama 

Festivals THESPIS bekannt. Der Hauptpreis 

für eine bemerkenswerte künstlerische Leistung 

(gestiftet von den Kieler Nachrichten) 

ging zu gleichen Teilen an: Nozomi Satomi 

(„Wer bin ich?“/Japan), Yftach Klein („High 

Noon“/Israel) und Pip Utton („Bacon“/Großbritannien). 

Der Sonderpreis (gestiftet vom 

Trägerverein des Festivals, Maecenas e.V.) 

ging zu gleichen Teilen an: Lidiya Danylchuk 

(„Traum“/Ukraine) für die Umsetzung von 

Poesie in Theater und von Sprache in Tanz, 

an Latefa Ahrrare („Die letzte Nacht“/ Marokko/Vereinigte 

Arabisch Emirate) für die 

mutige Annäherung an ein gesellschaftliches 

Tabu, und an Anna Mele („Lear“/Turkmenistan) 

für die Umsetzung eines klassischen 

europäischen Theaterstoffes mit den Mitteln 

des orientalischen Theaters. 

Der Preis der Festivaldirektoren (anwesend: 

Valery Khasanov/Russland, Hakob 

Ghazanchyan/Armenien Mohammad Al 

Afkham/V.A.E., Antonina Mikhaltsova/Weißrussland 

und Jolanta Sutowicz/Deutschland) 

ging an: Julian Swift-Speed („Schritte“/Polen). 

Der Medienpreis (gestiftet vom Offenen 

Kanal Kiel) ging an: Nozomi Satomi („Wer 

bin ich?“/Japan). Der Förderpreis der Organisatoren 

ging an: Armine Matzakyan („Von 

mir zu mir“/Armenien). 

Eine Woche zuvor, am 10. November 

2006, war das Festival von der europaweit 

renommierten Schauspielerin Angela Winkler 

mit dem Solo „Ich liebe Dich kann ich nicht 

sagen“ (nicht im Wettbewerb) im ausverkauften 

Kieler Schauspielhaus und im Beisein 

von Vertreterinnen und Vertretern der Kultur 

und Politik eröffnet worden. Überhaupt hat 

sich die Anteilnahme des Publikums deutlich 

gesteigert. Viele Veranstaltungen waren ausverkauft, 

die Medienpräsenz konnte verbessert 

werden. 

Auch das Rahmenprogramm – u.a. mit 

einem Symposium und einem Workshop 

(Kieler Nachrichten, KulturForum) – war ein 

Erfolg. Wie schon bei den letzten Festivals 

führte die Begegnung zwischen den verschiedenen 

Künstlerinnen und Künstlern zu 

neuen kreativen Impulsen, die hoffentlich 

bereits in naher Zukunft auf den Bühnen des 

internationalen Theaters sichtbar werden. 

Die Anwesenheit solch namhafter Künstlerinnen 

und Künstler wie Angela Winkler, der 

polnischen Beckett-Darstellerin Irena Jun und 

des gefeierten israelisch-arabischen Schauspielers 

und Regisseurs Mohammad Bakri hat 

das mittlerweile längst gefestigte internationale 

Renommee des Festivals bestätigt. 

Besonders erfreulich war die gute Zusammenarbeit 

mit den Festivalpartnern: Aus 

Paris kam Jennifer Walpole, die Generalsekretärin 

des Internationalen Theaterinstituts 

ITI/UNESCO angereist, die Kooperation mit 

peace of art ergänzte die Aufführungen aus 

Israel mit interessanten Diskussionsrunden, 

und das bewegende Monodrama „Schritte“ 

im Flandernbunker (in Zusammenarbeit mit 

dem Verein Mahnmal Kilian e.V.) weckte 

großes Interesse. 

www.thespisfestival.de 

Veronika Blumstein - Moving Exiles 

Vom 12. bis zum 14. Oktober 2006 fand 

in der Bremer Schwankhalle zum ersten 

Mal das Festival für Erfindung und Choreografie 

Veronika Blumstein - Moving Exiles 

statt. Gastgeberin und Namensgeberin des 

Programms mit Performances, Vorträgen, 

Workshops, einem wissenschaftlichen Salon 

sowie einer waschechten Geburtstagsparty 

war die Choreografin und Tanzwissenschaftlerin 

Veronika Blumstein: Eine Figur, 

die es gar nicht gibt. Sie wurde während 

eines deutsch-polnischen Austauschtreffens 

im September 2005 im polnischen Jagniatkow 

erdacht. Für das Festival bot sie nun die 

Projektionsfläche, um in unterschiedlichen 

künstlerischen Projekten, Diskussionen und 

praktischen Übungen über neue Spielräume 

in künstlerischer Arbeit, Choreografie und 

Tanz zu Beginn des 21. Jahrhunderts nachzudenken. 

Sie werden feststellen, dass Veronika 

Blumstein in jedem Festivalbeitrag neu zu 

entdecken und kennen zu lernen sein wird. 

Gleichzeitig war das Festival ein Geburtstagshappening 

in doppelter Hinsicht: Das internationale 

Künstlerkollektiv Blumstein Group 

feierte seine Gründung und der Club der Polnischen 

Versager aus Berlin lud anlässlich des 

66. Geburtstags der Kosmopolitin Veronika 

Blumstein zu einer großen Party ein. Seien 

Sie bei diesem historischen Ereignis dabei, 

schauen Sie zu, besuchen Sie die Workshops, 

diskutieren und erfinden Sie mit. Vor allem 

aber feiern Sie mit uns. Namhafte Künstler 

aus Deutschland, Polen, Slowenien, Spanien 

und den USA waren an diesem Projekt beteiligt: 

Veronika Blumstein, Warschau, New 

York (Geburtstagskind), Lukasz Borkowski, 

Lublin (Medienkünstler und Wissenschaftler), 

Club der Polnischen Versager, Berlin (Musiker 

und Künstler), Dr. Kattrin Deufert, Hamburg 

(artist twin | Performerin), Dr. Kerstin Evert, 

Hamburg (Dramaturgin | Performerin), Helena 

Golab, Bilbao, Warschau (Tänzerin | Choreografin), 

Dr. Pawel Gozlinski, Warschau 

(Wissenschaftler | Redakteur), Angela Guerreiro, 

Hamburg (Tänzerin | Choreografin), 

Emil Hrvatin, Ljubljana (Performer | Wissenschaftler 

| Herausgeber), Isabel de Naverán, 

Bilbao (Medienkünstlerin | Performerin), 

Peter Pleyer, Berlin (Tänzer | Choreograf), 

Antje Pfundtner, Hamburg (Tänzerin | Choreografin), 

Thomas Plischke, Hamburg (artist 

twin | Performer), Dr. Karen Schaffman, San 

Diego (Tanzwissenschaftlerin | Performerin), 

Dr. Janine Schulze, Leipzig (Wissenschaftlerin 

| Performerin) 

info@blumsteingroup.net 

www.blumsteingroup.net 

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ONE WORLD 2006 Berlin - Filmfestival 

Rosa Malsagova, Regisseurin aus Inguschetien, 

war eingeladen zum „ONE 

WORLD 2006 Berlin - Filmfestival für Menschenrechte 

und Medien“ ab 18.11. in Berlin. 

Am 22. November war die Premiere des 

Films „Cassandra in Berlin“, den sie gemeinsam 

mit dem Berliner Regisseur Peter Krüger 

drehte. 

www.oneworld-fest.de 

Ruhrtriennale 2006 - 

19. August - 15. Oktober in NRW 

Im Mittelpunkt der zweiten Saison unter 

der Intendanz von Jürgen Flimm stand der 

Mensch des Barock. Das Programm spannte 

einen Bogen von den Religionskriegen des 

17. Jahrhunderts über die Weltentwürfe großer 

Künstler wie Rubens, Monteverdi und 

Shakespeare bis hin zu den Menschenrechtsund 

Globalisierungsdebatten unserer Tage. 

Auf den Bühnen ehemaliger Industriestätten 

des Ruhrgebiets wurden insgesamt 29 Produktionen 

gezeigt, davon viele Eigenproduktionen. 

Von den 13 großen Bühnenstücken 

wurden 9 an der Ruhr uraufgeführt oder neu 

inszeniert. Geprägt wurde das Programm 

von internationalen Künstlern wie David 

Pountney, Johan Simons, Vanessa Redgrave, 

Alan Titus, Peter Zadek, Alain Platel, Péter Esterházy, 

Neil Shicoff u.v.a. 

TANZNACHT BERLIN 2006 

Bei der vierten TANZNACHT BERLIN 

2006 am 16. Dezember traf sich eine Auswahl 

der interessantesten Choreografen 

der zeitgenössischen Tanzszene Berlins, um 

eigens für dieses Ereignis kreierte Choreografien, 

Installationen, Multimedia Projekte 

und Performances auf der Bühne und in 

den Räumen der Akademie der Künste vorzustellen. 

Erstmalig unter der künstlerischen 

Leitung von Heike Albrecht präsentierte das 

Programm Künstler, deren Namen bereits 

weit über die Grenzen Berlins bekannt sind 

wie z.B. Thomas Lehmen, Martin Nachbar, 

Two Fish, Johan Lorbeer und Wilhelm Groener. 

Darüber hinaus gab es jedoch auch 

Newcomer zu entdecken wie z.B. Jeremy 

Wade, der in New York den renommierten 

Choreografiepreis BESSY AWARD erhielt und 

erst vor kurzem in die Hauptstadt übergesiedelt 

ist. Im Vorfeld der TANZNACHT BERLIN 

2006 fand zum dritten Mal das Festival TANZ 

MADE IN BERLIN statt, zu dem in diesem 

Jahr eine Reihe neuer Spielorte hinzukamen. 

Auf insgesamt 16 Berliner Bühnen - darunter 

Tanzfabrik Berlin, HAU, Sophiensæle, Radialsystem, 

Fabrik Potsdam, Volksbühne Berlin, 

Schaubühne, Ballhaus Ost - wurden vom 1. 

– 17. Dezember abendfüllende Tanzsstücke 

gezeigt u.a. von Meg Stuart / Benoît Lachambre, 

Sasha Waltz & Guests, Toula Limnaois, 

Isabelle Schad und Michael Laub. 

www.tanznachtberlin.de 

spielzeiteuropa 06 | 07 

Mit der neuen künstlerischen Handschrift 

von Brigitte Fürle begann am 16. November 

„spielzeiteuropa 06 | 07“. Der Titel „Alles 

wird gut“ als Motto der diesjährigen Saison 

versteht sich als Utopie und Provokation. Das 

Festival begann mit der gleichnamigen Fotoinstallation 

der lettischen Künstlerin Monika 

Pormale am Haus der Berliner Festspiele, in 

der Theater im Zeitstillstand bis an die Grenzen 

der Architektur des Festspielhauses sichtbar 

gemacht wird. Die großformatigen Fotos 

mit einander umarmenden Menschen werden 

während der gesamten Saison die Theaterbesucher 

begleiten. Ausnahmetheater gegen 

die gesellschaftliche Vereinsamung zeigt 

der hochbetagte Young @ Heart Chorus auf 

der Road to Nowhere. 28 old girls and boys 

aus Northampton/Massachusetts, zwischen 

71 und 93, singen und rocken ohne Berührungsängste. 

Drei herausragende internationale 

Theaterproduktionen waren im November/Dezember 

zu sehen: „Gespenster“ in der 

Regie von Stéphane Braunschweig, mit Udo 

Samel als Pastor Manders, „The Andersen 

Project“ des Theatermagiers Robert Lepage 

als heutiges Alter ego von Hans Christian 

Andersen und ein Weihnachts-Highlight: 

Heiner Müllers bekanntestes Stück „Quartett“ 

in der Pariser Inszenierung von Robert 

Wilson mit Isabelle Huppert als Merteuil. 

Diese Produktion, die soeben die Saison im 

renovierten Théâtre de l‘Odéon eröffnete, 

wird im deutschsprachigen Raum exklusiv 

im Haus der Berliner Festspiele zu sehen sein. 

Im Januar zeigt die Frankokanadierin Marie 

Brassard in Peepshow eine kaleidoskopartige 

Theaterwunderwelt über Phantasien, Körper-Manipulationen 

und sexuelle Phantasmagorien. 

Ebenfalls eine Koproduktion von 

spielzeiteuropa. Ende Januar kommen Pina 

Bausch und das Tanztheater Wuppertal nach 

Berlin und zeigen das von einem Aufenthalt 

im südkoreanischen Seoul inspirierte Stück 

„Rough Cut“: Verführungen zwischen Männern 

und Frauen als erotische Miniaturen und 

Momentaufnahmen, Sehnsuchts- und Tanzbilder 

von stiller, atemloser Schönheit. Darüber 

hinaus bietet die kommende spielzeiteuropa 

ein umfangreiches Rahmenprogramm 

mit Buchpräsentationen, Einführungsveranstaltungen, 

Publikumsgesprächen und einer 

Filmreihe mit dem kompletten Filmschaffen 

von Robert Lepage. 

Berliner Festspiele, Schaperstrasse 24, 

10719 Berlin. 

Tel. +49/30/25489-0, 

Fax +49/30/25489-111, 

giesker@berlinerfestspiele.de 

www.berlinerfestspiele.de 

Theater und Nouveau Cirque aus Frankreich 

in Berlin – März 2007 

Als Pendant zu der Ausstellungsreihe 

französischer Kunst ART FRANCE BERLIN im 

Herbst 2006 plant die Französische Botschaft 

in Deutschland in Zusammenarbeit mit 

CULTURESFRANCE und einigen der renommiertesten 

Theaterorte in Berlin für März 

2007 ein Festival der darstellenden Künste, 

welches Theater und zeitgenössischen Zirkus 

(„Nouveau Cirque“) aus Frankreich präsentieren 

wird. Das Festival lädt einige der interessantesten 

Vertreter des französischen Theaters 

und Nouveau Cirque nach Berlin ein, 

um über einen Zeitraum von drei Wochen einen 

umfassenden Einblick in die französische 

Kulturlandschaft zu ermöglichen. Das künstlerische 

Programm wird dabei von den Berliner 

Partnertheatern mitgestaltet: HAU – Hebbel 

am Ufer, Schaubühne am Lehniner Platz, 

Admiralspalast, Sophiensæle, Berliner Festspiele, 

Radialsystem. Diese Zusammenarbeit 

der Französischen Botschaft mit einigen der 

wichtigsten Theaterorte in Berlin und einer 

Vielzahl von national und international anerkannten 

französischen Theater- und Zirkusakteuren 

stellt eine einmalige Konzentration 

darstellender Kunst aus Frankreich in Berlin 

dar, die ihre Wirkung auf ganz Deutschland 

ausweiten soll. Theater: Regisseure, zeitgenössische 

Dramatiker, Performances. Das 

Theaterprogramm des Festivals wird zeitgenössische 

künstlerische Formen präsentieren, 

die sich durch ihre Aktualität und ihre Zusammenführung 

verschiedener Genres auszeichnen. 

Das vorläufige Programm schließt 

dabei folgende Künstler und Themen ein: 

Künstlerporträt – Le Théâtre des Lucioles: 

Das Schauspielerkollektiv Théâtre des Lucioles 

gilt als eine der avanciertesten, erfindungsreichsten 

und originellsten Compagnien 

in Frankreich und war beim diesjährigen 

Festival in Avignon und Festival d’Automne in 

Paris zu sehen. Es besticht durch seine grenzüberschreitende 

ästhetische und disziplinäre 

Vielseitigkeit, welche mit drei Gastspielen in 

Berlin präsentiert werden soll. 

Zeitgenössische Dramatiker: Der aus 

Argentinien stammende Autor Copi (1939- 

1987), der zu den außergewöhnlichsten 

Figuren des künstlerischen Milieus der 70er 

und 80er Jahre in Frankreich gehörte, soll 

hier ebenso präsentiert werden wie das Werk 

von Jean-Luc Lagarce (1957-1995), einer der 

meistgespielten zeitgenössischen Theaterautoren 

in Frankreich. Anlässlich von Lagarce’ 

50. Geburtstag konzipiert die Schaubühne 

im Rahmen von F.I.N.D. – Festival Internationale 

Neue Dramatik ein Programm, welches 

Lagarce’ in Deutschland noch wenig bekannte 

Stücke ins Blickfeld rücken wird. Neben 

Lagarce und Copi wird Patrice Chéreau 

in einer Lesung das Werk von Hervé Guibert 

(1955-1991) würdigen. 

Performances – Bruch mit Theaterkonventionen: 

Präsentiert wird eine Generation 

junger Künstler, die sich vom dramatischen 

Text entfernt und sich genreübergreifend auf 

der Grenze zwischen bildender Kunst, Musik, 

Mode, Performance und Theater bewegt 

(Philippe Quesne, Sophie Perez, Leyla Rabih, 

Alexis Forestier, Art Point M). 

Nouveau Cirque – Zeitgenössischer französischer 

Zirkus: Der NOUVEAU CIRQUE entstand 

in den 80er Jahren in Frankreich und hat 

in der Folge weltweite Anerkennung für seine 

einmalige Pionierrolle und herausragende 

künstlerische Qualität erlangt. Er wagt den 

Bruch mit der konventionellen Zirkusästhetik 

und kreiert damit ein eigenes Genre: keine 

Folge von Zirkusnummern mehr, sondern 

dramaturgisch gearbeitete Vorführungen, 

die Zirkuselemente (Jonglage, Artistik etc.) 

mit Techniken der unterschiedlichsten Genres 

(zeitgenössischer Tanz, Musik, Performance 

etc.) verschmelzen. Aufführungen 

dieser spezifisch französischen Kunstrichtung 

sind in Deutschland, besonders in Berlin, bisher 

noch eine Seltenheit. Alle eingeladenen 

Compagnien gehören einer neuen Generation 

des französischen Nouveau Cirque an, 

die national und international anerkannt sind 

(Compagnie 111, Jean-Baptiste André, Compagnie 

Anomalie). Angefragt als Eröffnungsveranstaltung 

ist die Groupe F mit einem 

pyrotechnischen Open Air-Theaterspektakel 

auf dem Pariser Platz. 

Bureau du Théâtre et de la Danse, 

Kurfürstendamm 211, 10719 Berlin. 

Tel. + 49 30 885 902 52/58, 

btd@kultur-frankreich.de 

www.kultur-frankreich.de 

Meldungen 

35

Meldungen 

Deutsch-französisches Theaterfestival 

“Perspectives” 2007 

Das deutsch-französische Theaterfestival 

„Perspectives“ steht fortan unter einer neuen 

Leitung. Neuer Künstlerischer Leiter ist der 

Direktor des Kulturzentrums «La Condition 

Publique» in Roubaix, Stéphane Konopczynski. 

Der 38-jährige Franzose wird unterstützt 

von Sylvie Hamard, die derzeit eine deutschfranzösische 

Theateragentur leitet. Erstes Ziel 

sei, das Festival im kommenden Jahr wieder 

für ein breiteres Publikum attraktiv zu machen, 

nachdem in diesem Jahr ein Rückgang 

bei den Besucherzahlen zu verzeichnen war, 

sagten Konopczynski und Hamard in Saarbrücken. 

Die «Perspectives» sollen im kommenden 

Jahr vom 8. bis 16. Juni in Saarbrücken 

stattfinden. Die Arbeit am konkreten 

Programm soll nächste Woche beginnen. 

«Wir wollen das Gefühl wieder wecken, dass 

die ganze Stadt eine Woche für und mit dem 

Festival lebt», sagte Hamard. Ziel bleibe, die 

«Perspectives» als experimentelles Festival 

weiterzuentwickeln. Neben den Bereichen 

Tanz und Theater sollen auch verstärkte Akzente 

auf französisches Chanson und Zirkus 

gelegt werden. Zudem will die neue Leitung 

auch neue Spiel- und Veranstaltungsorte erschließen. 

Die «Perspectivtes» als einziges 

deutsch-französisches Theaterfestival finden 

im kommenden Jahr zum 30. Mal statt. 

www.festival-perspectives.de 

POSITIONEN 

Berlin 

Frank Castorfs Vertrag als Intendant der Berliner 

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in 

Berlin wurde bis 2010 verlängert. Der Berliner 

Kultursenator Thomas Flierl und Castorf 

haben die Vereinbarung im Oktober unterzeichnet, 

die Entscheidung war bereits 2005 

getroffen worden. Castorf, der 1951 in Ost- 

Berlin geboren wurde und an der Humboldt- 

Universität Theaterwissenschaft studierte, 

übernahm 1992 die Intendanz der Volksbühne. 

Vier Jahre zuvor hatte er an diesem Haus 

mit «Das trunkene Schiff» nach Motiven von 

Paul Zech seine erste Berliner Inszenierung 

vorgestellt. Für sein Schaffen an der Volksbühne 

wurde Castorf in der Vergangenheit 

mehrfach als «Regisseur des Jahres» geehrt, 

auch andere Inszenierungen und das Theater 

wurden mit Preisen bedacht. 

Berlin 

Thomas Oberender soll Intendant des Deutschen 

Theaters werden. So sieht es der Vertrag 

vor, den Oberender mit dem früheren 

Kultursenator Thomas Flierl und im Einverständnis 

mit Berlins Regierendem Bürgermeister 

(der im neuen Senat auch das Kulturressort 

inne hat) aushandelte, und den Flierl vor 

seinem Ausscheiden noch paraphierte. 

Dresden 

Holk Freytag wird seine Arbeit als Intendant 

des Staatsschauspiels Dresden nach der Spielzeit 

2007/2008 beenden. Eine Verlängerung 

der Laufzeit wurde von der Sächsischen Ministerin 

für Wissenschaft und Kunst, Eva-Maria 

Stange, nicht vorgenommen. 

Hof 

Uwe Drechsel, konnte seinen Vertrag als Intendant 

des Theaters Hof bis 2012 verlängern. 

Der Stadtrat betonte, Drechsel habe 

die Gratwanderung zwischen künstlerischem 

Erfolg und wirtschaftlich rentabler Betriebsführung 

sehr gut gemeistert. 

Moers 

Ulrich Greb, wird seine Arbeit als Intendant 

am Schlossheater Moers (stm) laut Vertrag 

noch bis 2011 fortsetzen. Unter seiner 

Leitung erhielt das kleinste Stadttheater 

Deutschlands mehrere Auszeichnungen. 

Münster 

Der Vertrag von Wolfgang Quetes, Generalintendant 

der Städtischen Bühnen Münster 

seit 2004, wurde vom Rat der Stadt bis 2012 

verlängert. Von 1997 bis 2002 war er Intendant 

am Pfalztheater Kaiserslautern. 

Weimar 

Nike Wagner, bleibt dem Kulturfest Weimar 

nach ihrer Vertragsverlängerung mindestens 

bis 2007 erhalten. Seit drei Jahren leitet die 

Urenkelin Richard Wagner das Kunstfest der 

Klassikerstadt und hat es auf den Schwerpunkt 

Musik hin ausgerichtet. 

Wien 

Stefanie Carp, früher Chef-Dramaturgin und 

Co-Direktorin von Marthaler am Schauspielhaus 

Zürich, wird von 2008 bis 2010 Schauspieldirektorin 

der Wiener Festwochen. Das 

gab Intendant Luc Bondy bekannt. Bei den 

Wiener Festwochen folgt Carp Schauspieldirektorin 

Marie Zimmermann nach, die ab 

2008 die Intendanz der RuhrTriennale übernimmt. 

Wiesbaden 

Manfred Beilharz, Intendant des Hessischen 

Staatstheaters, verlängerte aufgrund der erfolgreichen 

Bilanz des Theaters seinen Vertrag 

bis 2014. Gelobt wurde von den Trägern des 

Staatstheaters das konstant hohe Niveau des 

Hauses. Die beiden internationalen Festivals, 

die Maifestspiele und Neue Stücke aus Europa, 

sollen auch in Zukunft einen besonderen 

Stellenwert haben. 

Wiesbaden 

Stephan Thoss wird neuer Ballettdirektor ab 

2007/08 am Staatstheater Wiesbaden. Thoss 

war zuletzt Ballettdirektor am Staatstheater 

Hannover und davor Ballettdirektor in Kiel. 

PERSONEN 

Theo Adam 80 

Der Dresdner Kammersänger und Opernregisseur 

feierte am 1. August seinen 80. Geburtstag 

und plant in naher Zukunft seinen 

Bühnenabschied. Der Gesangsschüler von 

Rudolf Dittrich erhielt 1949 ein Engagement 

an der Staatsoper Dresden, debütierte 1952 

in Bayreuth und wurde wenige Jahre später 

Kammersänger. Seinen internationalen 

Durchbruch erlangte er mit seinem Debüt 

an der Metropolitan Opera New York und 

als Opernregisseur mit Werken von Wagner, 

Mozart, Tschaikowski und Strauss. Außerdem 

war Theo Adam Mitglied der Akademie 

der Künste, des Deutschen Musikrates, der 

Semperoper und Honorarprofessor an der 

Hochschule für Musik Dresden. Weltruhm 

erlangte der Bassbariton vor allem als Interpret 

von Opern von Wagner und Strauss 

und als Interpret von Liedern von Brahms, 

Schubert, Strauss und Wolf sowie als Oratoriensänger. 

Dafür wurde er mit mehreren 

Auszeichnungen geehrt, u.a. mit der Großen 

Goldmedaille des Cercle National Richard 

Wagner, mit der Johannes-R.-Becher-Medaille 

und mit dem Bundesverdienstkreuz. 

Jenny Gröllmann 

Die Schauspielerin ist am 9. August im Alter 

von 59 Jahren einem Krebsleiden erlegen. Die 

Tochter der Theaterfotografin Gertrud Gröllmann 

und ihrem Mann Otto, einem Bühnenbildner, 

war 26 Jahre am Maxim-Gorki- 

Theater engagiert. Ihren Erfolg verdiente sie 

sich u.a. durch ihre Darstellung selbständiger 

junger Frauen in Gegenwartsstücken. Sie war 

aber nicht nur auf der Bühne, sondern auch 

in zahlreichen Fernsehserien zu sehen. 

Hans Werner Henze 80 

Der meistgespielte lebende Opernkomponist 

sowie führender Sinfoniker seiner Generation 

hatte am 1. Juli seinen 80.Geburtstag. Nach 

seinem Musikstudium in Braunschweig lebte 

er an verschiedenen Orten in Italien. Nach 

mehreren musikalischen Stationen debütierte 

er 1952 in Hannover mit seiner Oper „Boulevard 

Solitude“; mit der Oper „Der junge Lord“ 

gelang ihm der internationale Durchbruch. 

Der sich seiner politischen Verantwortung 

bewusste Künstler gründete das Musikfest 

in Montepulciano, wobei er nach Auseinandersetzungen 

mit dem Stadtrat von dessen 

Leitung zurücktrat. 1992 gründete er die 

Münchner Biennale für Neues Musiktheater, 

die er sechs Jahre leitete. Momentan arbeitet 

er an seinem 13. Bühnenwerk „Phädra“, 

welches 2007 in der Staatsoper unter den Linden 

in Berlin uraufgeführt werden soll. 

Karl-Ernst Hermann 70 

Der Bühnenbildner feierte am 12. August 

seinen 70. Geburtstag. Nachdem er in den 

80er Jahren zusammen mit seiner Frau auch 

Opern inszenierte, kam er 1961 zu Kurt Hübner 

nach Ulm. Nach Gerhard Stadelmaier sei 

er „zusammen mit Wilfried Minks der Bühnenbildner 

des damals neuen, jungen Theaters 

[geworden], das versuchte, die neue 

Gesellschaft in den alten Stücken wieder zu 

finden.“ Seine Räume seinen immer „weiter 

als die Dramaturgie“ gewesen. Eine seiner 

jüngsten Arbeiten war das Bühnenbild zu 

John Fosses „Schlaf“ bei den Wiener Festwochen. 

Ivan Nagel 75 

Der Schriftsteller, Kritiker, früherer Theaterintendant 

und Präsident des ITI, heute dessen 

Ehrenmitglied feierte am 28. Juni seinen 75. 

Geburtstag. Der gebürtige Ungar arbeitete 

mit Regisseuren und Schauspielern wie Rudolf 

Noelte, Claus Peymann, Peter Zadek, 

Will Quadflieg, Ulrich Wildgruber, Ute Lemper 

und Barbara Sukowa zusammen. Nagel 

leitete das Hamburger Schauspielhaus und 

das Württembergische Staatsschauspiel in 

Stuttgart, bevor er als Professor an die Berliner 

Hochschule der Künste berufen wurde. 

Für die Spielzeit 97/98 leitete er das Schauspiel 

der Salzburger Festspiele. Bekannt geworden 

ist er nicht allein mit seiner Theaterarbeit, 

sondern auch mit seinen Büchern 

über Kunst und Theater sowie mit seinen politischen 

Streitschriften, wobei sein neuestes 

Buch „Drama und Theater. Von Shakespeare 

bis Jelinek“ dieses Jahr im Carl Hanser Verlag 

36

erschienen ist. Ivan Nagel wurde mit dem 

Ernst-Bloch-Preis und mit dem Heinrich- 

Mann-Preis ausgezeichnet. 

Heidrun Schwaarz 

Die langjährige Ballettdirektorin der Vereinigten 

Städtischen Bühnen Krefeld und 

Mönchengladbach, ist in der Nacht vom 24. 

auf den 25. August im Alter von 63 Jahren 

völlig unerwartet in Constanta, Rumänien, 

gestorben. Zum dortigen Theater war sie 

für die Einstudierung des Balletts „Max und 

Moritz“ gemeinsam mit ihrem Mann, dem 

Tänzer Igor Kosack, gereist. An dem Gemeinschaftstheater 

hatte sie zahlreiche Ballette 

geschaffen und bedeutende Produktionen 

an den Niederrhein geholt. In der letzten 

Spielzeit hat Heidrun Schwaarz ihre letzte 

Choreografie, „Die Windsbraut“, kreiert, die 

am 13. Oktober Premiere hatte. Zu diesem 

Anlass möchte das Gemeinschaftstheater seiner 

ehemaligen Ballettchefin gedenken. 

PREISE 

Nestroy 

Der diesjährige „Nestroy“ (Ende November 

verliehen), der österreichische Theaterpreis 

wurde an die Burgtheaterinszenierung von 

Nestroys „Höllenangst“ vergeben, auch wurde 

Nicholas Ofzcarek für die Darstellung des 

Wendelin zum besten Schauspieler gekürt, 

an Martin Zehetgruber ging der Preis für die 

beste Ausstattung, beides in selbigem Stück. 

Karin Beier erhielt die Auszeichnung für die 

beste Regie für ihre Inszenierung von Maxim 

Gorkis „Kleinbürger“ im Akademietheater, 

Edith Clever wurde für ihre ältere Frau in Jon 

Fosses „Schlaf“ im Akademietheater als beste 

Schauspielerin geehrt, der Preis für die beste 

Nebenrolle ging an Gertrud Roll für die 

Darstellung der Gräfin in Peter Turrinis „Bei 

Einbruch der Dunkelheit“ im Stadttheater 

Klagenfurt und Nuran David Calis konnte als 

„Bester Nachwuchs“ den Nestroy für seine 

rasante „Räuber“-Inszenierung am Wiener 

Volkstheater abholen. Walter Schmidinger 

wurde für sein Lebenswerk geehrt. 

ARCHANGEL 

Die am Festspielhaus Hellerau ansässige 

Theatergruppe DEREVO wurde auf dem 

Edinburgh International Festival mit dem AR- 

CHANGEL des The Herald ausgezeichnet. 

INTHEGA 

Alexander May, der bekannte Theater-, Filmund 

Fernsehschauspieler, wurde für sein 

bisheriges Lebenswerk mit dem Sonderpreis 

2006 des Vorstands der Interessengemeinschaft 

der Städte mit Theatergastspielen 

(INTHEGA) während deren Herbsttagung in 

Goslar ausgezeichnet. Ellen Schwiers erhielt 

den 1. Preis der Kategorie Schauspiel, mit 

der die Mitglieder der Interessengemeinschaft 

der Städte mit Theatergastspielen 

(INTHEGA) die Produktion „Martha Jellneck“ 

von Beate Langemaack und Knut Koch ausgezeichnet 

haben. 

Premio Caixa Catalunya 

Bash Street Theatre aus Großbritannien wurde 

für die Produktion Cliffhanger! mit dem 

Premio Caixa Catalunya 26. FIRA ausgezeichnet. 

Preise wurden auch an Pan.Optikum 

(Deutschland) für „Orpheus“ und Companhia 

de Danca de Almada (Portugal) für „Submersa 

do Meu Ser“ verliehen. 

Young Directors Project 

Der 28-jährige Regisseur Davin Bösch erhielt 

den mit 10.000 Euro dotierten Hauptpreis 

des internationalen Regiewettbewerbs 

„Young Directors Project“ bei den Salzburger 

Festspielen. 

Rowohlt-Preis 

Der Shakespeare-Übersetzer Frank Günther 

erhält den Heinrich-Maria-Ledig-Rowohlt- 

Preis 2006. Die Jury-Mitglieder Helmut Frielinghaus, 

Hans Georg Heepe, Dr. Michael 

Naumann, Dieter E. Zimmer und Nikolai 

Hansen lobten ihn für die „sprachliche Genauigkeit 

und die Shakespeare’sche Lebendigkeit“ 

seiner Übersetzungen. 

Förderpreis NRW 

Der aus Gelsenkirchen stammende Opern- 

Regisseur Immo Karaman wurde mit dem 

Förderpreis des Landes NRW für junge Künstlerinnen 

und Künstler 2006 in der Sparte 

Theater/Regie/Schauspiel/Gesang geehrt. 

Joachim Herz, einer der bedeutendsten 

Opernregisseure des letzten Jahrhunderts, 

der kürzlich seinen 82. Geburtstag feierte, 

wurde mit dem mit 25.000 Euro dotierten 

Saeculum-Preis geehrt. 

Boy-Gobert-Preis 

Julia Nachtmann vom Deutschen Schauspielhaus 

in Hamburg erhielt den Boy-Gobert- 

Preis 2006 als beste Nachwuchsschauspielerin. 

Die jährlich durch die Körber-Stiftung 

verliehene Auszeichnung ist mit 10.000 Euro 

dotiert 

Kleist-Förderpreis 

Der Berliner Autor Dirk Laucke wird für sein 

Stück „alter ford escort dunkelblau“ mit dem 

Kleist-Förderpreis für junge Dramatiker 2006 

ausgezeichnet. Damit ist er der elfte Preisträger 

des renommierten Nachwuchspreises, 

der neben einem Preisgeld von 7.670 Euro 

auch eine Uraufführungsgarantie beinhaltet. 

Der Preis wird ausgelobt von der Dramaturgischen 

Gesellschaft und der Stadt Frankfurt. 

Kritikerpreis 

Der Verband der deutschen Kritiker vergab in 

Frühjahr die Kritikerpreise 2006 – im Bereich 

Tanz an den Choreografen und Bildenden 

Künstler VA Wölfl, im Bereich Theater an den 

Regisseur Jürgen Gosch sowie einen Ehrenpreis 

an Werner Düggelin. 

Wichtigste Choreografen 

Jérôme Bel und Xavier le Roy sind nach einer 

Kritikerumfrage der Fachzeitschrift ballet-tanz 

die wichtigsten Choreografen der Spielzeit 

2005/06. Gelobt wurden Bels Zusammenarbeit 

mit dem thailändischen Tänzer Puchet 

Klunchun und Le Roys Berliner Produktion 

„Mouvements für Lachenmann. Inszenierung 

eines Konzertabends.“ Der Choreograf 

William Forsythe wurde von den Kritikern für 

seine „Three Atmospheric Studies“ gewürdigt 

und die Gründung der „Forsythe Company“ 

in Frankfurt und Dresden. 

Kulturgroschen 

Der Deutsche Kulturrat hat seinen Kulturgroschen 

an den Generalmusikdirektor der Berliner 

Staatsoper Unter den Linden, Daniel Barenboim 

verliehen. Damit wird das große Engagement 

von Barenboim für die Künste, für den interkulturellen 

Dialog und für die nachhaltige Förderung 

von Kultur gewürdigt. 

Dramatiker-Preis des Kulturkreises 

Der Thüringer Thomas Freyer (25) erhält 

2006 den Dramatiker-Preis des Kulturkreises 

der deutschen Wirtschaft im BDI, der in diesem 

Jahr in Kooperation mit dem Schauspielhaus 

Hannover vergeben wird. Freyer erhält 

7.500 Euro und den Auftrag, ein neues Stück 

zu schreiben. 

Mülheimer Dramatikerpreis 

Den Mülheimer Dramatikerpreis 2006 erhält 

René Pollesch für „Cappuccetto Rosso“ 

in der Inszenierung der Volksbühne Berlin / 

Salzburger Festspiele. Die Jury diskutierte ihre 

Entscheidung in öffentlicher Sitzung und votierte 

mit drei Stimmen für Pollesch. 

Playwrights Forum 

Wie vermeldet hatte das International Playwrights 

Forum des ITI auch 2006 wieder einen 

internationalen Stücke-Wettbewerb ausgeschrieben 

– gemeinsam mit der ASSITEJ 

galt das Interesse Stücken für Kinder und 

Jugendliche. Der erste Preis für Stücke für ein 

jüngeres Kinderpublikum ging an „AARH!”, 

von Vladimir Oravsky und Kurt Peter Larsen 

(Schweden), als Stück für „ältere“ Kinder 

wurden “Lillie” von Irene N. Watts (Kanada) 

und „Un Grand Père Formidable” von Muriel 

Parmelan (Frankreich) geehrt. 

Offenbacher Löwe 

Der Bühnenbildpreis „Offenbacher Löwe 

2006“ wurde am 19. November an Susanne 

Hiller für ihren Projekt: „Black Box“ verliehen. 

Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst 

Der Komponist und scheidende Intendant 

der Salzburger Festspiele Peter Ruzicka wurde 

von dem österreichischen Bundeskanzler 

Wolfgang Schüssel mit dem Ehrenkreuz für 

Wissenschaft und Kunst erster Klasse ausgezeichnet. 

Außerdem erhielt er den erstmalig 

von der Bayerischen Akademie der Schönen 

Künste verliehenen und mit 10.000 Euro 

dotierten Preis „Neues Hören“ für die gelungene 

Vermittlung zeitgenössischer Musik, 

der künftig im Rahmen der Münchner Biennale 

vergeben werden soll. 

Experimentales Theater Kairo 

Das 18. Internationale Festival des Experimentalen 

Theaters in Kairo (vom 10. bis 

20. September 2006) mit seiner eher koordinierten 

als kuratierten Programmfülle hat 

zum Abschluss zahlreiche Preise verliehen. 

Als beste Vorstellung wurde „Romeo und 

Julia“ vom russischen Theater Moon ausgezeichnet, 

als beste Regie Sureen Sharedyans 

„Psychosis 4.48“, als beste Schauspielerin Bayan 

Shibib aus Palästina, als beste Schauspieler 

Fayezqozoq and Nadil AlSigary aus Syrien 

geehrt. Das beste Bühnenbild gehörte zu 

”The Crucible” von der japanischen Chinten 

Group und als bestes Ensemble beeindruckte 

das Ensemble von Moon. Namen, die man 

sich merken sollte. 

Shakespeare-Preis 

Der walisische Sänger Bryn Terfel erhält den mit 

20.000 Euro dotierten Shakespeare-Preis der gemeinnützigen 

Alfred Toepfer Stiftung. 

In einer Umfrage unter 50 Kritikern aus dem Inund 

Ausland ermittelte die Fachzeitschrift Opernwelt 

das „Opernhaus des Jahres 2006“. Die Staatsoper 

Stuttgart erhält den Titel zum sechsten Mal 

nach 1994, 1998, 1999, 2000 und 2002. 

Konrad-Wolf-Preis 

Meldungen 

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Der Intendant des Schauspiels Leipzig, Wolfgang 

Engel, wird mit dem Konrad-Wolf-Preis 

2006 der Berliner Akademie der Künste ausgezeichnet. 

Seit mehr als 30 Jahren präge 

Engel (63) die deutsche Theaterlandschaft. 

Seine Inszenierungen, insbesondere im 

Dresden der 80er Jahre, hätten in politisch 

dogmatischer Zeit Zuversicht, Heiterkeit, 

Hoffnung und Esprit vermittelt, hieß es am 

Montag zur Begründung der Akademie. 

MEDIEN / INTERNET 

The World of Theatre / Le Monde du 

Théâtre 2006 erschienen 

In der neunten Ausgabe der ITI-Publikation 

geben Artikel aus 48 Ländern einen Überblick 

über die vergangenen zwei Spielzeiten 

und berichten von ITI-Projekten in den einzelnen 

Ländern. Dank des Engagements des 

ITI Communication Committee (insbesondere 

von Nicole Leclercq aus dem Zentrum 

der französischen Gemeinschaft in Belgien) 

erscheint die aktuelle Ausgabe sowohl auf 

Englisch wie in französischer Sprache. Den 

deutschen Beitrag schrieb der freie Journalist 

Hartmut Krug. Zu bestellen ist „World of 

Theatre“ zum Preis von 25 Euro (inklusive 

Versand). 

General Secretariat of the International Theatre 

Institute, UNESCO, 1 rue Miollis, 75732 

Paris cedex 15, France. iti3@unesco.org 

40 FRAGEN AN EINE ROLLE 

40 FRAGEN AN EINE ROLLE eine Methode 

zur selbstständigen Erarbeitung der Rolle aus 

dem Russischen übersetzt von Ruth Wyneken, 

herausgegeben von Christine Schmalor 160 

Seiten mit 12 Arbeitsskizzen des Autors. Der 

Autor, Regisseur und Schauspielpädagoge 

Prof. Dr. Jurij Alschitz hat nach dem großen 

Erfolg „Die Vertikale der Rolle“ ein weiteres 

Handbuch für die tägliche Schauspielpraxis 

geschrieben. Wieder steht die Selbstständigkeit 

der Schauspieler als den Protagonisten 

eines modernen lebendigen Theaters im Vordergrund. 

Regisseure und Pädagogen finden 

Anregung und Unterstützung für die eigene 

Vorbereitung und den Probenprozess. Eine 

Methode der Fragen? Eine Frage der Methode. 

Das ganze Theatersystem, jede Methode, 

die hier vorgeschlagene inbegriffen, hat nur 

dann Sinn, wenn sie künstlerisch und nicht 

dogmatisch aufgefasst wird. Es erwartet Sie 

ein Buch der Fragen und nicht der vorgefertigten 

Antworten. Fragen sollen als Schlüssel 

zum Wesentlichen dienen. Die Technik, 

Fragen an eine Rolle zu stellen, bereichert 

Schauspieler und Regisseure um die seltene 

aber vitale Qualität, eigene frühere Ideen zu 

hinterfragen und mit sich selbst eine Perestroika 

anzuzetteln. Riskieren Sie es, und Sie 

werden eine wunderbare Welt in der Rolle 

entdecken, voll der verschiedensten Rätsel 

und Geheimnisse, die Tausende von Antworten 

in sich tragen. Manchmal erhalten wir sie 

in der ersten Sekunde, manchmal nie. 

akt.zent@berlin.de 

www.theatreculture.org 

RESIST! Special DVD-Edition 

Special DVD-Edition RESIST! 35mm-Dokumentarfilm 

über das Living Theatre von 

Dirk Szuszies 90 Minuten, englische Originalfassung 

mit deutschen, französischen, 

italienischen und spanischen Untertiteln. 

Preisgekrönter, international gefeierter Film 

über die charismatische Judith Malina und 

ihr legendäres Living Theatre aus New York. 

Im Mittelpunkt stehen ihre Aktionen gegen 

Haß und Gewalt an zentralen Konfliktschauplätzen 

des Weltgeschehens: Ground Zero in 

New York, G8-Gipfel in Genua und Khiam, 

das ehemalige Strafgefangenenlager der israelischen 

Armee im Südlibanon. 

Judith Malina feierte am 8. Juni 2006 in 

der überfüllten Akademie der Künste in Berlin 

ihren 80. Geburtstag und diskutierte mit 

Christoph Schlingensief, Daniel Wetzel und 

Matthias Lilienthal über „Politisches Theater 

Heute“. Aufnahmen dieser Veranstaltung, 

einzigartiges Archiv- und umfangreiches 

Bonusmaterial ergänzen den Hauptfilm und 

machen die DVD-Edition zu einem kompakten 

Standardwerk für alle Film- und Theaterbegeisterte 

sowie politisch interessierte 

Zeitgenossen. 

Eigenverleih Karin Kaper, Berlin.Tel./Fax +49 30 

61507722, kaperkarin@web.de 

www.karinkaper.com 

SCÈNE 9 

Neue französische Theaterstücke 

Das Bureau du Théâtre et de la Danse der 

Französischen Botschaft in Berlin freut sich, 

den neunten Band der Theateranthologie 

Scène präsentieren zu dürfen. Seit diesem 

Jahr wird die Reihe in Zusammenarbeit mit 

dem Verlag Theater der Zeit herausgegeben 

und präsentiert sich so in etwas veränderter 

Gestalt. Wir freuen uns ganz besonders auf 

diese neue Zusammenarbeit. Die Reihe Scène 

veröffentlicht seit 1999 jährlich fünf ins Deutsche 

übersetzte Theaterstücke von französischsprachigen 

Autoren, seit 2000 unter der 

Herausgeberschaft von Barbara Engelhardt. 

Scène trägt damit wesentlich zur Förderung 

der zeitgenössischen französischen Dramatik 

in Deutschland bei, der sich das Bureau 

du Théâtre et de la Danse u.a. widmet. In 

der aktuellen Ausgabe Scène 9 finden sich 

die folgenden Stücke von Lancelot Hamelin, 

Sylvain Levey, Philippe Malone, Michel Simonot: 

„L’Extraordinaire tranquillité des choses“ 

/ „Die außerordentliche Ruhe der Dinge“ 

(Übersetzung: Ulrike Bokelmann Copi), „La 

Tour de la Défense“ / „Das Schlangennest“ 

(Übersetzung: Uli Menke Didier-Georges Gabily), 

„Chimère et autres bestioles“ / „Chimäre 

und anderes Getier“ (Übersetzung: Barbara 

Engelhardt / Mohamed Kacimi), „Heiliges 

Land“ / „Terre sainte“ Übersetzung: Barbara 

Engelhardt, „Philippe Malone, III“ (Übersetzung: 

Bettina Arlt). 

Theateralmanach 2006/2007 ist 

erschienen 

Der Theateralmanach des Münchner 

Theateragenten Bernd Steets ist in diesem 

Jahr zum 15. Mal erschienen. Der Almanach 

bietet eine Vorausschau auf die kommende 

Spielzeit 2006/2007. Alle deutschsprachigen 

Theater, die selbst produzieren, sind darin 

erfasst. Der Theateralmanach beinhaltet 

Informationen zu Veränderungen an den 

Theatern (Intendantenwechsel etc.), zu den 

Etats der Theater, zum Personalstand, zu den 

Besucherzahlen der vergangenen Spielzeit 

und die Spielpläne 2006/2007 mit Premierendaten 

und den Regisseuren. Dazu kommt 

ein Überblick über die Theatersituation in 

den einzelnen Bundesländern und den großen 

Städten in Deutschland, Österreich und 

der Schweiz. 

ISBN 3 – 9808009 – 4 – 6 

Internationales Internet-Tanzfestival: 

SideBySide-net 2006 

Zehn Choreografen, die die Fachjury 

des SideBySide Art Center e.V. aus 189 Bewerbungen 

aus aller Welt als die Besten bewertete, 

präsentieren hier ihre tänzerischen 

Darbietungen. Dazu gehören Künstler aus 

Frankreich, Griechenland, Italien, Schweiz, 

Slowenien, Tschechien sowie aus verschiedenen 

Regionen Deutschlands. Zugleich 

führt der Verein gezielt Kinder an die Faszination 

des professionellen Tanzes heran und 

stellt dem Publikum eine Gruppe tanzinteressierter 

Düsseldorfer Grundschulkinder vor. 

Die Stücke der Choreografen sind für drei 

Monate (bis zum 29.1.2007) als Kurzvideos 

auf www.side-by-side.org zu sehen. Per internationaler 

Ausschreibung wurden Künstler 

dazu aufgerufen, einen Film aus dem 

Repertoire ihrer choreografischen Arbeiten 

einzusenden. Aus 189 Einsendungen wählte 

die internationale Fachjury des SideBySide 

Art Center e.V. zehn Darbietungen aus, deren 

Künstler sie mit je 500 Euro honoriert 

und zur Eröffnungsveranstaltung des Festivals 

nach Düsseldorf eingeladen hat. Zu den 

so Nominierten gehören Künstler aus Frankreich, 

Griechenland, Italien, Schweiz, Slowenien, 

Tschechien sowie aus verschiedenen 

Regionen Deutschlands: Otto Bubenicek 

(Hamburg Ballet), Mateja Bucar (Dum-Club, 

Ljubljana,Slowenien), Antonin Comestaz 

(Hamburg Ballet), Jacqueline Fischer (Theater 

der Klänge, Düsseldorf), Massimo Gerardi 

(movingtheatre.de, Köln), Rafaele Giovanola 

(Cocoondance, Köln), Heike Hennig (tanzscene, 

Leipzig), Claudia Küppers (Lalun Ensemble, 

Düsseldorf), Iritha Kyriakopoulou 

(freelancer, Greece) und Maik Riebort (Tino 

Sehgal, Berlin). 

www.forum-freies-theater.de 

Kulturförderung online 

Im Herbst ging eine neue Datenbank 

zur Kulturförderung online. Ausgangspunkt 

war die Idee der Kulturstiftung der Länder, 

ein Informationszentrum für Kulturförderung 

aufzubauen. Die neue online-Datenbank 

wird Informationen über kunst- und kulturfördernde 

Stiftungen, Unternehmen und 

andere Institutionen allen Interessierten zugänglich 

machen. Die Frage, wer ein Theaterfestival 

unterstützt, welches Unternehmen 

Theaterprojekte mit Kindern fördert oder ob 

es für junge Ballettänzer genug Förderung 

gibt, sollte sich dann per Mausklick beantworten 

lassen. In einer Zweckgemeinschaft 

mit hervorragendem Ziel verbinden sich der 

Bundesverband Deutscher Stiftungen, der 

Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI 

und die Kulturstiftung der Länder. 

Deutsches Informationszentrum für Kulturförderung, 

Lützowplatz 9, 10785 Berlin. 

Tel. +49 30 2535 8566, 

informationszentrum@kulturfoerderung.org 

www.kulturfoerderung.org 

38

Tanz der Gedanken und Körperteile 

im Netz 

Mit corpus.net findet sich im Internet ein 

Magazin, das sich mit zeitgenössischen Perspektiven 

und Praktiken in Tanz, Choreografie 

und Performance auseinandersetzt – im Zusammenhang 

mit assoziierten Kunstsparten 

sowie den mit diesem weiten Feld verbundenen 

Körperdiskursen. Der Titel corpus ist 

eine Anspielung auf die Formulierung eines 

„Körpers des Sinns“ durch den französischen 

Philosophen Jean-Luc Nancy. Zur Zeit wird 

das Magazin noch überwiegend in deutscher 

Sprache geführt. Alle Texte allerdings, 

die die Redaktion auf Englisch erhält, werden 

in der Originalsprache auf die Site gestellt, 

um nichtdeutschsprachigen Neugierigen 

schon jetzt einige Möglichkeiten zu bieten, 

an corpus teilzuhaben. Die im ersten Ansehen 

vielleicht etwas eigenwillig anmutenden 

Rubriken Finger, Wirbelsäule, Zunge, Schuh 

und Rakete führen einerseits von den stereotypen 

Formulierungen der Informations- 

Website weg und verraten zum anderen bereits, 

worum es in corpus geht. Der FINGER 

mit seiner Symbolik der Indexikalität und 

der Schrift enthält Arbeiten zur Theorie und 

Essayistik (auch die Editorials), ferner Überlegungen 

zur Ermöglichung und Veröffentlichung 

von Kunst durch Kuratorenschaften, 

weiters die Verweisrubrik Service und das 

Forum, in das man sich einschreiben kann. 

In WIRBELSÄULE verbirgt sich das tragende 

Moment von Denken und Lexikalität, daher 

sind hier die Interviews, Portraits, das Archiv 

und die corpus-Enzyklopädie angelegt. 

Mit Sprache, Äußerung und Verbindung ist 

die ZUNGE zu assoziieren, also bringen wir 

in dieser Rubrik die Themenschwerpunkte, 

Kritiken, Literaturtips und (künftig) inhaltliche 

Kooperationen mit corpus hier unter. 

Und dann der SCHUH, das Objekt und seine 

Handhabung, die Technik und das Lernen, 

das Herholen des Anderen und die Pflege 

von Gastfreundschaft. Hier finden sich die 

corpus-Residencies, die Abteilung Techné 

mit Texten über Körpertechniken, Research 

und Pädagogik, und schließlich das Reflectory, 

in dem corpus Nachwuchskooperation 

und -entwicklung betreibt. Diese anagrammatische 

Anatomie wird durch die Rubrik 

RAKETE ergänzt, die geistesblitzhaft Raketen 

durch den Körper von corpus zischen lässt, 

so dass wir aufschrecken und fragen: „Was 

ist denn das?“ Was ist es also? Möglicherweise 

eine Art temporärer autonomer Zone... 

Zum Auftakt offeriert die Redaktion einen 

Themenschwerpunkt unter dem Titel „Der 

verstellte Körper“ nach einer Idee von Nicole 

Haitzinger mit Texten von Rainer Nägele, 

Krassimira Kruschkova, Rabih Mroué, Haitzinger 

und Helmut Ploebst. Ein weiteres Thema 

ist bereits in Planung und folgt im Februar 

2007. Ein praktisches Werkzeug für alle, 

die es betrifft, soll das corpus-Service sein. 

Mit Adressen, Veranstaltungstips, Blackboard 

und Jobbörse wird den Besucherinnen und 

Besuchern der Site Praktisches serviert – mit 

Links zu größeren Info-Maschinen. À propos 

Links: Ein Blick in die Reflectory-Abteilung 

zeigt, was die Nachwuchs-Autor(inn)en bei 

corpus.net im Web recherchiert haben. Last 

but not least rundet ein moderiertes Forum 

zum Thema Kollektivität den Inhalt auf. 

www.corpus.net 

theaterspielplan.at geht online 

theaterspielplan.at, das neue Onlineportal 

der österreichischen freien Theaterszene, 

ermöglicht nicht nur die Suche nach Premieren 

und aktuellen Produktionen, sondern 

auch nach Produktionen, die gerade nicht 

auf dem Spielplan stehen, nach Ensembles, 

Personen und Spielorten und ist mit einem 

differenzierten Schlagwortregister versehen. 

Wo hat mein Lieblingsschauspieler mitgespielt, 

was hat meine Lieblingsregisseurin 

zuletzt inszeniert, wer in Salzburg arbeitet 

im Performancebereich zum Thema Mozart? 

www.theaterspielplan.at ermöglicht alle diese 

Recherchen, gleichzeitig entsteht ein umfassendes 

Archiv freier Theaterarbeit. Zusätzlich 

funktioniert die Website künftig als zentrale 

Datenschnittstelle: wer sich dort einträgt, 

dessen Produktion wird (voraussichtlich ab 

Herbst) an die Redaktion des Falter weitergeleitet, 

im online-Veranstaltungskalender des 

Falter aufscheinen und von dort an weitere 

15 Medienpartner des Falter - unter anderem 

den STANDARD - exportiert. Kooperationen 

mit weiteren zentralen österreichischen Kalendarien 

sind in Planung, ein Ticketsystem 

ist künftig integrierbar. Die dahinterliegende 

Datenbank „culturebase“ stammt vom Kulturserver. 

Viele im Kulturbereich tätige Organisationen 

nutzen sie bereits wie etwa die 

Berliner Spielstätten im gemeinsamen Internetauftritt: 

http://www.berlin-buehnen.de, 

dance germany (www.dance-germany.org), 

tanzkalender.de und andere angeschlossene 

Seiten. 

www.theaterspielplan.at 

World Theatre Directory online 

Eine Re-launch hat die online-Datenbank 

„World Theatre Directory“ erfahren. Neben 

praktischen Informationen über die ITI-Zentren 

werden von den beteiligten Nationen 

jeweils eine kurze essayistische Einführung 

zur nationalen Theatergeschichte und zu 

aktuellen Entwicklungen sowie konkreten 

Daten zu Festivals, Theaterhäusern sowie 

Ausbildungsmöglichkeiten, Informationszentren 

und Publikationen im Bereich der Darstellenden 

Künste geboten. Die Datenbank 

wurde mit Unterstützung der UNESCO-Abteilung 

für Kunst und Kultur aufgebaut und 

wird laufend von den nationalen Zentren 

aktualisiert. 

www.iti-worldwide.org 

www.freiekultur.de 

Auf der Seite www.freiekultur.de können 

Kunstschaffende und Artisten Jobs finden 

und ausschreiben, sich registrieren und mit 

eigenen Angeboten gefunden werden. Sie 

können, diskutieren, Fotos veröffentlichen, 

Infos beziehen und Fördermöglichkeiten recherchieren. 

Die Seite und das Forum wurden 

neu eingerichtet und stehen ab sofort 

zur Verfügung. 

www.freiekultur.de 

Meldungen 

39

Theatertexte 

Theater vor der Wahl 

Von Hedda Kage 

Mexiko im Wahlfieber, kaum ein Straßenbaum, 

an dem nicht mindestens drei Plakatgesichter 

der Präsidentschaftskandidaten 

oder ihrer regionalen Gouverneursanwärter 

baumeln. Richtiges Vertrauen scheint keiner 

der Prätendenten einzuflößen. Auch wenn 

der Subcommandante Marcos den jungen 

Leuten empfiehlt, gar nicht zu wählen, unter 

den Intellektuellen und Künstlern hat man 

sich dazu entschlossen: Am 2. Juli geht es zur 

Sache: Um keinen Preis die regierende PAN 

noch einmal an die Macht, um gar keinen 

Preis die Rückkehr der PRI! Also bleibt nur 

die Unterstützung der Wahlkampagne des 

von der PRI losgelösten, eine linke, radikal 

demokratische Option anbietenden Kandidaten 

Obrador. Im Fall seines Sieges geistern 

schon Namen für frei werdende Positionen 

in Kultur und Auswärtigen Angelegenheiten. 

Wird Victor Hugo Rascón-Banda, mehrfach 

ausgezeichneter Dramatiker und Erzähler 

und aktiver Präsident des Schriftstellerverbandes, 

der Nachfolger von Sari Bermudez 

im Amt des Secretario General von Conaculta? 

Spekulationen unter der Hand, ein pures 

Jonglieren mit Namen oder absehbares Revirement? 

Gewissheit herrscht nur darüber, 

dass alle gehen müssen, die bis jetzt führende 

Positionen im staatlichen Kulturbereich 

innehatten. So erwartete man mit Spannung 

die erste der Fernsehdebatten zwischen den 

Kandidaten, und war enttäuscht von den eingefrorenen 

Gesichtern der Macht: gestanzte 

Allgemeinplätze, billige persönliche Angriffe. 

Kein Wort zur Kultur! Wozu hatte Obrador 

eine Woche vorher die Spitzen der Kultur zu 

einem Gespräch eingeladen? Alles war da, 

was Rang und Namen hatte, doch konkrete 

Vorschläge waren nur von Rascón-Banda 

präsentiert worden. Von den anderen kamen 

nur „Träumereien“ – doch die mexikanischen 

„hornos“ sind keine „französischen Kamine“. 

Knallhart geht es zu in Chiapas und Antenco, 

wie aus Fernsehberichten und Artikeln der 

oppositionellen Zeitung „La Jornada“ zu ersehen 

ist. Das hässliche Gesicht Mexikos, gespiegelt 

in den schändlichen, von der Regierung 

zynisch zu „vereinzelten Übergriffen“ 

heruntergespielten Menschenrechtsverletzungen 

der Polizei, vor allem gegen Frauen. 

Kein Wort von all dem in den maskenhaft 

vorgetragenen Diskursen der Präsidentschaftskandidaten, 

nur die Wiederholung 

gleich lautender Versprechungen. Flagge zu 

zeigen, wagte ausgerechnet ein vom Kulturministerium 

abhängiger Rundfunksender, 

Radio Educación, der vor jeder Wahlpropagandasendung 

in einer Endlosschleife immer 

wieder die gleiche Musik abspielen ließ, um 

die Austauschbarkeit der Phraseologie eindringlich 

zu Gehör zu bringen. Unter der Generaldirektion, 

Dr. Lidia Camacho, hat dieser 

Sender ein unverkennbares Profil entwickelt 

und mit der 6. internationalen Radiobiennale 

vom 15. bis 19. Mai 2006 erneut bewiesen, 

welche kulturelle und politische Bedeutung 

dem Rundfunk in Mexiko zukommt und 

welche Aufmerksamkeit dieser Kultursender 

weltweit genießt. In ihrem Buch „Una 

década de irradiar nuevas ideas sonoras. La 

historia de la Bienal Internacional de Radio“ 

hat Lidia Camacho die Entwicklung von der 

ersten Idee bis zur Realisation der nunmehr 

6. Biennale mit sämtlichen Programmen und 

internationalen Teilnehmern, darunter viele 

deutsche Partner, dargestellt. Es gibt auf der 

Welt kein vergleichbares Forum der Reflexion 

des Mediums über sich selbst. Hochrangig 

besetzt, bezog es unüberhörbar Position angesichts 

der durch Korruption fatal verwässerten 

Fassung des neu zu verabschiedenden 

Rundfunk- und Fernsehgesetzes in Mexiko. 

Fraglich, ob die Intervention einiger Senatoren 

die Verabschiedung des Gesetzes vor 

der Wahl wird verhindern können. Ebenso 

fraglich, ob eine Verbesserung des Entwurfs 

nach der Wahl noch möglich sein wird. 

Auch Lidia Camacho rechnet damit, ihren 

Stuhl bei Radio Educacion räumen zu müssen. 

Und was wird aus Mario Espinoza, dem 

einfallsreichen Chef der Fonca (vergleichbar 

der Bundeskulturstiftung) und Initiator des 

internationalen Theatertreffens „Puerta de 

las Américas“, das vom 1. bis 4. Juni nun 

zum 3. Mal stattfand? Ihm ist es gelungen, 

Produzenten, Festivaldirektoren und Promotoren 

für Musik, Tanz und Theater aus aller 

Welt nach Mexiko einzuladen und mit der 

Vielseitigkeit künstlerischer Produktion seines 

Landes bekannt zu machen und in bewundernswertem 

logistischen Wettlauf zwischen 

Zeit und räumlichen Entfernungen in der 

mexikanischen Metropole einen breit gefächerten 

Programmüberblick – mit täglich 3-4 

Aufführungen für jede Sparte – zu bieten. Es 

brummte auf sämtlichen Kommunikationskanälen 

im Hotel Sheraton Centro Histórico, 

in dem drei Tage lang auf der Theatermesse 

in achtzig Boxen musikalische und performative 

Produktionen sich um das Interesse der 

internationalen Fachleute bemühten. Sinnvoller 

erschienen mir die Begegnungsplattformen, 

auf denen Autoren und Regisseure 

aus Mexiko mit Übersetzern und Promotoren 

aus Europa und den USA an drei Arbeitstischen 

in einen lebendigen Dialog gebracht 

wurden, nicht zuletzt Dank der vorzüglichen 

Moderation durch den Autor, Regisseur, Darsteller 

und Theaterwissenschaftler Luis Mario 

Moncada, den Dramatiker Edgar Chias und 

die jungen Theaterwissenschaftsstudentin 

Ximena Sanchez de la Cruz. “Nationaltheater“ 

und „Förderung nationaler Dramaturgie 

im Kontext internationaler Begegnungen“ 

waren die zentralen Themen der Arbeitsgespräche. 

Die Ergebnisse sollen zu präzisen 

40

Formeln komprimiert, als Kulturagenda, der 

neuen Regierung unterbreitet werden. 

Wie es um die Theaterbegeisterung der 

Mexikaner steht, lässt sich schwer abschätzen. 

Offensichtlich ist in der jungen Generation 

eine starke Neigung zum Theater mit 

entsprechendem Andrang an den Schauspielschulen 

festzustellen, doch die zahlreichen 

Säle sind für gewöhnlich schlecht 

besucht. Ganz anders als in Argentinien, 

scheint in Mexiko das Theater auf der Suche 

nach seinem Publikum zu sein. 

Theater in der UNAM 

Seit 2004 wird die zur UNAM gehörende 

Theaterhochschule von der Bühnenbildnerin 

und Professorin Monica Raya sehr streng und 

konsequent in ihrer Spielplanpolitik geleitet. 

Die Mehrzahl der 22 Produktionen, die während 

ihrer Amtszeit entstanden und in den 

verschiedenen Theatersälen gezeigt wurden, 

stammen von jungen Autoren und Regisseuren 

in Zusammenarbeit mit Absolventen 

und künstlerischen Lehrern der beiden unterschiedlichen 

Ausbildungsinstitute. Die CUT 

gilt als eindeutig bessere Ausbildungsstätte 

für Schauspieler. Die Ausbildung an der Theaterhochschule 

der UNAM ist vielleicht umfassender 

und akademisch anspruchsvoller, 

und mit dem Titel ist man besser dran, doch 

die Schauspielausbildung ist weniger intensiv. 

In jedem Fall ist es Monica Raya gelungen, 

wieder ein Publikum für die Theatersäle 

in der UNAM heranzubilden. Im Foro Sor 

Juana sehe ich vor ausverkauftem Haus die 

Nachmittagsvorstellung einer zu recht hoch 

gerühmten Peer Gynt Inszenierung von Carlos 

Corona. Bühnenbildlösung und Kostüme 

sind von einer außerordentlichen Phantasie, 

die Bearbeitung für 8 Darsteller in 40 Rollen 

stringent und humorvoll für eine zweieinhalb 

Stunden Aufführung mit einem jungen Star: 

Rodrigo Vazquez und einer ebenso überraschenden 

Laura Almela (als Ase, Gnomi und 

Fundidor). Eine beglückende Ensembleleistung 

in dem wie ein Puppenhaus vielseitig 

bespielbaren Einheitsbühnenbild. 

Jede Gruppe muss sich um Projektmittel 

für ihre jeweils geplante Produktion bemühen 

und möglichst einen institutionellen 

Partner (INBA, UNAM oder HELENICO) finden 

und ggf. neue Räume anmieten, um den 

Erfolg anschließend überhaupt im Repertoire 

halten zu können. Wie soll sonst ein Gastspiel 

im Ausland im darauf folgenden Jahr zustande 

kommen? Meistens sind allerdings Umbesetzungen 

erforderlich, weil die Schauspieler 

inzwischen in weiteren Projekten engagiert 

sind. Umso wichtiger die Bemühungen um 

Gastspiele in anderen Provinzen im riesigen 

eigenen Land und um ausländische Koproduktionen, 

wie beim diesjährigen Cervantino 

Festival in Guanajuato (4. bis 22. Oktober) 

mit dem Londoner Royal Court. 

Allen ist klar, dass das Wahlergebnis am 

2. Juli für die Kulturfinanzierung und Kulturpolitik 

von entscheidender Bedeutung sein 

wird. Der Kandidat Obrador, wenn er denn 

wunschgemäß doch gewinnen sollte, muss 

mit Ideen versorgt werden, denn unter den 

Politikern der Parteien findet sich kein Experte 

auf diesem Sektor. 

Vieles erinnert mich an den Wahlkampf 

von Schroeder, der ja auch mit der Ernennung 

eines Beauftragten für Kultur seinen 

Wahlkampf 1994 „aufgehellt“ und für junge 

Wähler attraktiv gemacht hatte. 

Und dann geschieht am 2. Juli das Unglaubliche! 

0,53 % fehlen Obrador für den 

Sieg. Die Gerüchte überschlagen sich, die 

Beweise für den horrenden Wahlbetrug aber 

könnte nur die von ihm und seinen Anhängern 

geforderte erneute Auszählung aller 

Stimmen liefern. Das oberste Wahlgericht 

verweigert das und erklärt Calderon zum 

neuen Präsidenten, der Anfang Dezember 

die Nachfolge von Vicente Fox antreten soll. 

Leider haben die voreiligen Gegenaktionen 

Obradors (Besetzung des zentralen 

Platzes vor der Kathedrale, Straßenblockaden 

– noch bevor Calderon vom Wahlgericht 

zum Sieger ausgerufen war – usw.) die mexikanische 

Gesellschaft polarisiert. 

Wut und Enttäuschung über den erneuten 

Wahlbetrug versuchen Künstler wie 

Jesusa Rodriguez, eine der vielseitigsten Regisseurinnen/Darstellerinnen, 

in kulturelle 

Widerstandsaktionen umzusetzen. Frauen 

wie Jesusa und viele andere sind nicht bereit, 

noch einmal den Rückzug in geduldiges 

Abwarten anzutreten wie damals bei dem 

schon getürkten Wahlsieg von Fox, der die 

korrupte PRI, die Partei der immerwährenden 

Revolution - zwar abgelöst, doch nur durch 

ein ebenso korruptes neoliberales System 

ersetzt hat. Wenn Obrador sich ,wie inzwischen 

geschehen, am 20. Nov. zum Gegenpräsidenten 

erklärt, wenn Calderón am 1. 

Dez. offiziell die Präsidentschaft antritt, weiß 

niemand, was passieren, welche Formen der 

Widerstand evtl. annehmen kann. Andererseits 

gibt es auch unter den zuvor lautstarken 

Anhängern Obradors aus dem Kulturbereich 

durchaus mehrere, die sich bereits leise auf 

den Weg ins Lager der Macht aufgemacht 

haben, berichtet Jaime Chabaud, der umtriebige 

Autor und Chef der exzellenten Theaterzeitschrift 

„Paso de Gato“. 

Jesusa Rodriguez erzählt, dass sie nach 

zwanzig Jahren, ihres inzwischen zur Institution 

gewordenen, politischen Frauenkabaretts 

in Mexiko D.F. aus dem Bedürfnis nach 

einer anderen Form des unmittelbaren, politisch 

künstlerischen Dialogs begonnen hatte, 

in Chiappas mit Indigena-Frauen Theaterworkshops 

durchzuführen. Aus dieser Begegnung 

und der aktiven Beteiligung an der 

Wahlkampagne für Obrador ist wohl auch ihr 

Programm erwachsen, das ich beim Festival 

in Cadiz sehen konnte. 

„El Maiz“ 

Ein gewagter Grenzgang zwischen Ritual 

und Kabarett der nackt, mit grüner Göttermaske 

auftretenden Jesusa. Sie bemalt 

ihren symbolischen Körper, das Land, das 

Maisfeld, die Wiege der Menschheit, den 

von genmanipulierten Angriffen bedrohten 

Körper, bemalt Arme, Beine und Gesicht, 

das schließlich die Maske des weißen Todes 

annimmt. Die von ihr z.T. in Nahoatl gesprochenen 

Verse werden von Liliane Felipe 

am Piano leider all zu sehr in dramatischen 

Gesang übersetzt, was die inszenatorisch 

überzeugendsten Verwandlungen der Jesusa 

beeinträchtigt. Ihre blauen Fußspuren 

malen eine Schneckenspirale auf dem unberührten 

weißen Papierfeld, um darunter zu 

kriechen, es zu durchstoßen, zu einem sie 

umhüllenden Brautkleid oder Leichentuch zu 

verwandeln, das endlich zu einem unbrauchbaren, 

schmutzig zerknüllten Abfallbündel 

verkommt. Ein Bravourstück ist ihre große, 

alle kabarettistischen Pointierungskünste aufbietende 

Darstellung der in ein Netz gekleideten, 

darin erstickenden Mestiza, die der 

Außenwelt den widersprüchlichen und mörderischen 

Schwachsinn ihres zerstörerischen 

Umgangs mit dem Mais vorhält. Geboren 

aus dem Bedürfnis, nicht die Denunziation, 

nicht die politische Namen nennende Anklagegeste 

auf die Bühne zu bringen, sondern 

theatralisch, d.h. symbolisch zu arbeiten, 

leidet dieser interessante Versuch dennoch 

an der Unausgeglichenheit der Mittel und 

verfängt sich in manchen Untiefen des politischen 

Kitsches. 

„Extras“ 

ist eine Sondervorstellung im ausverkauften 

Teatro Julio Castillo. Sabina Bermans 

Inszenierung ruht auf zweien der Gebrüder 

Bichir, einem vor allem durch den Film berühmt 

gewordenen Trio, das wie die Reinkarnation 

der Marx Brothers zu den beliebtesten 

Darstellerikonen Mexikos gehört. 

Was die beiden Brüder auf der riesigen leeren 

Bühne mit einer fulminanten Lichtregie 

zusammenzaubern, ist atemberaubend professionell 

und engagiert und wirkungssicher. 

Sabina Bermans Bearbeitung macht das 

ursprünglich irländische Stück über illegal 

beschäftigte mexikanische Filmstatisten zu 

einem hinreißenden Erfolg. Die in Road-Movie-Manier 

sich abspulende Handlung, lässt 

die beiden Protagonisten in acht verschiedenen 

Rollen und unter Einbeziehung des 

Publikums so körperbetont, witzig, akrobatisch 

über die drei Lichtpodeste toben, dass 

man die Message mit bejahendem Lachen 

begrüßt. Im Schlussapplaus heben sie ein 

Schild hoch: „Muro no“ („Mauer weg“). Die 

beiden nordamerikanischen Produzenten, 

die diese Aufführung durch die USA schicken 

wollen, zeigen sich sichtlich bewegt. So gut 

kann politisches Theater sein ohne ein Wort 

zur aktuellen Politik zu sagen! 

„Mestiza Power“ von Saa‘s Tun ist eine 

narrative, beeindruckende Vorstellung und 

zeigt die andere, ebenso engagierte, Hälfte 

des mexikanischen Gesichts. Drei Frauen aus 

Tijuana erzählen aus ihrem Leben. Keine Folklore, 

sondern eine unsentimentale, erotisch 

aufgeladene, mit ganz einfachen Requisiten 

die Bühne über die Rampe verlängernde 

Darstellung mestizischen Lebens. Das Publikum 

jubelt. Alle verkrampften Problematisierungen 

von „Identität“ und „Wurzeln“ 

erübrigen sich, wenn man eine solche Aufführung 

sieht. 

Für die Vorstellung „Un Ensayo sobre la 

inmovilidad“ des begabten Alberto Villareal 

und seiner inspirierten Truppe in einem leeren, 

alten Apartment, gibt es leider nur wenige 

Zuschauer. Alberto nutzt sein großzügiges 

Stipendium ausschließlich zum Schreiben 

und Inszenieren. Alle übrigen spielen 

auch noch in anderen Aufführungen, doch 

Albertos ungewöhnlicher Weg der theatralischen 

Forschung, der von einer jungen Theaterwissenschaftlerin, 

als Dramaturgin und 

Chronistin der Inszenierung von Kafkas „Die 

Verwandlung“ begleitet wird, macht das 

zentrale Interesse für sie aus. Im Gegensatz 

zum fulminanten Lichtzauber der Fura dels 

Baus spinnt Albertos mit ganz elementaren 

Mitteln zaubernde - Stühle, Tisch, Türen und 

Ventilator verwendende - Aufführung den 

Zuschauer in einen beängstigenden Bedeutungskokon 

ein, und kommt dem existentiellen 

Kern des Kafkatextes damit sehr nahe. 


41


Alberto Villareal ist es auch, der auf dem Theatermarkt 

von Puerta de las Américas sowohl 

die aus Buenos Aires eingeladene Aufführung 

von „Open House“ als auch generell die Arbeit 

seiner argentinischen Kollegen Veronese, 

Spregelburd und Tantanian vertritt. Das 

entspricht dem Konzept von bilateraler Zusammenarbeit 

zwischen Künstlern, die auch 

ästhetisch miteinander zu tun haben. 

Äußerst umstritten unter Theaterleuten 

ist die Aufführung von „Piel“ der Valdes Kuri 

Truppe „Teatro de Ciertos Habitantes“, die 

mit ihrer hoch gelobten Inszenierung von 

„Automobil Gris“ quer durch Europa getourt 

sind. „Piel“ von Ximena Escalante (Autorin 

von „Phädra und andere Griechinnen“) ist 

das Ergebnis eines kollektiven Probenprozesses, 

dessen Dialoge und Beziehungsmuster 

in Monate langen Improvisation entstanden 

sind. Die Autorin hat das Bestreben, 

diesen für sie nicht abgeschlossenen Arbeitsprozess 

– trotz der erfolgreichen Aufführung 

– schreibend weiter zu führen und Szenen 

hinzuzufügen: Eine Gruppe von fünf Freunden 

beschließt, den Geburtstag eines von ihnen 

mit einer physischen Untersuchung zum 

Thema „Haut“ zu begehen. Zwei Frauen, 

drei Männer lassen sich auf ein gefährliches 

Spiel ein und treiben sich wechselseitig an 

die äußersten Grenzen physischer und psychischer 

Verletzung. Auch wenn Kuris Eitelkeit 

der Perfektion die Balance etwas stört, 

die Inszenierung hat große Qualitäten in Dynamik 

und Fragilität der Beziehungen. 

„Un Mambo con la Catrina“ 

Ist der Titel von Cordelia Dvorak szenischem 

Projekt. Seit sechs Jahren arbeitet 

die Deutsche erfolgreich in Mexiko als Bühnen- 

und Kostümbildnerin, als Dokumentarfilmerin 

und nun zum zweiten Mal als 

Theaterregisseurin. Ihr szenischer Totentanz 

erlebt seine Uraufführung in einer Basler 

Galerie am 2. November im Rahmen eines 

„Diesseitsvomjenseits“ genannten kulturellen 

Austauschprogramms, das Toten-Rituale 

aus Mexiko und der Schweiz im Vergleich 

zeigt. Mit der aufregend verwandlungsfähigen 

Tänzerin Pilar Meckna, als weiblicher 

Tod, neben den beiden exzellenten Schauspielern, 

dem begnadeten Carlos Cobos, als 

Zeichner und Karikaturist Posada, und dem 

vielseitigen Arnoldo Picazzo, als dessen Lehrling 

und Freund, betritt der armlose Zwerg 

José Flores, Mundharmonikavirtuose und Vater 

von sieben groß gewachsenen Söhnen, 

zum ersten Mal in einer Theateraufführung 

die Szene. Seine zwischen Vogelwesen, Devotionalienengel 

und philosophierendem 

Clochard changierende Figur des Vermittlers 

zwischen beiden Welten, macht aus ihm eine 

Art Charon, der alle Tricks der Täuschung beherrscht, 

und verleiht diesem musikalischen, 

poetischen, volkstümlich grotesken und befremdlichen 

Spiel seinen berückenden Zauber. 

Beim Kulturfestival im März 2007 kann 

Cordelia Dvorak ihren szenischen Totentanz 

nach Mexiko zurückführen. Wer weiß, in was 

für ein Land? 

P.S. 

Die ersten Maßnahmen des am 1. Dezember 

offiziell ins Amt eingeführten Präsidenten 

Calderón betreffen eine drastische Kürzung 

des Kulturetats um 700 Millionen Pesos. 

Sämtliche Kulturinstitutionen haben zu 

einem zentralen Protestmarsch am 19. Dezember 

aufgerufen. 

Foto: Internationale Projekte 

des NRW KULTURsekretariats 

(siehe Seite 12) 

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Reko Lundán (1969 – 2006) 

Wir haben einen Schriftsteller und einen 

Regisseur verloren, der sich für die kleinen 

Leute im Räderwerk der Gesellschaft einsetzte. 

Wir haben einen Künstler verloren, 

der in seinen Werken von den eigenen Erfahrungen 

und Beobachtungen aus seiner 

Umgebung auf eine so ersichtliche Weise 

Gebrauch machte, dass es bewegend und 

berührend war. 


Stadttheater New York – 

neue deutsche Stücke und eine Kantine dazu 

Von Thomas Irmer 

Deutsche Stücke in Amerika - das ist lange 

her, dass Neues von Kroetz, Strauss oder 

Handke regelmäßig zur Kenntnis genommen 

und auch gespielt wurde. Vom Boom 

neuer europäischer Dramatik gelangen ins 

amerikanische Theater allenfalls Stücke aus 

England. Der Verein German Theatre Abroad 

(GTA), 1996 als ein mobiles transatlantisches 

Unternehmen zur Vermittlung deutscher Gegenwartsdramatik 

gegründet, simulierte im 

Mai vier Wochen lang ein kleines deutsches 

Stadttheater. Downtown Manhattan fand 

man im experimentierfreudigen HERE Arts 

Center einen Ort, der New Yorker Theaterkennern 

geläufig ist und eher die räumliche 

Nähe zur Kunstszene in Chelsea aufweist als 

zum kommerziellen Broadway. Das temporäre 

Theater war durch die Kantine zu betreten, 

mithin einer Einrichtung, die in amerikanischen 

Theatern wegen der erdrückenden 

Mietaufkommen kaum bekannt ist. Es ging 

also nicht allein um neue Stücke, sondern 

auch um die Vermittlung des „whole cultural 

construct“, als das die New York Times 

deutsches Theater vom amerikanischen unterscheidet. 

Jever-Pils und Gaffel-Kölsch, an 

der Wand die Porträts von fünfzig deutschen 

Intendanten, dazu natürlich Gespräche, 

auch als Podiumsdiskussionen angesetzt, bei 

denen zuerst ein paar Klischees ausgetauscht 

und anschließend abgeräumt wurden. Amerikanische 

Theaterleute etwa sprechen von 

einem deutschen Theaterwunderland, in 

dem man sich kaum um den Kartenabsatz 

sorgen müsste – weil das Publikum sowieso 

kommt und ansonsten die Subventionsvollversorgung 

jedes künstlerische Risiko garantiere. 

Deutsche Theaterexperten hingegen 

vermuten, das amerikanische Theater sei, 

von der New Yorker Avantgarde abgesehen, 

gänzlich unpolitisch; außerdem wird der 

mittlerweile stark gewachsene Stellenwert 

der regionalen Repertory Theatre, die in vielen 

größeren Städten der USA den Kern des 

Theaterlebens darstellen, hier zumeist ausgeblendet, 

wenn es um die deutsche Sicht auf 

das dortige Theater geht. 

Insofern war die GTA-Kantine in der Konzeption 

der Dramaturgin Birgit Lengers ein 

echter kulturpolitischer Ort dieses Stadttheaters. 

GTA hatte 1997 Klaus Pohls „Die schöne 

Fremde“ mit einer Lesung vorgestellt, ihr 

folgten über mehrere Jahre die NEW GER- 

MAN VOICES im Cherry Lane Theater als 

Festival neuer Dramatik. Für das Stadttheater 

entstanden nun zwei Inszenierungen: „Slipped 

Disc“ (Bandscheibenvorfall) von Ingrid 

Lausund mit amerikanischen Schauspielern 

in der Regie von Simone Blattner – die Wahl 

dieser Büro-Satire zielte auf ein Publikum, 

das mehrheitlich sein Tagwerk in Büros verrichtet 

und ohne Mühe einen verwandten 

Blick auf die Rituale der Hackordnung hinter 

geheuchelter Freundlichkeit gewinnen konnte. 

Roland Schimmelpfennigs „Die Frau von 

früher“ bot dagegen in der Regie von Daniel 

Fish schon weniger Vertrautes, zumal dieser 

junge Regisseur, der in England und den USA 

bereits auf eine beachtliche Zahl von Erstaufführungen 

verweisen kann, das Stück in einer 

expressiv-surrealen Stimmung enden ließ, die 

die Idee von deutschem Theater in Manhattans 

alternativer Szene als Gegensatz vergessen 

ließ. Selbstbewusst ironisch hatte sich das 

von Ronald Marx geleitete GTA-Stadttheater 

mit dem Slogan „No fun. No profit. No previews.“ 

angekündigt und damit gleich drei 

landläufige Vorstellungen vom deutschen 

Theaterbetrieb selbst ins Spiel gebracht, was 

von der New York Times prompt aufgegriffen 

wurde. No fun wäre unfair, denn das 

Publikum habe sich bei „Slipped Disc“ gut 

amüsiert. Die im amerikanischen Theaterbetrieb 

üblichen Previews als Testlauf wären 

ohnehin nicht in Frage gekommen, und dass 

es nicht um Profit gehe, wurde eher kühl mit 

dem Hinweis kommentiert, das Stadttheater 

wäre „selbstverständlich“ von der deutschen 

Regierung finanziert. Überraschenderweise 

vom Ministerium für Wirtschaft und Arbeit, 

und nicht vom Goethe-Institut oder der Bundeskulturstiftung. 

Falk Richter (Electronic City), Rebekka 

Kricheldorf (The Ballad of the Pine Tree Killer), 

Meike Hauck (Dog Eats Grass) und Marius 

von Mayenburg (The Cold Child) wurden, 

ausgewählt von dem amerikanischen 

Dramaturgen Daniel Brunet und der einst für 

den Heidelberger Stückemarkt verantwortlichen 

Dagmar Domroes, in szenischen Lesungen 

vorgestellt. Mayenburgs Stück, das 

in London schon aufgeführt ist, wurde aus 

dem britischen Englisch ins amerikanische 

adaptiert – ein Beispiel für die manchmal 

seltsamen Wege deutscher Dramatik nach 

Amerika. Dort könnte nun der Faden wieder 

aufgenommen werden, der vor rund zwanzig 

Jahren fallengelassen wurde. 

Als Reko nach der Theaterhochschule 

seinen eigenen Stil, zu schreiben und Theater 

über Gesellschaftlichkeit und Subjektivität 

zu machen, fand, folgte bald Werk auf 

Werk. Reko war äußerst arbeitsam, zielstrebig 

und systematisch. Jeden Tag sammelte 

er Material, schrieb und trieb Sport, denn er 

war ein Freiluftmensch. Reko sah sich immer 

die Nachrichten an und las auch im Ausland 

die Zeitungen. Reko arbeitete ständig, sogar 

nachdem er krank geworden war, verarbeitete 

er seine Krankheit in seiner Arbeit. 

Während vier Jahren haben wir zusammen 

mit Reko das Theaterfestival Teatterikesä 

in Tampere gemacht. Wir haben Hunderte 

von Aufführungen gesehen und sind Tausende 

von Kilometer gereist. Es war einfach, 

lustig und bereichernd. Reko liess es nicht 

zu, dass widersprüchliche Gefühle seine Entscheidungen 

durcheinander brachten, sondern 

er analysierte immer genau und berücksichtigte 

immer auch andere Menschen und 

deren Empfindungen. Reko war unerlässlich 

zuverlässig. Er hat sich nie aufgeregt. Reko 

war ein junger Mann, ausgerüstet mit einem 

gesunden Selbstwertgefühl, ein glücklicher 

Familienvater, der mit Dingen als Dinge umging, 

und der keine besondere Zurschaustellung 

von Wertschätzung brauchte. Er war 

ein Künstler ohne Umschweife. Mit ihm zu 

diskutieren war ein Traum. 

Jeder Arbeitskollege erinnert sich an Reko 

auf seine eigene Art. Im alltäglichen Leben 

halten kleine Dinge und sonderbare Erinnerungen 

den Menschen in unseren Gedanken 

am Leben. Es ist mein Schicksal, mich jedes 

Mal, wenn ich auf einem Parkplatz eine Parklücke 

suche, an Reko zu erinnern, wie er, der 

sonst immer ein echter Ingenieur war, bei der 

Wahl einer Parklücke genau so zu zögern begann, 

wie ich es immer tue. Ich werde mich 

immer an Reko erinnern, wenn ich meinen 

Reisekoffer nach dem System auspacke: die 

Kleider in die Wäsche, die Sachen an ihren 

Platz, den Koffer auf seinen Platz im Schrank 

– ich war erstaunt, dass ein anderer gleich 

systematisch vorgeht und sich auch noch 

traut, davon zu erzählen! 

So wenig bleibt – und trotzdem so viel. 

Das war ein großer Verlust für das finnische 

Theater. Wir vermissen dich, Reko. 

Maarit Pyökäri 

Theaterregisseurin 

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Impressum 

Zentrum Bundesrepublik Deutschland des Internationalen Theaterinstituts e.V. 

Präsident: Manfred Beilharz 

Herausgeber: Thomas Engel 

Redaktion: Michael Freundt 

Mitarbeit: Miriam Wehde 

Titelfoto: Albrecht Grüß 

Fotos innen: Foto aus Projekten und Inszenierungen von euro-scene Leipzig, Dieter Welke, Hansgünther Heyme, 

AKT.ZENT, thevo, Dieter Heitkamp, Euro-Theater Central, Peter P. Pachl, NRW Kultursekretariat, Albrecht Grüß 

Internationales Theaterinstitut 

PF 41 11 28, 12121 Berlin 

Schloßstr. 48, 12165 Berlin 

Tel. +49 (0)30 791 17 77 

Fax +49 (0)30 791 18 74 

info@iti-germany.de 

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Satz: Albrecht Grüß 

Druck: Tastomat Druck GmbH 

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2.2006 PDF 5.4 mb - ITI

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