-flip_joker_2019-05

Weitere Magazine

Empfehlungen

Info

4 KULTUR JOKER THEATER Für das Bühnenbild von Shakespeares „Sommernachtstraum“ ließ sich Katarzyna Borkowska am Theater Freiburg von Botticellis „Die Geburt der Venus“ inspirieren. Nun hat die polnische Ausstatterin zum ersten Mal überhaupt Regie geführt – und sich dafür mit „Don Giovanni“ nicht gerade ein leichtes Einstiegswerk gewählt. Wieder ist es ein Gemälde, das ihre Inszenierung von Beginn an prägt. Zur ruppigen, noch etwas zu unkoordiniert musizierten Ouvertüre lässt Borkowska Hieronymus Boschs „Garten der Lüste“ auf den Gazevorhang projizieren, während der nackte Don Giovanni dahinter seine Unterhose anzieht. Immer wieder läuft dieses Bild an diesem Abend als Dauerschleife in Zeitlupe über die Bühnenwände. Eine zweite Idee der polnischen Theatermacherin ist es, den Hauptfiguren einige Doppelgänger zur Seite zu stellen. Don Giovanni bringt es auf vier Doubles, die drei Frauen immerhin auf je zwei. Und so rammelt sich Don Giovanni von einer zur anderen, während Leporello die Registerarie singt. Masetto (eher moderat als rustikal: Jongsoo Yang) wird von zwei Zerlinas beleckt, während die echte (Katharina Ruckgaber mit schlackenlosem Sopran) gerade mit Don Giovanni im Duett „Là ci darem la mano“ zugange ist. Die seltsam eindimensionalen Figuren, die Zugekokst im Lustgarten Ausstattung statt Regie bei „Don Giovanni“ am Freiburger Theater Don Giovanni interpretiert von Michael Borth die Regisseurin zeichnet, werden durch die Doubles nur kopiert, nicht bereichert. Don Giovanni als Getriebener im Garten der Lüste, mit Koks in eine andere Welt geschossen, ständig am Kopulieren, umgeben von willigen Frauen – eine befremdliche Verengung von Mozarts Dramma giocoso, das viel tiefer gründet, als sich das Borkowska zurechtgelegt hat. Was die Personenregie angeht, bietet sie Foto: Paul Leclaire seltsam altmodisches Stehrampentheater, das nicht an der Beziehung oder gar Entwicklung der Figuren interessiert ist. Musikalisch ist der Abend spannender, wenn auch die rasenden Tempi, die Dirigent Daniel Carter meist wählt, mitunter gehetzt klingen, weil die Streicher manche Figurationen nicht mehr ausspielen können und das Zusammenspiel mit der präsenten Pauke zumindest in der Ouvertüre nicht perfekt gelingt. Im halb hochgefahrenen Graben zeigt das Philharmonische Orchester Freiburg aber insgesamt eine frische, dramatische Lesart, die immer sprechend bleibt und zumindest phasenweise auch die Leichtigkeit entfaltet, die man auf der Bühne gänzlich vermisst. Vor allem in den Rezitativen entwickeln Hammerflügel und Cello eine direkte, spontane Ansprache. Die Dialoge zwischen Don Giovanni und Leporello sind ganz nah am natürlichen Sprechen. Michael Borth kann in der Titelpartie mit seinem virilen Bariton dem Getriebenen ein musikalisches Fundament geben. Er hätte bestimmt noch ein vielschichtigeres Rollenprofil zeichnen können, wenn die Regie es zugelassen hätte. Juan Oroczos gelegentlich forcierter, dann auch intonationsgefährdeter Bariton macht aus Leporello einen gefühlskalten Zyniker. Sarah Traubel ist eine auf sexy getrimmte, stimmlich ein wenig flackernde Donna Anna mit enormer Strahlkraft und blitzsauberen Koloraturen. Inga Schäfer gibt Donna Elvira als präsente Drama Queen. Und Jin Seok Lee ist ein bassgestützter, rauchender Komtur, der die meiste Zeit blut überströmt und unbeachtet auf einem Sofa sitzt. Im zweiten Akt wird die Bühne selbst zum Gemälde, in dem sich die Akteure meist in Zeitlupe bewegen. Ausstattung statt Regie, Beliebigkeit statt Differenzierung, Bilderflut statt bewusster Zeichensetzung. Auch der runde, strahlenförmig zentrierte Spiegel in der Bühnenmitte vermag es leider nicht, dieser Inszenierung einen Fokus zu geben. Weitere Vorstellungen: 9./19. Mai, 2./8./16. Juni, 6./18. Juli <strong>2019</strong>, Theater Freiburg. Georg Rudiger Auf der Bühne im E-Werk-Saal wabert Rauch durch rostrotes Licht (Zak Macro), eine blitzschnelle Spot-Folge zeigt Paula Niehoff, Julien Rossin, Lotta Sandborgh, Jefta Tanate und Mikkel Tøttrup in bunten Alltagskleidern und immer neuen, eingefrorenen Posen. Dazu wummert der von Josep Maria Baldomà komponierte Elektrosound. Aus dem schälen sich erst Donnerschläge, dann ein meditativer, esoterisch Heiko Ehret CDU-Listenplatz 18 In eine sichere Zukunft Ganz Haut, ganz Atem, ganz Dynamik „The Age of Aquarium“ – Choreografie von Nadine Gerspacher im E-Werk in Freiburg www.heiko-ehret.de Machen statt reden! Eure Stimme in Freiburg weichgespülter Chorgesang heraus: „The Age of Aquarium“, so der Titel der von Stadt und Land im Rahmen des Tanzpakts geförderten Produktion der internationalen Compagnie von Choreografin Nadine Gerspacher, die hier Premiere feiert. Die Assoziation mit dem Hippie-Song und Millionenseller „The Age of Aquarius“ aus dem Musical „Hair“ (1968) ist unbedingt gewollt. Nur dass es keinen Wassermann-Aufbruch mehr gibt, sondern lediglich viele Goldfische, die in ihrer eigenen Blase blubbern. Hier sind das Plexiglaskugeln, die über den Kopf gestülpt den Akteuren ein futuristischskurriles Aussehen geben, zumal sie durch deren Atem von Innen beschlagen. Alle Sinne sind also beeinträchtigt und auch die Sicht ist verzerrt. Um virtuelle Welten und reale Körperlichkeit, um Nähe und Entfremdung dreht sich dieses zunehmend fesselnde und stellenweise grandiose Tanztheater, dessen Intro leider ziemlich langatmig gerät: Staunend wird nun das Goldfischglas minutenlang weitergegeben, verspielt und neckisch jagen es sich die Tänzer und Tänzerinnen einander ab. Bis dann einer wie kurz vor dem Erstickungstod im Derwischtanz unter dem Glas zappelt. Wollen ihn die anderen befreien oder gefangen halten? Das bleibt offen. Als verrückter Professor preist Julien Rossin dann die neueste Kugel-Edition an, verspricht überschnappend vor Euphorie allumfassendes Glück und Frieden. Isolation als Droge mit dem Versprechen allumfassender Vernetzung? Wie das aussieht zeigt ein Paar im Hintergrund: Leidenschaftlich küssen sie sich durch die Helme hindurch, zärtlich drücken sie das Plastik aneinander, verschmelzen bei einem synchronen, behutsamem Duo. Bizarr! Genauso wie die Gruppe, die behelmt für eine Art Familienfoto posiert, zu diesem Zeitpunkt hat der sphärische Chor schon eine enervierende, weil bombastische Beliebigkeit entwickelt. Beeindruckende Bilder, eine sterile, abgezirkelt-exakte Körpersprache mit Brüchen von sichtbarer Hilflosig- und Verletzlichkeit – so ist also das Leben als Zombie-Goldfisch. Assoziationen zum alltäglichen Smartphone-Autismus stellen sich da automatisch ein. Zum Glück folgt dann Stück für Stück die Befreiung aus der selbstgewählten Beziehungslosigkeit – und damit atemberaubende Choreografien, die oft die Kopfpartie in den Fokus rücken: Es gibt traumschöne, sehr poetische Paartänze mit leisem Witz, clowneske Szenen am Bühnenrand, vor allem aber unglaubliche, kraftvolle Gruppenszenen mit Elementen aus Breakdance und Artistik: Ekstatisch fliegen nun die Körper durch die Luft und werfen sich brachial zu Boden, waghalsige Sprünge wechseln mit sehr zarter Kontaktaufnahme, Kampf und Liebe, Sucht und Freiheit liegen hautnah beieinander. Die Musik ist rockig und wild, ihr Beat peitscht den Tänzern einen gewaltigen Herzschlag ein. Ganz Haut, ganz Atem, ganz Dynamik – ein Erlebnis! Marion Klötzer
THEATER KULTUR JOKER 5 Gegen den Strich gebürstet Jossi Wieler und Sergio Morabito inszenieren „Der Freischütz“ in Straßburg Kein grüner Wald und keine Trachten, keine deutsche Gemütlichkeit und kein pittoreskes Brauchtum. Im Straßburger „Freischütz“ sind die Bäume rot und nur auf Kulissen gemalt. Das Preisschießen zu Beginn wird im Paintball ausgetragen. Das Volk trägt rote und blaue Militär-Overalls und Schutzbrillen. Von Beginn an machen die Regisseure Jossi Wieler und Sergio Morabito klar, dass sie die deutsche romantische Oper gegen den Strich bürsten. Der Schatten einer Drohne, der schon zur Ouvertüre auf dem digitalen Vorhang zu sehen ist, kündet von Überwachung. Zur Wolfsschlucht-Szene flimmern Luftaufnahmen von militärischen Kriegseinsätzen über die Szenerie (Video: Voxi Bärenklau). Kaspars Freischüsse als Perfektionierung des Tötens? Killerdrohnen als Werkzeug des Teufels, der in der Oper Samiel heißt und mit kalter Technik-Stimme spricht? Künstliche Intelligenz als Gefahr? Die Regisseure, die als Intendant und Chefdramaturg gemeinsam mit der damaligen Operndirektorin und jetzigen Straßburger Intendantin Eva Kleinitz die Stuttgarter Oper prägten, machen ein großes Thema auf, bleiben damit aber auf halber Strecke stecken. Ihre Grundidee wird mehr behauptet als aus dem Stoff entwickelt. Es „Der Freischütz“ gegen den Strich gebürstet fehlt die Konsequenz in der Inszenierung, es fehlt auch jede Bedrohlichkeit. Die bewusste Verfremdung des Stoffes wird nicht durchgehalten. Die mal monoton dahergeleierten, mal in einem Art Singsang gesprochenen Dialoge machen aus den Figuren Karikaturen. Max wird zum Volltrottel, Ännchen zum selfiesüchtigen Girlie mit Glitzerjogginghose (Ausstattung: Nina von Mechow). Manche Arien bleiben aber ganz ohne szenische Brechung und erzählen etwas ganz anderes über die Figuren. Das Orchestre symphonique de Mulhouse entwickelt unter der Leitung von Patrick Lange eine größere emotionale Bandbreite – von ungetrübter Folklore bis zu düsteren, bedrohlichen Stimmungen, wenn sich in der Ouvertüre schon das Dunkle breit macht und der Streicherklang geschärft wird. Gerade die Verbindung zwischen beidem wie im Eingangschor mit dem markanten „He, he, he“, wenn aus dem lustigen Volk eine bedrohliche Masse wird, zeigt das Orchester mit großer Genauigkeit, während in Straßburg die Choristen mit ihren Paintball-Gewehren dazu tanzen wie in der Disco. Auch der Jägerchor, den einst Peter Konwitschny in seiner gefeierten Hamburger Inszenierung genüsslich filettierte und in seiner Hohlheit entlarvte, wird von Wieler und Morabito szenisch verschenkt, wenn die Anzugträger ein bisschen pantomimisch herumballern und die in Fantasy-Kostüme gesteckten Brautjungfern dazu posen. Die szenischen Herausforderungen schlagen zudem auf die musikalische Qualität: Im Unisono sind die Chorsänger deshalb nicht zusammen, weil sie ein Sperrholzhaus wegschieben müssen. David Steffens als präsenter, über genügend Schwärze verfügender Kaspar und Josefin Feiler als glockenhelles, aber dennoch strahlkräftiges Ännchen sind die Highlights im Solistenensemble. Fotos: Klara Beck Lenneke Ruiten (Agathe) und Jussi Myllys (Max) entwickeln eher lyrisch grundierte Interpretationen, denen im Dramatischen ein wenig die Wucht fehlt. Mit Frank van Hove (Kuno) und Roman Polisadov als Eremit sind die tiefen Partien solide besetzt. Am Ende gibt es weiße Rosen für die verstörten Protagonisten. Ob das nach dem Probejahr etwas wird mit Max und Agathe, darf bezweifelt werden. Und auch Ännchen sieht nicht glücklich aus. Weitere Vorstellungen: 17. Mai, 20 Uhr, 19. Mai, 15 Uhr, La Filature Mulhouse. Karten unter www.opernationaldurhin.com Georg Rudiger Kunstvolle Vereinzelung Zina Vaessen mit den Tanzstücken April, 19 und Form.alie im Theater Südufer Julia Kathriner und Sandra Hanschitz in „April, 19“ Foto: Dorothea Schubert Zina Vaessen sucht mit ihren Choreografien die Abstraktion des Körperlichen. Von „Körperformen“, „Zweidimensionalität“ und „Bewegungsvokabular“ liest man. Am 4. und 5. April kamen zwei ihrer Stücke auf die Bühne des Theater Südufer: April, 19 (Dramaturgie Jana Unmüßig) und Form.alie (Monica Gillette). Beide Stücke machen den tanzenden Körper zum materiellen Kunstwerk, die Aufführung zur feingliedrigen Performance. Die Bühne hingegen bleibt schwarz, geräumig und leer. Eine Ausnahme bildet nur ein weißer Teppich, der im kürzeren der Stücke, Form.alie, zu sehen ist. Im Hintergrund aufgehängt, bildet er die kahle Folie vor der die drei Tänzerinnen (Dagny Borsdorf, Katarzyna Brzezinska, Maayan Reiter) ihre abgesteckten Bewegungen vollführen. Einheitlich in gelbem Oberteil und weißem Rock proben sie Posen, die fragmentarisch, unschlüssig wirken. Psychologie ist dahinter nicht zu finden. Sie alle sind Körper, keine Charaktere, Oberflächen. Das so sehr, dass selbst das Lachen am Ende nur aus abgetrennten Wortfragmenten besteht, die sich kehlig immer wieder aus den Mündern lösen: „Ha-Ha“, „Ha-Ha“, „Ha-Ha“. Echte Heiterkeit daraufhin immerhin im Publikum. Wer hier das Menschliche sucht, findet es entweder nur in kleinen Gesten oder in verfremdeter Form. Vielleicht ist es ja doch nur der gesellschaftliche Zusammenhalt, der fehlt. Hier bleiben nur lautlich entleerte Phrasen vor kahler Architektur. Noch kahler wird es im längeren Stück April, 19, das nach kurzer Umbauphase auf vollkommen leerer Bühne zu sehen ist. Ein Junge rennt zielstrebig von einem Punkt zum anderen, dann Klaviermusik, der zwei Frauen (Julia Kathriner, Sandra Hanschitz) folgen. Ohne den Teppich wirkt der Ort noch entleerter und wirklichkeitsfremder. Die Frauen aber erscheinen alltagsnah in legerer Kleidung. Es scheint eine menschliche Begegnung zu geben, doch die Interaktion bleibt nur angedeutet. Beide sind kurz darauf nackt, bleiben dann aber für sich. In unterschiedlichen Posen, darunter auch ein Schnipsen, scheinen sie ein Zeichensystem zu suchen, dem ihre Körper zugrundeliegen. Aber die Bewegungen bleiben gebrochen und Sumaya Farhat-Naser - Feministin, die Männer verändert - Christin in muslimischer Umgebung - Palästinenserin, die mit Israelinnen Frieden sucht zaghaft. Nur die Komposition der Körperhaltungen nebeneinander geben einen Zusammenhalt, der jedoch bildnerisch und nicht psychologisch wirkt. Am Ende läuft über die Lautsprecher ein fast tonlos eingesprochener Text über eine Alltagssituation. Ein Krankenwagen, wohl ein Unfall, man kann es kaum verstehen und schließlich sind beide Frauen von der Bühne. Im Gedächtnis bleibt Vereinzelung und kunstvolle Komposition. Man kann versuchen in beidem Erfüllung zu finden. Fabian Lutz Ein Leben für den Frieden Lesung und Gespräch mit Sumaya Farhat-Naser Ramallah/Palästina Mittwoch, 15. Mai, 19:30 Uhr Gemeindesaal im Gerhard-Ritter-Haus an der Ludwigskirche, Starkenstr. 8, Herdern. Pay after
Seite 1 und 2: Mai 2019 30. Jahrgang Für ein jung
Seite 3: THEATER KULTUR JOKER 3 Achtung vor
Seite 7 und 8: THEATER KULTUR JOKER 7 Schachspiel
Seite 9 und 10: THEATER KULTUR JOKER 9 Wann war es
Seite 11 und 12: KULTOUR KULTUR JOKER 11 70 Jahre G
Seite 13 und 14: KUNST KULTUR JOKER 13 Unwirkliche
Seite 15 und 16: KUNST KULTUR JOKER 15 Ordnungen ve
Seite 17 und 18: KUNST KULTUR JOKER 17 St. Märgen
Seite 19 und 20: KUNST KULTUR JOKER 19 BERLIN Galer
Seite 21 und 22: VISION 2025 KULTUR JOKER 21 tional
Seite 23 und 24: NACHHALTIG KULTUR JOKER 23 Für mu
Seite 25 und 26: NACHHALTIG KULTUR JOKER 25 Artists
Seite 27 und 28: GESUNDHEIT KULTUR JOKER 27 Im Lore
Seite 29 und 30: GESUNDHEIT KULTUR JOKER 29 Kunst i
Seite 31 und 32: SPARGEL KULTUR JOKER 31 Warum Spar
Seite 33 und 34: Hochzeit KULTUR JOKER 33 Tradition
Seite 35 und 36: Musik KULTUR JOKER 35 Das Orso Orc
Seite 37 und 38: Musik KULTUR JOKER 37 Chorraum Mü
Seite 39 und 40: VERANSTALTUNGEN KULTUR JOKER 39 Sc
Seite 41 und 42: VERANSTALTUNGEN KULTUR JOKER 41 20
Seite 43 und 44: VERANSTALTUNGEN KULTUR JOKER 43 an
Seite 45 und 46: VERANSTALTUNGEN KULTUR JOKER 45 20
Seite 47 und 48: VERANSTALTUNGEN KULTUR JOKER 47 Fr

-flip_joker_2019-05

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Template löschen?

Als Template speichern?