_flip_joker_2018-11

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6 KULTUR JOKER THEATER Schon wieder den „Faust“ Das Wallgraben Theater mit einer soliden, konzeptlosen Inszenierung des ersten Teils von Goethes Drama Zwei Fausts auf der Bühne: Christian Theil (li), Achim Barrenstein (re) Foto: Mathias Lauble Goethes großer Faust auf der kleinen Bühne des Wallgraben Theaters. Ein mutiges, im Beigeschmack aber auch fragwürdiges Unterfangen. Denn warum all die Inszenierungsmühen in ein Drama stecken, das man bereits nur allzu oft in jeglicher Interpretation auf jeglicher Bühne genießen durfte? Ganz richtig reagiert die Inszenierung unter der Regie von Hans Poeschl daher mit Reduktion: Nur der erste Teil des Faust und ohne großes Figurenensemble. Dazu ein drehbares Zimmer und einige wenige Requisiten am Rande der schwarzen Bühne als stets transformierbares Format, das so auch immer wieder Überraschungen bietet. (Bühnenbau: Ronny Neumann) Modern vielgestaltig wird das Stück von nur sechs Schauspielern getragen. Nur bei der Figur des Faust gibt man sich großzügiger. Dessen zweiseelige Brust erhält konsequent zwei Schauspieler, die die längeren Monologe unter sich aufteilen und so eine gelungene Dynamik stiften: Einmal geben sich da ein älterer, grummelig-wissbegieriger Achim Barrenstein, einmal ein jüngerer, skeptisch-sprunghafter Christian Theil die Ehre. Gelungen auch, weil die teuflische Transformation Fausts in einen Jungspund so bereits vorskizziert ist. Abwechslungsreichtum bringen auch die umtriebigen Darbietungen der anderen Schauspieler. Regine Effinger spielt den Mephisto auf den Punkt als aufreizendsardonisches Zwischenwesen, Elisabeth Kreßler die Gottesfigur und Gretchen als naiv-aufgekratztes Schemen, während Katharina Rauenbusch becircend bis vulgär als Gretchens Nachbarin scharmützelt. Mit Peter Haug-Lamersdorfs effekthaschenden Kostümwechseln (Kostüm: Dina Salák), die gerade die Travestie in diversen Figurenkonstellation probt, ist bisweilen aber auch die Grenze zum Schenkelklopferhumor erreicht. Generell unnötig und angesichts des feinsinnig spitzen Humors der Vorlage erst recht. Das Problem der Inszenierung, die ansonsten durch Tempo und Spielfreude überzeugt, liegt aber vor allem in ihrer Konzeptlosigkeit. Wohin die vielen Bühneneinfälle letztlich führen wird nicht klar. Mephisto als Frau besetzt – markant, aber mit welcher Konsequenz? Techno-Sounds zum Gruppensex auf Gretchens Bett – kühn, aber mit welcher Konsequenz? Die diversen Kontexte der Vorlage zu Metaphysik, Gesellschaft und natürlich dem Problem der Liebe erhalten eben keinen Anschluss an aktuelle Thematiken oder überhaupt neue Zugänge, obwohl die Inszenierung in ihrer bemühten Pop- Art-Collage ständig Suggestionen schafft. Wie per Twitter- Hashtag klingen Diskurse an, werden aber nie vertieft, die Dramaturgie drängt routiniert voran. Besonders deutlich wird das etwa angesichts der spannenden Soundexperimente mit live eingespielter E-Gitarre und Schlagzeug, die eine drängende Bühnendynamik stiften, dann aber schlicht aufgegeben werden. Nicht zuletzt verliert das Stück so an Kontinuität und Immersion. Oder eben: Es wird langatmig. Schließlich fällt die Leistung den Schauspielern zu, die den Text über die Bühne bringen und am Leben halten und denen man ja nicht böse sein will. Man will sie nach der Show aber trotzdem einmal fragen: Warum schon wieder den Faust? Fabian Lutz Zurück zur Archaik Im Theater Freiburg ist „Das Nibelungenlied“ eine Adaption der Vielen „Wir erzählen Ihnen heute Abend das Nibelungenlied.“ Wie oft wird dieser Satz wohl schon gesagt worden sein? Schließlich geht das Epos vermutlich in die Zeit des Frühmittelalters zurück. – Sieht man davon ab, dass das Nibelungenlied wohl eine Kollektivleistung ist, das Erzählen jedoch Einzelnen vorbehalten war. Für Jernej Lorenci ist der Satz symptomatisch für seine Inszenierung. Theater bedeutet bei ihm und seinem Dramaturgen Matic Starina Teamwork. Und so ist auch diese Inszenierung, es ist ihre erste im deutschsprachigen Raum, in Co-Autorschaft mit dem gesamten Ensemble entstanden. Doch in dieser Ankündigung, bei der im Großen Haus des Theater Freiburg das Saallicht an ist, steckt auch das Missverständnis dieses Abends. „Das Nibelungenlied“ wird im Verlauf dieser über vierstündigen Inszenierung (es wird zwei Pausen geben) erzählt, als hörte es das Publikum zum ersten Mal. Das mag für manche zutreffen, für andere, die es kennen, wirkt vieles an diesem Abend naiv. Dass Lorencis „Das Nibelungenlied“ derart lange dauert, hat weniger mit der pathetischen Wucht der Liebe und Rache von Kriemhild, Siegfried, Brünhild, Gunther und den anderen zu tun, sondern mit Lorencis Arbeitsweise. Die Inszenierung folgt der Struktur der Aventüren, in die das Lied unterteilt ist, Henry Meyer gibt dem Erzähler seine Stimme. In jedem dieser Abenteuer spielt eine Figur die Hauptrolle, weil Lorenci jeden der Schauspieler beauftragte einzelne Szenen zu entwickeln. Das hat zur Konsequenz, dass Hagen (Michael Witte) bramarbasierende Gewaltfantasien entwickeln darf und beim Gemetzel in der Festhalle Kriemhild das eine ums andere Mal mit Fotze anspricht, was beides nicht wirklich gut zu ertragen ist. Siegfried (Martin Hohner) wiederum mit weiß gepudertem Gesicht stirbt einen ziemlich langsamen Heldentod. Auf die Gesamtinszenierung gesehen wirkt sich dies durch unterschiedliche Töne, Atmosphären und Rhythmen, aber auch durch das Fehlen eines Grundkonsens aus, wohin man will, ÜBER 1000 KRIMINAL DINNER TERMINE DIE GESCHENKIDEE DENZLINGEN Delcanto | 25.11.18 & 13.01.19 FREIBURG Mercure Hotel Panorama 24.11.18 & 15.02.19 & 18.05.19 KIRCHZARTEN Volante | 11.12.18 www.das-kriminal-dinner.de was man voraussetzen darf. So wundert sich etwa Victor Calero über die Nibelungen im Titel, während Laura Angelina Palacios eine geradezu empathische Brünhild gibt, zumindest anfangs. Von der Walküre, die insbesondere durch die nordische Variante des Nibelungenlieds, der Völsunga Saga, auf der diese Inszenierung fußt, durchschimmert, keine Spur. An diesem Abend jedenfalls scheitert das Prinzip der kollektiven Autorschaft, die Inszenierung hätte Straffungen und Struktur benötigt. Doch zurück zum Anfang. Lächelnd sitzt das neunköpfige Ensemble auf dem Boden und begrüßt das Publikum, sechs Strahler, die auf dem Boden der Bühne stehen, spenden Licht. Links steht eine gedeckte Tafel, für Alkohol ist gesorgt. Die Darsteller geben den Figuren Kontur, Kriemhild (Janna Horstmann) ist die mit dem Humor und überhaupt die Schönste im ganzen Land. Im goldfarbenen Abendkleid wird sie sich an das Klavier setzen und singen. Wie sie Siegried heimlich beobachtet und ihr erstes Zusammentreffen gehört zu den berührenden Momenten dieser Inszenierung und beweist, wie das Nibelungenlied über die Jahrhunderte hinweg zu faszinieren weiß. Ein anderer fragt, für was wir heute unser Leben lassen würden. Für das Kapital, freie Märkte, für Gott? Manchmal sind Verse zu hören, die den mittelhochdeutschen Rhythmus ahnen lassen, meist jedoch wird das mittelalterliche Epos frei behandelt. Lorenci strebt eine Art Gesamtkunstwerk aus Spiel, Bewegung und Musik an. Diese Sehnsucht nach dem Archaischen ist auch so ein Missverständnis. „Das Nibelungenlied“ ist höfische Literatur, auch wenn es auf älteren Quellen beruht und die Rache Kriemhilds am Ende christlichen Vorstellungen widerspricht. Umso überraschender ist, dass bei diesem letzten Teil der Rache Kirchenbänke auf der Bühne stehen, unter die die getöteten Recken gelegt werden. Doch das ist nur eine der Ungereimtheiten dieses Abends. Weitere Vorstellungen: 2./4./11./18. November, Theater Freiburg. Annette Hoffmannn
THEATER KULTUR JOKER 7 Ein kleines, aber tiefes Schwimmbecken mit Leitern und Sprungbrett, über und über mit quietschbunten Graffitis auf azurblauem Grund besprüht. Auf der einen Seite eine Reihe klappriger Umkleidekabinen mit Schwingtüren, rechts und links davon zwei aufsteigende Zuschauerblöcke, von denen man wie in einen Boxring blickt. Ein fantastisches Bühnenbild hat Bernhard Ott da für die neue Produktion im Theater im Marienbad entwickelt: Fröhlich und wild, intim, aber auch klaustrophobisch eng. So wie das Leben im Mädcheninternat St. Helens, das hier exemplarisch steht für eine weibliche Gemeinschaft mit gnadenloser Hackordnung. „Girls like that – Mädchen wie die“, so der doppeldeutige Titel des international und 2016 mit dem Baden-Württembergischen Jugendtheaterpreis ausgezeichneten Stücks des kanadischbritischen Dramatikers Evan Placey, das sich um Cybermobbing und Bodyshaming dreht, beides ausgesprochen fiese Varianten des pubertären Wahnsinns im digitalen Zeitalter. Dazwischen puzzeln sich Retrospektiven in den feministischen Kampf für mehr Gleichberechtigung und Solidarität. Schon das impliziert einen gewissen aufklärerischen und moralischen Impetus, für Jugendtheater ein gefährliches Pflaster. Ob diese Cybermobbing und Bodyshaming „Girls like that – Mädchen wie die“ von Evan Placey im Theater im Marienbad „Girls like that“: Die Hexenjagd ist eröffnet beiden Erzählstränge zusammenkommen? In der Inszenierung von Tom Schneider (Regie und Musik) und Alice Gartenschläger (Choreografie) eher schlecht. Der Einstieg ist lahm: Daniela Mohr sitzt als erwachsene Scarlett in goldgelbem Patina-Licht am Beckenrand und sinniert über ihre damalige Rolle in St. Helens: Von Anfang an war sie ganz unten und da blieb sie auch. Nie war sie auf Geburtstagsfeiern eingeladen, doch die Jungs wedelten trotzdem mit den Schwänzen hinter ihr her. Mit diesen Worten jedenfalls erzählen es später ihre Mitschülerinnen. Die man auch gleich live erlebt: Zu lautem Sound entern fünf junge Frauen mit geballter Zickenpower den Ring (Ensemblegäste der Freiburger Schauspielschule: Leah Abele, Lena Boiral Lieuthier, Malena Mauch, Julia Schulze, Veronika Wider): Sie tragen Kniestrümpfe, Schuluniformen und Zöpfe, zeigen rotzfreche Gesichter und Foto: Minz und Kunst provokante Posen samt Headbanging und Parkour-Sprüngen. Eine aufgekratzte Meute, die dann abwechselnd erzählt, wie alles begann: Mit einem Summ, Klick, Plopp und Bing – so platzt das Nacktfoto von Scarlett mitten in die Geschichtsstunde. Dreieinhalb Minuten später hat es jede in der Schule auf ihrem Smartphone. Wer dieses Foto gemacht oder ins Netz gestellt hat – interessiert nicht, nur der Skandal. Klar, verreißen sich die fünf nun die Mäuler, lästern und kreischen. „Fette, kleine Schlampe!“ so das Kollektivurteil. Im Marienbad erinnert das an amerikanische High School-Soaps und nervt durch hochtourige Schrillheit. Sofort ist klar, wer hier die Bösen sind: Verschlagen, eitel, eifersüchtig oder dumm – keine der fünf ist eine Sympathie-Trägerin. Selbst wenn diese Figuren als Karikaturen gedacht sind, wird das Stück nun absehbar und langweilig. Auch wenn dazwischen immer wieder poetisch und stark choreografiert erzählt wird, wie der Himmel in dieser Mädchenhölle aussieht: Spaß und Momente tiefster Zusammengehörigkeit als Meerjungfrauen oder Synchronschwimmerinnen. Unvermittelt sind die Einzelszenen: Schauspielerin Lena Müller gibt eine junge Frau bei einer Schwimmbadparty 1928, eine taffe Rettungspilotin 1945 oder eine Schwangere 1968, die abtreiben will. Alle lehnen sich auf gegen Rollenzuweisungen und Patriarchat, beides haben die Mädchen von St. Helens trotz zunehmender, leiser Zweifel längst internalisiert. Die Hexenjagd auf Scarlett ist eröffnet. Bei aller spürbaren Ambition und viel Dynamik ein moralinsaures und ödes Stück, bleibt zu hoffen, dass die jugendlichen Zuschauer das ganz anders sehen. Ab 14 Jahren. Termine unter www.marienbad.org Marion Klötzer „Eine vernünftige Frau genügt, damit die Verrücktheit der ganzen Welt sich an ihr die Zähne ausbeißt“ ist auf dem Monitor in der Tiefe der Experimentalbühne im E-Werk zu lesen – schon das ein Absurdum, wird hier doch die märchenhafte Satire „Die Irre von Chaillot“ von Jean Giraudoux gespielt, deren Heldin alles andere als vernünftig ist. Oder doch? Jedenfalls macht diese Aurelie (Moira Pawellek) mit skrupellosen Kapitalisten kurzen Prozess – und hat dann jede Menge Leichen im Keller. Um 1943, im besetzten Paris geschrieben und 1945 postum uraufgeführt, bietet dieses groteske und in mehreren Lesarten schillernde Stück besten Stoff für das junge Ensemble der Freiburger Schauspielschule, das hier in rasenden Rollenwechseln Gute wie Böse mimt. Regisseurin Grete Linz setzt dabei ganz auf den berühmten Pariser Charme: Aus dem Off hört man Akkordeon- Rasante Zickzackwendungen „Die Irre von Chaillot“ von Jean Giraudoux auf der Experimentalbühne im E-Werk Musik (Artur Grenz), im Hintergrund ist ein stimmungsvoller Straßenausschnitt zu sehen, dazu blau illuminierte Wände und das Café-Schild „chez francis“. Hier baldowern vier zwielichtige Gestalten am Untergang einer ganzen Stadt: Mit Strumpfmasken, Anzügen und expressiver Körpersprache verkörpern Francesco Riera, Nils Jensen, Zoë Knapp und Lion Koch eine Bande von Invasoren und Ausbeutern, die für Erdöl das Viertel sofort dem Erdboden gleichmachen wollen. Immer wieder gestört vom schrill-bunten Gauklervolk tritt einer nach dem anderen ans altertümliche Mikro am Bühnenrand und stellt sich vor: Kriminelle und Glücksritter sind sie, die sich über die „ungeheuerliche Zusammengehörigkeit des Abschaums“ beschweren und das hier „alles nach der Leidenschaft Lebender riecht“. Sprachlich verschraubt, etwas wirr und doch eindrucksvoll ist der Auftritt dieser „grauen Herren“, die an Michael Endes Figuren aus „Momo“ erinnern. Ihnen gegenüber trubelt, lacht und lebt eine Gemeinschaft von Originalen: Geschirrwäscherin Irma (Jana Ludwig), Blumenmädchen, Jongleur, Taubstummer (sowie Polizist und Retter: Artur Grenz), Chasseur, Lumpensammler oder Kloakenreinigerin, sie alle lieben und achten ihre verrückte Madame Aurelie, die im Reifrock täglich durch das Viertel spaziert und aufpasst. Das ist auch gut so, werden ihr doch dabei mysteriöse Beobachtungen zugetragen: Plötzlich gibt es überall nur noch Macker, die alles kontrollieren, Macht und Gold haben und gierig sind. Schon fliegen die Tauben nicht mehr, also muss schnell ein Rettungsplan her um dieses Übel zu stoppen. Also beruft Aurelie ein geheimes Treffen mit ihren Kolleginnen Constance (Jeanine Amacher). Gabrielle (Selina Farine) und Joséphine (Aileen Rohde) ein. Dass dieses durchgeknallte Kaffeekränzchen es wirklich mit dem Bösen aufnehmen kann, bezweifelt man bis zum Schluss. Aber schließlich ist das Ganze als Märchen angelegt und dazu gehört ein Happy End, sei es auch noch so schräg. Tempo, Wortwitz, viel Körpertheater, enorme Wandelbarkeit und Intensität – diese Inszenierung mit ihren wilden Zickzackwendungen macht Spaß, bleibt kurzweilig und fesselnd, auch wenn sie als Kapitalismus-Kritik wenig Biss und der dramaturgische Bogen einige Hoppler hat. Fantasievoll sind auch die Kostüme: Fast durchgängig in Dunkelrot, Schwarz und Weiß gehalten, gibt es schwingende Röcke, viele Punkte und für die Irren Lichterketten an den Hüten. Ein guter Plan mit dieser Inszenierung 2019 wieder zum Internationalen Theaterfestival ins rumänische Sibiu zu reisen. Marion Klötzer
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