Zeitschrift "Eindruck", EMBA Berlin (PDF-Datei; ca. 4

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Seite 12 Eindruck gegen versucht einen Prominenten zu sehen, der muss noch ein wenig vor den großen Scheiben verweilen. Mittlerweile wird es immer schwieriger einen Platz vor den Ausstellungsstücken zu ergattern, da die Zahl der Gäste immer größer wird und sich immer mehr „Gesprächstrauben“ vor diesen aufhalten. Rufus Beck vor seinem Portrait. Foto: Maximilian Fritz Also machen wir uns auf zu unserer nächsten Vernissage. Sie findet in der Werkstattgalerie nahe dem Nollendorfplatz statt und trägt den Titel Iranian Bodies - iranische Körper. Die Ausstellung beschäftigt sich, wie es der Name bereits verrät, mit zeitgenössischer, iranischer Kunst. Diese beschäftigt sich - entgegen den meisten, heutzutage vorherrschenden westlichen Vorstellungen, häufig mit dem menschlichen Körper. Deshalb sind auf den Kohlezeichnungen, Acryl-, Print- und Ölbildern dieser Ausstellung nur leicht bekleidete oder nackte Menschen abgebildet. Als wir ankommen ist schon einiges los in der kleinen Galerie, die in mehrere Räume aufgeteilt ist. Wir gehen durch den vorderen geschäftigen Raum und entdecken im hinteren Teil der Galerie das Bild, das auf unserer Einladung zu sehen war. Mitten in diesem Raum ziehen eine weibliche und eine männliche Figur die Blicke der Besucher aus sich: sie bestehen aus einer Mischung aus Stahl, Holz, Pflaster, Fasern und Wachs. Unter den zahlreichen Gästen finden wir Mirko Freiwald, der Betreiber dieser Galerie. Er erklärt uns später auf unsere Frage, nach welchen Kriterien Künstler für die Ausstellungen ausgewählt werden, dass dies vollkommen unterschiedlich geschehe. Grundsätzlich gebe es ein Thema, nach dem die Kunstobjekte ausgesucht werden. Die Wahl erfolge dann zum Beispiel über Projektausschreibungen, eine persönliche Vorstellung des oder der Künstler, aber auch mittels eigener Suchen und auch auf Empfehlungen anderer hin. Ausstellungsgegenstände seien spezielle figurative Kunst, maleristische Fotografie, allgemeine Fotografie, seltener Skulpturen und Video. Grundsätzlich herrsche eine Offenheit gegenüber allen Weltbeiträgen - ausgewählt werde eben nach dem jeweiligen Thema. Als wir Freiwald fragen, wie Galerien überleben können erklärt er uns, dass dies hauptsächlich durch den Verkauf der ausgestellten Bilder möglich sei. Einen Anteil des Verkaufspreises erhält die ausstellende Galerie, die damit auch die Miete und Kosten wie Strom, Wasser und anderes ausgleicht. Daher sei es wichtig, sich zu einer renommierten Galerie zu entwickeln, um einen Gewinn erzielen zu können. Wirtschaftlich betrachtet benötige eine Galerie im Durchschnitt drei bis vier Jahre nach der Eröffnung, bis sie alle Investitionskosten „rein geholt“ hat. v. l. n. r.: Franziska Seilkopf, Holger Doetsch, Dieter „Didi“ Hallervorden, David Koch und Annalena Jung Foto: Maximilian Fritz Allerdings müsse man nicht unbedingt selbstständig sein, um eine Galerie zu betreiben. Da gebe es zum Beispiel auch institutionell geförderte Galerien oder Kunstvereine, die neben dem Verkauf der Werke auch durch Spenden finanziert werden. Oder man besitzt einen lukrativen Nebenerwerb, der es ermöglicht eine Galerie selbst zu finanzieren. Es herrscht hier in der Werkstattgalerie zwar nicht ganz so ein Tumult wie auf der Vernissage zuvor, aber auch hier verbergen zu späterer Stunde die Köpfe der Gäste so manchen Blick auf die Kunstwerke. Als wir alle Werke gesehen haben, beschließen wir, den Abend in einer gemütlichen Bar in der Nähe ausklingen zu lassen. Auf den ersten Blick haben wir heute drei ganz unterschiedliche Galerien gesehen. Die Unterschiede lagen in der Größe der Räumlichkeiten, den Besucherzahlen – die bei einer Eröffnung meist viel höher liegen, in der Wahl der Themen und den daher ausgestellten Kunstobjekten. Bei genauerer Betrachtung lassen sich jedoch die Ähnlichkeiten erkennen: Jede Galerie hegt eine besondere Liebe zur Kunst und auch zu den unterschiedlichen Arten der Künstler, diese darzustellen und auszudrücken. Für den einen Galerieinhaber ist es vielleicht wichtig, junge und unbekannte Künstler zu fördern, andere wiederum möchten nur ganz bestimmte Themen behandeln oder nur bestimmte Maltechniken zeigen. Allerdings haben sie alle ein gemeinsames Ziel: Sie wollen die Kunst der Öffentlichkeit zugänglich machen. Die Galeriebesucher sollen sich an den Kunstobjekten erfreuen, sich von ihnen inspirieren lassen. Die Ausstellungsstücke sollen aber auch neue Denkanstöße bringen, den Betrachter einen neuen Blick auf die Welt, mit all ihren positiven und negativen Veränderungen, werfen lassen oder auch einfach nur schockieren und wachrütteln. Wie Johann Wolfgang von Goethe einmal passend schrieb: Man weicht der Welt nicht sicherer aus als durch die Kunst, und man verknüpft sich nicht sicherer mit ihr als durch die Kunst. Franziska Seilkopf
Eindruck Seite 13 Digitale Kunst Malen mit Maus D ie Kunst ist ein Spiegel ihrer Zeit. Die gesellschaftlichen Umstände und die Verfügbarkeit der Produktionsmittel haben direkten Einfluss auf das geschaffene Kunstwerk. Nur allzu verständlich ist es dann, dass in einer Welt, in der das Leben zum Teil digital im Internet stattfindet, auch in der Kunst das Medium des Computers an Attraktivität gewinnt. Welche „Werkzeuge“ verwendet werden, um ein Kunstwerk zu schaffen, ist irrelevant. Allein das Ergebnis zählt. Dem Künstler sollte also niemand vorschreiben, ob er hierfür einen Pinsel, eine Fotokamera oder eben einen Computer benutzt. Die Musik- Szene macht es vor: Der Großteil der aktuellen Unterhaltungs-Musik besteht aus am Computer programmierten Melodien und Rhythmen, gespielt von digitalen Instrumenten. Ob Computergrafik, Animation, 3D, Software, Internet-Kunst, virtuelle Realität oder interaktive und computerunterstützte Kunst-Installation – die digitale Kunst bietet vielfältige Stilmittel. Digitale Kunst stellt eine Verbindung aus Wissenschaft und Kunst dar und ist somit weitgehend experimentell. Eine Maschine oder ein Computer wird darauf programmiert was er zu tun hat, worauf er es ausführt. Die ersten Zeichnungen die so entstanden, waren sogenannte Plotterzeichnungen, eine veraltete aber qualitativ hochwertige Technik. Wie auch bei anderen Computerprogrammen liegt einer Plotterzeichnung ein Algorithmus zu Grunde. Algorithmen sind komplexe Anweisungen in einer Computersprache, die sich viele Künstler autodidaktisch aneigneten. Ein vereinfachter Algorithmus kann beispielsweise eine Bauanleitung für ein Regal sein. Befolgt man die Anweisungen, so wird immer dasselbe Ergebnis erzielt. Der Künstler schreibt die Anweisung, den Algorithmus, und die Maschine führt ihn aus, zeichnet also das Bild. Oft spielt dabei auch der Zufall eine Rolle. Zufallsvariablen werden als künstlerisches Stilmittel eingesetzt, unter Anderem um ein entstehendes Werk Einzigartig zu gestalten. Vom Computer ausgeführte Zeichnungen könnten unendlich reproduziert werden, durch einen programmierten Zufall jedoch erhält jedes Werk eine individuelle Handschrift. Digitale Kunst wird neben realen und greifbaren Werken auch komplett elektronisch und virtuell realisiert. Man spricht von sogenannter Net Art, der Netzkunst, die ausschließlich im Internet zu finden ist. Dies meint nicht den Verkauf von Kunstwerken über das Word Wide Web, sondern die Darbietung von Kunst auf einer Internet- Plattform. Die Internet-Künstler Joan Heemskerk und Dirk Paesmans ließen sich von ihrem Besuch im Silicon Valley, Kalifornien, inspirieren, und gründeten daraufhin die Website wwwwwwwww.Jodi.org. Sie experimentierten mit vorhandenen HTML- Skripten, die sie bunt durcheinander mischten. Das Ergebnis erinnert an die Kunstform des Dadaismus. Auf dieser Website werden digitale Konstrukte aufgebrochen und scheinen das Internet wieder dekonstruieren zu wollen. Man glaubt, sich auf einer von Viren verseuchten Website wiederzufinden. Ein weiteres, auf den ersten Blick ebenfalls verstörendes Netzkunstwerk, ist die Website www.mouchette.org, kreiert von einem bis heute unbekannten Autor. Auf der Seite wird eine virtuelle Persönlichkeit namens Mouchette, französisch für „Kleine Fliege“, kreiert. Mouchette beruht sowohl auf einem Roman von Georges Bernanos aus dem Jahre 1937, als auch dem dazugehörigen Film von Robert Bresson von 1967. Ihre Person und Geschichte ist geprägt von Armut, Vergewaltigung, Depression und schließlich Selbstmord, was auf der Website mit grotesken Abbildungen und kleinen Fliegen, die als Links fungieren, thematisiert wird. Ebenfalls im Internet zu finden, genauer gesagt auf You-Tube, sind die computerbasierten Animationen von John Whitney wie „Arabesque“, „Catalog“ oder „Permutations“. Diese oft mit psychedelischer Musik unterlegten Video-Kunstwerke stellen erste Schritte dar, sich mit digitalen Mitteln künstlerisch cken.auszudrü- Digitale Kunst hat seitdem einen mühseligen Weg hin zu ihrer Anerkennung hinter sich. Der Einsatz von Maschinen und Computern galt in der Künstlerszene als verpönt, da in ihnen ein unkreatives, ausdrucks- und emotionsloses Arbeitsmittel gesehen wurde. Im Jahr 1971 in Frankreich erfuhr Manfred Mohr, ein Computerkünstler, dies am eigenen Leib. Bei einem Vortrag zu einem Digitalen Kunstwerk wurde er mit Tomaten beworfen und seine Produktionsmittel als „kapitalistisches Kriegswerkzeug“ beschimpft. Jedoch fanden solche Arbeiten Unterstützung in einer der ersten und wichtigsten Ausstellung zu diesem Thema, der Cybernetic Serendipity, die 1968 in London stattfand. Zudem wird alle zwei Jahre der mit 20.000 Euro dotierte d.velop digital art award [ddaa] vom Digital Art Museum in <strong>Berlin</strong> [DAM] verliehen. Das DAM ist neben dem Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe [ZKM] das bedeutendste Museum, welches sich der Digitalen Kunst verschrieben hat. Es ist für die Zukunft nur zu hoffen, dass weiter mit „digitalen Werkzeugen“ experimentiert wird, und sich die Skepsis am Kunstmarkt gegenüber der technoiden und neuartigen Ausdrucksform legen wird. Maximilian Fritz
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