Ulrich Roehm - Fördervereins Tanzkunst Deutschland

Herausgeber: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V. – Heft 104 – 35. Jg. – Nr. 5/Dezember 2012 – ISSN 1864–1172 

1983 30 Jahre 2013 

Deutscher Jubiläums-Tanzpreis 

Deutscher Tanzpreis 2013 

Ulrich Roehm 

Anerkennungspreis 

2013: 

Tobias Ehinger 

Manager 

Ballett Dortmund 

Deutscher Tanzpreis »ZUKUNFT« 2013: 

Bundesjugendballett Hamburg

Polina Semionova (2005) 

(Foto: Monika Rittershaus) 

(Foto: Enrico Nawrath) 

Marian Walter (2007) 

Alicia Amatrian (2006) 

Marijn Rademaker (2009) 

Daniel Camargo (2011) 

(Foto: Stuttgarter Ballett 

(Foto: Regina Brocke 

(Foto: Peter Schnetz)

Iana Salenko (2010) 

Katja Wünsche (2007) 

(Foto: Jochen Klenk) 

(Foto: Enrico Nawrath) 

(Foto: Stuttgarter Ballett 

Gözde Özgür (2012) 

Jason Reilly (2006) 

Flavio Salamanka (2005) Eric Gauthier (2011) 

(Foto: Charles Tandy) 

(Foto: Leslie Spatt) 

(Foto: Regina Brocke

Deutscher Tanzpreis 2013 / Deutscher Tanzpreis »ZUKUNFT« 2013 

Jubiläums-Gala zur Verleihung des 

30. Deutschen Tanzpreises 

Gegensätze ziehen sich an. Und Gegensätze erzeugen Spannung. Was könnte also besser passen, als die Reife mit Frische zu 

kombinieren, lebenskluge Erfahrung mit jugendlichem Elan. Und so kann das Programm der 30. Gala zur Preisverleihung der 

Deutschen Tanzpreise am 2. März 2013 mit sämtlichen Namen aufwarten, die als Tanzpreisträger »ZUKUNFT« ausgezeichnet 

wurden. Darum wurde diese Jubiläumsgala zur Verleihung des 30. Deutschen Tanzpreises 2013 als ein Festival der Jugend 

sämtlicher bisheriger Tanzpreisträger »ZUKUNFT« konzipiert, von denen alle uns und sich die Hoffnung auf eine außergewöhnliche 

Karriere erfüllten! Ein wohl einmaliges Feuerwerk großartigsten tänzerischen Könnens wird uns mit dieser Gala 

auf der schönen Bühne des Aalto-Theaters Essen, der traditionellen Heimat der Verleihung der Tanzpreise erwarten – und 

großer Dank erfüllt uns, dass alle bisherigen Preisträger »ZUKUNFT« großzügigerweise sofort zu einer Teilnahme an diesem 

Jubiläumsfest der Jugend bereit waren – und dieses »Fest der Jugend« erhält noch einen weiteren Jugendakzent durch 

die Verleihung des Deutschen Tanzpreises »ZUKUNFT« an das Bundesjugendballett. 

Lassen wir uns – lassen Sie sich – hinreißen, bezaubern von den Preisträgern: 

2005: Polina Semionova – Erste Solotänzerin, American Ballet Theatre, New York 

Flavio Salamanka – Erster Solist, Badisches Staatstheater Karlruhe 

Thiago Bordin – Erster Solist, Hamburg Ballett John Neumeier 

2006 Alicia Amatriain – Erste Solistin, Stuttgarter Ballett 

Jason Reilly – Erster Solist, Stuttgarter Ballett 

Christian Spuck – Direktor, Zürcher Ballett 

2007 Katja Wünsche – Erste Solistin, Zürcher Ballett 

Marian Walter Erster Solist, Staatsballett Berlin 

Terence Kohler – »choreographer in residence«, Bayerisches Staatsballett München 

2009 Marijn Rademaker – Erster Solist, Stuttgarter Ballett 

2010 Iana Salenko – Erste Solotänzerin, Staatsballett Berlin 

2011 Daniel Camargo – Solist, Stuttgarter Ballett 

Eric Gauthier – Gauthier Dance – Theaterhaus Stuttgart 

2012 Gözde Özgür – Demi-Solo, Bayerisches Staatsballett München 

2013 Bundesjugendballett – Hamburg 

Tickets: 

Eintrittskarten für die Gala 

kosten zwischen 38,50 € und 

88,00 €, der Empfang kostet 

38,50 € und muss gesondert 

gebucht werden. 

Tickets für Preisverleihung 

und Empfang erhältlich über: 

tickets@theater-essen.de 

Tel.: 0201/81 22–200 

Weitere Informationen beim 

Förderverein Tanzkunst: 

www.fvtk.de 

Den Deutschen Tanzpreis »ZUKUNFT« in der Kategorie 

Choreographie erhielten: Thiago Bordin (2005, links – 

Foto: privat), Christian Spuck (2006 – Foto: Bettina Stöß) 

und Terence Kohler (2007, oben – Foto: Jochen Klenk) 

Deutscher Tanzpreis 2013 – Deutscher Tanzpreis »ZUKUNFT« 2013 

Die Gala zur Verleihung des 

Deutschen Tanzpreises 2013 an Ulrich Roehm, des 

Deutschen Tanzpreises »ZUKUNFT« 2013 an das Bundesjugendballett Hamburg 

und des Anerkennungspreises 2013 an Tobias Ehinger 

findet am 2. März 2013 im Aalto Theater Essen statt, Beginn 18:00 Uhr



von Dagmar Ellen Fischer 

1983 wurde der DEUTSCHE 

TANZPREIS ins Leben gerufen, 

um Persönlichkeiten zu ehren, 

die sich um den Tanz verdient 

gemacht haben. Dabei wollte 

das »Deutsche« im Namen der 

Auszeichnung keineswegs suggerieren, 

dass es sich in erster 

Linie um in Deutschland erworbene Verdienste handelt – Tanz 

ist ohne Internationalität gar nicht erfahr- und denkbar. Dennoch 

sollte es im Leben der geehrten Person möglichst eine 

Beziehung zur deutschen Tanzszene geben, ob kurzzeitige 

Wirkungsstätte oder langfristiger Aufenthalt. Mit der Verleihung 

des Deutschen Tanzpreises 2013 an Ulrich Roehm wird 

nun eine Persönlichkeit ausgezeichnet, die tatsächlich die 

deutsche Tanzlandschaft so gründlich geprägt, verändert und 

mitgestaltet hat, wie vermutlich keiner der Geehrten vor ihm. 

Nie zuvor konnte ein Tanzpreisträger vielfältigere Bezüge zur 

deutschen Tanzszene aufweisen, und nie zuvor würdigte der 

Deutsche Tanzpreis damit ein Lebenswerk, das derart viel für 

den Tanz hierzulande in Bewegung brachte. 

Das klingt nach Quantität. Und einerseits ist es auch die 

enorm hohe Anzahl der Arbeitsfelder, in denen sich Ulrich 

Roehm seit Jahrzehnten engagiert und die der Tanzlandschaft 

Ulrich Roehm in »Variation Symphonique«, Choreographie: Valentina 

Belova (1958) (Fotos: Archiv Ulrich Roehm) 


in Deutschland immer wieder neue Impulse geben. Doch andererseits 

wird unermüdliches Wirken nur gewürdigt, wenn es 

qualitativ hochwertig und kompetent eingebracht wird: Die 

Liste der Gremien und Institutionen, in denen Ulrich Roehm 

Ämter und (auch nicht-klassische) Positionen bekleidet, gibt 

hierzu beredte Auskunft. 

Dass der Initiator des Deutschen Tanzpreises höchstpersönlich 

ausgezeichnet werden soll, kursierte erstaunlicherweise in 

den vergangenen Jahren schon mehrfach als Gerücht. Wahr 

wird es nun, da es bestens passt: im 80. Lebensjahr des Preisträgers 

und zum 30-jährigen Jubiläum der renommierten Auszeichnung. 

Damit ist Ulrich Roehm – den wenigen Unregelmäßigkeiten 

in der Abfolge von drei Jahrzehnten Preisverleihung 

zum Trotz – auch der 30. Preisträger. 

1933 in Essen geboren, stand das Berufsziel des Waldorf- 

Schülers Ulrich Roehm früh fest: Tänzer wollte er seit dem 

zwölften Lebensjahr werden, nachdem er Rudolf Steiners Bewegungskunst 

Eurythmie kennen gelernt hatte. Auf die Ausbildung 

an der Folkwangschule in Essen folgte die Meisterklasse bei Kurt 

Jooss, der seit 1949 erneut die Folkwang-Tanzabteilung leitete. 

Das erste Engagement führte Ulrich Roehm von 1957 bis 1961 

zum heutigen »Ballet Royal de Wallonie« als Premier Danseur 

Etoile. Hier interpretierte er unter internationalen Choreographen 

wie George Skibine die männlichen Hauptrollen in großen 

klassischen Balletten wie »Giselle«, »Romeo und Julia« und 

»Schwanensee«; mit dieser Compagnie tanzte er auch für König 

Baudouin und Königin Fabiola. Von 1961 bis 1969 trat er als 

Solist des »Folkwang Ballett« bei Gastspielen unter anderem in 

Berlin (West und Ost), Paris, Brüssel, London, Rom und Venedig 

auf, im berühmten »Der Grüne Tisch«, aber auch in weiteren 

Jooss-Werken sowie in Choreographien von Lucas Hoving und 

Anthony Tudor. Zeitgleich war er als Erster Solist im Ballett der 

Städtischen Bühnen Essen engagiert sowie am neu gegründeten 

Folkwang-Ballett als ständiger Gastsolist; ferner trat er als Gast 

weiterhin mit dem »Ballet Royal de Wallonie«, dem Staatsopernballett 

Zagreb auf sowie an zahlreichen Bühnen in Nordrhein- 

Westfalen. 1968 wirkte er in der Kurt Jooss-Produktion »Rappresentazione 

di Anima e di Corpo« bei den Salzburger Festspielen 

mit. Ein Jahr später folgte er einem Angebot des National Ballet 

of Canada und ging, zusammen mit seiner Frau Renate und den 

Töchtern Christine und Ariane, nach Toronto. 

In Kanada begann Ulrich Roehms tanzpädagogische Tätigkeit, 

innerhalb eines Jahres baute er in Toronto drei Ballettstudios 

auf, die nach dem damals vor allem in der englischsprachigen 

Tanzwelt verbreiteten System der Royal Academy of 

Dance, RAD ® , unterrichteten und ausbildeten. So absolvierte 

er im März 1970 innerhalb von nur fünf Tagen im Londoner 

Zentrum der RAD ® die professionellen Prüfungen »Intermediate« 

und »Advanced« – bis heute sicher eine Einmaligkeit in der 

Geschichte der Academy. 1973 kehrte er nach Deutschland zurück 

und eröffnete in Essen sein eigenes Tanzstudio, ebenfalls 

fußend auf dem Konzept der RAD ® ; deren ARAD (Associated 

Member of the Royal Academy of Dance) er seit 1970 ist. 1975 

gründete er als Initiator den Deutschen Berufsverband für Tanzpädagogik 

e. V. und wurde Erster Vorsitzender des Verbandes. 

Ebenso 1975 beauftragte die Direktion der RAD ® London 

ihn mit dem Aufbau der RAD ® -Organisation für Deutschland, 

die er innerhalb weniger Jahre in die erste Reihe der erfolg- 

Ballett Intern 5/2012 1


reichsten zehn von insgesamt fast 80 Länderm der Academy 

katapultierte. 

Nicht nur von Kanada nach Deutschland importierte Ulrich 

Roehm, auch in anderen Ländern und Nationen ließ er sich 

inspirieren, griff Ideen auf und brachte Menschen zusammen, 

sofern es einem Fortschreiten der heimischen Tanzszene diente. 

Bereits Ende der 1970er Jahre wurde er eines der nur wenigen 

deutschen Mitglieder des CID (Conseil International de 

la Danse der UNESCO) noch lange bevor es eine Sektion in 

Deutschland gab. Mit ihm waren damals unter anderem auch 

Pina Bausch und Kurt Peters Mitglied. 

Seit 1985 war es sein Bestreben, in enger Zusammenarbeit 

mit dem damaligen Präsidenten der GDBA und Tanzpreisträger 

des Jahres 2005, Hans Herdlein, eine Einigung der zersplitterten 

Tanz-Szene in Deutschland zu erreichen, was sich 

nun erst 20 Jahre später mit der Gründung des »Dachverbands 

Tanz Deutschland« realisierte. 

1985 gründete er im Auftrag des Kulturministeriums der 

Autonomen Regierung Süd-Tirols das Festival »Ballettsommer 

Bozen/Bolzanodanza (heute »Bozen tanzt«) und war für 22 

Jahre dessen künstlerischer Leiter. 

Ebenfalls auf seine Initiative hin entstand 1985 in Zusammenarbeit 

mit der Stadt Essen das »1. Folkwang Festival der 

Künste« mit dem ersten Folkwang-Tanzpreis an Urs Dietrich. 

Mitte der 1990er Jahre war es sein Anliegen, die »Transition-Idee« 

Philippe Braunschweigs (Deutscher Tanzpreis 

1997), die in einem großen internationalen Symposion in Lausanne 

vorgestellt wurde mit der Gründung der »International 

Organisation of the Transition of Professional Dancers/IOTPD«, 

ebenfalls in Deutschland zu etablieren. Doch das war zehn 

Jahre zu früh. Erst der »Dachverband Tanz Deutschland« hat 

dieses Thema wieder aufgegriffen und nun mit dem »Transition-Zentrum 

Deutschland« realisiert. 

Während eines Aufenthalts in Hawaii suchte er den Kontakt 

zur dortigen Tanzszene, um Dozenten für einen Workshop 

nach Deutschland einzuladen. Doch auch in umgekehrter 

Richtung, quasi exportierend, kamen ihm seine zahlreichen 

Kontakte in Deutschland zu Gute: Intensive tanzkulturelle 

Kontakte seit Beginn der 1990er Jahre mit der Botschaft der 

Volksrepublik China führten 2001 zur Ernennung zum »Ballet 

Consultant« des großen »China Shanghai International Arts 

Festivals« – und zum 


als Prinz 

Siegfried in 

»Schwanensee«, 

Choreographie 

und Einstudierung: 

George 

Skibine 1963 

10-jährigen Jubiläum 

dieses Festivals 

zu dem Auftrag der 

Organisation einer 

Jubiläums-Eröffnungs-Gala 

unter 

der Beteiligung der 

Ersten Solisten zehn 

internationaler Ballett-Compagnien 

sowie deren Direktoren. 

Diese Beispiele 

– die beliebig 

erweitert werden 

könnten – stehen 

für den eher pragmatischen Anteil in Ulrich Roehms lebenslangem 

Engagement. Der nicht minder umfangreiche Einsatz 

für die Belange von Tanzschaffenden auf gesellschaftspolitischer 

und somit theoretischer Ebene nimmt einen inzwischen 

noch größeren Raum ein. Das beginnt mit der nun seit 1977 

im 35. Jahr kontinuierlich erscheinenden Mitgliederzeitschrift 

BALLETT INTERN mit den jahrelangen zähen Kämpfen um 

bessere Konditionen für Tanzpädagogen und Ballettschulbesitzer 

an (z.B. GEMA, GVL, KSK, Berufsschutz und aktuell 

die Mehrwertsteuer-Befreiung), setzt sich über das Engagement 

im Dachverband Tanz Deutschland fort und hört bei 

der alljährlichen Organisation zur Verleihung der Deutschen 

Tanzpreise noch lange nicht auf. Den gemeinsamen Nenner 

hinter all‘ diesen Aktivitäten, der für Ulrich Roehm auch Antrieb 

ist, formuliert er selbst wie folgt: »Dem Tanz in seiner 

ganzen Vielfalt zu einer deutlich besseren Wahrnehmung zu 

verhelfen und ihm damit jene gesellschaftliche Anerkennung 

zu verschaffen, die er verdient.« 

Ulrich Roehm bildet eine Art Quersumme bisheriger Tanzpreisträger: 

Er fördert den Nachwuchs, er unterrichtet, er 

publiziert, er initiiert und kreiert. Eine Compagnie hat Ulrich 

Roehm bislang noch nicht geleitet – es sei denn, man betrachtet 

die Mitglieder des Deutschen Berufsverbandes für Tanzpädagogik 

als durchaus kreatives Ensemble! ■ 

Laudatorin Dr. Iris Jana Magdowski 

Iris-Jana Magdowski wurde in Gelsenkirchen 

geboren. Als Jugendliche 

galt ihre große Leidenschaft 

dem Ballett – bis zur aktiven Teilnahme 

am täglichen Training des 

Gelsenkirchener Ballett ensembles. 

Hier lernte sie jedoch bald ihre 

tänzerischen Grenzen kennen – 

geblieben aber ist die Faszination 

für die große Disziplin und Konzentration, 

die die Grundlagen für 

die Ausübung des Tänzerberufs 

bilden. Es folgte das Studium der Rechts- und Staatswissenschaften 

sowie der Philosophie. Nach der Promotion 1979 zog es sie 

in eine Anwaltspraxis nach Südafrika. 

Im Alter von 32 Jahren wurde durch die Berufung zur Kulturdezernentin 

nach Bielefeld die Kultur wieder zum Lebens mittelpunkt. 

Es folgten Jahre als Kulturdezernentin in Duisburg 

(1992–1997) unter dem großen Freund der Künste und des 

Tanzes, Oberbürgermeister Josef Krings, wo ihr auch 1997 für 

besondere Verdienste der »Goldene Stadtring« verliehen wurde. 

1997 führte sie der Weg für acht Jahre als Kulturbürgermeisterin 

nach Stuttgart, wo sie – weiterhin als große Förderin des Tanzes 

– unter anderem Mitglied im Kuratorium der damals gegründeten 

Tanzstiftung Birgit Keil wurde. 

Weitere Tätigkeiten waren: stellvertretende Vorsitzende des Tarifausschusses 

des Deutschen Bühnenvereins; Vorstandsmitglied 

der »Schiller-Stiftung 1859«; Lehraufträge, etwa für Kulturmanagement, 

an Hochschulen in Bukarest, Münster, Speyer; Gastprofessorin 

auf Lebenszeit an der Technischen Universität in 

Wuhan (China), seit 2005 sie Mitglied der Deutschen UNESCO- 

Kommission, seit 2009 Beigeordnete für Bildung, Kultur und 

Sport der Landeshauptstadt Potsdam. 

2 Ballett Intern 5/2012

Deutscher Tanzpreis »ZUKUNFT« 2013 

Bundesjugendballett 

Hamburg 

von Daniela Rothensee 

Der Deutsche Tanzpreis »ZUKUNFT« geht 2013 an das 

Bundesjugendballett. Und damit an acht junge Tänzerinnen 

und Tänzer gleichzeitig – das hat es zuvor nicht 

gegeben. 

Das Bundesjugendballett 

spannt ein Netz aus 

junger, kreativer Energie 

durch die Bundesrepublik. 

Der rote Faden verbindet 

den Arbeitsort der 

Compagnie – das Ballettzentrum 

John Neumeier 

in Hamburg – mit Schulen, Seniorenresidenzen und 

einer Diskothek im ehemaligen Bunker auf dem Heiligengeistfeld, 

mit Musikfestivals in Heidelberg und 

Esslingen, mit einer Haftanstalt in Rottenburg am Neckar, 

mit dem Berliner Konzerthaus, einer Turnhalle in 

Worpswede und einem leergepumpten Schwimmbad 

in Otterndorf nahe der Nordsee. Ohne Pause arbeiten 

die acht Tänzerinnen und Tänzer seit einem Jahr daran, 

ihren Auftrag in die Tat umzusetzen: Das Ballett an 

neue, ungewöhnliche Orte zu bringen und vor allem 

junge Zuschauer zu begeistern. Ihre Botschafterfunktion 

nehmen sie auch über die Grenzen des Landes hinaus 

wahr: Gerade führte eine erste Auslandstournee 

für drei Vorstellungen nach China. Sie selbst kommen 

aus sechs Nationen: Aus Japan, Brasilien, Kanada, den 

Niederlanden, Deutschland und der Schweiz. Der Intendant 

des Bundesjugendballetts, John Neumeier, 

hatte den Wunsch einer jungen Compagnie seit über 

25 Jahren: »Manchmal träumt man von etwas, und 

dann entpuppt sich die Erfüllung des Traums als nicht 

so besonders. Beim Bundesjugendballett war das ganz 

anders. Der Geist dieser Compagnie wächst täglich – 

ihre Kreativität entwickelt sich immer weiter«. Der 

Künstlerische und Pädagogische Leiter des Bundesjugendballetts 

ist Kevin Haigen. Unter seiner Anleitung 

lernen die acht Mitglieder zwischen 18 und 23 Jahren, 

für die das Bundesjugendballett meist das erste Engagement 

nach der Berufsausbildung ist, die Arbeit 

einer Ballettcompagnie kennen und entwickeln nicht 

nur ihre klassische Technik weiter, sondern arbeiten 

an stilistischer Vielseitigkeit und der Ausbildung ihrer 

künstlerischen Persönlichkeit. Denn das Einzigartige 

ist: Hier sind die Tänzer Erste Solisten und Gruppentänzer 

gleichzeitig. Während sie in größeren Compagnien 

als Mitglieder des Corps de Ballet für jede kleine 

Rolle dankbar sein müssten, stehen sie im Bundesjugendballett 

permanent im Rampenlicht. Bei nur acht 

Mitgliedern kann sich niemand hinter dem anderen 

verstecken. Dem Künstlerischen Leiter ist Yohan Stegli 


Grußwort 

Am Anfang stand Kreativität – ohne 

die eine Kunst keine Zukunft hat. Aus 

diesem Grund freue ich mich über 

die Auszeichnung für das BUNDESJU- 

GENDBALLETT mit dem Tanzpreis »ZU- 

KUNFT« ganz besonders. Sie würdigt 

einen wichtigen Teil unseres Wirkens 

und meiner künstlerischen Vision. Die 

Compagnie aus acht jungen Tänzern 

und den dazu notwendigen künstlerischen 

sowie organisatorischen Mitarbeitern 

nahm zu Beginn der Spielzeit 

2011/12 ihre Arbeit auf. Schnell hat sie sich zu einer künstlerischen 

Gemeinschaft entwickelt und innerhalb kürzester Zeit unter Beweis 

gestellt, wie notwendig ihr Bestehen ist. 

Doch neben der Forderung von Kreativität der jungen Tänzer 

war es für mich von vornherein ebenso wichtig, dass wir Ballett 

dahin bringen, wo unsere Kunstform kaum zu finden ist: in sozialen 

Einrichtungen wie Senioren- oder Ausländerheimen, Schulen 

oder Justizvollzugsanstalten, die für mich ebenso zum Herzen der 

Gesellschaft gehören. 

Ballett soll mit anderen Lebenswirklichkeiten in Berührung kommen, 

aus dem Schatten seiner herkömmlichen Wirkungsstätten 

heraustreten und Kontakt aufnehmen mit weiteren Lebenswelten. 

Tanz muss sich dem Leben stellen, es von anderer Richtung in 

Bewegung setzen, in Schwingung bringen und für neue Impulse 

sorgen. Das kann nur in einem tatsächlichen Aufeinandertreffen 

gelingen. In diesem Sinne ist die Begegnung mit klassischer Musik 

und vor allem mit jungen Musikern sehr wichtig. Wir tanzen so oft 

wie möglich zu live gespielter Musik, ob es mit Rap in Gefängnissen 

ist oder mit Beethoven in Clubs. 

Nach 15 Monaten Arbeit lässt sich feststellen, dass sich in den 

sozialen Hotspots, die das BUNDESJUGENDBALLETT inzwischen 

aufgesucht hat, durch Tanz Gemeinschaft stiften lässt und ein 

intensives Wir-Gefühl entsteht, getragen von Menschen unterschiedlicher 

Herkunft und Prägung. In kurzer Zeit ist ein eigenes 

Repertoire von neuen Balletten entstanden, das neben jungen, 

teilweise unbekannten oder auch international erfolgreichen 

Choreographen größtenteils von den Tänzern der Compagnie 

selbst kreiert worden ist. Das BUNDESJUGENDBALLETT ist nicht 

Instrument meiner choreographischen Arbeit wie das HAMBURG 

BALLETT. Gleichwohl versuche ich gelegentlich, einzelne Aspekte 

meines künstlerischen Schaffens in die junge Compagnie hineinzutragen 

– beispielsweise der work in progress von Beethovens 

Streichquartett. Ich denke nämlich, dass es von Zeit zu Zeit für die 

jungen Tänzer wichtig ist, mit einem etablierten Choreographen 

zusammenzuarbeiten. 

Mit einem solchen Repertoire, das Gefühl, Bewusstsein und 

Ideen der jungen Generation kreativ spiegelt, will das BUNDES- 

JUGENDBALLETT auch weiterhin zwischen Jugendkultur, Hochkultur 

und Bevölkerung vermitteln. Dass unsere Arbeit, die auf einen 

offenen Austausch setzt, mit dem diesjährigen, wunderbar treffenden 

Titel Tanzpreis »ZUKUNFT« gewürdigt wird, spornt unser 

Engagement zusätzlich an! 

Dafür danke ich aus vollem Herzen. John Neumeier 

Ballett Intern 5/2012 3 

(Foto: Holger Badekow)


Das Bundesjugendballett mit dem Künstlerischem Leiter Kevin Haigen 

und Ballettmeister Yohan Stegli vor der Kuppel des Reichstags in Berlin 

(Foto: Marcus Renner) 

als Ballettmeister an die Seite gestellt. Ein Organisatorischer 

Leiter ist verantwortlich für die Auftritte und Tourneen, die 

Finanzen und die allgemeine Projektplanung. Eine Pianistin, 

zwei Techniker und ein Freiwilliger im Rahmen des Freiwilligen 

Sozialen Jahres im Bereich Kultur gehören außerdem 

zum Team. Diese kleine Mannschaft macht das Projekt flexibel 

und gegenüber dem oft starren Apparat größerer Ballettcompagnien 

eher unkompliziert. Den bunt bedruckten 

und von VW gesponserten Tourbus fährt der Ballettmeister 

oder der Organisatorische Leiter, die Kostüme kaufen oder 

leihen sich die Tänzer selbst. Den Wunsch ihres Intendanten 

John Neumeier, dass sie als kleine und flexible Compagnie nie 

»Nein« sagen mögen, nehmen sie sich zu Herzen. 

Ein Markenzeichen sind Projekte geworden, die Live- 

Musik und Tanz gleichberechtigt auf die Bühne bringen und 

den Austausch zwischen jungen Musikern und Tänzern in 

den Fokus rücken. Kooperationen mit Stipendiaten der »lied 

akademie des Heidelberger Frühlings«, dem europäischen 

Musikfestival »Podium« in Esslingen oder dem Berliner Klassikfestival 

»Young Euro Classic« brachten Werke von Peteris 

Vasks, Franz Schubert und Ludwig van Beethoven auf die 

Bühne, neben Auftragswerken zeitgenössischer Komponisten. 

Die Choreographien schufen Nachwuchstalente wie 

Robert Binet aus Kanada und der Italiener Sasha Riva, aktuell 

Gruppentänzer im Hamburg Ballett. Außerdem kreierte Natalia 

Horecna vom Nederlands Dans Theater I eine Choreographie 

mit der Compagnie. Damit übernimmt das Bundesjugendballett 

eine wichtige Funktion als Auftraggeber für 

junge Choreographen, die am Anfang ihrer Karriere stehen. 

Beim »Internationalen Wettbewerb für Choreographen« in 

Hannover stiftete das Bundesjugendballett erstmals einen 

Produktionspreis: Der Gewinner wird ein Ballett für das Ensemble 

schaffen. So entstehen ständig neue Werke. Auch 

die Tänzer entwickeln Choreographien, eines der wichtigsten 

Elemente bei der Audition war das unter Beweis stellen 

des eigenen schöpferischen Potentials in der Improvisation. 

Nach maximal zwei Jahren endet für die Tänzer das Engagement 

im Bundesjugendballett. Dem ersten Jahrgang stellt 

sich bereits jetzt die Frage nach einer Zukunft nach der Zeit 

im Ensemble. Für jeweils vier neue Mädchen und Jungen 

beginnt im kommenden September die zweijährige Reise. 

Aufgrund eines Beschlusses des Deutschen Bundestages 

und mit vier Mal 700.000 Euro fördert der Beauftragte der Bundesregierung 

für Kultur und Medien das Bundes jugendballett 

als Pilotprojekt für vier Spielzeiten (2011/12 bis 2014/15). 

Eine Anschlussfinanzierung ist bislang nicht gesichert. � 

Bundesjugendballett 

Intendant: John Neumeier 

Künstlerischer und Pädagogischer Leiter: Kevin Haigen 

Organisatorischer Leiter: Lukas Onken 

Ballettmeister: Yohan Stegli 

Pianistin: Patrycja Krawczynska 

Techniker: Tim-Oliver Thede, Werner Maul 

Freiwilliges Soziales Jahr Kultur: Julius Palm 

Compagnie: Vier Tänzerinnen und vier Tänzer zwischen 

18 und 23 Jahren mit abgeschlossener Berufsausbildung 

Spielzeit 2012/13: Winnie Dias (Brasilianerin), Gabriela Finardi 

(Brasilianerin), Madoka Sugai (Japanerin, Preisträgerin 

des „Prix de Lausanne 2012“), Yukino Takaura (Japanerin), 

Patrick Eberts (Deutscher), Graeme Fuhrman (Kanadier), 

Maurus Gauthier (Schweizer), Daan van den Akker (Niederländer) 


Anerkennungspreis 2013 


Manager Ballett Dortmund 

Im Jubiläumsjahr 2013 wird erstmalig 

mit Tobias Ehinger vom Ballett 

Dortmund ein Tanzmanager für 

seine »herausragenden Leistungen 

beim Aufbau von erfolgreichen 

Strukturen und der Vermittlung des 

künstlerischen Bühnentanzes« ausgezeichnet. 

Gerade in Zeiten kultureller Sparmaßnahmen 

bedarf die Kunstsparte 

Tanz starker Strukturen, einer eigenen 

Stimme für ein öffentliches und 

politisches Bewusstsein und einer 

gleichberechtigten Selbständigkeit 

gegenüber den anderen etablierten Sparten Oper, Orchester 

und Schauspiel. Meist ist der Tanz noch immer untergeordneter 

Bestandteil städtischer und staatlicher Bühnen und fällt – 

trotz wirtschaftlicher Widersinnigkeit – den Sparmaßnahmen 

zuerst zum Opfer. Gegen den allgemeinen Trend ist es Ehinger 

innerhalb kürzester Zeit in Dortmund gelungen, aus einem 

von Einsparungen gefährdeten und den Bedürfnissen 

der Oper untergeordneten Ballettensemble eine erfolgreiche 

autonome Sparte aufzubauen und diese mit der Gründung 

des Ballettzentrums Westfalen dauerhaft abzusichern. 

Die Ehrung macht gleichzeitig darauf aufmerksam, wie 

wichtig das kreative Zusammenspiel von künstlerischen und 

infrastrukturellen sowie marktwirtschaftlichen Komponenten 

für den Erfolg einer Institution ist: für den Erfolg vor Ort, also 

der kulturellen Nahversorgung einer Kommune, sowie für die 

überregionale Wirkung und die Etablierung künstlerischer 

Ideen im Kulturbewusstsein. 

Tobias Ehinger, 1979 in Tübingen geboren, hat selbst eine 

tänzerische Laufbahn hinter sich. Sein Studium absolvierte 

er an der Stuttgarter John Cranko Schule, der Académie de 

Danse Classique Monte Carlo und an der Akademie des Tanzes 

Mannheim. 

2004 holte Ballettdirektor Xin Peng Wang den damals 

25-jährigen Tänzer des Aalto Ballett Theater Essen (Direktor: 

Martin Puttke) nach Dortmund, um seine Vision einer eigenen 

Sparte Ballett umzusetzen. 

Durch die Optimierung von kreativen Potentialen wandelte 

sich das Ballett Dortmund zum Modell für Stärke und 

Eigenständigkeit der Kunstform Tanz: Den Visionen Xin Peng 

Wangs folgend, bewirkte der Einsatz von Tobias Ehinger als 

Manager, dass 2007 die Mitglieder des Ballett Dortmund tariflich 

eingruppiert und 2008 die Satzung des Theater Dortmund 

dahingehend geändert wurde, dass das Ballett vom 

übrigen Musiktheater abgekoppelt wurde und sich als eigenständige 

Sparte mit Programm- und Finanzhoheit innerhalb 

des Spartenverbandes positionieren konnte. Ein Jahr später 

gelang es mit Hilfe von Sponsorenmitteln, im Dortmunder 

Westfalenpark das Ballettzentrum Westfalen als Trainings- 


(Foto: Theater Dortmund) 

zentrum und kulturelle Begegnungsstätte zu eröffnen. Damit 

hat die Kommune ein bundesweites Zeichen gesetzt und ein 

Bekenntnis zum großen Erfolg des Ballett Dortmund erbracht. 

Mit der Gründung eines eigenen Seniorentanztheaters und 

dem Jugendtanztheater des Ballett Dortmund erfolgten weitere 

wichtige Meilensteine der kommunalen Verankerung. 

Durch den Aufbau internationaler Netzwerke erwirkte 

Ehinger kontinuierlich eine steigende überregionale Aufmerksamkeit 

des Ballett Dortmund: Seit 2004 kamen in insgesamt 

17 verschiedenen Ballettgalas zahlreiche Tanzgrößen 

renommierter Häuser aus der ganzen Welt nach Dortmund, 

sie führten nicht zuletzt zu einer engen Verbundenheit mit 

dem Royal Ballet in London. Zusammen mit Benjamin Millepied 

entstand im Projekt »Dance Concertantes« ein Netzwerk 

mit dem New York City Ballet, dem American Ballet 

Theatre und der Opéra de Paris. Eine langjährige Kooperation 

verbindet Dortmund mit dem Hong Kong Ballet, die aktuell 

in der gemeinsamen Koproduktion »Der Traum der Roten 

Kammer« ihren Höhepunkt findet. 

In der Direktionszeit Xin Peng Wangs und seines Managers 

Tobias Ehingers erarbeitete sich das Ballett Dortmund 

ein breites Repertoire von über 50 Balletten, darunter 21 Uraufführungen 

und Werke renommierter Choreographen wie 

William Forsythe, Hans van Manen, George Balanchine, Mauro 

Bigonzetti, Christian Spuck, Benjamin Millepied, Edwaard 

Liang oder Cayetano Soto. Gastspiele brachten die Compagnie 

in die Nationaltheater von Prag, Brünn und Budapest und 

in den Königlichen Palast in Stockholm. 

Hervorzuheben ist die Gründung der »Sommerakademie 

des Ballett Dortmund« im Jahr 2011, zu der sich renommierte 

Dozenten und Studenten aus der ganzen Welt im Ballettzentrum 

Westfalen treffen. 

Auch außerhalb seiner Aufgaben in Dortmund zeigt Tobias 

Ehinger großes Engagement für die Tanzkunst, so ist er 

u. a. Mitglied des Verwaltungsrats der Bayerischen Versorgungskammer, 

Gruppenrat Tanz und Stellvertretender Beiratsvorsitzender 

der GDBA und als Beisitzer beim Bühnenoberschiedsgericht 

tätig. ■ 


Interview mit Bertram Müller 

tanzhaus nrw: 

Der Name ist 

Programm 



Tanzhaus – der Name ist Programm. 

In der Renaissance waren Tanzhäuser 

ein Treffpunkt der Bürger in der sich 

allmählich etablierenden städtischen 

Kultur: Seit dem 14. Jahrhundert 

wurden in vielen deutschen Städten 

Tanzhäuser gebaut, meist im Zentrum 

und in unmittelbarer Nähe zum 

Rathaus gelegen, fanden hier Zunfttänze, 

aber auch Hochzeitstänze öffentlich 

statt. Ein offenes Haus – das 

lag auch Bertram Müller am Herzen, als er in den 1970er 

Jahren zum Impulsgeber in Düsseldorf wurde. Seit 35 Jahren 

leitet er nun das »tanzhaus nrw«, das aus dem Vorgängermodell 

»die werkstatt« hervorging. Wenn Bertram Müller, Jahrgang 

1946, im nächsten Jahr die Intendanz an seine Nachfolgerin 

Bettina Masuch abgibt und in eine Art Ruhestand geht, 

übergibt er ein Zentrum für Tanz und Kunst, das in Deutschland 

einzigartig ist und einen festen Platz im europäischen 

Tanznetz hat. 

Dagmar Ellen Fischer: Hast Du jemals selbst getanzt? 

Bertram Müller: Tanz hat mich schon immer fasziniert. 

Jegliche Art von Tanz, allerdings habe ich erst in den letzten 

Jahren Zugang zum Ballett gefunden. In meiner Zeit als Schüler 

gab es nur Gesellschaftstanz. In den Anfangszeiten der 

Werkstatt lernte ich New Dance und Modern Dance als gelegentlicher 

Amateurtänzer kennen. Während meiner Aufenthalte 

in Afrika fand ich leicht den Zugang zu afrikanischem 

Tanz. 

DEF: Du hast Philosophie und Theologie in Heidelberg studiert, 

wie kam es dazu, dass Du Gründungsmitglied der 

Düsseldorfer Werkstatt wurdest, dem Vorläufer des Tanzhauses? 

BM: Ich war in den 1970er Jahren protestantischer Pfarrvikar 

in einer Stadtteilgemeinde von Düsseldorf, wo sich 

Tänzer, Schauspieler, Musiker und Maler daran machten, ein 

größeres ehemaliges Werkstattgelände zu übernehmen. Das 

endete bald in einem Chaos, was ich schade fand. Ich engagierte 

mich, es neu zu organisieren. So initiierte ich die 

Gründung eines gemeinnützigen Vereins. Wir wurden damit 

zuschussfähig für die ersten geringen Fördermittel der Stadt. 

Die Gebäude wurden wenig später abgerissen, wohl auch 

aus Angst, wir könnten die gesamte Fabrik besetzen. 

DEF: Dennoch hast Du Deinen Abschluss als Diplom-Psychologe 

gemacht, obwohl absehbar war, dass Du in diesem 

Beruf nicht arbeiten würdest? 

BM: In den Gründungsjahren der Werkstatt 

e. V. habe ich nicht mehr als Pfarrer, sondern 

als Religionslehrer gearbeitet, was den Vorteil 

hatte, dass ich ein Einkommen und abends Zeit 

hatte. Darüber hinaus habe ich nicht nur ein 

Diplom in Psychologie, sondern eine Fachausbildung 

in Psychotherapie. Diese auszuüben 

habe ich nie aufgehört. Die Heilung des Psychischen 

ist ein ko-kreativer Vorgang, die daraus 

erwachsende Kenntnis hat mir sehr geholfen 

im Verständnis von kreativen, schöpferischen 

Arbeitsprozessen von Choreographen sowie 

auch dem Verständnis ihres Scheiterns. Ich 

habe die beiden Gebiete Psychotherapie und 

Kunst immer getrennt gehalten und nicht verbunden, 

wie das beispielsweise in der Tanztherapie 

geschieht – das kam für mich nie in Frage, 

weil es meiner Meinung nach nur für eine 

recht begrenzte Zielgruppe nützlich erscheint. 

DEF: Du hast zahllose Initiativen gestartet, Ausbildungsprojekte 

initiiert, Festivals gegründet. Vieles existiert heute 

noch, einiges brannte nur kurz wie ein Strohfeuer. Woran 

lag es beispielsweise, dass ein Festival mit dem berühmten 

Clown Jango Edwards nur kurze Zeit überlebte? 

BM: Die »Fools Festivals« in den Anfangsjahren der Werkstatt 

dienten der Verstärkung der öffentlichen, kulturpolitischen 

Wahrnehmung. Es hat seine spätere Fortsetzung gefunden 

in den »Düsseldorfer Strandtheatertagen«, für die wir 

jedoch weder genügend Geld noch wiederholt die Rheinwiesen 

zur Verfügung gestellt bekamen. Der inzwischen berühmt 

gewordene »Düsseldorfer Altstadtherbst« ist die spätere, jedoch 

unabhängige Nachfolge. Wir mussten uns nach Abbruch 

der Gebäude in der Grafenberger Allee konzentrieren: auf das 

Überleben des Vereins, auf unsere künstlerischen und kunstpädagogischen 

Ziele sowie auf die Suche nach einem geeigneten 

Gebäude und die notwendige Finanzierung. Unsere langjährigen 

Versuche mit dem Schauspielhaus, die Rheinische Tanz- 

und Theaterschule (drei Jahre) zu etablieren, die später als Teil 

des »European Dance Development Center« (EDDC) in Zusammenarbeit 

mit der Hochschule in Arnheim (über acht Jahre) 

fortgesetzt wurde und was viele neue Impulse in der professionellen 

Ausbildung setzte, musste im neu eröffneten »tanzhaus« 

nach vier Jahren aus finanziellen Gründen aufgegeben 

werden – nicht zuletzt aufgrund der Tatsache, dass es in Nordrhein 

Westfalen drei Hochschulausbildungen im Bereich Tanz 

gab, damals jedoch keine für zeitgenössischen Tanz mit visionärer 

Ausrichtung. Die von mir mit initiierte World Dance Alliance 

Europe war insofern erfolgreich, als dass wir unser neues 

Haus mit einem »Global Dance Festival« unter Beteiligung von 

36 Compagnien aus aller Welt eröffnen konnten. Nachdem ich 

2002 beim WDA Europe mein Amt niederlegte, konnte diese 

weltumspannende Struktur von Marc Jonkers offenbar nicht 

erfolgreich fortgesetzt werden, bedauerlicherweise. 

DEF: Bildet die Öffnung zu anderen Kulturen den roten 

Faden in Deinem Engagement? Oder steht der Tanz im Verhältnis 

zu den anderen Künsten für Dich im Mittelpunkt? 


BM: Ich hatte immer eine unstillbare Neugier nach der 

in der Welt existierenden Vielfalt von Tanzkulturen und das, 

was ihre jeweiligen zeitgenössischen Vertreter als künstlerisch 

gestaltete Interpretation ihrer Lebensauffassung anzubieten 

hatten. Tanzkunst auf Ballett zu beschränken, war für 

mich inakzeptabel. Die Verbindung des Tanzes mit anderen 

Künsten war für mich eine Selbstverständlichkeit, jedoch auf 

künstlerischer, ökonomisch autonomer Basis und nicht als Ersatzrad 

in der Programmatik eines Stadttheaterbetriebs. Für 

mich entscheidend ist, ob der Künstler sich als Choreograph 

identifiziert, d. h. sich mit der künstlerischen Gestaltung das 

Verhältnis von Raum und Zeit »ad hominem« auseinandersetzt. 

DEF: Wie würdest Du das übergeordnete Ziel Deiner Arbeit 

formulieren? 

BM: Als künstlerischer Leiter, aber auch Psychotherapeut, 

interessiert mich die künstlerisch geformte Konkretion innerseelischer 

und äußerer Konflikte einer Einzelperson oder 

einer Gruppe, sofern sie sich mit den aktuellen Gegebenheiten 

und Konflikten auseinandersetzt. Zeitgenössische Kunst 

ist für mich eine Objektivierung dieser inneren und äußeren 

Konflikte. Tanzkunst ist Auseinandersetzung und Überwindung 

der in unserer Tanzkultur vorgegebenen ästhetischen 

Sprache. Am Tanz interessiert mich vor allem, dass es jemand 

vermag, nicht nur Material (geschulter Tänzer) eines schöpferischen 

Willens (Choreograph) zu sein, sondern in einem 

vergänglichen, selbstbeantwortenden fortlaufenden Prozess 

durch den eigenen Leib von Moment zu Moment, in Anwesenheit 

von Publikum, letztendlich eine Wiedervereinigung 

von Schöpfer und Geschöpf im selbstschöpferischen Künstler, 

dem meine ganze Bewunderung gilt. 

DEF: Worauf bist Du stolz? 

BM: Darauf, dass eine postmoderne Idee der Vielfalt der 

Wahrheiten auch in der Tanzkunst im »tanzhaus nrw« seine 

täglich erlebbare, lebendige Form gefunden hat, dass unsere 


Graswurzelinitiative überlebt hat und sogar lokal und überregional 

nach vielfältig erlebten Abwertungen schließlich Anerkennung 

gefunden hat, wir inzwischen mehr als 3.000 Besucher 

jede Woche zufrieden nach Hause schicken und, last but 

not least, rund 100 Personen, inklusive Dozenten, einen dauerhaften 

und Sinn gebenden Arbeitsplatz gefunden haben. 

DEF: Ein konkretes Beispiel aus dem Unterrichtsangebot, 

was steckt hinter »Ladies Attack«? 

BM: Das Konzept »Ladies Attack« ist Ausdruck unserer Bemühungen, 

die von der jungen Generation weltweit initiierte 

Hip-Hop-Bewegung, die bisher überwiegend eine männliche 

Domäne war, als Tanzform für Frauen zugänglich zu machen 

bzw. deren inzwischen eigenständige Ästhetik ernst zu nehmen 

und öffentlich zu präsentieren. 

DEF: 2013 wird Dein finales Jahr als Intendant am »tanzhaus 

nrw«, wie wurde die Nachfolge geregelt? 

BM: Auf meine Initiative hin wurde durch den Vorstand 

des Trägervereins eine Findungskommission eingesetzt, die 

aus Choreographen, Pädagogen, aber auch kulturpolitischen 

Vertretern des Landes NRW und der Stadt zusammengesetzt 

war. Von dieser wurde Bettina Masuch einstimmig empfohlen. 

Diese Empfehlung wurde nicht nur von unserem Vorstand, 

sondern auch von mir und unserem Team mit voller 

Überzeugung bestätigt. Als Gründer und seit 35 Jahren Leiter 

von »die werkstatt e. V.«, ab 1998 tanzhaus nrw, war mir bewusst, 

dass das programmatisch breit aufgestellte »tanzhaus 

nrw« mit seinen vier Abteilungen Bühne, Bildung, Produktion 

und kulturelle Kommunikation sowie der Abteilung »Tanz für 

junges Publikum«, mit seiner internationalen Vernetzung und 

vor allem als freier Träger mit sehr begrenzten öffentlichen 

Mitteln nicht einfach zu besetzen ist. Dass dies rechtzeitig 

und überzeugend gelungen ist, erleichtert mir Ende 2013, 

mein Amt abzugeben – um danach zu entdecken, wer ich 

sonst noch bin und wohin in der Tanzwelt meine Neugier 

mich treibt. ■ 

(Fotos: tanzhaus nrw e.V.) 


Interview mit Bertram Müller / Herbsttagung des Dachverbands Tanz Deutschland 

Warum Tanz? Darum! 

von Bertram Müller 

Weil zeitgenössischer Tanz heute mehr denn je 

Poesie und Verdichtung des Lebens ist. 

Weil sich im Tanz der Körper, die Psyche und der 

Geist des Menschen auf einen gegenwärtigen 

Moment zu konzentrieren und sich so die Vielseitigkeit 

des Menschen ganzheitlich zu integrieren 

und dadurch stimmig zu entfalten vermag. 

Weil sich die im Tanz innewohnende Integrität, 

Unmittelbarkeit und Verletzlichkeit kaum für 

oberflächliche Kompromisse bei der künstlerischen 

Darstellung eignet. 

Weil Tänzerinnen und Tänzer weitgehend ohne 

theatralische Schutzmechanismen, wie z.B. Rollen, 

Masken und Erzählungen wagen, ihre Persönlichkeit, 

ihre Sexualität, ja sogar ihre Intelligenz 

ganz unmittelbar auf der Bühne vor anderen 

zu entblößen. 

Weil Tänzer auf der Grundlage jahrelanger konsequenter 

Praxis unvorstellbare Leistungen des Erinnerns 

und Darstellens von äußerst komplizierten 

Bewegungsabläufen vollbringen. 

Weil der Tanz in der Regel eine kollektive Kreation 

von mehreren ist, die höchste „Team-Play«-Qualitäten 

erfordert und diese nachhaltig zu bilden 

vermag. 

Weil Tanz uns die kompliziertesten und oft noch 

unausgegorensten Ideen und Konflikte unserer 

Zeit ganz unmittelbar durch einen bewegten Körper 

kunstvoll/konkret vor Augen führt, die auf andere 

Weise nicht vermittelbar wären. 

Weil es das ureigenste Thema der Tanzkunst ist, 

das innige Verhältnis von Raum und Zeit, von Körpern, 

Form und Dynamik, immer wieder neu am 

eigenen Leib zu erforschen und uns damit auf immer 

neue Weise hilft, die rapid sich verändernde, 

multilokal und multitemporal gewordene Welt 

begreifbar und in Würde lebbar werden lässt. 

Weil von allen Künsten noch am ehesten der 

Tanz live und ganz real mit der äußerst rasanten 

Geschwindigkeit und Verdichtung der Bilder der 

digitalen Medien zu konkurrieren vermag. 

Weil der Tanz über kulturelle Grenzen hinweg die 

Substanz der verschiedensten kulturellen Identitäten 

vermittelt und diese ohne sprachliche Übersetzung 

ganz unmittelbar verständlich machen 

kann. 

Weil Tanzkunst zu erleben und selbst zu tanzen 

uns verbindet, herausfordert, spontan gerne 

glücklich macht und einfach gesund ist. ■ 

Bertram Müller 08/07, Text basierend auf einem Interview mit John 

Ashford, ehemals The Place London, mit dem Titel »IDEE: Defining 

the Undefinable« in der Fachzeitschrift »Theater der Zeit« 

Jung, stark, selbstbewusst 

Herbsttagung des Dachverbands Tanz Deutschland 

von Günther Rebel 

Mit dem Appell »Eine Stimme für den Tanz!« lud der Dachverband 

Tanz Deutschland (DTD) seine Mitglieder zur Herbsttagung in das 

tanzhaus nrw nach Düsseldorf ein. Das volle Zwei-Tage-Programm 

bestand aus einem umfangreichen Themenkatalog, von der sozialen 

Lage der Tänzer über das Kulturerbe Tanz bis hin zur kulturellen Bildung. 

Vorstellungen des gleichzeitig stattfindenden Festivals »Frash 

Tracks Europe« standen ebenso auf dem Programm wie die jährliche 

Mitgliederversammlung und die Neuwahl des Vorstands. 

Zu den Themen schreibt der DTD in seiner Zusammenfassung 

vom 26.10.2012 in einem Rundbrief an die Mitglieder: »Die Verbände, 

herausragende Institutionen und Persönlichkeiten des Tanzes 

diskutierten aktuelle Entwicklungen im Tanz – insbesondere 

im Bereich kulturelle Bildung. Hier hat der Bundesverband Tanz 

in Schulen (in Kooperation mit dem DTD) erfolgreich den Antrag 

»Chance Tanz« beim Bundesministerium für Wissenschaft und Forschung 

platzieren können und wird in den nächsten fünf Jahren 

bis zu 6 Millionen Euro für lokale Projekte erhalten. Zugleich zeigt 

die äußerst erfolgreiche Petition zur weiteren Befreiung der Musik- 

und Tanzschulen von der Mehrwertsteuer (96.567 Stimmen), 

welche vom Deutschen Berufsverband für Tanzpädagogik (DBfT 

e. V.) initiiert und vom DTD weiter verbreitet wurde, die Stärke des 

Tanzbereichs.« Zum Erfolg der Petition muss unbedingt gesagt 

werden, dass neben dem DTD vielleicht nicht nur sporadisch eine 

Solidargemeinschaft entstanden ist, der z. B. auch der Beirat Tanz 

im Deutschen Kulturrat, der Musikschulverband und die Royal Academy 

of Dance ® angehörten. 

Sehr engagiert berichtete Linda Müller über das Projekt »Chance 

Tanz« und regte zugleich einen spontanen Gedankenaustausch über 

die Nachhaltigkeit von gut gemeinten, aber nicht unbedingt sinnvollen 

Projekten an. Zwei Wochen vor dieser Diskussion äußerte sich 

interessanter Weise bereits der Deutsche Bühnenverein zu diesem 

Thema mit folgender Pressemitteilung: 

Dachverband Tanz 

Ständige Konferenz Tanz 

Deutschland 

PRESSEMITTEILUNG – Köln, den 11. Oktober 2012 

Künstlerischer Ausschuss des Bühnenvereins kritisiert 

zunehmende Projektförderung im Kulturbereich 

Anlässlich seiner Sitzung am 9. und 10. Oktober 2012 in Köln kritisiert 

der künstlerische Ausschuss im Deutschen Bühnenverein, 

dass sich die Finanzierung von Kunst und Kultur zunehmend in die 

Projektförderung verlagert. Im Gegensatz zur institutionellen Förderung 

mangele es Projektförderungen vor allem im pädagogischen 

Bereich an der notwendigen Nachhaltigkeit; sie seien zudem unüberschaubar 

und oft unkoordiniert und bürokratisch. Auch erlaubten 

sie kein kontinuierliches Arbeiten. Dies zeige sich insbesondere 


im Tanz, der institutionell als Sparte am meisten gefährdet 

ist. »Es ist doch absurd, dass beispielsweise gerade in Münster 

der Tanz als Sparte in der Diskussion steht, obwohl die 

pädagogische Bedeutung des Tanzes überall zunimmt«, so 

Holger Schultze, Vorsitzender des Künstlerischen Ausschusses 

und Intendant des Theaters Heidelberg. Diese Entwicklung 

sei widersinnig. 

Dennoch kann man dem Bundesverband Tanz in Schulen 

zu seinem Antragserfolg gratulieren! Projektkritiker weisen 

zwar immer auf die Schwachstellen von Projekten hin, haben 

aber bislang noch keine Alternativvorschläge entwickelt. Fest 

steht, nachhaltige Erfolge hängen nicht nur vom Geld, sondern 

vor allem von der Qualität einzelner Projekte ab. Nachhaltig 

bedeutet, in den Köpfen und Körpern der Teilnehmer 

einer Zielgruppe – bei diesem Projektplan sozialschwache 

Kinder und Jugendliche – ist etwas in Bewegung geraten und 

der Gestaltungsspielraum für die Zukunft wird erweitert. 

Da der DBfT seit 2012 eng mit dem Bundesverband 

Tanz in Schulen zusammen arbeitet, werden auch die im 

» BEruFSrEgISTEr des DBfT« eingetragenen Mitglieder, 

falls sie an Projekten interessiert sind, von diesem Plan profitieren. 

Weitere Informationen werden auf der Website des 

DBfT veröffentlicht, sobald der Bundesverband Tanz in Schulen 

die Förderrichtlinien bekannt gegeben hat. 

Ein weiterer Beitrag, der große Beachtung und Anerkennung 

fand, war das Statement Heide-Marie Härtels vom 

Tanzfilminstitut Bremen zum »Kulturerbe«. Mit einem unvorbereiteten 

Vortrag – von der Bitte um einen Bericht überrascht 

– trug sie Fakten und Zahlen vor, mit denen sie sehr 

sympathisch und bewegend die Rettungsversuche der von 

Vernichtung bedrohten Dokumenten (Bücher, Filme, Fotos), 

den Kampf um finanzielle Mittel und auch den Kampf gegen 

die Zeit, die den oft unzureichend gesicherten Materialien 

durch Zerstörung droht. Härtels Appell zur noch engeren 

digitalen Vernetzung der künstlerischen Einrichtungen stieß 

auf offene Ohren. 

Am Nachmittag des zweiten Tages fand die Mitgliederversammlung 

2012 und Neuwahl des Vorstandes statt. Den 

neuen Vorstand bilden Claudia Feest (Berlin), Heide-Marie 

Härtel (Tanzfilminstitut Bremen), Bea Kießlinger (TanzSzene 

Baden Württemberg), Bertram Müller (tanzhaus nrw Düsseldorf), 

Martin Puttke (Förderverein Tanzkunst Deutschland, 

Essen/Berlin), Ulrich Roehm (Deutscher Berufsverband 

für Tanzpädagogik, Essen), Anja Schmalfuß (Sasha Waltz & 

Guests, Berlin), Christiane Theobald (Staatsballett Berlin) und 

Bettina Wagner-Bergelt (Bayerisches Staatsballett München). 

Die Geschäftsführung liegt weiterhin in den Händen von Michael 

Freundt (Berlin), der dank der Unterstützung durch das 

Internationale Theaterinstitut/Zentrum Deutschland sein Arbeitspensum 

für den DTD weiter ausbauen kann. 

Die kollegiale, fast familiäre Atmosphäre und der mit prallem 

Tanzleben gefüllte Veranstaltungsort, das tanzhaus nrw, 

mit seinem geschätzten Gastgeber Bertram Müller verlockte 

zu Bemerkungen, die DTD-Meetings auch künftig dort stattfinden 

zu lassen. Ein besonderer, gewollter Effekt solcher 

Veranstaltungen ist auch der, am Rande des Treffens Kontakte 

zu knüpfen, die den Stimmen für den Tanz in naher 

Zukunft zunehmend Gehör verschaffen. � 

Dachverband Tanz Deutschland / Kulturfrühstück der FDP 

Düsseldorfer 

Kulturfrühstück der FDP 

»Europa als Kulturraum« 

von Anja Körber-Giovanelli und Ulrich Roehm 

Wie das Interview mit Bertram Müller, der Bericht über diverse 

Sitzungen und Mitgliederversammlungen sowie Get- 

Together-Aktionen des Dachverbands Tanz Deutschland im 

tanzhaus nrw aufzeigen, ist dieses Tanzhaus für alle tanzkulturellen 

und kulturpolitischen Aktivitäten ein offenes 

Haus! Dies Dank der besonderen Persönlichkeit des langjährigen 

Gründungsdirektors Bertram Müller, der mit unermüdlicher 

Energie für die breite Skala des künstlerischen Tanzes 

aus kleinsten Anfängen dieses inzwischen rund zwölfeinhalb- 

Millionen-Euro Projekt nach langen Jahren im Zentrum Düsseldorfs 

mit Hilfe des Landes NRW realisieren konnte. 

Am 19. und 20. Oktober fanden dort zum wiederholten 

Male Vorstandssitzung und Mitgliederversammlung des Dachverbands 

Tanz Deutschland/DTD statt (siehe BALLETT INTERN 

4/2012). Am folgenden Wochenende, dem 28. Oktober, war 

das ›tanzhaus nrw‹ offen für eine ganz besondere kulturpolitische 

Veranstaltung. Die Bundestags-Fraktion der FDP, Gisela 

Piltz als Stellvertretende Vorsitzende dieser Fraktion und das 

tanzhaus nrw luden ein zu einem Kultur-Frühstück: »Europa 

als Kulturraum« mit Bundesaußenminister Dr. Guido 

Westerwelle als Keynote-Sprecher. 

Der Wettergott meinte es sehr gut mit dieser Veranstaltung, 

strahlender Sonnenschein durchflutete die repräsentativ 

ausgestatteten Räume an diesem »Sonn«-Tag-Morgen. Über 

mangelndes Interesse konnten sich weder Gisela Piltz noch 

Bertram Müller beklagen, und so stimmten die »Old Times Serenaders« 

das äußerst zahlreich erschienene Publikum auf die 

Ankunft des hohen Ehrengastes entsprechend ein. 

Äußerst pünktlich (wie selten bei Politikern) rollten um 

11:15 Uhr die drei Staatskarossen in den Vorhof des ›tanzhaus 

nrw‹ ein, und schwungvoll entstieg Westerwelle einer 

der Limousinen, ein Choreograph hätte den Auftakt nicht 

besser inszenieren können. »Europa als Kulturraum« – Wester- 

Ulrich Roehm trifft Bundesaußenminister Dr. Guido Westerwelle beim Kulturfrühstück 

der FDP im »tanzhaus nrw« (Foto: Claudia Herms) 


Kulturfrühstück der FDP mit Bundesaußenminister Dr. Guido Westerwelle 

welle referierte über den aktuellen Kulturwandel im Kontext 

zur globalen Weltentwicklung und den damit verbundenen 

Herausforderungen, die nationale und kulturelle Identität zu 

bewahren. Denn durch das Internet und die präsente Medienlandschaft 

rückten die Kulturen Europas, ja der ganzen 

Welt mehr und mehr zusammen. Um diesem fortschreitenden 

Prozess auch im Sinne der Identitätsbewahrung soweit 

wie möglich Rechnung zu tragen, wäre es wichtig, Europa als 

eine gemeinsame Schicksals- und Kulturgemeinschaft zu betrachten. 

So betonte er, dass Deutschland zwar in Europa groß 

dasteht, aber in Relation zur globalen Welt doch eher klein 

wirke. Westerwelle sieht die Essenz der europäischen Kultur 

als eine Kultur der Freischaffenden und der Persönlichkeitsentwicklung, 

die für ihn vor den materiellen Werten stehen. In 

seinen Augen sind wir sozusagen die Opposition zu den Ländern, 

die sich durch die Konsumflatrate vom Entwicklungsland 

zur Wirtschaftsmacht entwickelt haben, wie z. B. China oder 

Indien, wo weniger oder gar nicht Freiheit und Selbstentfal- 

Bundesaußenminister Dr. Guido Westerwelle im Gespräch mit dem Initiator 

des »tanzhauses nrw« Bertram Müller (Foto: Claudia Herms) 

tung gefördert wird, wo die monetäre vor der persönlichen 

Entwicklung stehe. Westerwelle kam ins Schwärmen, als er 

über die intellektuelle Vielfalt Deutschlands sprach, welche 

phantastischen Möglichkeiten unserer Sprache, geprägt durch 

Goethe und Schiller, uns zum Ausdruck künstlerischen Schaffens 

zur Verfügung stehen. 

Denn wer von Bildung spricht, darf über Kultur nicht 

schweigen, denn ohne Kultur sehe er eine angemessene Lebensqualität 

in unserem Lande nicht! Kultur sei für unsere 

Städte ein unverzichtbarer Bestandteil des Lebens! Es würde 

so viel von »Daseins-Fürsorge« in der Politik gesprochen, aber 

dies nur in Bezug auf Autobahnen, Straßenverkehr, Flughäfen 

und ähnlichem, doch die kulturell so bedeutende, reiche Theaterlandschaft 

Deutschlands wird nicht erwähnt! Sein Wort 

in die Ohren der an der Theater- und Tanz-Kultur sparenden 

Stadt-Kämmerer, sei es aktuell wieder in Hamburg, Hagen 

oder in Düsseldorf! Aber Kultur ist eben bedauerlicherweise 

immer noch keine Pflichtaufgabe als »Daseins-Fürsorge« – 

nur bescheidene 1,9´% des Bundeshaushalts sind der Kultur 

gewidmet! Hier wiederholte Westerwelle Angela Merkels 

Ausspruch: »Ausgaben für Kultur sind keine Subventionen, 

sondern Investitionen in die Lebensqualität und in die 

Zukunft!« 

Westerwelle sieht jedoch auch positive Seiten der heutigen 

Zeit: Deutschland ist das einzige Land in Europa, das den Kulturhaushalt 

nicht gestrichen, sondern sogar erhöht hat! Auch 

wurde die Künstlersozialversicherung/KSK stabilisiert, soziale 

Verbesserungen durch sozusagen kämpferischen Einsatz gegen 

das Finanzministerium durchgesetzt (wie auch die erfolgreiche 

Petition gegen die MWSt.-Erhöhung für künstlerischen 

Unterricht sowie für Choreographen, siehe BALLETT INTERN 

4/2012, Seiten 7 und 8 – Anm. der Red.). 

Nun läge ja die Kultur in unserem föderalistischen Staat in 

der Kultur-Hoheit der Länder, doch ist die Kultur im internationalen 

Feld Sache des Bundesaußenministeriums, u. a. auch 

durch das allen bekannte international wirkende Goethe-Institut. 

(Bedauerlicherweise zeigten vorhergehende Außenminister, 

wie z. B. Joschka Fischer, hier in kultureller Hinsicht kein zu 

großes Interesse. – Anm. der Redaktion). Heute hat sich diese 

föderalistische Situation jedoch etwas entschärft, bei allen 

Bundesländern wird die Mitarbeit des Bundes bei kulturellen 

Themen zum großen Teil inzwischen akzeptiert. So war es äußert 

interessant und wichtig, einmal diese Aussagen unseres 

Bundesaußenministers in Sachen »Europa als Kulturraum« 

zu erleben. 

Nach herzlichem, dankbarem Applaus für seine ausführlichen, 

interessanten und erfreulicherweise von keinerlei Partei- 

Politischen Bemerkungen getrübten Ausführungen eröffneten 

Gisela Piltz und Bertram Müller die anschließenden, äußerst 

interessanten und lebendigen, vielen kulturellen und kulturpolitischen 

Themen gewidmeten Diskussionen in einer brillanten 

Experten-Runde. Um 13.00 Uhr verabschiedete sich Guido 

Westerwelle, der sich erstaunlicherweise die Zeit hatte nehmen 

können, dieser Veranstaltung bis zum Abschluss beizuwohnen, 

nach einigen Autogrammen und Pressefotos rollte 

die Politiker-Karawane zum nächsten Termin. ■ 

Kulturstaatsminister Bernd Neumann: 

Erleichterung im Jahressteuergesetz 

2013 bedeutet für Bühnenregisseure und 

Choreographen existenziell wichtige Regelung 

Die Bundesregierung hat heute den Entwurf des Jahressteuergesetzes 

2013 beschlossen. Darin ist eine Erleichterung 

für selbständig tätige Regisseure und Choreographen enthalten. 

Der Gesetzentwurf sieht vor, dass Umsätze von Bühnenregisseuren 

und Bühnenchoreographen an Theatern der öffentlichen 

Hand und gleichartigen Einrichtungen steuerfrei 

sind, wenn die zuständige Landesbehörde bescheinigt, dass 

deren künstlerische Leistungen diesen Einrichtungen unmittelbar 

dienen. Dies war zuvor von den Gerichten und den 

Finanzverwaltungen unterschiedlich gehandhabt worden, 

teilweise waren die Umsätze steuerbefreit, teilweise ermäßigt 

und teilweise war der volle Steuersatz von 19 Prozent 

erhoben worden. 

Kulturstaatsminister Bernd Neumann betonte: »Ich bin 

froh, dass es mir gelungen ist, diese zwar kleine, aber kul- 


575.000 Euro 

Bundesförderung für 

»Initiative Tanz« 

von Karin Schmidt-Feister 

Der Kultur-Etat steigt 2013 um rund 8 % auf 1,28 Milliarden 

Euro. Kulturstaatsminister Bernd Neumann (CDU) spricht von 

einem »Glückstag« für die Kultur mit Signalwirkung an die 

Länder, auch in finanziell schwierigen Zeiten nicht an Kultur 

zu sparen. 

Davon profitieren unter anderem das Denkmalsonderprogramm 

(31 Mio.), sie Stiftung Klassik Weimar (9,84 Mio.) 

sowie Förderung nationale Kultureinrichtungen in Ostdeutschland 

(4 Mio.), Sanierung Haus der Kulturen der Welt 

Berlin (10 Mio.), Erhöhung der Filmförderung um 10 Mio. auf 

70 Mio. sowie Förderprogramm zur Digitalisierung kleinerer 

Kinos und die Barenboim-Said Akademie in Berlin. Die Kulturstiftung 

des Bundes wird mit zusätzlichen knapp 5 Mio. Euro 

in die Lage versetzt, mehr innovative Projekte bundesweit zu 

fördern. Dies stärkt auch den Fonds Darstellende Künste mit 

600.000 Euro und somit die freie Theater- und Tanzszene in 

ganz Deutschland. 

Der Haushaltsausschuss des Deutschen Bundestages hat 

in seiner Sitzung (8.11.2012) erstmals erhebliche Mittel für 

die Spitzenförderung von Tanzprojekten aus Deutschland 

freigegeben. Wie der Dachverband Tanz Deutschland (DTD) 

auf einer Pressekonferenz in Berlin mitteilte, wird die »Initiative 

Tanz« im Jahr 2013 mit insgesamt 575.000 Euro aus dem 

Etat des Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und 

Medien (BKM) unterstützt. 

Der Dachverband hatte dem Bund in seinem Konzept für 

die »Initiative Tanz« vorgeschlagen, durch eine Erhöhung 

des Haushalts des BKM ein neues Förderprogramm für den 

turpolitisch wichtige Regelung in den Gesetzentwurf einzubringen. 

Für die Betroffenen ist diese Frage der Umsatzbesteuerung 

teilweise existenziell. Die unsichere Situation, die 

bislang aufgrund von Abweichungen zwischen Theorie und 

Praxis bestand, ist nun zugunsten der Kreativen beendet. 

Mir ist bewusst, dass Betroffene laufender Verfahren von 

dieser Neuregelung nur sehr eingeschränkt profitieren. Für 

die Zukunft ist indes Klarheit geschaffen. Mit der Regelung 

tragen wir dem immensen Stellenwert von Regie- und Choreographieleistungen 

für Theater, Musik- und Tanztheater 

Rechnung, ungeachtet, ob sie in selbständiger oder abhängiger 

Tätigkeit erfolgen. Dies entspricht dem Geist der 

europarechtlichen Gesetzgebung und Rechtsprechung. Wir 

rücken damit endlich von der veralteten Abgrenzung zwischen 

Akteuren auf der Bühne und Akteuren hinter der Bühne 

ab, die fachlich schon lange nicht mehr vertretbar war.« 

Der Bundesfinanzhof hatte im Mai 2011 entschieden, 

dass die Leistungen von Regisseuren an öffentlichen Theatern 

nicht steuerbefreit sind. 

Die neue Regelung wird voraussichtlich zum 1.1.2013 in 

Kraft treten. (aus »die bühnengenossenschaft«, 8-9/2012) 

Dachverband Tanz Deutschland 


Tanz aufzubauen, um Mittel der Länder und Kommunen 

sowie von Ko-Produzenten und Sponsoren zu bündeln. Die 

Förderung der freien Ensembles und herausragender Produktionen 

für den internationalen Wettbewerb bleibe ein drängendes 

Thema, so der DTD, der sich bereits seit 2010 auf 

Bundesebene für ein derartiges Programm einsetzt. Michael 

Freundt (Geschäftsführer DTD) betonte: »Unser Konzept, 

dass wir in den letzten Monaten intensiv mit der Politik diskutiert 

haben, zielt darauf, mehr Mittel der Länder und Kommunen, 

auch von Koproduzenten und Stiftungen durch die 

Bundesmittel zu bündeln und so größere (wieder mehr Ensemble- 

als Solo produktionen) auf den Weg zu bringen und 

längere, fair honorierte Gastspiele zu realisieren. Dies würde 

auch die soziale Lage der Beteiligten stabilisieren helfen.« 

Rüdiger Kruse (MdB, CDU), Berichterstatter für Kultur und 

Medien im Haushaltsausschuss des Deutschen Bundestages, 

sagte zur nun erfolgten Freigabe der Haushaltsmittel: »Ich 

freue mich, dass es uns gelungen ist, mit der ›Initiative Tanz‹ 

ein innovatives Fördermodell auf den Weg zu bringen, das 

für den Tanz in Deutschland mehr Kontinuität in der künstlerischen 

Arbeit und größere internationale Ausstrahlung 

sichert.« 

Der Dachverband Tanz Deutschland (DTD) arbeitet seit 

2006 als offizielle, bundesweite Plattform des künstlerischen 

Tanzes in Deutschland. Gegründet aus dem Bewusstsein 

der Akteure, dass der Tanz in der politischen 

Landschaft der Bundesrepublik mit einer Stimme sprechen 

muss, funktioniert der Dachverband Tanz heute als Verbund 

der herausragenden Verbände und Institutionen 

für den Tanz. Er erarbeitet Positionspapiere und Konzeptionen 

für die Förderung des Tanzes in Deutschland, realisiert 

Kampagnen und Initiativen und setzt diese, begleitet 

durch intensive Lobbyarbeit, in seinen Projekten um. 

Nach dem Auslaufen der Nationalen Performance Netz 

(NPN)-Koproduktionsförderung Ende 2010 als ein wichtiges 

Förderinstrument, das aus Mitteln des Tanzplan Deutschland 

der Kulturstiftung des Bundes die Lücke zwischen den Aktivitäten 

des Fonds Darstellende Künste und der Allgemeinen 

Projektförderung der Kulturstiftung des Bundes im Bereich 

Tanz und Performance schließen konnte, setzen sich NPN 

und Dachverband Tanz weiterhin für eine dauerhafte Etablierung 

dieser international einzigartigen Förderstruktur im 

Etat des Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und 

Medien ein. Das 2013 beginnende Fördermodell »Initiative 

Tanz« ist dazu ein wichtiger Schritt. 

Das neue, längerfristig konzipierte Fördermodell »Initiative 

Tanz« ist offen für freischaffende Künstler und Stadttheater. 

Bis Ende November werden die Ausschreibungskriterien 

konkretisiert. Zu erwarten sind eine Vielzahl von Bewerbungen, 

da ein hoher Anteil der Kosten nun vom Bund getragen 

werden kann, die freien Compagnien und Ensembles in den 

Kommunen könnten flexibler werden, da sie nicht mehr in so 

hohe Vorleistungen gehen müssen und durch eine effizientere 

Ko-Finanzierung gesicherte Produktionszeiträume möglich 

werden. ■ 

Weitere Informationen unter: 

www.dachverband-tanz.de 




Tanz im Dialog 

mit der Politik 

von Michael Freundt 

Politischer Dialog – ein Exkurs 

in die kurze Geschichte 

des Dachverbandes 

Der Dachverband Tanz Deutschland 

kann auf gut acht Jahre ernsthaften Wirkens für die Tanzszene 

in Deutschland blicken. Erstmalig trafen sich Tanzverbände 

im Oktober 2004 am Rande der Internationalen Tanzmesse 

NRW in Düsseldorf und verstanden sich forthin als Ständige 

Konferenz Tanz. In diesem unverbindlichen Arbeitskreis bestand 

bald die Auffassung, dass man sich eine verbindliche 

Form geben sollte. Die Arbeit an einer Satzung begann schon 

2005 und mündete am 12./13. März in die offizielle Vereinsgründung. 

Seit dieser Zeit bis heute hat sich der Verband aktiver 

Interessensvertreter für den Tanz verstanden, wissend, 

dass andere »Tänzer auf dem kulturpolitischen Parkett« unterwegs 

sind. Aber es geht nicht darum, Gegenspieler zu 

sein, sondern verschiedene Interessen zu verbinden; auch 

mit anderen Interessensgruppen zu kooperieren. Insofern 

haben wir seither aktiv mit dem Bundesverband Freier Theater 

kooperiert, dem Rat für Darstellende Künste und Tanz 

(und seinem Beirat Tanz) mehrfach die Kooperation angeboten 

und einen allgemeinen Austausch gepflegt sowie mit 

dem Tanzplan Deutschland schließlich immer besser auch an 

konkreten Projekten gearbeitet. Und im Lichte des Tanzplans 

Deutschland (2006–2010) sichtbar zu werden, dies war nicht 

einfach. 

Im Jahr 2009 wurden umfangreiche Satzungsänderungen 

verabschiedet, die sowohl eine Erweiterung der Mitgliedschaft 

ermöglichten sowie die Namenänderung vollzogen. 

Mit dem Namen Dachverband Tanz Deutschland, auch 

wenn dies manchen »teutonisch« anmuten mag (Zitat Norbert 

Lammert), kommunizieren wir auch im Titel, was wir 

sein wollen und wie wir agieren. 

Über die Jahre haben wir vor allem in stetem Bemühen 

eine Verständigung in der Tanzszene aufgebaut, eine Kultur 

des Dialogs ist entstanden. Ich persönlich sehe da einen großen 

Unterschied zur Vergangenheit. Der Dachverband will 

übergreifend über ästhetische Richtungen, Produktionsweisen 

sowie regionale und berufsspezifische Interessen für den 

Tanz wirken. Und er hat zahlreiche Themen identifiziert, auf 

die sich Akteure im Dachverband geeinigt haben. Ob sich die 

Akteure in der Tanzszene durch den Dachverband vertreten 

fühlen, ist vor allem eine Frage, ob der Dachverband auch in 

ihrem Sinne wirkt. 

Neben den ersten Runden Tischen, öffentlichen Foren, 

Kampagnen und kleineren Projekten wurde der Politische 

Dialog aufgebaut. Schon bald wurde der Kontakt zum Referat 

K22 beim Beauftragten der Bundesregierung für Kultur 

und Medien (BKM) aufgenommen, Gespräche mit Politikern 

auf Bundesebene und auf der Ebene der Länder folgten. 

Ein wirklicher Wandel trat in 2010 ein, als der Dialog mit 

dem Haus des BKM neue Belebung erfuhr, erste Projekte 

unterstützt wurden und Gespräche mit fast allen Parteien 

im Deutschen Bundestag begannen. Ende Mai 2011 empfing 

Kulturstaatsminister Bernd Neumann den Vorstand des 

Dachverbands im Bundeskanzleramt, im Juli 2012 hatten wir 

die Ehre, gemeinsam mit Staatsminister Neumann, zu einem 

Empfang für den Tanz einzuladen. Rund 50 wichtige Akteure 

für den Tanz in Deutschland verbanden ihre vielfältigen Themen 

in einem anregenden, ja beflügelnden Austausch. 

Mit dem Jahr 2013 beginnt eine langfristig geplante Förderung 

des Dachverbandes als einer bundesweiten Infrastruktur 

für den Tanz durch den BKM. Und schließlich wird 

auf Betreiben des Dachverbandes die »Initiative Tanz«, ein 

mehrjähriges Förderprogramm, durch den Bund 2013 mit bis 

zu 575.000 Euro gefördert. Auf dieser Basis soll die Arbeit 

weiter gehen! 

Was haben wir bei unseren Themen erreicht? 

In der Gründungphase 2006 haben wir die »10 Handlungsmaxime 

für den Tanz« erarbeitet – ein grundlegendes Papier. 

Prioritäten und praktische Schritte blieben zu erarbeiten. In 

den letzten Jahren haben wir mit dem BKM vier Kernpunkte 

fokussiert: Soziale Lage, Förderung, Vernetzung, kulturelles 

Erbe. Die weiteren Themenfelder nehmen wir schrittweise in 

den Blick. 

Thema Soziale Lage der Tanzschaffenden: Hier hat sich 

die Stiftung TANZ aus dem Dachverband heraus etabliert, die 

das zentrale Thema Transition bearbeitet. Erst jüngst haben 

sich mehrere Bundesländer auf eine gemeinsame Förderung 

der Geschäftsstelle der Stiftung geeinigt, der Stiftungsstock 

ist im Aufbau. Der Dachverband begleitet diese Arbeit, wo 

gewünscht. Zentrale Frage bleibt jedoch die Anerkennung 

des beruflichen Status‘ der Tänzer und Tanzpädagogen. 

Thema Förderung: Die aktuelle Förderung für die »Initiative 

Tanz« sehe ich vor allem als Signal für unsere Gespräche 

mit den Ländern, zu einer wirklichen Systematik in 

der Tanzförderung zu kommen. Der im Konzept »Bund-Länder-Initiativ 

Tanz« beschriebene Angang bringt strukturiert 

alle Player in der Tanzförderung zusammen und versucht, ein 

langfristiges rahmenkonzept für die Tanzförderung zu 

etablieren, das sich an den Bedürfnissen der Kunst orientiert. 

Ausgangspunkt sind hier die Papiere, die durch die Arbeitsgruppe 

Künstlerförderung (Bea Kießlinger, Bertram Müller, 

Christiane Theobald) erarbeitet wurden. Engmaschige Koordination, 

eine übergreifende Architektur der Tanzförderung 

sind hier die Stichworte sowie eine enge Abstimmung mit 

dem Bund, die auch auf Bundesebene zu einem langfristigen 

Engagement führen soll. Denn das Interesse auf Bundesebene, 

mehr für den Tanz zu tun, wird immer wieder signalisiert, 

die Initiative muss aber von den Ländern ausgehen. Und als 

Initiator und Impulsgeber ist der Dachverband gefragt. So 

sollten wir vorangehen und einen Arbeitskreis etablieren, der 

alle Ebenen (von den Kommunen bis zum Bund) einbezieht 

und Arbeitsprozesse auf den verschiedenen Ebenen strukturieren. 

Eine langfristige Arbeit, bei welcher der Tanzkongress 

2013 und die Tanzplattform 2014 als Meilensteine auf dem 

Weg dienen können. 


Thema Vernetzung des Tanzbereichs: Noch 2009/10 

schienen die Stichworte »Nationales Tanzbüro« oder »Deutsches 

Informationszentrum Tanz« die erfolgversprechenden 

Konzepte, um für die bundesweite Arbeit für den Tanz auch 

mit Förderung Anerkennung zu finden. Aber es gab immer 

im Verband Stimmen, die für die Etablierung einer Geschäftsstelle 

als den richtigen Schritt plädierten. Inhaltlich war 

weitgehend dasselbe gemeint. Die Frage blieb, mit welchen 

Ideen wir Länder und Bund als Förderer gewinnen können. 

Durch die Entscheidung des BKM, den Dachverband aus seinem 

Etat so zu fördern, dass er arbeitsfähig wird und für den 

Tanz in Deutschland wirken kann, hat diese Thematik eine 

erste Klärung erfahren. 

Die notwendigen Aufgaben in der Vernetzung der regionalen 

Akteure nehmen wir in unseren Projekten auf, insbesondere 

haben wir hierzu die Projektlinie »InfoPlus«, in 

der die regionalen Tanzbüros, Informationsstellen 

und Ansprechpartner für den Tanz gestärkt werden 

sollen, etabliert: Erste Treffen haben 2012 begonnen, für 

2013 sind weitere geplant. Begleitet wird diese Arbeit von 

der redaktionellen Arbeit an übergreifenden Informationen 

dazu. Die Projektleitung liegt bei Bea Kießlinger. 

Schließlich dient aber unser Rechercheprojekt »Reichweite 

des Tanzes in die Gesellschaft«, das wir 2012 begonnen 

haben, auch zu einer Verständigung über alle Bereiche von 

der Ausbildung über die kulturelle Bildung zu einem gemeinsamen 

Sammeln von Erkenntnissen und Argumenten für den 

Tanz. Also auch das eine Form der – inhaltlichen – Vernetzung. 

Thema Kulturelles Erbe: Dass der Tanz in Deutschland, 

dass seine Archive über einen reichen Schatz des kulturellen 

Erbes verfügt, darüber besteht kein Zweifel. Dass es hier eine 

nationale Aufgabe der Bewahrung und Sichtbarmachung 

gibt, hat der BKM erkannt. Die Kulturstiftung des Bundes 

und der BKM haben sich für erste Schritte einer Bestandsaufnahme 

und Analyse von Datenbanken und weiteren Arbeitsschritten 

engagiert, diese mit insgesamt 80.000 € (über die 

Akademie der Künste und den Dachverband) gefördert. Das 

voraussichtliche Volumen der Kosten für ein Erhaltungs- und 

Digitalisierungsprojekt belaufen sich auf über 8 Millionen 

Euro. Jetzt steht ein Antrag bei der Deutschen Forschungsgemeinschaft 

auf der Tagesordnung, auch die KSB hat ihre 

Unterstützung signalisiert. Die weiteren Schritte müssen über 

den Verbund der Tanzarchive, dessen fünf Archive alle Mitglieder 

im Dachverband sind, strukturiert werden. Der Dachverband 

begreift dies als wichtiges Arbeitsfeld und sollte 

auch als Antragsteller/Projektträger neben der Akademie der 

Künste bereit stehen. 

Thema Aus- und Weiterbildung: In den letzten Jahren 

haben wir mit Tanzplan Deutschland eine Studie zu den Arbeitsfeldern 

in der Tanzpädagogik realisiert. Die Studie liegt 

vor, sie ist im kleinen Kreis diskutiert; wie wir damit weiter 

verfahren, ist noch offen. Eine Expertenrunde ist geplant, 

wann sie aber stattfinden kann, ebenfalls noch offen. Dass 

die Hochschulen (z. B. über die Ausbildungskonferenz Tanz) 

enger in den Dachverband eingebunden werden, ist sehr gewünscht, 

aber noch nicht konkret realisiert. 



Thema Kulturelle Bildung: Zentrales Thema war hier 

die Antragstellung beim Programm des Bundesministeriums 

für Bildung und Forschung »Kultur macht stark!«. Nach einiger 

Diskussion im Vorstand wurde entschieden, dass der 

Bundesverband »Tanz in Schulen« in Kooperation mit dem 

Dachverband sein Konzept »ChanceTanz« als Antrag stellen 

soll. Der Antrag war sehr erfolgreich, nun geht es für den 

Bundesverband »Tanz in Schulen« darum, das Projekt in den 

nächsten Jahren zu realisieren, für den Dachverband darum, 

die Kooperation auszugestalten. Tanz für und mit Kindern 

und Jugendlichen bleibt ein Arbeitsthema. 

Thema Tanz und mediale Öffentlichkeit: Wir arbeiten 

an ersten Visualisierungen zur Tanzentwicklung und zu Strukturen, 

Künstlern, Produktionsorten im Tanz. Diese Landkarten 

und Grafiken lösen Fragen aus, wecken Interesse. Anfang 

2013 werden wir dies als kleine Publikation vorlegen können. 

Mit ersten Pressemitteilungen und Pressegesprächen bauen 

wir einen langfristigen Kontakt zur Presse auf, um unsere 

Themen zu kommunizieren. Die Tanzkritik als solche zu 

qualifizieren, Tanz wieder stärker in die mediale Öffentlichkeit 

zu bringen, bleibt ein eigenes Thema. Immer wieder gab es 

Überlegungen zu einem Symposium auf diesem Feld. 

Der Dachverband hat eine Kooperation mit tanznet.de 

gestartet, regelmäßig erreichen die Newsletter von Dachverband 

und tanznetz.de nun 15.000 bis 20.000 Empfänger. 

Der Relaunch der Website www.dachverband-tanz.de ist 

für Anfang 2013 geplant, die englische Version soll Mitte Februar 

2013 folgen. 

Von immer mehr Tanzkünstlern, Tanzschulen, Tanzorten 

wird der Welttanztag (29. April) als Aktionstag für den 

Tanz genutzt. Seit drei Jahren unterstützen wir auch die Initiativen 

unseres Mitglieds dance and the Child international, 

in Berlin haben verschiedene Aktionen mit Kindern und 

Jugendlichen stattgefunden. Der Rat für Darstellende Künste 

(im Deutschen Kulturrat) hat sich auf eine Deutsche Tanzwoche 

um diesen Termin herum verständigt. Was aber immer 

noch fehlt, ist, die vielfältigen Aktionen – vom lokalen Ereignis 

bis zum internationalen Event – in eine gemeinsame Sichtbarkeit 

zu bringen. Hier hat die Geschäftsstelle Kontakt für Medienpartnerschaften 

zur Zeitschrift »tanz« und zu tanznetz.de 

aufgenommen und arbeitet an einer visuellen Präsenz dieser 

vielfältigen Aktionen. Auch eine Werbekampagne u. a. wäre 

denkbar, muss aber eher langfristig entwickelt werden. 

Zu überlegen wäre für den Welttanztag 2014 ein 

Thema wie z. B. »Inklusion« anzugehen. Das setzt einen 

konkreten Akzent und liefert auch den Ansatz, um mit anderen 

Verbänden (z. B. aus dem Rat für Darstellende Künste 

und Tanz) zusammenzuarbeiten. 

Thema Tanz und Wissenschaft: Im Rechercheprojekt 

»Reichweite des Tanzes in die Gesellschaft« arbeiten wir derzeit 

mit einer Tanzwissenschaftlerin an einer konkreten Übersicht 

zu den aktuellen Themen in der Tanzwissenschaft und 

wollen davon ausgehend Kontakte zu den Akteurinnen in 

der Wissenschaft anbahnen. Ziel kann es sein, langfristig gemeinsame 

Forschungsprojekte zur »reichweite« auf 

den Weg zu bringen. ■ 


»Sieh’ mal an …« – Die Kolumne von Ralf Stabel 

HEUTE: Preiset! 

von Ralf Stabel 

Wer es in unserem Land im Tanz zu 

etwas gebracht hat, kann mitunter 

mit einer angemessenen Auszeichnung 

rechnen. Allen voran gibt es 

den »Deutschen Tanzpreis«, aber 

auch den »Faust«, es wird der Titel 

»Kammertänzer« verliehen – 

zumindest in Berlin – und sogar 

das Bundesverdienstkreuz. Für die 

Tanzwissenschaft gab es bereits 

den »Leibniz-Preis« und regelmäßig 

werden der »Tanzwissenschaftspreis« 

und der »Kurt-Jooss-Preis« vergeben. So mancher Tänzer 

aus Deutschland ist auch im Ausland zum Weltbesten mit 

dem »Prix Benois de la Danse« gekürt worden. Es gibt auch diverse 

Landes- und Städteverdienstorden, Honorarprofessuren 

und Ehrendoktorwürden und unsensiblen Unsinn wie den Titel 

»Jahrtausendtänzer«. Zu allen fallen uns Namen ein. Meist 

die der ganz Großen. Es ist fraglos ebenso gut wie richtig für 

die Anerkennung unserer Kunst, wenn diejenigen, die etwas 

geschafft und für den Tanz etwas geschaffen haben, an dieser 

Stelle ihrer Karriere gewürdigt werden! 

Doch wie sieht es eigentlich an einer anderen Stelle der 

Karriere mit der Förderung aus: am Beginn? Denn im Tanz 

braucht eine für unsere Ausbildungs- und Studienlandschaft 

ganz untypische Gruppe Anerkennung: Kinder, Jugendliche 

und junge Erwachsene aus der ganzen Welt. 

Für Schüler gibt es die Möglichkeit des Schüler-Bafögs bereits 

ab der Jahrgangsstufe 10, das meist nicht zurückgezahlt 

werden muss! Studierende erhalten Studenten-Bafög, das zur 

Hälfte als Darlehen bewilligt wird, dessen Rückzahlung aber 

mit guten Leistungen minimiert und bei fehlender Einkommenssituation 

ausgesetzt werden kann. Für die Finanzierung 

des Übergangs in den zweiten Berufsweg bietet sich ein Meister-Bafög 

an, überwiegend als Darlehen vergeben. Auch ausländische 

Schülerinnen und Studierende können über dieses 

Instrumentarium gefördert werden. Insbesondere, wenn sie 

EU-Bürger sind bzw. sich nach anderen geltenden rechtlichen 

Regelungen hier aufhalten. (Genaueres regelt § 8 des Bafög.) 

Auch die Studienkredite der KfW-Bank werden (ebenso über 

andere Bankinstitute) zu besonders günstigen Zinskonditionen 

nach eben solchen Kriterien vergeben. 

Neben dieser staatlichen und staatlich geförderten Ausbildungsunterstützung 

gibt es auch privates und bürgerschaftliches 

Engagement, das meist über Stiftungen Stipendien 

an begabte Nachwuchstalente vergibt. Eine – mir nicht bekannte 

– Auflistung dieser engagierten Helfer würde sicher 

mit Begeisterung in der Welt der Tanzausbildung aufgenommen 

werden. Denn im Gegensatz zur etablierten Förderung 

von z. B. Bildender Künstler, ist es schon besonders, 

etwas zu fördern, was man nicht mit nach Hause nehmen, 

behalten und später gegebenenfalls wieder veräußern kann. 

Denn all das geht mit einer heranwachsenden Ballerina nicht. 

Wer im Rahmen seiner Möglichkeiten die Gelegenheit hat, da- 

rüber mitzuentscheiden, ob es nicht auch einmal ein/e Tanzschüler/in 

sein könnte, der/dem das nächste Stipendium zuteil 

wird, den bitte ich ernsthaft, dies zu tun. Mir persönlich sind 

z. B. die Proskenion-Stiftung, die Konrad-Adenauer-Stiftung 

und die Alfred-Töpfer-Stiftung F. V. S., die Heinz-Bosl-Stiftung, 

die Tanzstiftung Birgit Keil und die Bundeskulturstiftung mit 

dem »Tanzplan Deutschland« bekannt, die sich bereits um 

den tänzerischen Nachwuchs gekümmert haben und kümmern. 

Ich kann an dieser Stelle nur hoffen, dass bei der 

BALLETT-INTERN-Redaktion eine Vielzahl von Zuschriften mit 

den Hinweisen auf Preise und Stipendien für junge Tanzstudierende 

eingehen, die diese dann hier veröffentlichen kann. 

Nun hatte die Bundesbildungsministerin eine gute Idee, bürgerschaftliches 

Engagement weiter zu aktivieren, mit der Installierung 

des Deutschland-Stipendiums. Aber leider scheint 

dies ein Instrument zu sein, das sich nicht »spielen« lässt und 

damit wertlos ist. Und das ist sehr ärgerlich, weil es so notwendig 

wäre. Die Idee ist so einfach wie gut: Das Deutschland-Stipendium 

beträgt 300 € monatlich. 150 € von einem 

privaten Geldgeber werden mit weiteren 150 € aus dem Haushalt 

des Bundes aufgestockt. Zur Verfügung stehen immerhin 

sage und schreibe: 36,6 Millionen €! Aber leider kann dieses 

Stipendium nur an Studierende, nicht an Schüler vergeben 

werden. Damit bleiben z. B. die Ballettschüler, die ihre Ausbildung 

im Rahmen einer Berufsfachschule absolvieren, leider 

außen vor. Aber auch für die Studierenden sieht es eigenartig 

aus: Von den 388 Hochschulen des Landes beteiligen sich 

nur 263. Und von diesen wiederum schaffen es nur 104, die 

angestrebte Förderquote von 1 % auszuschöpfen. Ab 1. August 

2012 soll sie bei 1,5 % liegen. So erhalten in diesem Jahr 

lediglich 11.000 Studierende das Stipendium. Das sind aber 

Ausgaben von »nur« 17 Mio €. Mehr als die Hälfte wird nicht 

genutzt – in diesem Jahr. Im vergangen Jahr betrug die Zahl 

der Stipendiaten gerade einmal die Hälfte dieses Jahres. Da 

wurden also Dreiviertel des Geldes nicht ausgegeben. 

Und leider ist es so, dass es keine Ausgleichsmöglichkeiten 

gibt. So erlebe ich den Fall, dass es in Berlin für die Fachrichtung 

Bühnentanz durchaus private Förderer gibt, die Fördergrenze 

von 1 % aber bereits erreicht ist und das Deutschland- 

Stipendium in diesen Fällen nicht gewährt werden kann. So 

greift diese gute kluge Regelung aus diesen zwei Gründen 

nicht: Schüler werden nicht gefördert, und wenn die Förderhöchstquote 

einer kleinen künstlerischen Hochschule erreicht 

ist, kann man sich keine Stipendien von Universitäten »borgen«, 

auch wenn diese ihre Kontingente bei weitem nicht 

ausschöpfen. 

Das ist besonders schade vor dem Hintergrund, dass die 

Krise in Europa in der Tanzausbildung in Deutschland durchaus 

angekommen ist. Kaum eine andere Studienrichtung ist so 

international wie der Tanz; in kaum einer anderen sind die Studierenden 

so jung und damit unvermögend wie im Tanz; und 

kaum eine andere Studienrichtung fordert den ganzen jungen 

Menschen so wie der Tanz, sodass sich Nebenjobs geradezu 

verbieten. So wird bürgerliches Engagement ausgebremst und 

staatliche Förderung nicht genutzt und – wie oben beschrieben 

– nicht nutzbar. Sieh‘ mal (leider) an…! ■ 

Sieh’ mal an … 



Prof. Dr. ralf Stabel ist Tanzhistoriker, Autor und Direktor der Staatlichen 

Ballettschule Berlin und Schule für Artistik 


Performance Course 

Bonn 2012 

von Christine Eilks 

Bereits zum 14. Mal jährte sich der Performance Course 

Bonn, organisiert von Step Ahead e. V. – Verein für darstellende 

Künste und Tanzpädagogik, in den nordrhein-westfälischen 

Herbstferien im Theater der Brotfabrik Bonn Beuel. Ein 

Projekt von internationaler Bedeutung, wie ein Rückblick in 

die Geschichte der Veranstaltung zeigt: 

Anne Christine Rogers (1. Vorsitzende Step Ahead e. V.), 

Tänzerin, Tanzpädagogin und Choreographin, entwickelte 

in den 1990er Jahren den Gedanken, jugendlichen Tanzstudenten 

die Möglichkeit zu eröffnen, neben ihrem regelmäßigen 

Unterricht auch gezielt Erfahrung in der Bühnenarbeit 

zu sammeln. Auf diese Weise erleben sie ihr Wissen um 

den Tanz mit einem neuen Fokus, in einem Raum und einer 

Gemeinschaft, die das Leben in und mit den darstellenden 

Künsten reflektieren. 

1998 nahm ein komplexes Unternehmen dann erstmals 

Gestalt an und der 1. Performance Course Bonn fand unter 

der Leitung des damaligen Landesverbands der Royal Academy 

of Dance NW e. V. in Bonn statt. Er wurde gleichzeitig 

Pilotprojekt für den mittlerweile in London und weltweit an 

verschiedenen Orten jährlich mit außerordentlichem Erfolg 

stattfindenden Performance Course der Royal Academy of 

Dance (RAD ® ). Ein wunderbares Beispiel, wie eine außergewöhnliche 

Idee große Früchte tragen kann. 

Seit den Anfangsjahren wurden die Kursinhalte immer 

weiter modifiziert und an die Bedürfnisse der heutigen Tanzausbildung 

angepasst. Neben täglichem klassischem Training 

und der Arbeit im Bereich des klassischen Repertoires, sind 

mittlerweile Contemporary und Jazz, Musical Theatre und 

Step Ahead e.V. 

Performance Coure 2013 

21. Oktober bis 2. November 

Anmeldeformulare erscheinen 

in Kürze. Bitte wenden Sie 

sich dafür an die angegebenen 

Kontaktdaten: 

Kontakt 

Anne Christine Rogers 

coda-rogers@t-online.de 

Tel.: 0228 / 28 22 80 

Fax.: 0228 / 28 29 45 

Christine Eilks 

ceilks@t-online.de 

(Fotos: Michael Seppeler) 

Step Ahead e.V. – »Immer einen Schritt voraus!« 

Gesang feste Bestandteile des Stundenplans. Die Studenten 

gestalten gemeinsam mit einem sorgfältig ausgewählten 

Team von international renommierten Dozenten und 

Musikern individuelle Choreographien in dieser Vielfalt von 

Tanzdisziplinen. So erfahren sie unmittelbar, was es heißt, 

Teil eines kreativen Entwicklungsprozesses zu sein. Sorgfältige 

Arbeit an den Inhalten ist dabei ebenso wichtig wie das 

soziale Miteinander und die Erfahrung, Teil eines größeren 

Ganzen zu sein. 

Höhepunkt des Performance Course sind die öffentlichen 

Abschlussvorstellungen auf der Hauptbühne des Theaters. 

Die große Anerkennung, die Step Ahead e. V. und sein 

Projekt genießen, zeigt sich unter anderem in der Kooperation 

mit dem Performers College England, das bereits zum 

zweiten Mal einen Teil des Dozententeams stellte. Im Anschluss 

an den Performance Course fanden in Köln Auditions 

für die dreijährige Ausbildung an diesem Institut statt 

und mehrere deutsche Studenten haben nun die Chance, 

an einem der führenden Colleges in England zu studieren. 

Weiterhin stellt das Performers College Stipendien für die 

Teilnahme an der jährlichen Oster- bzw. Sommerschule zur 

Verfügung. 

Der Deutsche Berufsverband für Tanzpädagogik e. V., bei 

den Abschlussvorstellungen vertreten durch den künftigen 

Ehrenvorsitzenden Ulrich Roehm, zollt seine Anerkennung 

ebenfalls durch die Bereitstellung von Stipendien für die 

Tanztage in Worpswede und Bregenz. 

Im kommenden Jahr feiert der Performance Course Bonn 

sein 15. Jubiläum. Auf besondere Überraschungen darf man 

gespannt sein. Traditionell findet die Veranstaltung in den 

Herbstferien in Nordrhein-Westfalen (21. Oktober bis 2. November) 

statt. 

Neben diesem Großprojekt bietet Step Ahead e. V. im Jahresverlauf 

eine Vielzahl von Fortbildungsveranstaltungen für 

Kinder, Jugendliche und Pädagogen an. ■ 


17. Internationale Sommertanzwoche Bregenz 2012 

Internationale Begegnungen 

am Bodensee 

Die 17. Internationale Sommertanzwoche Bregenz 

von Jens Siebeneicher 

Das letzte Lied klingt aus. Lachen, Sprechen, Schweigen. 

Hektik und Aufbruchstimmung machen sich breit. So viele 

andere Gesichter, in denen man die Erlebnisse der vergangenen 

Woche abzulesen versucht. Anstrengung, Freude – 

Freude auch darüber, Eltern und Familie noch vor wenigen 

Minuten sein ganzes Können gezeigt zu haben – aber auch 

Traurigkeit. Eine Woche, die mit neugierigen, fragenden und 

vielleicht auch ablehnenden Blicken begann, endet abrupt. 

Plötzlich sind Worte unwichtig. 

Sieben Tage zuvor begann die 17. Internationale Sommertanzwoche 

in Bregenz, die wie in den vergangenen Jahren 

von Mona Brandenburg und Ulrich Roehm vom Deutschen 

Berufsverbandes für Tanzpädagogik (DBfT) organisiert wurde. 

Das Team der Tanzwoche erreichte Bregenz: Die Betreuer 

trudelten ein, die Dozenten – Angela Reinhardt, Viktoria 

Zaripova, Selatin Kara, Jean-Hugues Assohoto, Christine Hasting, 

Günther Rebel, Rachel Jackson-Weingärtner und Andy 

Lemond – und die Pianisten ebenfalls. Eltern kamen, brach- 

Die Tänzerinnen der Little Star Arts Group mit ihren Betreuerinnen haben viel Spaß mit dem 

Dozenten Selatin Kara (alle Fotos: Jürgen Schultz) 

ten ihre Kinder, manche schon wie gewohnt, zum Gästehaus 

am Bodensee, unweit davon die Seebühne, die man noch 

besuchen sollte, das Seebad, das wieder einmal Anziehungspunkt 

für Freizeitaktivitäten wurde. Es ist bemerkenswert, wie 

schnell die Jungen und Mädchen Gemeinsamkeiten entdecken, 

Sympathien entwickeln und Unterschiede überwinden. 

Nachdem die kleinen und großen Tänzer ihre Zimmer bezogen 

hatten, kam auch der von vielen mit Neugier erwartete 

Bus an. Schweigend wurde zugeschaut, wie 30 schwarzhaarige 

Mädchen, den gleichen Rucksack und die gleichen Hemden 

tragend, müde und wortkarg ausstiegen: Chinesinnen im 

Alter zwischen neun und 14 Jahren aus Shanghai. 

Zimmer beziehen war kein Problem, zum Essen anstellen 

ebenso wenig, tanzen am nächsten Morgen schon gar nicht. 

Doch die »Little Star Arts Group«, wie sie in ihrer Heimat 

genannt wird, schien dennoch so richtig noch nicht angekommen 

zu sein. Es könnte vielleicht daran gelegen haben, 

dass sie bis zu diesem Zeitpunkt den übrigen Teilnehmern der 

Sommertanzwoche ihre Leidenschaft, ihren eigenen Tanzstil, 

von chinesischer Folklore bis zum klassischen Ballett, noch 

gar nicht hatten vorstellen können. Wie sollte man sie denn 

auch verstehen, ohne dass man ihre Tanzkunst kennt? 

Es verging der erste Tag nach dem langen Flug und der 

Ankunft, ohne dass die Little Stars verstanden worden wären, 

dachte man. Bei der abendlichen Tanzveranstaltung 

der Gruppe allerdings rückten Unterschiede 

schon etwas beiseite. Endlich konnten 

die von weither angereisten Tänzerinnen in 

einem 60-minütigen Programm ihre traumhaften 

Kostüme in einer tanzkulturellen Reise 

durch die traditionelle chinesische Kultur, 

aber auch durch die kulturelle Vielfalt des 

Landes präsentieren. Und tatsächlich – von 

diesem Moment an schienen das Eis und die 

Fremdheit zu schmelzen. 

Am nächsten Trainingstag wurde lauthals 

auf Deutsch und Chinesisch bis zehn 

gezählt, und im Laufe der Woche kamen 

sich die Ballerinen immer näher. Die Zeit zwischen 

den Kursen wurde genutzt, um bei 

den Little Stars – aber auch anderen Gruppen 

– zuzuschauen, im Speisesaal verbrachte 

man gemeinsam die Mittagspause und dank 

beiderseitiger Englischkenntnisse kamen die 


Mädchen sogar miteinander ins Gespräch. Der Höhepunkt 

der Woche war für viele auch in dieser Hinsicht sicherlich die 

gemeinsame Bodenseefahrt. Namen wurden übersetzt, Vokabeln 

bei den Dozenten und Betreuern nachgefragt und Fotos 

geschossen. Viele Fotos. Und es wurden E-Mail-Adressen 

ausgetauscht. 

Mit neuen Bekanntschaften, Namen und Gesichtern bestritten 

die Teilnehmer die kommenden und schließlich auch 

letzten Tage ihrer Sommertanzwoche in Bregenz. Ballett, 

Tanztheater, Zeitgenössischer Tanz, Hip-Hop, Funky Jazz, 

Jazz, Musical, Modern Dance und Folklore wurden mit Blick 

auf die Abschlussveranstaltung intensiv trainiert, um der Familie 

am Samstag Technik, Ausdruck und Choreographie von 

der besten Seite zeigen zu können. Nachmittags und abends 

wurde die Choreographie nicht selten auf dem Zimmer oder 

auch woanders noch perfektioniert – sofern die Tänzer nicht 

in der Oper oder mit der Pfänderbahn unterwegs waren. 

Daneben standen auch Tretbootfahrten und Seebadbesuche 

hoch im Kurs – kein Wunder, bei dem herrlichen Wetter 

während dieser Sommertanzwoche. 

Zwar absehbar, doch viel zu früh, hieß es am Freitagabend 

schon wieder Koffer packen, um am Samstagmorgen 

pünktlich zur Generalprobe im Bundesgymnasium zu sein. 

Konzentration, Korrektur, Positionen, und alles noch einmal – 

Aufregung, Anspannung und Vorfreude; dieser letzte große 

Aufführungstag ist wahrlich ein Wechselbad der Gefühle. 

Dann geht es los, die Musik setzt ein und – gäbe es einen 

17. Internationale Sommertanzwoche Bregenz 2012 

Vorhang, er öffnete sich genau in diesem Moment, in dem 

Nervosität in Glück und Bewegungsfreude umschlägt. Beifall 

und Lob bleiben bei den gekonnt getanzten Choreographien 

natürlich nicht aus. Auch die Little Stars zeigten mit einigen 

Stücken ihres Repertoires, was sie vorher schon konnten und 

was die engagierten Dozenten ihnen während dieser einen 

Woche beizubringen vermochten. 

Die Tänzer verbeugen sich, genießen den durchdringenden 

Beifall des zahlreich erschienenen Publikums. Schlussapplaus, 

alle Teilnehmer sind auf der Bühne. Den Dozenten wird 

gedankt, den Pianisten und den Betreuern ebenfalls. Beifall 

für die Kulturagentin Minghui Kong, Ulrich Roehm und für 

Gunnar Breuer vom Kulturamt Bregenz für ihre Kooperation. 

Zuspruch jedoch vor allem für Mona Brandenburg, die diese 

wunderbare Begegnung am Bodensee mit unermüdlichem 

Einsatz organisierte. Zuspruch von allen Seiten, bis die aus 

den Boxen tönenden Worte wohlbekannten Klängen weichen. 

Ein erstes und vermutlich letztes Mal nehmen alle gemeinsam 

auf der Bühne den Rhythmus und die Melodie in 

sich auf und tragen sie durch ihre Bewegungen und Gefühle 

nach außen. 

»Es ist die Musik, die jeder von uns so sehr liebt – nichts 

gibt uns so viel wie die Musik«. (Textzeile aus »Wir lieben die 

Musik«, Song aus dem Film »Rock it«, zu dem Selatin Kara 

eine Choreographie kreierte.) Blicke treffen sich im bittersüßen 

Moment des Abschieds – wenn doch diese Woche nie 

enden könnte. ■ 


Inge Stoffers ist 90 

Viel Rauch um 

eine Ballettschule 

Inge Stoffers zum 90. Geburtstag 


»Lieber Gott, ich möchte bis 30 tanzen, bitte nicht 

heiraten!« (Zitate aus: Alice Wanke, Inge Stoffers, 

»Ich war so beschäftigt mit der Tanzerei«, Erinnerungen 

an ein Leben mit dem Tanz, Münster 2008; S. 18) 

So klang das Nachtgebet der Inge Stoffers, als sie ein kleines 

Mädchen war. Tatsächlich ging dieser Wunsch – sie heiratete 

im Alter von 32 Jahren – in Erfüllung, wie so manch‘ anderer 

Traum auch. Am 17. Oktober 2012 feierte die Tänzerin und 

Tanzpädagogin ihren 90. Geburtstag in ihrer Heimatstadt 

Wilhelmshaven. 

Das Lieblingsspiel der kleinen Inge war die Beschäftigung 

mit sogenannten Sammelbildern, die Zigarettenpackungen 

beilagen. Auch zu Tanz und Ballett gab es Bilderserien, und 

hier begegnete sie erstmals den Tänzerinnen Fanny Elßler 

und Anna Pavlova auf Briefmarkengroßen Schwarz-Weiß- 

Fotographien. Ihre Mutter nähte Kostüme, um das Haushaltsgeld 

der Familie aufzubessern, und zwischen diesen drapierten 

Kleidern ließ sich wunderbar umher springen, bis die 

Stoffe flogen. Diesen Flattertanz sah eines Tages die Leiterin 

der Tanzschule Klemmsen, die eigentlich Kostüme in Auftrag 

geben wollte; sie lud die Fünfjährige spontan zu einer Probestunde 

in ihr Kinderballett ein. Inge Stoffers sagte zu, »obwohl 

ich gar nicht wusste, was Tanzen war«,(S. 21) erinnert 

sie sich Jahrzehnte später. Aber es gefiel ihr, und so nahm sie 

Ballettunterricht, noch bevor sie eingeschult wurde. Sie blieb 

dabei und tanzte während ihrer Grundschulzeit sowie später, 

als sie aufs Gymnasium ging. Ihre Mitschüler erfuhren von 

ihrer Tanzleidenschaft durch öffentliche Aufführungen der 

Schule und bewunderten sie, von ihrem Mathematik-Lehrer 

hörte sie hingegen eine abfällige Bemerkung wie »Ja, ja, Inge 

Stoffers, Spitzentanz ist leichter als Mathe.« (S. 23) Fast zehn 

Jahre konnte Inge Stoffers trainieren, ohne einen Pfennig bezahlen 

zu müssen, aufgrund ihrer Begabung wurde sie gefördert: 

»Meine Eltern hätten den Unterricht auch gar nicht 

bezahlen können.« (S. 27) 

Im Alter von 14 Jahren ergab sich über Inges Vater ein 

Kontakt zu Lisa Parsick, Ballettmeisterin am Stadttheater Wilhelmshaven. 

Sie bot ihr nicht nur an, gemeinsam mit den 

professionellen Tänzern kostenlos zu trainieren, sondern 

sogar einzuspringen, wenn eine Tänzerin des nur sechsköpfigen 

Ballett-Ensembles ausfiel. Solche Einsätze ergaben 

sich ausschließlich kurzfristig und gingen ziemlich hektisch 

über die Bühne; Inge Stoffers wurde mit einem Taxi abgeholt 

und ins Theater chauffiert. »Da geschah dann Folgendes: 

Ich wurde in die Garderobe geschickt, geschminkt, und 

während ich geschminkt wurde, zeigte mir meine Lehrerin 

den ersten Tanz, (…). Ich wurde ins Kostüm gesteckt und 

schon musste ich raus auf die Bühne, ohne Probe. Ich tanzte, 

kam dann wieder in die Garderobe und wurde umgezogen 

für den nächsten Tanz. Die Lehrerin zeigte mir wieder die 

Schritte und so ging das immer weiter.« (S. 28) Das ist nur 

machbar mit einer Tänzerin, die über viel Talent, 

eine schnelle Auffassungsgabe, Musikalität und die 

nötige Portion Besessenheit verfügt. 

Die Pädagogin Lisa Parsick nahm Inge Stoffers 

im Sommer des Jahres 1937 mit nach Berlin und 

stellte sie Tatjana Gsovsky vor. Die berühmte Tänzerin, 

Ballettmeisterin und Choreographin erlaubte 

ihr zunächst, während der Sommerferien unent- 

Inge Stoffers, 2007 geltlich am Unterricht in ihrer renommierten Ballettschule 

teilzunehmen. »Es ist unglaublich, wenn 

man aus einer kleinen Stadt wie Wilhelmshaven in die Hauptstadt 

Berlin kommt. Dazu dann die ganze Atmosphäre in der 

Ballettschule. Dort waren ja alle schon fertige professionelle 

Tänzer, Schüler gab es kaum.« (S. 37) Nach Ablauf des 

Sommerkurses bietet Gsovsky der talentierten Schülerin eine 

Ausbildung an, ebenfalls unentgeltlich. Und so beginnt Inge 

Stoffers ein Jahr später in Berlin die Ausbildung zur Tänzerin; 

ihre schulische Laufbahn beendet sie im Alter von 16 Jahren 

nach der zehnten Klasse. Was folgt, ist eine harte Zeit, mit 

mehrstündigem Training am Vormittag und Nachmittag und 

allabendlicher Erschöpfung. 

Kurz vor Inge Stoffers‘ 17. Geburtstag bestand ihr Vater 

– gegen Gsovskys Rat und Einschätzung – darauf, seine 

Tochter zur Prüfung anzumelden, sie soll als Tänzerin engagiert 

werden und zum Unterhalt der Familie beitragen. Am 

26. August 1939 bestand sie die Prüfung, die allerdings mit 

Ballett wenig zu tun hatte. Der theoretische Teil beinhaltete 

Fragen wie »wo wohnt der Führer? – die erwartete Antwort 

»im Herzen aller Deutschen« hatte sich zum Glück unter den 

Prüflingen herum gesprochen. Im praktischen Teil des Fachs 

Klassischer Tanz war es dem linientreuen Prüfer gelungen, 

die französischen Fachbegriffe zu eliminieren, so hieß ein petit 

jeté beispielsweise »kleines Steh’« – ohne Worte! 

Der Zweite Weltkrieg veränderte den Alltag und das Leben 

vieler Menschen ab September 1939. Dennoch gelang es Tatjana 

Gsovsky, 1940 eine Tanzgruppe zusammen zu stellen, 

der auch Inge Stoffers angehörte. Mit ihrem ersten Auftritt im 

Oktober 1940 im berühmten Berliner Varieté » Wintergarten« 

datiert Inge Stoffers den Start ihrer professionellen Karriere. 

Engagements in Magdeburg und Salzburg schlossen sich an. 

Absurde Blüten trieb die politische Marschrichtung auch in 

der Kunst, so musste sich das »Tatjana-Gsovsky-Ballett« in 

Fünf Tänzerinnen des »Preciosa«-Ensembles, der von Inge Stoffers in den 

1950er Jahren gegründeten Compagnie 


»Egon-Wüst-Ballett« umbenennen (nach dem Manager und 

Ersten Solisten der Truppe), weil der Name der Gründerin 

zu Russisch klang; auch der »Ungarische Tanz« wurde beim 

Gastspiel in Rumänien kurzerhand aus dem Programm genommen, 

um keine Angriffsfläche zu bieten. Gern genommen 

wurden dagegen italienisch klingende Künstlernamen, 

und so mutierte Müller umgehend zu Mulinari. 

Auf eine Tournee durch Polen folgten 1941 KdF-Engagements, 

also Auftritte im Rahmen des nationalsozialistischen 

Kulturprogramms »Kraft durch Freude«. Diese Vorstellungen 

fanden manchmal in gut ausgestatteten Theatern statt, mitunter 

aber auch auf losen Brettern, die notdürftig über Fässer 

gelegt waren und von denen bei den Spitzentanzsequenzen 

konkrete Verletzungsgefahr ausging. Mit der Einberufung zur 

Wehrmacht des Managers Egon Wüst blieben weitere Engagements 

aus, und nach dreimonatiger Tanz- und Tatenlosigkeit 

wechselte Inge Stoffers zum Kammerballett Erwin Hoffmann – 

was Tatjana Gsovsky ihr verübelte. Auf einer sechswöchigen 

Tournee durch Deutschland, Frankreich und Belgien erlebte 

sie Unfälle durch Abstürze aufgrund morschen Untergrunds 

und andere Abenteuer wie ungeheizte Zimmer, fehlende Orchester, 

abschüssige Bühnenböden und marode Busse. Einen 

Höhepunkt bildete das Gastspiel in Paris, der »Stadt unserer 

Sehnsucht«, wie sie Inge Stoffers nannte; dort besuchte sie 

auch die Opéra: »Zum ersten Mal in meinem Leben sah ich ein 

richtiges Ballett. In Deutschland gab es das nicht. Ich hatte nie 

ein richtiges Ballett auf der Bühne gesehen!« (S. 72) 

1942 macht sich Inge Stoffers selbständig, im Berliner 

Kabarett der Komiker wird sie als Solistin engagiert; das bedeutete 

nicht selten zwei Shows am Tag, an Wochenenden 

manchmal auch drei. Im nächsten Jahr wirkte sie beim frisch 

gegründeten Filmballett mit, das auf Anregung von Propagandaminister 

Goebbels gegründet wurde. Im August 1944 

wird auch diese Truppe aufgelöst, die Theater geschlossen. 

Inge Stoffers wird zur Arbeit in der Rüstungsindustrie eingeteilt. 

Als auch dieser Betrieb bombardiert wird, schaffen es 

Inge und ihre Mutter quasi in letzter Minute, aus Berlin zu 

fliehen: Eine Odyssee Richtung Westen über Hamburg nach 

Schleswig-Holstein endet schließlich in Flensburg. Nach der 

Kapitulation gelang es ihr dort, ab Juli 1945 im Rahmen der 

Army Welfare Services, der Truppenbetreuung der Engländer, 

in »Officers Clubs« als Tänzerin aufzutreten, dort erhielt sie 

eine kleine Gage und Essen, das ihr und ihrer Mutter das 

Überleben sicherte. Über diese Kontakte ergaben sich bald 

auch Tourneen durch Norddeutschland, gemeinsam mit ihrem 

Tanzpartner Kurt Paudler, einem Mary Wigman-Schüler. 

Auf einer dieser Gastspiele entdeckte Inge Stoffers einen 

Kleiderschrank voller Zigaretten – Zigaretten waren DIE Währung 

der Nachkriegszeit. Es gelang ihr, das Zahlungsmittel 

mithilfe ihrer Mutter aus dem Hotel zu schmuggeln und nach 

Wilhelmshaven zu transportieren; ins dortige Haus der Großmutter 

hatten beide inzwischen Zuflucht genommen. »Mit 

diesen ‚organisierten‘ Zigaretten haben wir später unser Studio 

aufgebaut. Für Zigaretten bekam man alles. Wir tauschten 

dafür unter anderem Sand und Steine und konnten die 

Handwerker auch noch mit Essen versorgen. Es waren wirklich 

so viele Zigaretten, dass man alles davon finanzieren 

konnte.« (S. 106) 


Nach dem extrem strengen Winter 1945/46 entstand 

im Laufe des Jahres 1946 in Deutschland wieder so etwas 

wie ein bescheidenes kulturelles Leben. Im Wilhelmshavener 

Werftspeisehaus fanden erste Tanzaufführungen statt; auch 

ein Training konnte vormittags organisiert werden, und am 

Nachmittag unterrichtete Inge Stoffers mitunter junge Schülerinnen 

dort. Das brachte sie auf die Idee, selbst eine Ballettschule 

zu eröffnen. Einen Raum fand sie in der Ballettschule 

Klemmsen, in der sie selbst viele Jahre Unterricht genommen 

hatte. »Frau Klemmsen hatte ja immer im Stillen gehofft, dass 

ich eines Tages ihren Sohn heiraten würde. Dieser Wunsch 

erfüllte sich zwar nicht, aber ich hatte ein freundschaftliches 

Verhältnis zu ihm.« (S. 115) Und so konnte sie einen kleinen 

Raum in der vertrauten Schule nutzen und mit Ballettunterricht 

beginnen: Die Ein-Raum-Ballettschule war gegründet! 

Am 2. Januar 1947 fand ein erstes Treffen statt, zuvor hatte 

Inge Stoffers eine Anzeige aufgegeben. »Wir trainierten zunächst 

mit Stühlen, die in den Raum gestellt wurden. Später 

wurde eine Stange angebracht. Weil wir in den ersten Tagen 

keine Musikbegleitung hatten, sang ich zu den Übungen, 

Drei Schülerinnen der Ballettschule Stoffers, die eine professionelle Laufbahn 

einschlugen, v.l. Katja Lim, Siggi Zilm, Birgit Gabriel 

aber dann mietete ich ein Klavier.« (S. 116) Jede Schülerin 

musste ein Stück Heizmaterial zum Unterricht mitbringen. 

Im schlechtesten Fall brachten sie schneenassen Torf mit. 

Um den Kanonenofen im Tanzraum zu befeuern, musste in 

Rauch und Qualm getanzt werden. Auch Trainingskleidung 

war so gut wie nicht aufzutreiben, von richtigem Schuhwerk 

ganz zu schweigen. 

Inge Stoffers allererste Schülerin war 33 Jahre alt und wollte 

ausschließlich in Stepptanz unterrichtet werden. Kurze Zeit 

später kamen jüngere Schüler, bald darauf auch Kinder zum 

Ballettunterricht. Schon ein Jahr nach Schulgründung organisierte 

sie erste Aufführungen, erwartungsgemäß reichte der 

kleine Unterrichtsraum bald nicht mehr aus. Das Haus der 

Tanzschule Klemmsen bot eine geeignete Alternative: Ballettsaal 

und Wohnung entstanden dort unter einem Dach – und 

dieser Dachausbau wurde mit den gefundenen Zigaretten 

aus dem Hotelzimmerschrank beglichen. Die Schule expandierte, 

und bald schon gehörten Proben und Aufführungen – 

sowohl der Schülerinnen als auch der Schulleiterin – zum regelmäßigen 

Stundenplan. 



Im Sommer des Jahres 1951 gastierte eine Gruppe besonders 

ehrgeiziger und begabter Mädchen im Alter zwischen 

13 und 17 Jahren auf der Insel Borkum; der Schauspieler 

Gert Fröbe moderierte diesen gemischten Abend und war 

derart begeistert von den Tänzerinnen, dass er seinen eigenen 

Agenten bat, das Ensemble unter Vertrag zu nehmen. 

Das gab den Anstoß zur Gründung der eigenen Compagnie, 

die einige Monate später unter dem Namen »Preciosa« eine 

rege Gastspieltätigkeit aufnahm. Das Ensemble existierte bis 

1962, mit wechselnder, aber immer ausschließlich weiblicher 

Besetzung. Anfang der 1960er Jahre setzte sich das Fernsehen 

in Deutschland durch, vor allem eine Unterhaltungskunst 

Inge Stoffers unterrichtet ihre jüngsten Schülerinnen. 

Ian Owen (Mitte), Nachfolger von Inge Stoffers und heutiger äußerst 

erfolgreicher Leiter der »Ballettakademie am Meer«, nimmt dankbar zusammen 

mit seinem Geschäftsführer Ludwig Jürgens (links) einen Spenden-Scheck 

des Lions Club Wilhelmshaven durch den Vorsitzenden Dr. 

Hans-Joachim Gottschalk, Staatssekretär a.D., entgegen. 

wie das Varieté verlor in diesem Zusammenhang viele Zuschauer, 

die Tänzerinnen damit ihre Auftrittsmöglichkeiten. 

Im Laufe der Jahre fanden Schülerinnen von Inge Stoffers 

Engagements an der Deutschen Oper in Berlin, in Stuttgart, 

Mainz, Nürnberg, Graz und Chemnitz. 

Inge Stoffers erinnert sich an die Vorbereitungen, die zur 

Gründung des Deutschen Berufsverbandes für Tanzpädagogik 

führten: »Im Jahr 1974 war ein Treffen der deutschen 

Ballettpädagogen in Stuttgart. Da sollte ein Pädagogenverein 

gegründet werden. Und wir fuhren alle hin. Es wurde ein 

Lehrplan vorgestellt, nach dem alle Ballettschulen einheitlich 

unterrichten sollten. Das war eine ganz seriöse Sache.« 

(S. 143) Dachte sich seinerzeit die Ballettschulbesitzerin, als 

sie Konzept und Methode der Royal Academy of Dance kennenlernte. 

»Nun war es so, dass die Art meines Unterrichts 

ganz anders als die der RAD war. Aber ich war interessiert 

und besuchte die angebotenen Kurse.« (S. 143) Und ihr 

Leben veränderte sich, als sie nach vielen Jahren Erfahrung 

noch einmal eine Ausbildung absolvierte. »Ich wusste, wie 

es gemacht wird, aber ich konnte meinen Schülerinnen keine 

Zusammenhänge erklären oder ihnen sagen, was man mit 

welchem Muskel machen muss.« (S. 144) Als der Deutsche 

Berufsverband für Tanzpädagogik 1975 ins Leben gerufen 

wird (damals noch unter dem Namen Verein Deutscher Bal- 

Inge Stoffers und Ian Owen anlässlich des 60-jährigen Jubiläums der 

Ballettschule im Jahr 2007 (alle Fotos: privat) 

lettschulen e. V.), ist Inge Stoffers eines der Gründungsmitglieder. 

Als Pädagogin sorgte sie regelmäßig dafür, dass zum einen 

sie selbst, aber zum anderen auch ihre Schüler neuen Input 

und die Gelegenheit bekommen, an Seminaren teilzunehmen. 

1985 während der Ostertanzwoche der RAD in München sah 

sie den jungen Ian Owen in einem Kurs trainieren. Von der 

Eleganz seiner Bewegungen beeindruckt, nahm Inge Stoffers 

Kontakt auf und lud ihn ein, in ihrer Schule in Wilhelmshaven 

zu unterrichten. Aus diesem zufälligen Erstkontakt entstand 

eine Zusammenarbeit, die im Jahr 2000 in der Übernahme 

der Schule durch Ian Owen gipfelte: Der Engländer vom Royal 

Ballet – Tänzer, Ballettpädagoge und Tanztherapeut – ging 

1998 zunächst als künstlerischer Leiter der Ballettschule Stoffers 

nach Wilhelmshaven, zwei Jahre später übernahm er 

ganz und gab der Institution den Namen »Tanzakademie am 

Meer«. Inge Stoffers unterrichtete bis 2002 noch regelmäßig, 

seither nur noch sporadisch. Doch zum eigenen Training geht 

sie weiterhin mehrmals pro Woche, bis zu vier Mal. Tanz gehört 

zu Inge Stoffers Leben seit sie denken kann, und das wird 

sich nicht ändern: Die heute Neunzigjährige und die Vierjährige, 

die durch den Flur zwischen den Kostümen ihrer Mutter 

tanzt, haben vieles gemeinsam. Jedes Jahr zur Weihnachtszeit 

treffen sich Ehemalige bei ihr zu Hause: »Frühere Schülerinnen 

erzählen dann, wie es beruflich weiter gegangen ist und 

wie Ballett ihr Leben beeinflusst hat. Das ist eine große Befriedigung 

für mich und ich glaube, das ist das, was man ein 

erfülltes Leben nennt, oder?« (S. 149) � 


Ärztin im Hauptberuf, 

und doch Tänzerin 

Porträt Nina Steckel 


So manches Wochenende ist 

vollkommen belegt, da hat 

Nina Steckel überhaupt keine 

Zeit: Als Oberärztin in der 

Universitätsklinik Essen hat 

sie mitunter von Freitag bis 

Sonntag Bereitschaftsdienst. 

Da passen in die wenigen 

zeitlichen Lücken ausschließlich 

Essen und Schlafen. Im 

Wochenverlauf ist das jedoch 

anders: Drei Abende hält sie 

sich frei, um ins Ballettstudio 

Nina Steckel als Großmutter im 

Ballett »Der Nußknacker«, 2010 

zu gehen. »Das versuche ich immer durchzuziehen. Denn 

das Training ist für mich eine wichtige Abwechslung«, sagt 

die heute 36-jährige Medizinerin. »In der Stunde im Ballettsaal 

konzentriere ich mich ganz auf das Tanzen, schon beim 

Stangentraining und beim Hören der Musik kann ich komplett 

vom Alltagsstress abschalten. Ob es schwierige Patienten 

oder Ärger mit den Kollegen waren, während dieser Zeit 

vergesse ich alles und fühle mich nach dem Training immer 

besser!« 

Katharina Matyssek, Nina Steckel, Anais Lueken, 2003 (von links) 

(alle Fotos: Archiv Nina Steckel) 

Im Alter von elf Jahren begann Nina Steckel auf dem 

Helmholtz-Gymnasium in Essen mit Rhythmischer Sportgymnastik. 

Im Rahmen dieses wöchentlichen Trainings gab 

es auch jeweils eine Einheit klassischen Tanz. Das gefiel ihr 

zwar auf Anhieb, aber erst zwei Jahre später traute sie sich 

ihren Eltern zu sagen, dass sie Ballett »gerne richtig« lernen 

wolle. Die erste Ballettschule war auch gleich die passende, 

das Ballettstudio Roehm. »Ich durfte in einer Stunde zuschauen, 

in der zwölf gleichaltrige Mädchen nach dem damaligen 

Lehrplan der RAD den Grad 2 erlernten. Ich entschied mich 

Ärztin und Tänzerin – Nina Steckel im Porträt 

schnell für diese Schule, und meine Eltern meldeten mich im 

Februar 1989 dort an. Schon im selben Jahr im November 

durfte ich die erste Prüfung der RAD ablegen – mit der Note 

»past plus«. 

Leider musste sie ein Jahr später aufgrund einer Schulsportverletzung 

für mehrere Monate auch mit dem Tanzen 

aussetzen, die Prüfung in Grad 3 Prüfung konnte sie folglich 

nicht absolvieren. Nach der Zwangspause stieg sie in einer 

anderen Gruppe wieder ein. »In dieser Gruppe waren die 

Mädchen viel jünger als ich: Ich war seinerzeit 18 und die 

meisten anderen vier, fünf Jahre jünger. Aber in den folgenden 

Jahren wuchsen hieraus richtige Freundschaften. Und 

heute fällt es gar nicht mehr auf, dass meine Freundin, die 

auch immer noch dabei ist, sechs Jahre jünger ist. Die Grad 

4-Prüfung haben wir dann gemeinsam nach dem neuen 

Lehrplan gemacht.« 

Nach dem Abitur im Jahr 1994 musste Nina Steckel erneut 

kurzzeitig den Tanz aussetzen, ein freiwilliges soziales Jahr in 

Bonn stand an. Da es aber mit dem Studienplatz in Medizin 

doch früher als erwartet in Essen klappte, meldete sie sich sofort 

wieder in ihrem Ballettstudio an. »Allerdings konnte ich 

die Prüfung in Grad 5 und 6 leider doch nicht mitmachen, da 

ich nur einmal in der Woche trainieren konnte. Bei der Grad- 

7-Prüfung im Dezember 1997 war ich wieder dabei und habe 

mit »Merit« bestanden.« Die Stufenleiter des RAD-Systems 

weiter aufwärts zu klettern, das hat sie nie aus den Augen 

verloren, es blieb ein Anreiz, sich zu erproben und zu beweisen. 

Und so lieferte auch während des Medizin-Studiums 

das regelmäßige Training weiterhin eine willkommene Ab- 

Laurie Tomschütz, Nina Steckel, Annemarie Bocklenberg, Anais Lueken, 

2003 (von links) 

wechslung vom Schreibtisch. »Ein gewisser Ehrgeiz ist dabei, 

gestellte Aufgaben für sich selbst gut zu bewältigen. Wir sagen 

zwar oft, dass wir gar nicht den entsprechenden Körper 

haben, aber man ist schon stolz, wenn man gute doppelte 

Pirouetten schafft und umgekehrt auch frustriert, wenn es 

mal an einem Tag gar nicht funktioniert.« 

Ob langjährig oder frisch, üblicherweise werden sämtliche 

Schüler eines Ballettstudios in Aufführungen involviert. 

»1993 tanzte ich zum ersten Mal auf einer Bühne, im Grillo- 

Theater mit insgesamt vier Vorstellungen.« Damals stan- 


Ärztin und Tänzerin – Nina Steckel im Porträt 

Bei der Grad 8 Prüfung 2011: Sophia Elisabeth Kowalski, Nina Steckel, 

Cheryl Leslie-Spinks, Laurie Tomschütz (von links) 

den sehr unterschiedliche stilistische Beiträge auf dem Programm, 

choreographiert von den Pädagogen der Schule, 

um die Vielfalt des Unterrichtsangebotes zu zeigen. 

War es als Schülerin für Nina Steckel noch einfacher, 

zusätzliche Proben für Vorstellungen in den eigenen Wochenplan 

zu integrieren, so hatte sie als Studentin deutlich 

weniger Zeit. »Ich weiß noch, dass ich sogar bei Aufführungen 

mit meinen Karteikarten in der Ecke saß und gelernt 

habe. Wir waren damals eine sehr verschworene Gemeinschaft 

und haben auch privat viel miteinander unternommen. 

Auch unsere Lehrer waren häufig dabei. So war es 

beispielsweise Tradition, im Sommer und zu Weihnachten 

gemeinsam zum Lieblingsitaliener zu gehen.« Seit einigen 

Jahren sieht sie ihre Mitwirkung an solchen Aufführungen 

durchaus kritisch, »jedes Mal sage ich mir, dass es nun das 

letzte Mal sei, weil es mir merkwürdig vorkommt mit Mädchen 

auf der Bühne zu stehen, die teilweise meine Töchter 

sein könnten. Aber auch in diesem Jahr konnte ich nicht 

nein sagen, als ich gefragt wurde …« 

Seit 2001 arbeitet Nina Steckel als Ärztin in Essen in der 

Klinik für Knochenmarktransplantation, seit 2009 als Fachärztin 

für Innere Medizin, Hämatologie und internistische 

Grad 8 Prüfung 2011: Nina Steckel (links) und Laurie Tomschütz 

Annemarie Bocklenberg, Laurie Tomschütz, Nina Steckel (von links) in 

einer Aufführung aus dem Jahr 2006 

Onkologie; und seit 2011 ist sie Oberärztin. »Mir war es immer 

wichtig, auch nach Beendigung meines Studiums 2001 

neben meinem Beruf tanzen zu können.« 2011 hatte sie, 

gemeinsam mit einer Freundin, eine »verrückte Idee«, wie 

sie es nennt: Im sogenannten hohen Alter doch noch die 

Prüfung in Grad 8 zu absolvieren. »Wir träumten davon, endlich 

einmal ein ‚Distinction‘ in der Bewertung zu bekommen, 

und so haben wir uns dem Stress ausgesetzt, neben unserem 

Beruf das regelmäßige Training und auch die Zusatzproben 

wahrzunehmen. Und wir haben uns unseren Traum erfüllt: 

Distinction!« 

In den nunmehr rund 24 Jahren Tanz trainierte Nina 

Steckel hauptsächlich Ballett, zwischenzeitlich einige Jahre 

auch Zeitgenössischen Tanz, und seit einem Jahr regelmäßig 

Jazz-Dance, eine stilistische Richtung, die sie zuvor nur 

im Rahmen von Aufführungen mitgemacht hatte. »In das 

Ballettstudio zu gehen, ist nach so vielen Jahren für mich 

etwas ganz Vertrautes, fast Familiäres geworden.« Trotz Lehrer- 

und Schulleitungswechsel im vergangenen Vierteljahrhundert, 

denn die Konstante bleibt: Das Tanzen und all‘ jene 

sinnlichen Erlebnisse, die in dieser Welt jenseits des Alltags 

möglich sind. � 

Aufführung 2010: Laurie Tomschütz (links) und Nina Steckel 


Highlights des 

Keil-Imperiums 

Gala der Tanzstiftung Birgit Keil 

am 9. November 2012 

von Carola Mezger 

»Der Weg nach oben ist leichter, wenn man die richtige Unterstützung 

hat!« Dies könnte das Motto der alle zwei Jahre stattfindenden 

Gala der Tanzstiftung Birgit Keil im Ludwigsburger 

Forum sein. Dort bringt Birgit Keil, ehemalige Starsolistin des 

Stuttgarter Balletts, regelmäßig aufstrebende Tanztalente, Stipendiaten 

von einst und internationale Tanzstars zusammen, 

um ein rauschendes Tanzfest der Extraklasse zu feiern. Es geht 

ihr dabei um die einmalige Chance für ihre Stipendiaten, von 

den Stars zu lernen. »Das Erlebnis, das diese jungen Menschen 

mit den Stars haben, ist das Ziel meiner Arbeit«, beschreibt 

Birgit Keil die inspirierende Kraft der Ballettgala. 

Seit 1995 hat Birgit Keil mit ihrer Tanzstiftung mehr als 

200 jungen Tänzern eine Ausbildung ermöglicht. Ehemalige 

Stipendiaten findet man in vielen führenden Compagnien 

Europas. Und die Gala ist eine wunderbare Gelegenheit, sich 

zu treffen und voneinander zu lernen. Nicht verwunderlich, 

dass Keil ehemalige, in ihre eigene Compagnie übernommene 

Stipendiaten besonders gern präsentiert: Sowohl Pablo 

dos Santos und Moeka Katsuki in »Santanella Pas de deux« 

als auch Bruna Andrade mit Admill Kuyler als Hora Paar aus 


»Momo« standen letztes Jahr noch als Stipendiaten auf der 

Bühne. Heute sind sie Mitglieder des Staatsballetts Karlsruhe. 

Mit einem riesigen Dankeschön wandte sich Birgit Keil in 

ihrer kleinen Eröffnungsrede an die Sponsoren und Projektförderer, 

allen voran die Firmen Würth und Bosch, die durch 

großzügige finanzielle Unterstützung das Zustandekommen 

der Gala überhaupt möglich gemacht haben. 

Belohnt wurden Publikum und Sponsoren von einer Vielfalt 

der Tanzkunst, wie man es bei Birgit Keil bisher noch nicht 

sah. Da wurde Klassischer Tanz, Akrobatik und Expression in 

dem drei Stunden dauernden Programm aufs Schönste in 20 

choreographischen Episoden miteinander verbunden. Gleich 

mit drei Uraufführungen wurde das begeisterte Publikum 

verwöhnt. 

Die Mannheimer Studierenden eröffneten mit der Uraufführung 

»Vier Jahreszeiten« von Selatin Kara souverän den 

Abend und, wie so häufig bei den Studierenden der Akademie 

des Tanzes, vermochte man den Unterschied zu den 

ausgebildeten Kollegen kaum auszumachen. 

Das Nationaltheater Prag war mit Miho Ogimoto und Filip 

Veverka in »Paganini« und »Spring Waters« eher im klassischen 

Bereich vertreten, genauso wie das Staatsballett Berlin 

mit den Tanzpreisträgern »ZUKUNFT« Iana Salenko und ihrem 

Partner Marian Walter. 

Im Grand Pas de Deux aus »Raymonda« gab es ein Wiedersehen 

mit der einstigen Primaballerina aus Karlsruhe, 

Anais Chalendard, und dem Karlsruher Solist Flavio Salamanka, 

als ehemaligem Stipendiaten der Tanzstiftung und 2005 

Stipendiaten der Birgit Keil Stiftung 

in »Two 4 one« (Foto: Jochen Klenk) 



Birgit Keil 

Birgit Keil und 

Achim Thorwald 

»Eine deutsche Ballerina von Weltformat – die erste seit 

Fanny Elßler«, so nennt sie Clive Barnes, der Kritiker der 

New York Times, und setzt hinzu: »Deutschland hat lange 

auf eine Keil warten müssen.« Birgit Keil absolvierte ihre 

Ausbildung zur klassischen Tänzerin an der Ballettschule 

der Württembergischen Staatstheater und an der Royal 

Ballet School London. 1961 wurde sie, als John Cranko 

Direktor wurde, Mitglied des Stuttgarter Balletts. 1963 

avancierte sie zur Solistin und wenig später zur Ersten 

Ballerina. Unter seiner Leitung wurde sie durch Tourneen 

mit dem Ensemble und durch Sologastauftritte u. a. 

an der Opéra Paris, La Scala Milano, beim American Ballet 

Theatre New York, am Royal Ballet London und an 

der Wiener Staatsoper an der Seite von Rudolf Nureyev 

weltweit als »die deutsche Ballerina« bekannt. Als solche 

tanzte sie alle Hauptrollen des klassischen und modernen 

Repertoires. Ihre Interpretation inspirierte Choreographen 

wie u. a. Cranko, MacMillan, Wright, Tetley, Kylián, 

Neumeier, Spoerli, Scholz, Feld, van Manen und Haydée 

zu Kreationen für sie. 1980 erhielt sie den Titel »Kammertänzerin«. 

Im Herbst 1995 beendete Birgit Keil ihre 

aktive Bühnenlaufbahn. Zur gleichen Zeit rief sie die private 

Tanzstiftung Birgit Keil ins Leben. 1997 gab sie in 

Stuttgart ihr Schauspieldebüt. Seit 1997 ist sie Leiterin 

an der Akademie des Tanzes Mannheim, wo sie auch als 

Professorin lehrt. 2003/04 übernahm sie zusätzlich die 

Ballettdirektion des Staatstheaters Karlsruhe. Das unter 

Birgit Keil neu formierte Karlsruher Ballett findet durch 

das vielfältige Repertoire internationale Beachtung. Auszeichnungen 

u. a.: Verdienstmedaille des Landes Baden- 

Württemberg (1979), Preis des Verbandes der deutschen 

Kritiker (1981), Emmy Award (1984), John Cranko Medaille 

(1985), Bundesverdienstkreuz erster Klasse (1985), 

Deutscher Tanzpreis (1998), Großer Sudetendeutscher 

Kulturpreis (1999). ■ 

Bruna Andrade 

und Admill Kuyler 

in »Momo« 

(Foto: Jochen Klenk) 

erstem männlichen Träger des Deutschen Tanzpreises »ZU- 

KUNFT« ein Paradebeispiel. Beide Tänzer konnte man im 

zweiten Teil der Gala nochmals in einer modernen Variation 

erleben, wobei die eigenartige Choreographie von Hubert 

Essakow, getanzt von Anais Chalendard, allgemeine Ratlosigkeit 

im Publikum hinterließ. Da konnte Flavio Salamanka 

in »Across the border« von Reginaldo Oliveira, eine der drei 

Uraufführungen, schon besser punkten: Ein Fabelwesen, nur 

als schattenhafter Umriss zu erkennen, dessen Pranken sich 

pulsierend in Schwingen verwandeln. 

Großen Applaus erntete der Koreaner Heung Won Lee in 

zwei modernen Choreographien, die mit Überschlägen und 

sportlich-akrobatischen Einlagen gespickt und ihm damit wie 

auf den Leib geschnitten waren. 

Den Jacques Brel Klassiker »Les Bourgeois« konnte man 

gleich in zwei Choreographien genießen , mit trockenem Humor 

getanzt von Viacheslav Tyutyukin und Yanelis Rodriguez 

Ferrer, beide vom Aalto Ballett Theater Essen. 

Kinder wecken beim Publikum immer besondere Sympathien. 

So ernteten die Kleinen vom Ensemble »Tchelkunchik« 

mit zwei Beiträgen begeisterten Applaus und demonstrierten, 

was man im zarten Grundschulalter mit Hingabe und Eifer 

tänzerisch erreichen kann. Positiv kam beim Publikum die musikalische 

Begleitung durch die Württemberger Philharmonie, 

Reutlingen an, bekommt man doch bei ähnlichen Tanzereignissen 

immer häufiger Musik aus der Retorte zu hören. 

Beim anschließenden Empfang mit Schnittchen und Leckereien 

wurden Birgit Keil und die Tänzer dann zu Recht 

gebührend gefeiert. Die Messlatte wurde mit dem vielseitigen 

Programm allerdings diesmal recht hoch gelegt. Umso 

gespannter wartet das Publikum auf die nächste Gala und 

weitere Highlights des Keil-Imperiums. ■ 


MÄRZ – JULI 13 

Daten und Fakten zu 

einer bewundernswerten 

Compagnie 

von Achim Thorwald 

Seit der Spielzeit 2003/04 steht das neu formierte Ballett des 

Badischen Staatstheaters Karlsruhe unter der Leitung 

der weltbekannten ehemaligen Ersten Ballerina des Stuttgarter 

Balletts Birgit Keil – seit 1997 Professorin und auch Leiterin 

der Akademie des Tanzes Mannheim – und Prof. Vladimir 

Klos, ehemaliger Erster Solist des Stuttgarter Balletts. Gleichzeitig 

zu seinen Aufgaben als Stellvertretender Ballettdirektor 

der Compagnie unterrichtet er als Professor an der Akademie 

des Tanzes Mannheim. 

30 Tänzer aus 15 Nationen gehören dieser jungen Compagnie 

an. Komplettiert wird das Ensemble durch Mitglieder 

des Ballettstudios des Badischen Staatstheaters Karlsruhe, 

die an der Akademie des Tanzes Mannheim im Master-Studiengang 

Tanz studieren. Mehr als die Hälfte des Ensembles 

wurde an der Akademie des Tanzes ausgebildet und erhielt 

Stipendien der privaten Tanzstiftung Birgit Keil. Neben der 

Zusammenarbeit mit etablierten Choreographen fördert Birgit 

Keil nachdrücklich junge Choreographen. Zu ihren Entdeckungen 

zählen u.a. Thiago Bordin, Terence Kohler, Tim 

Plegge, Flavio Salamanka sowie Humberto Teixeira. 

In der nun kommenden 10. Spielzeit seit 2003/04 wird 

die Compagnie ihre 26. Premiere mit mehr als 50 Balletten 

herausbringen. Das vielfältige Repertoire pflegt ebenso klassische 

wie moderne Werke, darunter in der Spielzeit 2011/12 

gleich zwei Uraufführungen abendfüllender Handlungsballette: 

»Siegfried« von Peter Breuer und »Momo« von Tim Plegge. 

Neben Gastspielen innerhalb Deutschlands wurde das Ballettensemble 

nach Spanien, China und Korea eingeladen. 

Zu Beginn der Spielzeit 2012/13 wurde der Compagnie 

der Titel »Badisches Staatsballett Karlsruhe« 

verliehen. 

Igone de Jongh mit Jozef Varga vom Het Nationale Ballet Amsterdam 

bei der Gala der Tanzstiftung (Foto: Jochen Klenk) 

Badisches Staatsballett Karlsruhe 

2006 rief Ballettdirektorin Birgit Keil die »Karlsruher Ballettwoche« 

ins Leben und begründete damit eine Tradition, die 

man sich nicht mehr aus dem Spielplan des Balletts wegdenken 

mag. Als Abschluss der Spielzeit und besondere Reverenz 

an das Publikum bietet diese Woche allen Ballettfreunden die 

Möglichkeit, Verpasstes nachzuholen oder Lieblingsstücke 

noch einmal zu genießen. Auch die persönlichen Begegnungen 

mit den Künstlern bei den Warm-Ups im Ballettsaal und 

zu den Autogrammstunden machen die Karlsruher Ballettwoche 

zu einem besonderen Ereignis. ■ 

Auszug aus den Spielplänen seit 2003/04 

Abendfüllende Ballette (keine Uraufführungen) 

– Coppélia (Wright) 

– Don Quijote (Slavický) 

– Ein Sommernachtstraum (Vámos) 

– La Fille mal gardée (Ashton) 

– Gefährliche Liebschaften (Mannes) 

– Giselle (Wright) 

– In den Winden im Nichts (Spoerli) 

– Der Nussknacker – eine Weihnachtsgeschichte (Vámos) 

– Romeo und Julia (McMillan) 

– Schwanensee (Wheeldon) 

– Die Tempeltänzerin (Kohler) 

– Tschaikowsky (Breuer) 

Abendfüllende uraufführungen 

– Anna Karenina (Kohler) 

– Carmen (Barra) 

– Momo (Plegge) 

– Siegfried (Breuer) 

Sonstige Werke (keine Uraufführungen) 

– Adagio Hammerklavier (van Manen) 

– Andante (van Manen) 

– Apollo (Balanchine) 

– Ballet Pathetique (Uotinen) 

– Bits and Pieces (van Manen) 

– Chaconne (Spuck) 

– Concertante (van Manen) 

– Ein fremder Klang (Bordin) 

– Intermezzo for 20 (Kohler) 

– Just before Falling (Kohler) 

– Kindertotenlieder (Wherlock) 

– Klavierkonzert Es-Dur (Scholz) 

– Nocturnes (Spoerli) 

– Paquita (Petipa) 

– Solo (van Manen) 

– Sonate (Scholz) 

– Les Sylphides (nach Fokine) 

– Symphonie in C (Balanchine) 

– Tarantella (Balanchine) 

– transcended (Kohler) 

– Trois Gnossiennes (van Manen) 

– Tschaikowsky Pas de deux (Balanchine) 

– Variations Sérieuses (Wheeldon) 

– The Vertiginous Thrill of Exactitude (Forsythe) 



Liebeserklärung eines 

Generalintendanten an 

seine Ballettdirektorin 

von Achim Thorwald (Generalintendant 

des Badischen Staatstheaters Karlsruhe) 

Schon als junger Mann war ich ein großer Fan des Stuttgarter 

Balletts unter John Cranko und vor allem des von mir bewunderten 

Traumpaares Birgit Keil und Vladimir Klos. 

Durch meinen Vater, Staatskapellmeister Josef Dünnwald, 

wurde meine Begeisterung für das Ballett noch unterstützt. 

Er war sozusagen Lieblingsdirigent von John Cranko und von 

ihm gebeten, wenigstens immer wieder die Premieren und 

einige Vorstellungen des Balletts zu dirigieren. Diese Begeisterung 

für das Ballett habe ich dann während meiner Intendanzen 

an den Städtischen Bühnen Würzburg und Münster 

sowie am Staatstheater Wiesbaden den jeweiligen Tanz- 

Compagnien zugutekommen 

lassen. Im 

Gegensatz zu anderen 

Häusern, an denen allfällige 

Kürzungen des 

Etats meist zu Ungunsten 

des Balletts umgesetzt 

wurden, war es 

mir jeweils gelungen, 

die Compagnien zu erhalten 

bzw. sogar auszubauen. 

Nach meiner Wahl 

ans Staatstheater 

Karlsruhe habe ich 

auch dort die vorhandene 

Compagnie zu- 

erst einmal übernommen, 

allerdings stellte 

sich sehr rasch heraus, 

dass das Ballett in Karlsruhe in keinem guten Zustand war. 

Die Produktionen wurden vom Publikum nicht angenommen 

und ich selbst war mit der Qualität und der Stilrichtung der 

Compagnie nicht mehr einverstanden. Eine Änderung war 

dringend notwendig. Ich erinnerte mich wieder meiner großen 

Begeisterung für Birgit Keil und Vladimir Klos, beide inzwischen 

Professoren an der Tanzakademie der Musikhochschule 

Mannheim und Birgit Keil auch gleichzeitig als Leiterin 

dieser Tanzakademie. Ich rief Birgit Keil einfach an, um sie 

um Rat zu fragen, wer für die Leitung der Karlsruher Ballett- 

Compagnie in deutschen Landen infrage käme. Und während 

des Telefonats fragte ich sie spontan, ob sie nicht selber 

Lust hätte, Ballettdirektorin in Karlsruhe zu werden. Sie war 

zuerst sehr verblüfft, denn sie hatte selber nie mit dem Gedanken 

gespielt, eine Ballett-Compagnie zu leiten. Wir trafen 

uns zu ersten Gesprächen, natürlich zu dritt mit Vladimir Klos 

und spannen diesen Gedanken weiter, wobei die Wunschvorstellung 

war, dass Birgit Keil die Leitung der Tanzakademie 

beibehalten sollte und gleichzeitig Ballettdirektorin in Karls- 

MÄRZ – JULI 13 

ruhe sein könnte. Diese Konstellation war natürlich äußerst 

ungewöhnlich und es bedurfte der intensiven Mithilfe des 

damaligen Leiters des Theaterreferats im Ministerium für 

Wissenschaft und Kunst, Herrn Dr. Peter Selbach, um diese 

Wunschvorstellung zur Tatsache werden zu lassen. Übrigens 

eine Konstellation, die durch die enge Zusammenarbeit und 

Verzahnung von Tanzakademie und Badischem Staatstheater 

für beide Institutionen von hohem Wert war und ist. 

Birgit Keil als Ballettdirektorin und Vladimir Klos als ihr 

künstlerischer Berater bauten innerhalb kürzester Zeit eine 

völlig neue Compagnie auf, die schon mit ihrer ersten Premiere 

»Don Quijote« das Karlsruher Publikum zu Beifallsstürmen 

hinriss und im Nu die Herzen der Karlsruher im Sturm 

eroberte. Diese Begeisterung hat über 10 Jahre angehalten 

und ist fast noch gesteigert. Für mich war es faszinierend, zu 

beobachten, mit welcher Hingabe, ja geradezu Liebe für ihre 

Tänzerinnen und Tänzer, aber gleichzeitig auch mit unnachgiebiger 

Akribie Birgit Keil und Vladimir Klos auf die Entwicklung 

von Talent und Qualität ihrer Compagnie hinarbeiteten. 

So wie die beiden in 

jungen Jahren durch 

großes Talent, aber 

eben auch durch extremen 

Fleiß und Qualitätsbewusstsein 

zu 

einem Weltklassepaar 

wurden, so arbeiteten 

sie jetzt an und für die 

Compagnie. Und welches 

Gespür die beiden 

für Talente hatten 

und haben, zeigte sich 

auch daran, dass fast 

jedes Jahr Tänzerinnen 

und Tänzer zu Solisten 

heranwuchsen, die von 

Mal zu Mal größere 

Aufgaben übernehmen 

konnten. Dies waren 

zum Beispiel Anais Chalendard und natürlich der bis heute 

unnachahmliche Flavio Salamanka. Aber auch ihr Ehrgeiz, 

jungen Talenten in Sachen Choreographie Freiräume zu 

schaffen, brachte mich in die »Verlegenheit«, dem Ballett 

auch in dieser Hinsicht Produktionsmöglichkeiten und Präsentationsräume 

zu schaffen. 

Nachdem die Oper als Sparte vor allem durch die Arbeit 

meines künstlerischen Stellvertreters, Thomas Brux, wieder 

erstarkt war und das Schauspiel durch Knut Weber – inzwischen 

Intendant in Ingolstadt – zur gleichwertigen Sparte 

geworden war, wurde durch die Arbeit von Birgit Keil und 

Vladimir Klos mein Wunsch, drei gleichwertige Sparten an 

meinem Haus zu haben, Wirklichkeit. Diese Energie, diese 

Begeisterung und diese bewundernswerte Kraft haben in 

den zehn Jahren bei Birgit Keil nie nachgelassen. Ich bin sehr 

froh, dass mein Nachfolger, Peter Spuhler, die Compagnie 

nahtlos übernommen hat. Und so konnte und kann Birgit 

Keil die Compagnie hoffentlich noch lange weiterführen und 

weiterentwickeln. ■ 

Birgit Keil und Achim Thorwald nach der Saison-Premiere von Peter Wrights »Giselle« umgeben 

von Mitgliedern der Compagnie (Foto: Badisches Staatsballett Karlsruhe) 


10. Tanzolymp 

2013 


Zum zehnten Mal findet im kommenden 

Jahr der TANZ OLYMP statt, vom 

17. bis zum 21. Februar 2013. Seit der 

Erstausgabe im Jahr 2004 ist der Wettbewerb 

als Festival stetig gewachsen, 

an Dauer, Umfang, Teilnehmerzahl 

und im internationalen Maßstab auch 

in der Wahrnehmung. 2013 werden 

2000 Teilnehmer aus 40 Ländern erwartet, 

damit ist der TANZOLYMP das 

größte Tanztreffen der Jugend in Europa. 

Für Berlins Bürgermeister Klaus 

Wowereit, der 2012 ein Grußwort formulierte, 

»sticht der TANZOLYMP aus Berlins vielfältigem Angebot 

heraus. Workshops, Seminare und Wettbewerbe, die 

dem Austausch und der Förderung dienen, eine mitreißende 

Atmosphäre und die Gelegenheit – etwa bei der Abschlussgala 

– junge Talente aus der ganzen Welt zu erleben – das ist 

die Mischung, die dieses Festival für seine Teilnehmerinnen 

und Teilnehmer sowie ihr Publikum so einzigartig macht. Für 

die Kultur- und Kreativmetropole Berlin gehört die Veranstaltung 

daher längst zu den besonderen Höhepunkten.« Mit 

2011 erhielt Constantine Allen 

nicht nur den »Grand Prix« des 

Tanzolymps sondern wurde auch 

für seine hervorragenden Leistungen 

als Schüler mit einem Preis 

des DBfT e.V. geehrt. 

(Foto: Günther Rebel) 

Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogiek e.V. 

1. PREIS 

Constantine Allen 

Für die hervorragendste Leistung eines Schülers 

eines professionellen Ausbildungsinstitutes 

für Künstlerischen Bühnentanz in Deutschland 

während des 

TANZ OLYMP BERLIN 2011 

vergibt der 

Deutsche Berufsverband für Tanzpädagogik e.V. 

an 

Constantine Allen 

(John Cranko Schule Stuttgart) 

den 

1. PREIS 

mit einer Dotierung in Höhe von 1.000 Euro 

Berlin, den 19. Februar 2011 


Martin Puttke Günther Rebel 

TANZOLYMP 2013 

dem Initiator und Direktor, Oleksi Bessmertni, 

sprach Dagmar Ellen Fischer. 

DEF: Wie kamen Sie auf die Idee, den 

Tanzolymp in Berlin ins Leben zu rufen? 

OB: Eigentlich zufällig. Ich habe als Jurymitglied 

an einem europäischen Ballettwettbewerb 

teilgenommen, dabei 

bin ich plötzlich auf die Idee gekommen, 

dass ich etwas Vergleichbares, 

aber viel besser, selbst organisieren und 

auf die Beine stellen könnte! Gesagt – 

getan. 

DEF: Hatten Sie ein Vorbild, an dem 

Sie sich orientierten? 

OB: Nein, aber eine deutliche Vorstellung, 

wie das Ganze aussehen soll! 

DEF: Wurde Ihr Vorhaben zunächst 

skeptisch betrachtet oder sogar belächelt? 

OB: Ja, keiner wollte glauben, dass meine Idee auf einer soliden 

Basis steht und eine Zukunft hat. Vladimir Vassiliev vom 

Bolschoi Theater Moskau, den ich als Juryvorsitzenden zum 

ersten TANZOLYMP eingeladen habe, hat mich ausgelacht 

und gesagt, dass es schon Tausende solcher Wettbewerbe 

gäbe und ich kaum eine Chance hätte, ihn zu etablieren und 

durchzuhalten. Jetzt kommt er zum zehnten Mal nach Berlin 

als Juryvorsitzender des 10. TANZOLYMP. 

DEF: Welche Persönlichkeiten des Balletts und des Tanzes 

haben Sie dann doch von Ihrer Idee überzeugen können? 

OB: Vladimir Vassiliev war der Erste, dann kam Vladimir Malakhov 

dazu, danach viele andere mehr. 

DEF: Wie finanziert sich das Festival? 

OB: Ich finanziere alles aus eigenen Mitteln, dazu kommen 

Sponsorenbeiträge. 

DEF: Wie hoch war die Teilnehmerzahl des ersten Festivals, 

und wie ist es bis heute gewachsen? 

OB: Rund 380 Kinder haben am ersten Festival teilgenommen, 

in diesem Jahr sind es mehr als 2000! 

DEF: Hat Ihr aktueller Aufenthalt in Japan im November 

auch mit dem TANZOLYMP zu tun? 

OB: Ja, ich nehme in Japan auch an einem Tanzwettbewerb 

teil, als Jurymitglied und als Live-Botschafter des TANZ- 

OLYMPS, und ich hoffe, dass im Jahr 2013 viele Kinder und 

Jugendliche aus Japan nach Berlin kommen werden. 

DEF: Was liegt Ihnen zum zehnjährigen Jubiläum im nächsten 

Jahr besonders am Herzen? 

OB: Im Jubiläumsjahr veranstalte ich sogar drei Gala–Abende! 

Der erste Abend findet am 17. Februar im Admiralspalast 

statt, daran nehmen die Gewinner aller bisherigen 

TANZ OLYMP-Wettbewerbe teil, seit 2004 bis heute. Die 

zweite gala am 21. Februar wird, wie immer, ein Zusammenschnitt 

aus mehreren Gewinnern der jeweiligen Kategorien 

und den schönsten Beiträgen der Wettbewerbstage. Bei 

der dritten gala »Vivat TANZOLYMP« am 25. März in 

der Komischen Oper werden internationale Stargäste der 

Berliner Ballettszene – von Moskau bis Tokio, von München 

bis New York, von Berlin bis St. Petersburg – auftreten. ■ 


ACADEMY 1 – Bühnenkunstschule in Berlin Kreuzberg 

Energie für Körper 

und Geist 

ACADEMY 1 – 

Bühnenkunstschule in Berlin-Kreuzberg 

von Karin Schmidt-Feister 

Der Wunsch, junge Menschen verschiedener Nationalitäten 

im sozialen Brennpunkt Berlin durch künstlerische Arbeit zusammenzubringen 

und so den respektvollen Umgang miteinander 

lustvoll zu leben, führte auf Seiten des traditionsreichen 

Berliner Energieerzeugers GASAG dazu, neu über Sozialsponsoring 

im Kulturbereich nachzudenken. Die breite interkulturelle 

Arbeit des Kiez- und Nachbarschaftstreffs »Alte Feuerwache 

e. V.« in Kreuzberg schien der geeignete Ort, um das 

ambitionierte Konzept einer multidisziplinären Bühnenkunstschule 

mit Leben zu erfüllen. Jugendliche zwischen 13 und 

19 Jahren erproben hier ihre Talente in Schauspiel, Gesang 

und Tanz. »Die ACADEMY 1 starteten wir 2003. Nach einem 

Jahr haben wir den Etat aufgestockt«, so Birgit Jammes, 

GASAG Konzernkommunikation, die das Projekt mitinitiiert 

hat und seither leidenschaftlich begleitet. »Wir sind an einer 

langfristigen Förderung interessiert. Wir fördern und fordern 

Jugendliche über einen Zeitraum von einem Jahr. Wer hier für 

ein Jahr in den Gesangs-, Tanz- und Schauspielklassen dabei 

war, erkennt die eigenen Stärken, kann sich ausprobieren, 

gewinnt neue Freunde in toleranter und respektvoller Arbeit. 

Die ACADEMY – Bühnenkunstschule für Jugendliche in 

alle Fotos: ACADEMY 1 

Kreuzberg liegt uns sehr am Herzen. Jugendliche lernen sich 

zu präsentieren, sich auszudrücken. Sie stellen schließlich 

buchstäblich etwas dar – das sind Schlüsselqualifikationen, 

die ihnen im Leben enorm weiterhelfen.« Auch im zehnten 

Jahr des Bestehens der Bühnenkunstschule, die ohne öffentliche 

Gelder arbeitet, investiert die GASAG als Hauptsponsor 

in die kontinuierliche künstlerische Bildung von jungen Menschen 

– Energie mit Langzeitwirkung. 

Im September vergangenen Jahres bewarben sich erneut 

mehr als 200 theater-, tanz- und gesangsbegeisterte 

Jugendliche für einen der begehrten Plätze. 45 Jugendliche 

qualifizierten sich für den 9. Ausbildungsjahrgang. Bis zum 

Juni 2012 wurden sie in den drei künstlerischen Bereichen 

Tanz (Street Dance, New Dance), Gesang (Jazz, Pop, Musical) 

und Theater (Improvisation, Texttheater, Performance) gefördert 

und üben unter Anleitung von sieben professionellen 

Gesangs-, Tanz- und Schauspieldozenten (Praktiker von Konservatorien 

und Theaterpädagogen mit verschiedenen Techniken 

und Arbeitsansätzen) neben vielfältigen künstlerischen 

Techniken gleichzeitig gegenseitige Akzeptanz und Respekt 

im Umgang miteinander. 

»Wir wollen nicht MTV sein. Wir machen Kunst. Theater 

ist Kommunikation zwischen Bühne und Publikum«, betont 

Rachel Hameleers. Die niederländische Schauspieldozentin 

ist Mitinitiatorin und seit 2002 Künstlerische Leiterin. Gemeinsam 

mit ihrem engagierten Dozententeam qualifiziert 

sie die Begeisterung für Tanz, Gesang und Spiel durch eine 

professionellen Standards verpflichtete Ausbildung. Was Jugendliche 

bewegt, wird bewegend in Szene gesetzt. »Wir 

geben den Kids Futter für ihre eigene Kreativität und die Freiheit, 

alle Energie im Spiel, Tanz und Gesang rauszulassen«. 

Bei Casting-Workshops in den drei Disziplinen haben 

sich in den vergangenen zehn Jahren mehr als 2000 junge 

Menschen beworben. Seit 2004 entwickelten sie in der ACA- 

DEMY-Ausbildung 15 Vorstellungen für die Bühne, die von 

mehr als 10.000 Besuchern erlebt und gefeiert wurden. Ein 

»Open-Stage« nach dem ersten Trimester, bei dem traditionsgemäß 

die unterschiedlichen Klassen beider Ausbildungsjahre 

erstmals voreinander auftreten, macht Anfängern wie 

Fortgeschrittenen deutlich, welche beachtenswerten Talente 

in jedem Jugendlichen stecken, die im leidenschaftlichen Miteinander, 

angetrieben vom Wunsch mit Körper und Stimme 

von den eigenen Wünschen, Ängsten, Sehnsüchten zu spre- 


chen, vielgestaltigen Ausdruck finden können. »Entdecke 

Deine Fähigkeiten!« Das Motto ist Programm für die Probenarbeit, 

die in zwei Neuinszenierungen mündet. 

Das GASAG-Sozialsponsoring für dieses Integrationsprojekt 

erstreckt sich über zwei Akademie-Jahre. Beim Casting 

wird der Fokus auf eine heterogene Gruppe mit unterschiedlichen 

Talenten gelegt. Dann steht fest, wer in den neuen Klassen 

für Gesang, Tanz und Schauspiel ein Jahr lang von jeweils 

zwei Dozenten gefördert wird. 45 Jugendliche proben dann 

zweimal wöchentlich für zweieinhalb Stunden, zahlen als 

Zeichen der Wertschätzung selbst einen Obolus von 15 bzw. 

20 Euro monatlich. Unentschuldigtes Fehlen ist tabu. Ein 

Zeugnis attestiert die erworbenen künstlerischen Fähigkeiten. 

Wer nach erneuter Auswahl im zweiten Jahr weitermacht, 

kann sich in allen Künsten zugleich darstellerisch erproben 

und bringt sich in die Erarbeitung eines neuen Stückes ein, 

das zum Abschluss dieses interdisziplinären Probenprozesses 

unter professionellen Bühnenbedingungen aufgeführt wird. 

Im Mai 2012 waren 14 Jugendliche mit ihrer Show »Perfekt« 

in der Werkstatt der Kulturen der Welt lustvoll auf der Suche 

nach dem perfekten Menschen. Die Jugendlichen wissen genau, 

wovon sie singen, sprechen, tanzen und wie sie in immer 

neuen Facetten die begeisterte Aufmerksamkeit, Nachdenklichkeit, 

das Lachen und die Bewunderung der Zuschauer 

durch darstellerisches Können erringen. Wie nuanciert sie 

sich selbst und ihre ureigenen, unter den Nägeln brennenden 

Themen in Sketchen, Songs und Tänzen auf die Bühne 

brachten, elektrisierte das Publikum. Bin ich schön? Wie werde 

ich wahrgenommen, wer bin ich, in welcher Welt will ich 

ACADEMY 1 – Bühnenkunstschule in Berlin Kreuzberg 

leben? »Perfekt« – die 90-minütige Performance katapultiert 

Akteure wie Zuschauer in immer neue Casting-Runden voll 

fragendem Hintersinn. Auf dem Höhepunkt der Show ruft 

Derman Deniz ihren 13 Mitbewerbern zu: »Stopp! Wir rennen 

und wir lächeln bis zum Atemstillstand. Wir machen uns 

gegenseitig fertig«. Die neue Bühnenshow spiegelt facettenreich 

die Suche nach sich selbst in unserer reizüberfluteten 

gesellschaftlichen Realität! Die Zuschauer sind bis hinein in 

das interessante Programmheft als Diskussionspartner der 

Bühne gefordert. Was für ein Reichtum an Talenten! Alle Beiträge 

wirken frisch und gewinnen durch den darstellerischen, 

sprachlichen und stimmlichen Ausdruck emotionale und 

assoziative Kraft. Körpersprache, Aussprache, Intonation, 

Rhythmusgefühl, szenische Präsenz und Fantasie sind bemerkenswert. 

Die Jugendlichen treffen die schrillen und leisen 

Töne, beweisen Ensemble-Geist und haben enorme ganzkörperliche 

Präsenz mit ungekünstelter prägnanter Gestik. 

Auch der 9. Jahrgang der ACADEMY 1-Absolventen fieberte 

im Juni 2012 seinem Auftritt entgegen. Für ihre Abschluss- 

Show »Anpfiff« entwickelten junge Tänzer, Schauspieler und 

Sänger jeweils eigene Lieder, Szenen und Tanznummern, 

die temporeich und emotional das Thema Sport aufgreifen. 

Seit 2008 bereichert die »juniorACADEMY« als Kooperationsprojekt 

mit Hilfe zur Erziehung (HzE) zusätzlich das kulturelle 

Freizeitangebot. Diese konzentriert sich besonders auf die 

Einbeziehung des direkten sozialen Umfeldes der Alten Feuerwache 

in Berlin-Kreuzberg; die Kinderarmut liegt hier bei 

70 %, fast dreiviertel der Kinder unter 15 Jahren leben von 

Transferleistungen. Gemeinsames künstlerisches Lernen und 

Erleben fördert auch hier in jeweils achtwöchigen Schnupperkursen 

bei Gruppenarbeit in Tanz, Gesang und Spiel das 

Zusammenleben und stärkt die respektvolle Anerkennung 

der ACADEMY nachhaltig. 

Das Miteinander von Jugendlichen, verschieden in Herkunft, 

Alter und Bildungsstand, wird im ACADEMY-Projekt 

der soziokulturellen Jugendarbeit des Stadtteilzentrums »Alte 

Feuerwache« und der Berliner GASAG gelebt. ACADEMY – 

die Bühnenkunstschule für Menschen aller Kulturen zwischen 

13 und 19 Jahren in der Axel-Springer-Straße 40 ist ein 

lebendiger Ort voller Energie(n)! 

Inzwischen haben wieder 45 junge Menschen das Casting 

für den 10. ACADEMY-Jahrgang bestanden, präsentieren im 

Dezember 2012 die szenischen Ergebnisse ihrer ersten drei 

Probenmonate – singend – tanzend – spielend. »Jedes Jahr 

wächst man an Erfahrungen. In diese Jubiläums-Spielzeit 

nehmen wir alles mit, was wir gemeinsam gelernt haben«, 

freut sich Rachel Hameleers. Sie und ihr Team begeistert 

die Bandbreite der Jugendlichen. »Es ist erstaunlich und beeindruckend, 

wie weit die Teilnehmer bereit sind, für ihren 

künstlerischen Traum zu reisen. Sie kommen aus Marzahn, 

Potsdam, Reinickendorf, Neukölln, Kreuzberg.« Voller Elan 

proben sie gemeinsam mit Blick auf den Juni 2013 – Zehn 

Jahre ACADEMY-Bühnenkunstschule, was zünftig mit neuen 

Stücken – und hoffentlich einem Sommerferien-Spezial mit 

internationalen Gästen – gefeiert werden wird. � 

Information/Anmeldung zum ACADEMY-Casting unter: 

www.alte-feuerwache.de/academy 


Porträt: Igor Zapravdin 

»I am crazy with ballet« 

Porträt: Igor Zapravdin 

von Ira Werbowsky 

Er hat sein Leben dem Ballett gewidmet: 

Igor Zapravdin ist Ballettkorrepetitor 

mit Herz und großer 

russischer Seele. Im Alter von sieben 

Jahren schickte ihn seine Mutter 

sowohl zum Klavier- als auch zum 

Ballettunterricht, da sie beides liebte. Der in Sewastopol aufgewachsene 

Igor entschied sich später allerdings für Klavier 

und setzte seine Ausbildung in Moskau am Konservatorium 

fort. In diesen vier intensiven Studienjahren gab es für den im 

Internat untergebrachten jungen Mann nichts als die Musik. 

Wenn er nicht am Tschaikowsky-Konservatorium Unterricht 

hatte, war er im Bolschoi Theater und sah fasziniert den Vorstellungen 

zu. Ballett hatte es ihm immer noch angetan. Wie 

konnte er diese beiden Leidenschaften künstlerisch und beruflich 

verbinden? Nach seinem Diplom in Klavier und Komposition 

wurde er am Stanislavski-Theater und am Nemirovich-Danchenko-Theater, 

dann am Moskauer Classical Ballet 

engagiert. Dort hat er erstmals als Korrepetitor Tänzer beim 

Training und in den Proben begleitet. Das war am Anfang 

keine leichte Aufgabe, verlangte es doch vom Pianisten, sich 

musikalisch den Wünschen und Bedürfnissen der Tänzer und 

der Ballettmeister unterzuordnen und die unendliche Vielfalt 

musikalischer Tempi anzupassen. 

Ein erster gravierender Einschnitt in diese harmonische 

Synthese aus Tanz und Klavierspiel kam durch den Armeedienst. 

Für anderthalb Jahre diente Igor Zapravdin im russischen 

Heer – das war eine harte Lebensschule, nur gemildert 

dadurch, dass sein Onkel, der als Admiral in Sewastopol 

bei der Flotte war, ihn zu sich holte. Nach dem Militärdienst 

kehrte er nach Moskau zurück und kam ans Russische Staatsballett, 

damals unter der Leitung von Wjatcheslaw Gordejew. 

Hier traf er auch auf Vladimir Malakhov, mit dem ihn seit 

damals eine künstlerische Freundschaft verbindet. 

Im Herbst 1992 begleitete er diese Compagnie zu einem 

Gastspiel nach Wien – und spielte aus eigener Initiative der 

damaligen Ballettchefin Elena Tschernischova vor. Er erhielt 

sogleich einen Vertrag! Seither ist er erfüllt von seinem Lebenstraum, 

seine beiden Lieblingsbereiche in der Kunst beruflich 

verbinden zu dürfen – in einer goldenen Balance, wie 

er sagt, teile er seine Liebe zwischen Musik und Ballett auf. 

»Das ist die optimale Kombination für mich!« 

Ballett und Musik sind lebensbestimmend 

Besonders stolz ist er auf seine Zusammenarbeit mit Mstislav 

Rostopowitsch, für den er 1996 ein Konzert für Klavier 

und Cello spielen durfte. Er hat berühmte Sänger wie Evgeny 

Nesterenko, Stella Grigorian oder Evgeny Dmitriev begleitet. 

Bei internationalen Ballettwettbewerben war er als Pianist im 

Einsatz, so u. a. in Budapest, Paris, Japan, Korea, Brasilien, Luxemburg, 

Moskau und St. Petersburg. Ebenfalls war er für das 

musikalische Arrangement von Vladimir Malakhovs Version 

der »Bajadere« sowohl in Wien als auch in Berlin zuständig. 

Bei den der berühmten österreichischen romantischen Tänzerin 

Fanny Elßler gewidmeten Gala-Abenden in Eisenstadt und 

Wien lag die musikalische Basis ebenfalls in seinen Händen. 

Im steten Bestreben, das Bestmögliche für den klassischen 

Tanz zu geben, hat er bereits mehrere CDs mit Ballettmusik 

als Begleitung für Trainingssequenzen herausgebracht. Sein 

neuestes Werk, das unter der Ägide von Mariella Ermini von 

der Accademia Nazionale dei Danza in Rom (mit ausführlicher 

Beschreibung der Übungen auf italienisch) entstand, wird im 

Herbst in Wien in englischer Fassung vorgestellt – die Präsentation 

in Italien fand bereits Ende August in Grado statt. 

Ballett lässt ihn niemals los. Sogar in den Theaterferien 

hat er sich in all den Jahren dem Tanz verschrieben. Statt 

Urlaub zu machen, ist er ein gefragter Pianist bei verschiedenen 

Ballett-Trainingskursen im Ausland. Im vergangenen 

Sommer kam er so nach einigen echten Urlaubstagen mit 

seiner Schwester in Ljubljana und Bled über »Klavierspiel-Tage« 

in Pescara, wo er in der Jury des Ballettwettbewerbs saß, 

nach Ischia/Napoli bis nach Sizilien, bevor er für zehn Tage in 

Igor Zapravdin spielt mit: Die Rolle des Pianisten in »The Concert« von 

Jérôme Robbins verlangt mehr als nur Einsatz an den Tasten. Von rechts 

umgarnt ihn Irina Zymbal. (Fotos: Wiener Staatsballett/Michael Pöhn) 

Moskau bei seiner Mutter Station machte, um anschließend 

zu seiner CD-Präsentation nach Grado zu reisen. 

Jubiläum: 20 Jahre in Wien an der Staatsoper 

Mittlerweile ist er seit 20 Jahren in Wien und hat als Ballettkorrepetitor 

neue Maßstäbe gesetzt. Er ist aus den Ballettsälen 

der Staatsoper nicht mehr wegzudenken. Von seiner 

Position am Flügel aus beobachtet er die Tänzer und sieht 

so, in welchen Entwicklungsprozessen die jeweiligen Choreographien 

entstehen und Schritt für Schritt Gestalt annehmen. 

Er ist sich seiner Bedeutung bewusst, wie er mit seinem 

Spiel die Atmung, die Bewegungsfolgen stützt und fördert. 

Daher ist er täglich schon lange vor Trainingsbeginn im Ballettsaal, 

um sich selbst optimal einzustimmen, sich auf das 

geforderte Programm vorzubereiten und sich so auf den jeweiligen 

Tag einzustellen. Mit sensiblem Gespür trägt er mit 

den entsprechenden Melodien die Tänzer zu Höhenflügen, 

hebt die Stimmung und steigert die Motivation. Er stellt sich 

auf die Vorlieben der jeweiligen Ballettmeister ein und spielt 

passend zur Situation, mal ist genaue Partitur, mal Improvisation 

gefragt; mal eher jazzig oder streng klassisch. Er ist 


immer konzentriert und empfindet große Freude 

über die gelungenen Darbietungen der Tänzer bei 

den Vorstellungen auf der Bühne, er fiebert richtiggehend 

mit. Aktuell freut er sich über den Auftritt 

von Olga Esina in »Schwanensee« in Moskau 

am Bolschoi-Theater und darüber, dass die Ersten 

Solisten des Balletts der Wiener Staatsoper, Maria 

Yakovleva und Denys Cherevychko, im November 

2012 in »Don Quixote« mit dem Ballett der Pariser 

Oper an der Opéra Bastille gastierten – ist dies 

doch das erste Gastspiel von Tänzern aus Wien 

mit dem Ballett der Pariser Oper seit Fanny und 

Therese Elßler vor mehr als 170 Jahren. Diese 

Freude über die Erfolge »seiner« Tänzer ist ehrlich 

und kommt aus tiefstem Herzen. 

Oft wird Igor Zapravdin auch in den Aufführungen 

am Klavier eingesetzt. Sein feinfühliges Spiel 

der Chopin-Nocturnes perlte einschmeichelnd bei 

»In the Night« von Jérôme Robbins aus dem Orchestergraben. 

Bei »The Concert«, einer weiteren 

Robbins-Choreographie, ist er nicht nur Klavier 

spielend auf der Bühne, sondern stückbestimmend 

komödiantisch im Einsatz. Sein Debut in dieser Rollenfunktion 

gab er im Vorjahr beim Gastspiel des 

Wiener Staatsballetts in Monte Carlo. Und er ist 

sehr neugierig, was ihm die Zukunft an künstlerischen 

Herausforderungen noch bringen wird. Das 

nächste Highlight für ihn ist die Premiere von »Tanzperspektiven« 

am 20. Februar 2013 in der Wiener 

Staatsoper, dann wird er in »A Million Kisses To 

My Skin« von David Dawson das Klavierkonzert 

Nr. 1 in d-moll von Johann Sebastian Bach spielen. 

Von Vorfreude erfüllt ist er auch wegen der neuen 

Produktion »Kreation und Tradition« (Premiere 

am 20. April 2013), in der sich junge Talente und 

aufstrebende Choreographen der Compagnie auf 

der Volksopernbühne beweisen dürfen. Auch das 

dreiwöchige Gastspiel des Wiener Staatsballetts im 

Juli in Paris stimmt ihn erwartungsvoll. 

Vielen Dank, Wien! 

Porträt: Igor Zaparvdin Porträt: Der Clown David Larible 

Nach zwanzig reichen Berufsjahren an der Staatsoper 

in Wien ist es ihm ein Herzensanliegen, dieses 

Jubiläum mit allen Freunden gemeinsam zu 

feiern und in Demut, aber mit der ihm eigenen, 

aus tiefster Seele kommenden Überschwänglichkeit 

»Danke, Wien« zu sagen. Am 24. November 

lud er zu einer festlichen Veranstaltung ins österreichische 

Theatermuseum. Alle Solisten traten 

an diesem Abend nur für ihn auf und bedankten 

sich im Gegenzug auf diese Weise für die 

jahrelange wunderbare Klavierbegleitung. Auch 

Gesangstars der Oper sangen ihm zu Ehren ein 

Ständchen. 

Igor Zapravdin kann ohne Ballett und Musik 

nicht leben: »Zwei Lieben sind in meinem 

Herzen. Maybe I am crazy – but my heart 

and my soul are dedicated to ballet!« � 

Wie viel Tanz 

steckt im Clown? 

Porträt: David Larible 


Guter Zirkus ist ein Gesamtkunstwerk. Zu den Guten gehören der kanadische 

»Cirque du Soleil«, der längst zum weltweit florierenden Konzern mutierte, 

und Roncalli, immer noch als erweitertes Familien-Unternehmen von 

Bernhard Paul mit Hauptsitz in Köln geleitet. Hier wie dort rückt mit der Abschaffung 

von Tiernummern die virtuose Körperkunst in den Vordergrund: 

Kein Zirkus kommt ohne Tänzer aus. Selbst wenn sie nicht ausdrücklich als 

solche auftreten, haben die Artisten oft eine tänzerische Vergangenheit. 

So wie David Larible, von Beruf 

Clown. Seit sieben Jahren sorgt er im Zirkus 

Roncalli für die richtige Atmosphäre, 

also für jene magischen Momente, die 

im Gedächtnis des Publikums bleiben. 

David Larible spinnt mit seinen Auftritten 

den roten Faden des Abends, auf seine 

Nummern warten die Zuschauer. Mit 

dem von ihm entwickelten Charakter – 

jeder Clown etabliert in seiner Karriere 

eine möglichst unverwechselbare Figur, 

mit der er im Idealfall überall identifiziert 

wird – sieht sich der gebürtige Italiener 

in der Tradition der Commedia dell’ 

Arte. »Ich habe eine kurze Geschichte, 

David Larible und Gensi Mestres 

als tanzende Engel (Fotos: Circus 

Roncalli) 

die ich erzählen will, jede Nummer hat 

eine Linie, aber dazwischen improvisiere 

ich, reagiere auf das Publikum, kreiere 

spontan neue Dinge. Das ist wichtig, 

damit es lebendig bleibt!« In einer sol- 

chen Szene spielt David Larible beispielsweise mit einem imaginären Ball, 

den er geräuschvoll auffängt und plötzlich auch ins Publikum wirft: Egal, 

wie klar die Körpersprache des Clowns sein mag, es gibt immer jemanden 

im Zuschauerraum, der ihn nicht versteht oder nicht mitspielen will – dann 

ist Improvisation gefragt, damit die Szene weitergeht. 

Was für jeden einzelnen Auftritt einer Vorstellung gilt, lässt sich auch auf 

das Artistenleben insgesamt übertragen: Ein Künstler braucht neue Herausforderungen. 

Am 8. Dezember wird David Larible zum letzten Mal mit dem 

Zirkus Roncalli aufgetreten sein, in der aktuellen Show »Time is Honey«. 

»Sieben Jahre sind genug! Wenn etwas zur Routine wird, ist das der Tod 

für einen Künstler.« In den vergangenen Jahren tourte Larible durch viele 

Länder, als Dreh- und Angelpunkt der Crew erlangte er einen Grad an Popularität, 

der ihm den Ruf des weltbesten Clowns einbrachte – und mit der 

Roncalli natürlich wirbt. Doch diese inoffizielle Auszeichnung bedeutet ihm 

nichts, im Gegenteil, fast scheint er sich bedroht zu fühlen durch diese Titulierung: 

»Es gibt keinen besten Clown. Es gibt den besten Boxer der Welt, 

der alle besiegt hat. Aber Kunst ist subjektiv, eine Geschmackssache. Wie 

könnte man sagen, dass Picasso besser ist als Dalí?« Sicher, er freut sich 

über Lob und Komplimente, es zeigt ihm, dass er auf dem richtigen Weg 

ist. »Aber wenn ich anfange zu glauben, dass ich der Beste bin, habe 

ich ein Problem. Dann bräuchte ich nichts mehr zu tun, dann wäre ich 

fertig, künstlerisch tot.« Und er hat eine schöne Metapher parat, die seine 

Haltung zum Leben spiegelt: Im Film »Limelight« tritt Charlie Chaplin in der 

Rolle des alternden Clowns Calvero in einer Spelunke auf, obwohl er ein ge- 


Porträt: Der Clown David Larible 

feierter Künstler ist; sein Impresario fragt ihn entrüstet, warum 

er in dieser Kneipe spiele, wie ein Amateur. Darauf antwortet 

der Clown, dass alle Menschen Amateure seien, weil niemand 

lange genug lebe, um professionell zu werden. »Das ist meine 

Philosophie!« Bekennt David Larible strahlend, und Charlie 

Chaplin ist sein Vorbild. »Er war ein Genie, war Schauspieler, 

Regisseur, Autor, sogar die Musik zu seinen Filmen hat er 

komponiert. Aber noch wichtiger ist: Er wurde überall auf der 

Welt verstanden, sein Humor ist international.« 

So wie auch die Körpersprache eines Clowns sein muss, international. 

Beweglich bleiben, im dreifachen Sinn: mit einem gut 

trainierten Körper, einem agilen Geist, und der Bereitschaft, für 

die unterschiedlichen Engagements mobil und ständig unterwegs 

zu sein. Das gilt für die gesamte Familie: David Laribles Frau ist Zirkusartistin, 

seine Tochter Trapezkünstlerin, sein Sohn Jongleur. Ein 

sogenanntes Zuhause existiert zwar, aber dort ist die Familie fast 

nie anzutreffen. »Das ist hart, aber ich kenne es nicht anders.« 

David Larible, 1957 in Verona geboren, stammt aus einer 

typischen Artistenfamilie, schon sein Urgroßvater Pierre Larible 

taucht in einem Dokument aus dem Jahr 1881 als Akrobat und 

Tänzer auf, sein Großvater war Clown, sein Vater Trapezkünstler. 

»Seit Generationen lernen Kinder von den Eltern, mein Vater 

war mein Lehrer und unterrichte mich am Trapez. Aber ich wollte 

Clown sein. Und als ich acht Jahre alt war, sagte ich das meinem 

Vater.« Der war nicht begeistert und versuchte, es seinem 

Sohn auszureden, indem er ihm wahrheitsgetreu erklärte, es 

sei das Schwierigste, Menschen zum Lachen zu bringen. »Denn 

ein Clown müsse alle Jobs gut machen, ein Akrobat sein und 

ein Jongleur, ein Musiker und ein Tänzer. Aber ich wollte es 

unbedingt …« Also bekam der junge David Gesangsunterricht, 

lernte Instrumente spielen, übte jonglieren und ließ sich als Akrobat 

ausbilden. Und tanzte: »Ich habe fünf Jahre klassischen 

Tanz studiert. Ballett hat mir sehr geholfen in meiner Karriere, 

denn es gibt meinen Bewegungen die Harmonie. Auch die Bewegungen 

eines Clowns müssen harmonisch und koordiniert 

sein, und das hat mir der Tanz gegeben.« Außerdem spielt 

David Larible sechs Instrumente, spricht fünf Sprachen und beherrscht 

so ziemlich jedes Handwerk im Zirkus-Gewerbe. »Ich 

habe als Akrobat angefangen und eine akrobatische Rollschuhnummer 

gezeigt, dann war ich Jongleur, später habe ich einen 

argentinischen Gaucho-Tanz entwickelt. Am Trapez war ich zu 

sehen und in einer Pferdenummer – ich habe wirklich alles gemacht. 

Aber in meinem Kopf war immer: Ich will Clown sein!« 

Einige Jahre sprang er immer dort ein, wo Not am Artist war. 

Endlich wurde auch einmal ein Clown krank, und David Larible 

bekam seine große Chance. Er war 16, und er machte seine 

Sache so gut, dass ihm sogar ältere Artisten-Kollegen nach seinem 

Debüt gratulierten. »Du kannst einiges lernen, was ein 

Clown braucht, die Technik der Pantomime zum Beispiel, 

aber du kannst nicht lernen, lustig zu sein!« David Larible 

war lustig. 

Das Wichtigste, weiß der erfolgreiche Clown, ist das Timing, 

wie im Tanz. »Ohne Timing kann man kein Clown sein. Alles 

steckt im Timing. Mache ich das entscheidende Gesicht eine 

Sekunde zu früh oder zu spät, funktioniert nichts. Der berühmte 

Schweizer Clown Grock hat gesagt, eine Clown-Nummer ist 

wie eine Uhr.« Was keineswegs bedeutet, das einmal gefundene 

Timing sei eine feste Größe. Denn jedes Publikum ist anders, 

Clio Togni 

und David 

Larible 

das gilt es bei jedem Live-Auftritt zu erspüren. »Der Rhythmus 

des Lebens wechselt, und deshalb muss auch das Timing 

ständig wechseln. Jeden Abend, in jedem Moment. Der Artist 

wächst in jeder Vorstellung mit dem Publikum. Das kann man 

nicht sehen, das geschieht automatisch.« 

Ballettunterricht nahm David Larible in seiner italienischen 

Heimat. Später lernte er auch Jazztanz, studierte eine Weile Flamenco 

und nahm Unterricht in Stepptanz – letzteres inspirierte 

ihn zu einer Tap-Nummer in riesigen Schuhen. In den 1980er 

Jahren war er der Star der Fernsehserie »Circus – Tiere, Stars 

und Akrobaten«, auch in den Sendungen »Stars in der Manage« 

konnte man ihn regelmäßig erleben. 15 Jahre lang lebte und arbeitete 

er in den USA, dort trat er im größten US-amerikanischen 

Zirkus, »Ringling Bros. and Barnum & Bailey«, täglich vor rund 

20.000 Menschen auf. Mit Jerry Lewis stand er vor der Kamera, 

im Film »Ocean’s Eleven« übernahm er eine kleine Rolle. 1999 

wurde er beim Internationalen Circusfestival in Monte Carlo mit 

dem »Goldenen Clown« ausgezeichnet, dem Oscar der Manege. 

So unterschiedlich das Publikum in Japan und den USA auch 

sein mag, eines stellte der Live-Entertainer fast überall fest: Es 

fehlt eine Altersgruppe. »Kinder gehen gern in den Zirkus, 

aber nur bis zum Alter von ungefähr zwölf Jahren. Dann wird 

Zirkus uncool. Und sie kommen als Zuschauer erst zurück, 

nachdem sie über 20 sind.« Es ist genau die Altersgruppe, die 

auch als freiwillige Theatergänger so gut wie nicht existiert und 

ebenso als Tanz- und Ballettschüler am schnellsten schrumpft. 

Ein Neuanfang steht für David Larible 2013 an. Er wird seine 

Solo-Show wieder aufnehmen, die er vor einigen Jahren 

entwickelte. Darin erzählt er die Geschichte eines Mannes, 

der täglich ein Theater putzt, aber heimlich davon träumt, als 

Clown im Rampenlicht zu stehen. Und für eine Nacht wird sein 

Traum wahr, er darf nicht nur Clown werden, sondern »The 

Clown of Clowns« sein, der Beste – wie der Titel der anderthalbstündigen 

Show heißt. »Ich möchte damit sagen, dass jeder 

etwas Großartiges leisten kann, wenn er nur am richtigen 

Platz ist,« so David Larible über seine persönliche Motivation. 

»The Clown of Clowns« kann sich überall auf der Welt zeigen, 

denn er kommt ganz ohne Text aus. »Wir werden heutzutage 

bombardiert mit Worten, über Text wird das meiste kommuniziert. 

Ich glaube, dass es sehr schön und geradezu erfrischend 

sein kann, jemanden im Theater zu sehen, der viel 

erzählt, aber ohne Worte. Nur mit dem Gefühl, mit Gesten 

und mit Musik. Ich singe, ich spiele und ich tanze.« ■ 


»Vorgestellt« – ein neuer 

Dialog geht in Serie 

Ivan Liška, Ballettdirektor des 

Bayerischen Staatsballetts, informierte 

Studenten der Staatlichen Ballettschule Berlin 

über seine Münchner Compagnie 

von Volkmar Draeger 

Die Idee ist so einfach wie naheliegend. Fast muss man sich 

wundern, weshalb niemand vor ihnen darauf gekommen ist. 

Nun gebührt das Primat der Staatlichen Ballettschule Berlin. 

Denn sie hat eine neue, schulinterne Reihe mit hoffentlich 

großer Wirkung initiiert. »Vorgestellt: Ballettdirektoren und 

ihre Ensembles« verfolgt gleich mehrere Ziele. Deutschland 

verfügt, einzigartig in der Welt, über rund 70 professionelle 

Ballett- und Tanztheatercompagnien, ob an Staats- und 

Stadttheatern, im Friedrichstadtpalast, bei zwei Fernsehsendern 

oder in Eigenregie wie Sasha Waltz & Guests. Was für 

Tänzer aller Länder ein Segen ist, bietet auch Absolventen 

staatlicher und privater Schulen gute Chancen, ein Engagement 

zu bekommen. Allein: Wie findet man die Truppe, die 

zu einem passt und die gerade auch auf einen wartet? Es 

verschlingt viel Geld, an Auditions teilzunehmen, besonders 

wenn man europaweit sucht. Von der aufzuwendenden Zeit 

gar nicht erst zu reden, zumal in die intensivste Reisephase 

der Kandidaten oft auch die schriftlichen und praktischen 

Prüfungen fallen. Um das ohnehin schmale Geldsäckel der 

Absolventen zu entlasten und auch ihren Zeitfonds zu schonen, 

hatte die Leitung der Schule einen zündenden Einfall. 

Wie wäre es, wenn man Ballettchefs, die zumeist ja auch 

Choreographen sind, in die Schule einlüde? Zum einen können 

sie interessierten Studenten Rede und Antwort stehen; 

zum anderen werden sie gewiss, immer auf der Suche nach 

potenziellen Ensemblemitgliedern, gern auch mal in die letzten 

Klassen schauen. 

Ein Vortrag von Schulleiter Ralf Stabel in München stellte 

den Kontakt zu Ivan Liška her, und der reagierte sofort positiv 

auf den Vorschlag, die neue Reihe in der Berliner Schule zu 

eröffnen. Das tat er vor vollbesetztem Auditorium im Theatersaal 

der Schule nicht allein. Zur Verstärkung hatte er sich 

Stellvertreterin und Dramaturgin Bettina Wagner-Bergelt mitgebracht. 

Beide gehören dem 1989 formierten Bayerischen 

Staatsballett seit langem an und wissen, worüber sie reden, 

wenn sie hinter die Kulissen der täglichen Arbeit blicken lassen. 

Das taten sie zur Freude der neugierigen Studenten so 

charmant wie zwanglos im Dialog, dass Berührungsängste 

gar nicht erst aufkamen. Vieles erfuhren die jungen Zuhörer 

über die Stadt an der Isar und ihr Ballett: dass es auf eine 

350-jährige Tradition zurückblicken kann; dass der italienische 

Komponist Orlando di Lasso, vom Kaiser geadelt, bis 

zu seinem Tod 1594 weit mehr als 30 Jahre dort Hofkapellmeister 

war; und dass das Staatsballett über zwei Spielstätten 

verfügt, die Bayerische Staatsoper mit 2000 Plätzen und 

das etwas kleinere Prinzregententheater. Die 68 Planstellen 

der Compagnie seien, sagt Liška, gerade ausreichend, um 

Häuser dieser Größe zu bespielen, mit zwischen 70 und 85 

Ivan Liška zu Gast an der Staatlichen Ballettschule Berlin 

Ivan Liška bei seinem Vortrag in Berlin – im Hintergrund seine Stellvertreterin 

und Dramaturgin Bettina Wagner-Bergelt (Fotos: Heckel) 

Vorstellungen pro Saison. Denn auch die Gastspiele rechnen, 

und zudem gibt es bereits die dritte Spielzeit eine Juniorcompagnie 

mit 16 Mitgliedern, neun Volontären und sieben Stipendiaten 

der Bosl-Stiftung, die hier ihre ersten Erfahrungen 

sammeln können und dennoch unter fachkundiger Führung 

bleiben. 

Eingeleitet hatte der Direktor den Nachmittag mit Komplimenten 

an die Gaststadt. In Berlin habe er als Student mit 15 

an der Lindenoper Lilo Grubers »Dornröschen« gesehen, mit 

einem Star wie Claus Schulz. Oft sei er danach an der Spree 

gewesen, habe Tatjana Gsovsky erlebt und Gert Reinholm 

und, spätestens dann in München, die Gsovsky-Schülerin 

Konstanze Vernon. Dass er hier auch gastiert hat, etwa in 

Gerhard Bohners Rekonstruktion des »Triadischen Balletts«, 

sei angefügt. Doch was die Schüler besonders interessierte, 

waren aktuelle Informationen zu seiner Compagnie in 

München. Wie breit das dortige Repertoire ist, von der traditionellen 

Klassik bis zur heutigen Moderne, wusste er nicht 

nur zu berichten: Er hatte Videoausschnitte vorbereitet. Sie 

zeigten eben jene Spannweite des Spielplans, von der vielgelobten 

Rekonstruktion des »Corsaire« nach den in Boston 

verwahrten Stepanov-Notaten des Petipa-Originals über Frederick 

Ashtons nirgendwo sonst in unserer Republik getanz- 


Ivan Liška zu Gast in Berlin 20. Münsteraner Tanzfestival 

Zwei Tanzpreisträger: Ivan Liška zu Gast bei Gregor Seyffert in Berlin 

ten »Scènes de ballet« und Hans van Manens »Five Tangos« 

bis zu »Das Mädchen und der Messerwerfer« in der zeitgenössischen 

Choreographie von Simone Sandroni. Und bis zu 

einer der sensationellen Choreographien von Nacho Duato: 

»Vielfältigkeit. Formen von Stille und Leere« zu Musik Bachs. 

Viele Hinweise erhielten die Berliner Studenten so en 

passant. Dass es im Theater immer auch Kampf der Sparten 

gebe, Hindernisse aber da seien, um überwunden zu werden; 

dass Tänzer sich die Klassiker zu »ihrem« Stück machen 

müssen, um nicht Museum zu präsentieren; dass solides 

klassisches Fundament unabdingbar, heute aber nicht mehr 

ausreichend sei, um im Theater mit seinen vielen Stilistiken 

zu bestehen; dass eine Compagnie zwar keine Versorgungseinrichtung 

für Solisten sei und dennoch ihr Repertoire an 

der Besetzbarkeit ausrichte. Etwa 70 Stücke mache es derzeit 

aus, man studiere gerade eine Choreographie von Merce 

Cunningham ein, mit einem speziellen Training für die 

Besetzung. So koste Glücklichsein eben auch Schweiß – und 

eine Sieben-Tage-Arbeitswoche. Anstrengung sei ein Zeichen 

von Wert. Auf seine angenehme, höchst informative 

Weise reiste das Duo von der Isar nach eigenen Worten »in 

75 Minuten durch die Welt des Tanzes, wie sie in München 

Alltag ist«. Das Bayerische Staatsballett dürfte damit nicht 

nur in Deutschland, sondern auch europaweit ein Repertoire 

besitzen, das dem der Pariser Oper an Vielfalt kaum 

nachsteht. Als besonderes Geschenk hatte Ivan Liška, der 

tschechische Elegant und Preisträger des Deutschen Tanzpreises 

2012, ein Tänzerpaar mitgebracht, kaum älter als die 

Berliner Studenten. Mai Kono und Olzhas Tarlanov zeigten, 

was Jirˇí Kylián einst für Birgit Keil und Vladimir Klos kreiert 

hatte: »Nuages« zur Musik von Claude Debussy. Wie nach 

dem Ende der Veranstaltung in kleinen Gruppen diskutiert 

wurde, wie man mit den Münchener Gästen ins Gespräch 

kam, bestätigte den Erfolg jener Premiere. Je nach Terminplan 

der Angefragten wird es, so Schulleiter Ralf Stabel zufrieden, 

in unregelmäßiger Folge Fortsetzungen des direkten 

Dialogs zwischen Ballettdirektoren und Berliner Studenten 

geben. Zur Nachahmung ausdrücklich empfohlen! ■ 

»… eine irrsinnig 

lebendige Tanzszene« 

Das 20. Münsteraner Tanzfestival 

von Marieluise Jeitschko 

Aus dem einstigen kleinen Festival in einer Münster’schen 

Discothek wurde ein großes Fest im städtischen Theater. Aber 

der Name ist geblieben und die vorbildliche Organisation von 

Ingrid Heid ebenfalls. Heute gehört das »Münsteraner Tanzfestival« 

zu den »Highlights im Kulturkalender«, konstatiert 

Kulturdezernentin Dr. Andrea Hanke. Am 4. November fand 

es zum 20. Mal statt und füllte das Große Haus des Theaters 

wieder bis auf den letzten Platz. Fast drei Stunden dauerte 

der schwungvolle Abend mit vier Ballettschulen und zehn 

Gruppen als Repräsentanten einer »irrsinnig lebendigen und 

üppigen freien Tanzszene«, so Moderator Matthias Bongard. 

Waren beim 10. Festival Modest Mussorgskys »Bilder einer 

Ausstellung« musikalisches Bindeglied der Beiträge gewesen, 

so geleiteten diesmal Antonio Vivaldis »Vier Jahreszeiten« 

durch den ersten Teil des Programms, sehr unterschiedlich 

gestaltet von den traditionsreichsten Ballettschulen der 

Stadt: Le Ballet Sattler (Frühling), Rebel Dance Company 

(Sommer), Tanztheater Orosz (Herbst) und Tanzprojekte Heidi 

Sievert (Winter). Ganz klassisch fing es an mit den kleinen 

Schneeglöckchen in wippenden Tüll-Tutus und Schläppchen. 

Vier fortgeschrittene Elevinnen von Eleonore H. Sattler tanzten 

bunte Frühlingsboten auf Spitze, und sogar ein Ballerino 

sprang und wirbelte durch den Frühling. 

Vor der Projektion der glutrot untergehenden Sonne ist 

die Silhouette eines Kapuzenmanns zu sehen. Eine Stimme 

(Fotos: Tatjana Jentsch) 


ezitiert aus einem Jahreszeitengedicht. Davor entspinnt sich 

Günther Rebels Sommernachtsliebelei von zwei Paaren und 

Freunden, die sich handfest modern bis akrobatisch tanzend 

umschmeicheln, über Kreuz mit dem Gegenüber flirten und 

schließlich den Partner wechseln. 

Zum malerischen Tableau an barocker Tafel mit überquellenden 

Obstschalen und Kandelabern posieren acht Herbst- 

Schönheiten in edlen Roben, Herbstlaub in die kunstvollen 

Frisuren geflochten. Zart gestikulieren sie, biegen kokett die 

Hälse, lächeln und strahlen im Bewusstsein ihrer Reize. Als 

Folklore sich mit Vivaldis Klängen und Rhythmen verbindet, 

tanzen sie ausgelassen, andere mischen sich ein. Manche erstarren 

wieder zum Tableau. Während Wind und Regen rauschen, 

endet die poetische Szene sehr sinnlich im roten Schimmer. 

Eine meisterliche Miniatur boten Lajos Orosz und seine 

Compagnie mit zauberhafter Ausstrahlung. In Svenja Gasches 

Choreographie des Winters heben sich anfangs vier Hügel aus 

dem diffusen Licht weiß ab. Gestalten schälen sich aus Baumstümpfen, 

tappen barfuß, den Kopf zwischen den Schultern 

wie in Trance zur motorischen Musik. Modern Dance und Ausdruckstanz 

gehen eine harmonische Allianz ein. 

Zehn freie Gruppen sorgten nach der Pause für Abwechslung 

und gute Laune. Wie seit Jahren eröffnete »Schrittwechsel«, 

eine Gruppe der Lebenshilfe für Menschen mit geistiger 

Behinderung, das Potpourri. Ein Mosaik aus Beiträgen früherer 

Jahre setzten die Frauen und Männer zu Stevie Wonders 

»Happy Birthday« zusammen. Die ganze Palette populärer 

Tanzrichtungen von Stepptanz und Jazz Dance über HipHop 

und Breakdance bis zu Swing der 1950er Jahre und folkloristischem 

Flamenco fächerten 

die anderen Gruppen auf. Am 

Ende vereinten sich alle zur 

pompösen Musik von Edward 

20. Münsteraner Tanzfestival 

Elgars »Pomp and Circumstance« auf der Bühne in einer riesigen 

Umarmung – eine rührend-symbolische Geste für den 

Zusammenhalt der Münsteraner Szene, trotz mancher Rivalitäten 

und Konkurrenz im Alltag. 

Plädoyer für den Tanz 

Die Geschichte des Festivals spiegelt das vielfältige, nimmermüde 

Plädoyer für den Tanz in Münster wider. »Das Interesse 

am Tanz zu stärken und für seine Vielfalt in dieser 

Stadt zu werben, war unser ambitioniertes Ziel«, sagt 

Ingeborg Kölling, Mitgründerin der Initiative neben Günther 

Rebel, Heidi Sievert und Eleonore H. Sattler. Fünf freie Gruppen 

holten die vier Schulen 1989 zum ersten zweitägigen 

Festival mit ins Boot. Es sei damals auch ein Hilfeschrei gewesen, 

erinnert der Mitorganisator Hery Klas: »Wir wollten auf 

unzureichende Auftrittsbedingungen und fehlende finanzielle 

Förderung aufmerksam machen«. 

Das ist vollauf gelungen, die finanzielle Unterstützung 

von heute 10.000 Euro pro Jahr allerdings bescheiden. 1992 

bestritten bereits acht Ballettschulen und 20 freie Gruppen 

drei Abende im Kleinen Haus des Theaters und zwei, 

wie zuvor, im »Jovel«, Münsters Disco in einer ehemaligen 

Brauerei. Rund 2.500 Laien zählte die Szene damals in der 

Stadt. Seit 1994 ist das Festival auf einen einzigen Abend 

reduziert und im Großen Haus zu Gast. Allerdings gründete 

die Kooperative damals den »Verein Tanzspektrum«. Er verwaltet, 

laut Heid, »als ideeller Vertreter der örtlichen Tanzszene« 

den städtischen Zuschuss. »Tanzspektrum« organisiert 

jährlich acht bis zehn Auftritte, die meisten im Kleinen Haus 

des Theaters, und sorgt für Werbung und Abrechnung. Das 

Modell funktioniert nur, erläutert Heid nachvollziehbar, »weil 

die Mitglieder von Tanzspektrum ganz viele ehrenamtliche 

Arbeitsstunden investieren«. � 


Nachruf: Hans Werner Henze 

Komponierender Chronist 


von Klaus Geitel 

Blättert man flüchtig in Henzes knapp hundertseitigem 

Werkverzeichnis, dann will es einem auf Anhieb erscheinen, 

es müssten sich unter dem Namen Henze gleich mehrere, 

allesamt fruchtbare Komponisten vereinen. Vier annähernd 

monumentale Opern und ein abendfüllendes Ballett noch 

dazu in nur sechs Jahren im Alleingang zu schreiben und 

zur Uraufführung zu bringen, grenzt nahezu an ein Wunder. 

Aber für Wunder und Wunderwerke hat sich Henze stets mit 

schier unerschütterlichem Fleiß stark gemacht. 

»Gehen Sie und tun Sie ihre Pflicht«, hatte ihn einst in der 

Jugend sein Wiesbadener Opernintendant angeherrscht, und 

Henze war prompt als Dirigent in eigener Sache ans Pult getreten, 

eine wahrhaft unzumutbare Pflicht zu erfüllen: eines 

seiner Frühwerke aufzuführen, aus dem man hinterrücks alle 

Solo-Instrumente herausgestrichen hatte. 

Eine künstlerische Demütigung erster 

Klasse, überboten später nur noch durch 

das Niederknüppeln seiner Musik durch 

die Hamburger Polizei bei der Uraufführung 

vom »Floß der Medusa« im stürmischen 

Revolutions-Dezember 1968 in 

Hamburgs Lustgarten »Planten un Blomen«, 

den Henze mit dem erzkapitalistischen 

Sündenbock »Blohm und Voss« 

verwechselt hatte. Man kann schließlich 

als Komponist auch nicht alles wissen. 

Soviel aber wusste Henze immerhin 

schon, dass man dem Opfer namens Rudi 

Dutschke beispringen müsse. Er nahm 

den auf offener Berliner Straße Niedergeschossenen 

und Schwerverletzten in seiner 

italienischen Villa auf, in die sich zur 

Überwachung der verdächtigen Vorgänge 

vorsichtshalber auch noch ein Trupp 

italienischer Polizisten einquartierte. Henze, 

entschlossen nicht nur ein guter Kom- 

Margot Fonteyn (Undine) und Michael Somes (Palemon) in Frederick 

Ashtons Ur-Inszenierung von Henzes »Undine«, London 1948 

(Foto: Artur Rank Cooperation) 

ponist, sondern gleichzeitig eine Art politischer Gutmensch zu 

sein, blieb unbeirrbar auf der Seite welchen Aufstands auch 

immer. Er war in seiner Jugend stark genug geduckt worden, 

um sich später einen extra starken Nacken zuzulegen. Der 

wurde tatsächlich gebraucht. Auch musikalisch. 

Henze hat sich ja nie wohlüberlegt ausgesucht, was er als 

nächstes komponieren würde. Er wurde von den Ideen der 

unterschiedlichsten Herkunft geradezu angesprungen und 

von ihnen über den Haufen gerannt. Er verfügte überdies 

über Verbindungen, die sich andere nur erträumen konnten. 

Er wusste Ingeborg Bachmann als Librettistin an seiner Seite, 

aber auch Jean Cocteau und W. H. 

Auden, den großen anglo-amerikanischen 

Lyriker. Und in Deutschland, der 

alten Heimat, natürlich alle, die einen 

Bleistift halten und mit ihm schreiben 

konnten. 

Mitunter schien es sogar, als könne 

das Übermaß der fruchtbaren Kreuz- 

und Querverbindungen Henzes unerschöpfliche 

Originalität bedrängen. 

Doch keine Angst: sie hielt Stand. 

Henze wusste kompositorisch immer 

genau, was er wollte. Er komponierte 

nie ins Blaue hinein. Er hatte das 

Jahrhundert, in dem er lebte, immer 

vor Augen. Mit einem Wort: er schrieb 

Jahrhundertmusik. Sein musikalisches 

Oeuvre hat die Welt, wie wir sie 

durchlebt und durchlitten haben, fest 

im Griff. Er ist, ohne Tag und Stunde 

je aufzuzeichnen, ihr Chronist geworden. 

En musique! � 


Ballettkomponist – 

Auszeichnung, 

nicht Schimpfwort 



»Der Tod hat einen Klang, wie er sich schon im Vorspiel zu 

diesem letzten Akt andeutete, lautes schmerzvolles Rufen, 

das hier nun schnell verebbt, die abschließende ganz leise 

Ekloge vorbereitend, eine unbewegte Musik, (…)« 1 So lautet 

ein Tagebucheintrag Hans Werner Henzes zur letzten Szene 

seiner Ballettkomposition »Undine«. Damals komponierte er 

den Tod, damit er getanzt werden kann. Am 27. Oktober 

2012 starb der bedeutendste zeitgenössische deutsche Komponist 

im Alter von 86 Jahren in Dresden. Kurz zuvor, am 

13. September 2012, fand mit der Aufführung seiner Oper 

»We come to the River« die erste Premiere der Spielzeit in der 

Semperoper statt – in Anwesenheit des Künstlers. 

Sein musikalisches Schaffen brachte weit über 300 Werke 

hervor, darunter allein zehn Sinfonien. Und: Er war Ballettkomponist, 

eine Bezeichnung, die er keineswegs als Schimpfwort 

empfand – wie noch Tschaikowsky nur wenige Jahrzehnte 

vor ihm. Am 27. Oktober 1958 wurde seine »Undine« 

in London mit dem Royal Ballet uraufgeführt, das Auftragswerk 

entstand in enger Abstimmung mit dem englischen 

Choreographen Frederick Ashton, Margot Fonteyn tanzte 

damals das filigrane Wasserwesen. Eigene Choreographien 

zu Henzes Komposition schufen Tatjana Gsovsky (1959), 

Erich Walter (1962), Tom Schilling (1970), Heinz Spoerli 

(1978) und John Neumeier (1994). Das zweite abendfüllende 

Werk für Ballett komponierte Henze 1979: »Orpheus« wurde 

mit dem Stuttgarter Ballett uraufgeführt, William Forsythe 

choreographierte. Und auch diese Musik regte zu weiteren 

tänzerischen Interpretationen an, Ruth Berghaus gestaltete 

sie 1986 in Wien, und erneut Heinz Spoerli in Basel 1988. 

Dessen Version des Stoffes stand 2001 auf dem Programm, 

als Hans Werner Henze den Deutschen Tanzpreis erhielt, und 

zwar mit folgender Begründung: »Mit seinem unter den 

Komponisten unserer Zeit selten gewordenen Bekenntnis 

zum Bühnentanz als künstlerischer Ausdrucksform und mit 

seinem Streben nach einer zeitgemäßen Ballettmusik hat 

sich Hans Werner Henze in außerordentlicher Weise um 

den künstlerischen Tanz verdient gemacht.« 

Als Sohn eines Dorfschullehrers wurde Hans Werner Henze 

am 1. Juli 1926 im westfälischen Gütersloh geboren, als 

erstes von sechs Kindern. Sein Vater, ein bekennender Nationalsozialist, 

soll die Homosexualität seines jugendlichen 

Sohnes mit den Worten kommentiert haben, so etwas wie er 

gehöre ins KZ. Dass gleichgeschlechtliche Beziehungen auch 

in den Nachkriegsjahren weiterhin unter Strafe standen, veranlassten 

den Künstler 1953, seinen Wohnsitz nach Italien 

zu verlegen. Dort lernte er, so heißt es, seinen Lebensgefährten 

Fausto Moroni in einem Antiquitätenladen kennen; der 

1944 geborene Italiener wurde von Henze adoptiert. Nach 

Jahrzehnte langer Partnerschaft starb Moroni nur 63-jährig 

im Jahr 2007. Bemerkenswert ist Henzes Zusammenarbeit mit 

der Dichterin Ingeborg Bachmann – mit der ihn auch eine 

tiefe Freundschaft verband – bei der Entstehung der Opern 

»Der Prinz von Homburg« (1958/59) und »Der junge Lord« 

(1964) sowie bei den Musikdramen »Elegie für junge Liebende« 

(1959–61) und »Die Bassariden« (1964/65). 

Henze trat in seiner Wahlheimat in die Kommunistische 

Partei Italiens ein, das brachte ihm international feindselige 

Resonanz; in Deutschland boykottierten Künstler 1968 sogar 

die Uraufführung seines Oratoriums »Das Floß der Medusa«. 

Zeit seines Lebens verstand sich Henze als Linker, ließ es sich 

dennoch nicht nehmen, bestimmte großbürgerliche Gewohnheiten 

zu pflegen. Er ist der meistgespielte zeitgenössische 

Komponist deutscher Herkunft, dem es ein Anliegen 

war, Musik als angewandte Kunst verstanden zu wissen, und 

eben nicht als elitäres Medium. Das Theater war für ihn von 

großer Bedeutung, denn er konnte »im Theater, dem härtesten 

Prüfstein zwischen Künstler und Publikum, den Höhepunkt 

künstlerischer Aussage sehen…« 2 Vielleicht ergeht es 

Hans Werner Henze wie seiner berühmtesten Bühnenfigur, 

dem Wassergeist Undine, »(…) immer wieder den Tod besiegend, 

mit einem Lied.« 3 ■ 

Anmerkungen 


Judith Domys und Wolfgang Leistner in Tatjana Gsovskys »Undine«, Berlin 

1959 (Foto: Hans Rama) 

1 Hans Werner Henze, Undine – Tagebuch eines Balletts, München 1959, S. 70 

2 Ebd., S. 51 

3 Ebd., S. 69 


Vor 20 Jahren verstarb Gerhard Bohner Nachruf: Dietmar Fritzsche 

Auf dem Weg 

der Erkenntnis 

Die Akademie der Künste Berlin erinnerte 

an Gerhard Bohner zu seinem 20. Todestag 

von Volkmar Draeger 

Ein bitterer Tag für den Tanz, der 13. Juli 1993. Zwar war 

Gerhard Bohners AIDS-Erkrankung zumindest Eingeweihten 

bekannt, dennoch traf sein Tod viele schmerzlich. Bis kurz zuvor 

war man ihm, dem bereits sichtlich Geschwächten, noch 

als Zuschauer bei Gastspielen in der Akademie der Künste begegnet. 

Selbst tanzen konnte er da längst nicht mehr, schien 

im Gesicht noch herber, kantiger als gewohnt; sein Interesse 

am Tanz und an Gesprächen darüber indes war nach wie vor 

lebendig. Es war die Akademie am Hanseatenweg, die der 

Ausnahmefigur unter Deutschlands wenigen Solokünstlern in 

für dieses Genre schwerer Zeit künstlerisches Asyl, Aufträge 

und Auftrittsmöglichkeiten bot. Zum 20. Todestag erinnerte 

unter der Rubrik »Archivfenster« eine Ausstellung an seine 

wohl intensivste, ertragreichste Phase. Nicht in seiner angestammten 

Akademie im Tiergarten waren die drei gehaltvollen 

Vitrinen zu besichtigen, sondern in der Dependance am Pariser 

Platz. In drei Teile, wie sie für Bohners Entwicklung wichtig 

waren, gliederte sich die kleine Schau und erfasste dennoch 

ein ganzes Leben für den Tanz. »Vom Tänzer zum Choreographen 

zum Tänzer« führte ihn gleichsam sein Weg. 

Um die Anfänge kreiste die erste Vitrine. Prägende Pädagogen 

für den 1936 in Karlsruhe Geborenen wurden Mary Wigman, 

deren Berliner Studio er besuchte, und Tatjana Gsovsky. 

Sie, damals Chefchoreographin an der Deutschen Oper, in 

ihrer Leistung lange unterschätzt, holte ihn 1961 in ihr Ensemble, 

setzte ihn zehn Jahre vielseitig ein. Als libellenhaft 

flatternder Zauberer in »Labyrinth der Wahrheit« ist er im Foto 

zu sehen und als König Marke in »Tristan«, hier in seiner Ausdruckskraft 

schon eher Fremdkörper neben dem Ballett-Étoile 

Gerd Reinholm. In einem Brief mit demonstrativer Kleinschreibung 

widmet Bohner seine erste wichtige Choreographie seiner 

Mentorin Gsovsky, von der er sich immerhin unter Protest 

getrennt hatte. Jene »Folterungen der Beatrice Cenci« nach einem 

Kriminalfall von 1598 zeigten, wie Tortur den Menschen 

manipuliert, suchten Bezug zur Gegenwart, wurden als »Ballett 

der Grausamkeit« ein veritabler Erfolg: Einstudierungen 

auch in München, Darmstadt und Bremen, mit insgesamt 46 

Aufführungen Rang 5 der Spielplanstatistik 1973/74. 

Freilich interessierte Bohner keine historische Reminiszenz; 

in Jeans hantieren Männer mit der Gefolterten, die in einem 

Käfig herabsinkt, mit Bohner selbst unter den radikalen Schergen. 

Die Kritik ging wenig gnädig auch mit dem Choreographen 

um, was sein Schicksal lebenslang sein sollte. Schlaksiger, 

schwarzhaariger Mittdreißiger ist er da, notiert sich 

Schrittfolgen in eigener Schreibweise, Bühnen- und Beleuchtungsskizzen, 

einen Ablaufplan in 15 Punkten. Zur Choreographie 

hatte es Gerhard Bohner bereits 1964 gezogen; sie ließ 

ihn fortan nicht mehr los und brach sich bis 1989 in 22 meist 

an der Akademie der Künste uraufgeführten Werken Bahn. 

In seine Zeit als Chefchoreograph in Darmstadt von 1972 bis 

1975 fällt Bohners Hinwendung zu Oskar Schlemmer und dessen 

tänzerischen Experimenten am Bauhaus. Den 2. Preis beim 

Choreographen-Wettbewerb Köln sowie den Preis vom Verband 

der Deutschen Tanzkritiker hatte er da schon erhalten. In 

seiner Interpretation lebten Schlemmers Recherchen um den 

Menschen im Raum, begrenzt und gleichermaßen verstärkt 

durch Requisiten wie Reifen und Stäbe, neu auf. »Bohner tanzt 

Schlemmer« hieß eines der bühnenpraktischen Ergebnisse, 

»Bauhaustänze – Abstrakte Tänze« dann die um eigene Kreationen 

erweiterte Version. Auch hier reagierte im Unterschied 

zum Publikum die Kritik negativ. Bohners Rekonstruktion des 

»Triadischen Balletts«, Schlemmers berühmtester Schöpfung, 

erlebte von 1977 bis 1989 im In- und Ausland 81 Aufführungen. 

Wer jenes faszinierende Zusammenspiel von Form und 

Bewegung gesehen hat, mit renommierten Interpreten wie 

Ivan Liška und Colleen Scott, wird sich gern erinnern. 

Bohners produktivste Phase begann 1981, als er Bremen, 

wo er mit Reinhild Hoffmann das Tanztheater leitete, zugunsten 

von Berlin verließ. Als freier Choreograph brillierte er fortan 

mit Soloprogrammen, Interpret seiner eigenen Erfindung. 

Kein Tänzer zwinge ihn mehr zu Änderungen, äußerte er, auch 

kein Zeitdruck fordere ihm Zugeständnisse ab. Kompromisslos 

fiel aus, was er präsentierte, beginnend mit »Schwarz weiß 

zeigen« 1983, weniger Tanz als sichtbar gemachte Vorstellung 

von Choreographie, wie er selbst sagte. Sein Solo »Im (Goldenen) 

Schnitt I – III« von 1989 in jeweils anderem Bühnenraum, 

wie Künstler ihn für Bohner entwarfen, wurde nachgerade 

künstlerisches Vermächtnis, ein 24-teiliger Zyklus von maximaler 

Formstrenge, zudem eine grandiose Zusammenschau einfachster 

Bewegungsmöglichkeiten, reduziert auf tänzerische 

Urbewegung. In der eigen gearteten Wiederaufnahme durch 

den Spanier Cesc Gelabert lebt der Zyklus fort. � 

Bescheidenheit in Person 

Nachruf auf den Tanzjournalisten Dietmar Fritzsche 

von Hartmut Regitz 

Dietmar Fritzsche erklärte sich seinen 

Namen als Nachkomme des Alten 

Fritz. Daraus allerdings eine Führungsrolle 

abzuleiten, lag ihm fern. Lieber 

stellte er sich in den Dienst der Sache, 

und anstatt deren Macher verächtlich 

zu machen, was heute offenbar zum 

kritischen Ton gehört, fühlte er sich 

erst einmal in ihre Arbeit ein, bevor 

er sie kritisch beäugte. Das setzte natürlich eine geschärfte 

Beobachtungsgabe voraus, ein Wissen um die Zusammenhänge 

und vor allem Maßstäbe, die seinen Lesern als Orientierung 

dienten. 

Über all‘ das verfügte der gebürtige Dresdner aufgrund 

einer »bewegten« Geschichte. Zwei Jahre lang war Fritzsche 

Musiklehrer, nachdem er zuvor erst Schulmusikerziehung 

in Weimar und anschließend Musikwissenschaft in 

Halle studiert hatte. Einschlägige Theaterpraxis sammelte er 

als Musikdramaturg in Freiberg und Cottbus, und die war 

ihm später als Erfahrungswert beim Berliner Henschel Verlag 

38 Ballett Intern 5/2012 

(Foto: privat)

Nachruf: Gerd Maier 

Nachruf Gerd Maier 

von Ulrich Roehm 

Vor 37 Jahren, am 1. Januar 1976, wurden Gerd Maier und 

seine Lebenspartnerin Christa op ten Höfel Mitglieder des 

noch sehr jungen DBfT e.V. Als Diplom-Kauffrau übernahm 

Christa op ten Höfel bereits ein Jahr später zunächst kommissarisch 

das Amt der Schatzmeisterin. Gerd Maier, immer 

begleitet von Christa op ten Höfel, war über die Jahrzehnte 

seiner Mitgliedschaft wohl auf fast allen Pädagogischen 

Seminaren des Verbandes zu 

finden. In den späten 1970er 

Jahren gründete er sein eigenes 

Ballett-Studio, das unter 

dem Namen STUDIO M 

bekannt wurde, und in dem 

über Jahre viele Wochenend- 

Seminare des Verbandes zu 

Gast waren. Unermüdlich 

widmeten sich beide bis ins hohe Alter dem Tanzunterricht 

und waren jederzeit bereit, neue Tendenzen des Tanzes in 

das Unterrichtsprogramm aufzunehmen. 

Gerd Maier unerwartet im September dieses Jahres verstarb. 

Im Gedenken an unser langjähriges treues Mitglied gerd 

Maier spricht der Vorstand des »Deutschen Berufsverbandes 

für Tanzpädagogik« Christa op ten Höfel sein tiefstes 

Mitgefühl zu diesem Verlust aus. 

mehr als hilfreich. Dort engagierte sich Fritzsche zunächst als 

Dramaturg und Lektor in der Musiktheaterabteilung, bevor 

er bei der Zeitschrift »Theater der Zeit« sein eigentliches Betätigungsfeld 

entdeckte und unermüdlich als Redakteur den 

Tanz in seinen vielfältigen Erscheinungsformen bearbeitete. 

Das war mehr als genug, auch wenn das Ballettgeschehen 

in der DDR überschaubar blieb. Neugierig nahm er nicht allein 

das war, was von außen an Anderem in das »demokratische« 

Deutschland eingebracht wurde, sondern sammelte 

auf Studienreisen von Budapest bis San Francisco wichtige 

Erkenntnisse, die er der Einschätzung des Eigenen zugrunde 

legte. Vergleichend konnte er so Schlüsse aus dem Gezeigten 

ziehen, die auch außerhalb der DDR interessierten. Nicht 

zuletzt auch deshalb war Fritzsche lange Zeit Mitarbeiter der 

bundesdeutschen Ballettjahrbücher. 

Dass er aktiv an Modern-Dance-Kursen teilgenommen 

hatte und Tanz- bzw. Musikgeschichte an der Ballettschule 

der Oper Leipzig und an der Dresdener Palucca-Schule 

unterrichtete, entnehme ich einem Nachruf von Volkmar 

Draeger, dessen kritische Karriere Fritzsche entscheidend 

befördert hat. Sich damit zu brüsten, wäre ihm nicht mal 

im Traum eingefallen. Er war vielmehr die Bescheidenheit 

in Person, liebenswürdig, überaus herzlich im Umgang mit 

anderen – und viel zu gutmütig, um sich vor Ausbeutung 

schützen zu können. An den Folgen einer Virus-Infektion 

und einer langjährigen Leukämie-Erkrankung ist Dietmar 

Fritzsche am 28. September, wenige Wochen vor seinem 

76. Geburtstag, in Berlin verstorben. Wir werden ihn sehr, 

sehr vermissen. � 

(Foto: Archiv Ulrich Roehm) 

Der Vorstand des DBfT informiert … 

Mitgliederbefragung 

2012 

des Deutschen Berufsverbandes für Tanzpädagogik 

Liebe Mitglieder des Verbandes, 

viele von Ihnen haben schon im Laufe der letzten Wochen an 

unserer ersten Mitgliederbefragung teilgenommen, die wir in 

Folge jährlich wiederholen möchten. 

Die Mitglieder, die wir bisher noch nicht erreichen konnten, 

möchten wir auf diesem Wege einladen, ebenfalls teilzunehmen. 

Ihre Zufriedenheit liegt uns sehr am Herzen. 

Sie haben bis zum 27. Dezember 2012 die Möglichkeit, 

uns über Ihre Eindrücke und Wünsche zu informieren. Ihre 

Meinung hilft uns, unsere Verbandsaktivitäten sowie unsere 

Qualifizierungsangebote laufend zu bewerten und gezielt für 

Sie zu verbessern. 

Diese Mitgliederbefragung wurde als Online-Fragebogen 

konzipiert, erfolgt anonym und dauert nur ca. 5 Minuten. 

Bitte geben Sie dazu den nachfolgenden Link, der Sie direkt 

zur Befragung führt, in Ihren Internetbrowser ein: 

alpha-survey.de/?q=50646e9eb1360 

Selbstverständlich werden wir Sie nach der Auswertung über 

die Ergebnisse informieren und an den daraus abgeleiteten 

Verbesserungsmaßnahmen beteiligen. 

Für Ihre Mitarbeit möchten wir uns schon jetzt bei Ihnen bedanken! 

Es grüßt herzlich Ihr Vorstand 

PS: Gerne stellen wir Ihnen auf Anfrage die Mitgliederbefragung 

auch in Papierform zur Verfügung. 

Aktivitäten des Vorstands 

Internationale Tanzmesse 

28.8. bis 1.9.2012 in Düsseldorf: 

Verantwortliche: Silke Hester, Katharina Szöke 

– Wir hatten über die drei Besuchstage hinweg ca. 85 Besucher 

an unserem Stand. 

– Es wurden zwölf Anträge auf Mitgliedschaft herausgegeben 

und viele Fragen diesbezüglich beantwortet. 

– Wir haben Unterschriftenlisten für die Petition gegen die 

Umsatzsteueränderung 2013 herausgegeben und Unterschriften 

gesammelt. 

– Es kamen viele Anfragen für Anzeigen in der Zeitschrift 

BALLETT INTERN. 

– Weitere Kontakte zu interessierten Dozenten für Seminare 

aus dem In- und Ausland wurden geknüpft. 

Sitzung des Dachverbands Tanz Deutschland 

10.10.2012 in Berlin: 

Verantwortlicher: Günther Rebel 

– Gespräche mit Sabine Gehm, der Organisatorin des Tanzkongresses 

2013, über die Beteiligung des DBfT am Tanzkongress. 

Der DBfT wird am Tanzkongress teilnehmen. 

– Informationen zum Dachverband Tanz Deutschland unter 

dachverband-tanz.de 


Der Vorstand des DBfT informiert … 

Sitzung des Beirats Tanz der Sektion 

„Rat für darstellende Kunst und Tanz“ 

des Deutschen Kulturrats 11.10.2012 in Köln: 

Verantwortliche: Günther Rebel, Heidi Sievert 

– Gespräche über die Teilnahme des DBfT am Tanzkongress 

2013 

– Informationen zur Welttanzwoche Ende April 2013 

– Informationen zum Beirat Tanz unter: 

– dbt-remscheid.de/beirat-tanz.html 

Fachtagung der Bundesvereinigung 

Kulturelle Kinder- und Jugendbildung e.V. 

am 5. und 6.10. 2012 in der Akademie Remscheid: 

Verantwortliche: Mona Brandenburg 

Thema: KÜNSTE – SINNE – BILDUNG 

– Wie gelingt ästhetisches Lernen? 

– »Der Diskurs über die Besonderheit des ästhetischen Lernens 

ist Bestandteil und Voraussetzung jeder Qualitätsdebatte, 

die nicht nur die Qualität von Strukturen und 

Methoden der Kulturellen Bildung im Blick hat, sondern 

auch die Qualität der Bildungsprozesse des Individuums.« 

Treffen mit der Direktorin der Tanzakademie 

Arnheim (ArtEZ) Netty van den Bosch 

17.10.2012 in Arnheim 

Verantwortliche: Heidi Sievert 

– Netty van den Bosch ist ebenfalls die 1. Vorsitzende des 

niederländischen Ballettpädagogenverbandes (NBDK) 

– Möglichkeiten der Kooperation zwischen dem DBfT und 

dem NBDK 

– Ähnliche Probleme wie in Deutschland, junge Pädagogen 

für den Verband und damit Politik für den Tanz zu begeistern. 

Einschub: In dieser Zeit gab es ebenfalls einen E-Mail-Kontakt 

zu der Österreichischen Berufsvereinigung für 

Zeitgenössische Tanzpädagogik, die auch an einer 

Vernetzung der Verbände interessiert ist. Günther 

Rebel plant für 2013 ein Arbeitstreffen mit Verbandskollegen 

aus der Schweiz, den Niederlanden, 

Frankreich und Österreich, um sich mit ihnen 

über Ausbildung und berufliche Qualifikation auszutauschen. 

Mitgliederversammlung des 

Dachverbands Tanz Deutschland e.V. 

20.10.2012 in Düsseldorf 

Verantwortliche: Günther Rebel, Ulrich Roehm 

– Ulrich Roehm wurde wieder als Vertreter des DBfT in den 

Vorstand des Dachverbandes gewählt. 

– Günther Rebel wurde, als Nicht-Mitglied, von Michael 

Freundt eingeladen, an den Vorstandssitzungen des 

Dachverbands teilzunehmen. 

Sitzung der Jury des 

Fördervereins Tanzkunst Deutschland e.V. 

7.11.2012 in Essen 

Jurymitglied: Günther Rebel als Vertreter des DBfT 

– Festlegung der Preisträger des Tanzpreises 2013 

– Informationen zum Förderverein Tanzkunst Deutschland 

unter fvtk.de 

Jahrestagung der Gesellschaft für Tanzforschung 

10.11.2012 in Bochum 

Verantwortlicher: Günther Rebel 

– Günther Rebel nahm als Vertreter des DBfT an der Jahrestagung 

teil. 

– Informationen zur GTF unter gtf-tanzforschung.de 

Sitzung des „Rats für Darstellende Kunst 

und Tanz“ des Deutschen Kulturrats 

19.11.2012 in Köln 

Verantwortliche: Heidi Sievert 

– Gespräche bezüglich des Tanzkongresses 2013 und der 

Welttanzwoche 2013 

– weitere Informationen unter kulturrat.de 

Reaktionen auf die gute Nachricht zur »MWSt« 

Den Dank unserer Mitglieder geben wir gerne weiter an unseren rechtsanwalt Jürgen Werner, der einen 

großen Anteil an diesem Erfolg hat, sowie an den Dachverband Tanz Deutschland (DTD) und die royal 

Academy of Dance (rAD ® ) für die effektive Zusammenarbeit bei dieser Leistung: Einigkeit macht stark! 

Lieber Herr Roehm 

Das ist echt ein toller Sieg! Gratuliere! 

Bettina Wagner-Bergelt 

Stellvertretende Ballettdirektorin 

des Bayerischen Staatsballetts 

Lieber Herr Roehm, 

wir haben diese großartige News gestern natürlich sofort 

veröffentlicht! 

Herzlichen Glückwunsch zu diesem Sieg, auf dessen Weg die 

tanznetz-User Sie tatkräftig unterstützt haben. … 

Danke für Ihren unermüdlichen Einsatz für den Tanz, 

mit den besten Grüßen aus München 

Nina Hümpel (www.tanznetz.de) 

Lieber Günther 

Großen herzlichen Dank für Eure Arbeit, meine Hochachtung, 

ich bin persönlich dankbar für den Zusammenhalt und die Unterstützung 

des Verbandes. 

Ich werde es in meiner Ballettschule aushängen. 

Das motiviert mich weiterzuarbeiten. 

Mit freundlichen Grüßen 

Martina Erdenberger 

Hallo, 

HUURRRRAAAA – und DANKE! 

Herzliche Grüße, 

Vicky Gabriel 


Hallo Günther, 

das sind tolle News! 

Liebe Grüße 

Selatin Kara 

Das stand schon am Samstag in der Süddeutschen Zeitung. 

Leider waren nur die Musikschulen erwähnt. 

Scheint so, als würde der Tanz mal wieder vergessen oder 

nicht so wichtig sein, da haben wir noch einen langen 

Weg vor uns. 

Herzlichst 

Chetan Karla Bosák 

(Leitung Tanzstudio Ammersee) 

Tolle Nachricht, Danke auch allen für das Engagement!!!!!!!! 

Wandsbeker Ballettstudio 

Christa Festge 

(www.klassikballett.de – Mitglied im DBfT) 

Sehr geehrte Damen und Herren des DBfT, 

ich möchte mich für Ihr Engagement und 

den für uns alle wichtigen Erfolg recht 

herzlich bedanken. Ich kann nur hoffen, 

dass wir auch zukünftig von unserem 

Berufsverband derart positiv vertreten 

werden. 


Siegfried Matheis 

Guten Tag, 

wir gratulieren zu diesem Erfolg und freuen uns sehr, dass wir 

Terminsache – Bitte beachten! 

Nachweise über Fort- 

und Weiterbildungen 

Liebe Mitglieder des DBfT, 

bitte denken Sie daran, die Nachweise Ihrer Fort- und 

Weiterbildungen aus dem Jahr 2012 im Rahmen des Fort- 

und Weiterbildungskonzeptes des DBfT bis zum 31. Januar 

2013 einzureichen. Ein Merkblatt und das Formular 

zur Eintragung der Nachweise stehen auf unserer Homepage 

zum Download bereit; das Formular kann auch auf 

Papier bei der Geschäftsstelle angefordert werden. 

Der 

Vorstand 

des DBfT 

und die 

BALLETT- 

INTErNredaktion 

wünschen allen Mitgliedern 

und denen, 

die es werden wollen, 

erholsame Feier tage und 

ein erfolgreiches Jahr 2013! 

»Der Tanz ist die Kunst, 

die die Seele 

des Menschen 

am meisten bewegt.« 

(Platon) 

Der Vorstand informiert … 

2013 weiter eine hochwertige Ausbildung zu einem fairen Preis 

anbieten können. Durch die tolle Verbandsarbeit können wir 

allen Einkommensschichten die Tanz- und Musikkunst näherbringen. 

Hoffentlich ist das Signal auch in der Politik angekommen, 

dass der Bedarf nach Kunst und Kultur ungebrochen stark 

ist und gefördert werden muss. 


Elena Helfrich und Oliver Kiechle 

Ein Supererfolg! Herzlichen Dank an alle, die daran mitgearbeitet 

haben! 

Die kreative Ballettschule 

Ilona Harf 

Hallo Herr Rebel, 

mein Gott – wie klasse!!!! 

Wir danken!!!! 

Mit besten Grüßen auch an Herrn Werner! 

Christiane Böhm 

Liebes Team 

des Deutschen Berufsverbandes, 

ich möchte mich an dieser Stelle ganz 

herzlich für Euer Engagement und Eure 

Unterstützung bedanken. 

Weiter so und ein großes Kompliment 

an Euch alle!!!!! 

Herzliche Grüße 

Anke Full 

und das Team der Tanzschule Dance Steps 


Buchempfehlung 

Hohe Qualitätsstandards sind für die kulturelle Bildung von 

besonderer Bedeutung. Aus diesem Grund habe ich auch 

die Entstehung des vorliegenden »Handbuchs Kulturelle Bildung« 

gern unterstützt. Es setzt anregende Impulse für die 

unterschiedlichsten Felder der Kulturellen Bildung zwischen 

Kunst, Kultur, Jugendarbeit und Schule. Kulturelle Bildung 

verstehe ich als eine lebenslange Aufgabe – und als eine lebenslange 

Chance. Dementsprechend gibt es eine Fülle von 

Menschen und Institutionen, die mit ihrem Engagement 

dazu beitragen können, dass sich die Rahmenbedingungen 

für kulturelle Bildung produktiv entwickeln. 

Welche besondere Verantwortung der öffentlichen Hand 

auf allen Ebenen – bundesweit, föderal und kommunal – 

zukommt, hat der Schlussbericht der Enquête-Kommission 

»Kultur in Deutschland« des Deutschen Bundestages überzeugend 

herausgearbeitet. Dabei wurde auch unterstrichen, 

dass es sich bei diesem Feld um eine Querschnittsaufgabe 

handelt, die Kunst- und Kulturpolitik, Jugend- und 

Sozialpolitik, Schul- und Wissenschaftspolitik gleichermaßen 

berührt. 

Der vorliegende Band des »Handbuchs Kulturelle Bildung« 

soll Ihnen in diesem heterogenen Feld Orientierung 

bietet, Sie verlässlich über Grundlagen, aktuelle Diskussionen 

und vorbildliche Konzepte informieren – neugierig 

machen auf mögliche neue Kooperationspartner. Vor Ihnen 

liegt ein spannendes Angebot. Bitte machen Sie reichlich 

Gebrauch davon. 


Bernd Neumann 

Staatsminister bei der Bundeskanzlerin 

Der Beauftragte der Bundesregierung 

für Kultur und Medien 

Hildegard Bockhorst, 

Vanessa-Isabelle Reinwand 

und Wolfgang Zacharias 

(Hrsg.): 

Handbuch 

Kulturelle Bildung, 

kopaed-Verlag, 1080 S., 

broschiert, 

ISBN 978-3-86736-330-3, 

EUR 44,00 

Editorial 

Editorial 

Liebe Leser, 

liebe Mitglieder des Deutschen Berufsverbandes 

für Tanzpädagogik 

sowie des Fördervereins Tanzkunst Deutschland, 

immer wieder erreichen uns sehr willkommene Komplimente 

zu unserer Tanz-Zeitschrift BALLETT INTErN, 

sei es »… das war ja wieder eine sehr interessante Ausgabe«; 

»… wie gut, dass BALLETT INTERN immer über 

den Tellerrand schaut und man einen Einblick bekommt, 

was in der Welt des Tanzes geschieht«; bis zu der von 

sehr befugter Seite übermittelten Beurteilung, »…dass 

BALLETT INTERN die seriöseste Zeitschrift in Bezug auf 

die Tanz-Berichterstattung unseres Landes sei«. Beim internationalen 

Symposion des Conseil International de 

la Danse CID/uNESCO in Athen vor etwa vier Wochen 

urteilte eine Gruppe von Teilnehmern, BALLETT INTERN 

sei wohl die beste internationale Tanz-Zeitschrift in 

Bezug auf umfassende Berichterstattung, Themen, Aufmachung 

– innerhalb eines rund 20 cm hohen Stapels 

ausliegender internationaler Zeitschriften! Wir möchten 

betonen, dass diese sehr erfreulichen Rückmeldungen 

und Beurteilungen interessierter Leser außenstehende 

Meinungen sind, die uns als Feedback erreichen, das wir 

verständlicherweise gerne zur Kenntnis nehmen! 

BALLETT INTErN als Zeitschrift des Deutschen Berufsverbandes 

für Tanzpädagogik wird von Ihrer 

Redaktion von Beginn an nicht limitiert auf die PÄDA- 

GOGIK des Tanzes, des Tanzens, des Tanzunterrichts, des 

tänzerischen Trainings etc. interpretiert, sondern in weit 

gefasstem Sinne zur Pädagogik des breiten Spektrums 

der heutigen Tanzszene, in unserem Lande wie 

selbstverständlich auch international. In diesem Sinne 

wollen wir beispielsweise die seit Jahren kontinuierliche 

Serie der Vorstellung professioneller Tanzausbildungsinstitute 

verstanden wissen, seien es beispielsweise Texte 

zu 

– 350 Jahre Ecole de la Danse de l’Opera de Paris, 

– 250 Jahre Akademie des Tanzes Mannheim, 

– 60 Jahre Königliche Ballettschule Antwerpen, 

– 50 Jahre Tanzabteilung der Hochschule für Musik 

und Darstellende Kunst Frankfurt, 

– 40 Jahre Cranko Ballett-Akademie Stuttgart, 

– 30 Jahre Heinz-Bosl-Stiftung München 

und viele andere mehr. 

Unter diesem Aspekt werden selbstverständlich auch unsere 

Mitglieder vorgestellt, soweit sie uns von ihren nennenswerten 

Jubiläen rechtzeitig unterrichten und entsprechendes 

Material zukommen lassen, so zum Beispiel 


– 90 Jahre gründungsmitglied Inge Stoffers, 

– 40 Jahre Ballettschule Heidi Sievert Münster, 

– 35 Jahre Ballettschule Zurhausen Bottrop, 

– 20 Jahre Ballettschule grabbe Kiel. 

Eine weitere unseres Erachtens interessante Serie haben 

wir begonnen mit der Vorstellung von Personen, die 

als Kinder in einer künstlerischen Tanz unterrichtenden 

Schule begannen und heute, bereits seit Jahren in einem 

anderen Beruf stehend, immer noch der Kunst Terpsichores 

huldigen, sei es als Staatsanwältin, Oberärztin, 

Apothekerin … oder, nicht fachfremd, als Schulleiterin, 

wie z. B. in der Ballettschule Zurhausen nun 

in der 3. generation. 

Auch gelungene Transitions stellen wir regelmäßig 

vor, wie unlängst im Porträt der jetzigen Ballettmeisterin 

des Staatsballetts Berlin Alessandra Pasquali. Auch 

hier werden wir über weitere gelungene Beispiele informieren, 

in diesem Zusammenhang bietet sich zum Beispiel 

die Laufbahn des Annerkennungspreisträgers 

2013, Tobias Ehinger, Ballett Manager des Dortmunder 

Balletts, im Rahmen der Verleihung des Annerkennungspreises 

des Deutschen Tanzpreises 2013 an. 

Unter diesem informativ-pädagogischen Aspekt berichten 

wir ebenfalls über Themen wie 

– 15 Jahre »tamed«, 

– 15 Jahre »tanznetz«, 

– 30 Jahre Deutscher Kulturrat und 

– 35 Jahre Ballettfreunde Hamburg. 

Doch auch über die uNESCO-Konvention zum Schutz 

der kulturellen Vielfalt und weitere international wie 

national den Tanz betreffende kulturpolitische Aktivitäten 

finden sie (un)regelmäßige Berichte in BALLETT 

INTErN. Das begann vor nunmehr 22 Jahren im September 

1990 mit dem vom DBfT gemeinsam mit der 

Semper oper Dresden initiierten und organisierten 

1. Deutsch-Deutschen Symposion in Dresden und 

unserem Ehrengast und Eröffnungsredner, dem heutigen 

Präsidenten des Deutschen Bundestages Prof. 

Dr. Norbert Lammert, über weitere Symposien des 

Verbandes zu Beginn dieses Jahrtausends im Ratssaal 

der Stadt Essen unter dem Motto: Politik für Tanz / 

Tanz für Politik, Moderation wiederum Prof. Dr. Norbert 

Lammert, bis zum heutigen Dachverband Tanz 

Deutschland, dessen Darstellung wir in der Ausgabe 

4/2012 breiten Raum gaben. 

Auch in dieser Ausgabe finden Sie noch einmal unter 

dem Leitmotiv Politik für Tanz / Tanz für Politik Texte 

zu diesem Thema, beispielsweise über das Lebenswerk 

Editorial 

des Begründers und Intendanten des tanzhaus nrw, 

Bertram Müller. 

Eben dieses tanzhaus nrw war Ende September 

2012 Gastgeber eines Kulturfrühstücks der FDP: 

Der Bundesaußenminister Dr. guido Westerwelle 

sprach zum Thema »Europa als Kulturraum« – wen 

sollte es nicht interessieren, wenn eine der wichtigsten 

Persönlichkeiten der derzeitigen Bundesregierung in einem 

Tanz-rahmen über nationale wie internationale 

Kultur spricht! Zwar ist die Kultur in unserer föderalistischen 

Demokratie eine Aufgabe der Länder, doch ist 

der Außenminister allein schon durch das internationale 

goethe-Institut für viele kulturelle Belange unseres 

Landes zuständig. Exportierend präsentierten deutsche 

Ballett-Ensembles auf den Reisen des Bundespräsidenten 

deutsche Kultur. 

Eine Woche vor dieser kulturpolitischen Veranstaltung 

der FDP im tanzhaus nrw war der Dachverband 

Tanz Deutschland dort zwei Tage zu Gast mit einer 

Vorstandssitzung und seiner herbstlichen Mitgliederversammlung. 

Hierzu finden Sie in der vorliegenden 

Ausgabe von BALLETT INTERN mehrere Berichte sowie 

Gedanken des Geschäftsführers des Dachverbandes, 

Michael Freundt, der zum Aufgabenbereich des DTD 

sowohl Rückschau hält als auch einen Ausblick gibt. 

Dass durch den DTD eine weitere Förderung des Tanzes 

in Höhe von € 575.000 erreicht werden konnte, 

spricht äußerst positiv über die wachsende Bedeutung 

dieser gesamt-deutschen Vereinigung des Tanzes sowie 

es ebenfalls Zeugnis ablegt für die zunehmende Anerkennung 

der Tanzkunst durch kulturverantwortliche 

Politiker – und hier möchte ich zum Abschluss dieses 

Editorials aus einem persönlichen Schreiben des 

Staatsministers für Kultur und Medien, Bernd 

Neumann, an mich zitieren: »… und ich danke Ihnen 

dafür, dass Sie in Ihren Publikationen über 

meine kultur politischen Anliegen und vor allem 

auch über die Arbeit des Dachverbandes Tanz berichtet 

haben. Uns ist in den letzten eineinhalb 

Jahren ein großer Schritt voran gelungen; diesen 

Impuls möchte ich auch für die Zukunft weitertragen.« 

Lassen Sie mich mit dieser so positiven Aussage für den 

Tanz dieses letzte Editorial in BALLETT INTErN 2012 

schließen und ebenso positiv und hoffnungsvoll in die 

Zukunft des neuen Jahres 2013 schauen. 

ulrich roehm 

und Ihre redaktion BALLETT INTErN 


Buchempfehlungen 

Horst Koegler: Heinz 

Spoerli – Weltbürger 

des Balletts, Verlag 

Neue Zürcher Zeitung, 

206 S.,Großformat, durchgeh. 

farbig, Festeinband, 

ISBN 978-3-03823-720-4, 

EUR 43,20 

Horst Koegler schildert 

den künstlerischen Werdegang 

Heinz Spoerlis, 

dem es als erstem 

Schweizer gelungen ist, 

das Schweizer Ballett international 

konkurrenzfähig zu machen. In Basel geboren 

und als Tänzer ausgebildet, hat er seine Lehrjahre in Köln, 

Winnipeg, Montreal und Genf absolviert, bevor er 1973 nach 

Basel zurückgekehrt ist und das Basler Ballett in 18 Jahren an 

die Spitze der Schweizer Opernballettkompanien geführt hat. 

Als Künstlerischer Direktor und Chefchoreograph in Düsseldorf/Duisburg 

schuf er mit den Goldberg-Variationen 

1993 das experimentelle innovative Ballett, das zum Aushängeschild 

seines choreographischen Œuvres geworden ist. Ab 

1996 baute er dieses als Chef des Zürcher Balletts mit zahlreichen 

Bach-Kreationen aus auf der Basis einer umfangreichen 

Klassikerpflege und zahlreichen Eigenkreationen. Immer bot 

er auch prominenten Gastchoreographen Raum. 

»Es bleibt Heinz Spoerli vorbehalten, als erster und bisher 

einziger Schweizer eine Weltkarriere im Ballett gemacht zu 

haben. Sicher nicht ganz ohne Koketterie nennt er sich, in 

bester Schweizer Handwerkertradition, Tanzmacher.« 

Horst Koegler 

»Heinz Spoerli has taste!« Martin Schläpfer 

»Was immer er tut – die Liebe zum Publikum verliert er nie 

aus dem Auge.« Chris Jensen 

Horst Koegler: John 

Neumeier – Bilder eines 

Lebens/Pictures from a 

Life, Edel-Verlag, 160 S., 

100 Duoton-Bilder, Festeinband, 

ISBN 978-3-94137- 

872-8, EUR 29,95 

Weltweit ist Ballett fest verknüpft 

mit dem Namen John 

Neumeier, der die Szene 

prägt und fördert wie kein 

anderer. Nun zeichnet Horst 

Koegler, einer der größten 

Kenner des internationalen 

Balletts, Neumeiers Schaffen in der autorisierten Biografie 

»John Neumeier – Bilder eines Lebens« eindrucksvoll nach. 

Seit nunmehr 40 Jahren ist der gebürtige US-Amerikaner Ballettchef 

in Hamburg. Als Professor und Intendant gebietet 

Neumeier über ein ganzes Ballettimperium mit Kompanie, 

Schule, Museum, Sammlung und Stiftung. Das hat es in diesem 

Ausmaß noch nie zuvor in der Ballettgeschichte gegeben 

– weder in Paris, noch in St. Petersburg oder New York. Allein 

darin spiegelt sich die Bedeutung des Multitalents Neumeier, 

der sich lange nicht entscheiden konnte, ob er Schauspieler, 

bildender Künstler oder Tänzer werden sollte. 

Horst Koegler, der Neumeier seit über 40 Jahren kennt und 

journalistisch begleitet hat, legt mit diesem Buch eine sehr 

persönliche Würdigung vor. Herausgegeben von der Stiftung 

John Neumeier und ausgestattet mit rund 100 bisher unveröffentlichten 

Fotos aus dem privaten Archiv John Neumeiers, 

gibt die Biografie einen intimen Einblick in das Leben und die 

Arbeit des Weltstars. 

Ursula Kaufmann: Pina 

Bausch und das Tanztheater 

Wuppertal, 

Edition Panorama, Format 

30×40 cm, Festeinband, 

320 S. über 380 farb. Abb. 

Mit Texten in Deutsch und 

Englisch von Pina Bausch, 

Gudrun Norbisrath, Jürgen 

Flimm, Ulrich Roehm, 

Marieluise Jeitschko und 

Malve Gradinger 

ISBN 978-3-89823-451-1 

EUR 78,00 

Der nun vorliegende Band zu Leben und Arbeit der weltberühmten 

Choreographin, Trägerin des Deutschen Tanzpreises 

1995 und des Kyoto-Preises Pina Bausch ist nicht nur die 

umfassendste Dokumentation zu ihrem Leben und Werk, 

sondern auch eine besondere Hommage an eine herausragende 

Avantgardistin des modernen Ausdruckstanzes. Zusammen 

mit dem nach ihr benannten Wuppertaler Ensemble 

inszenierte sie weltweit anerkannte Stücke und beeinflusste 

nachhaltig die internationale Tanzszene. Die Fotografin Ursula 

Kaufmann beschäftigt sich seit 1984 mit der Tanz-, Ballett- 

und Theaterfotografie und hat die Aufführungen Pina 

Bauschs, die sie auch persönlich kannte, über Jahre hinweg 

begleitet. Für dieses Buch hat sie die besten Momentaufnahmen 

aus 40 Tanzstücken zusammengestellt, die in einem einzigen, 

auf Film festgehaltenen Zeitpunkt den Charakter des 

ganzen Stückes widerspiegeln. Den Bildern sind neben einer 

Biografie Bauschs und einem Werkverzeichnis eine Einleitung 

und begleitende Texte von Gudrun Norbisrath beigestellt. 

Die Essener Fotografin Ursula Kaufmann ist seit langem mit 

dem Deutschen Berufsverband für Tanzpädagogik e.V. verbunden: 

Seit vielen Jahren ist sie für die fotografische Begleitung 

der Galas und der anschließenden Feierlichkeiten anlässlich 

der Verleihung des Deutschen Tanzpreises verantwortlich. 


BALLETT INTERN 5/2012 

Jubiläumsgala zur Verleihung 

des 30. Deutschen Tanzpreises . . . . . . . . . . . . . . . . . . Umschlag 

Deutscher Tanzpreis 2013: Ulrich Roehm 

von Dagmar Ellen Fischer . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 


Bundesjugendballett Hamburg 

von Daniela Rothensee . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 

Grußwort zum Tanzpreis »ZUKUNFT« 

von John Neumeier . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 

Anerkennungspreis 2013: Tobias Ehinger . . . . . . . . . . . . . . . . 5 

tanzhaus nrw: Der Name ist Programm 

Interview von Dagmar Ellen Fischer mit Bertram Müller . . . . . . . . . . 6 

Warum Tanz? Darum! – von Bertram Müller . . . . . . . . . . . . . . . . 8 

Jung, stark, selbstbewusst – Herbsttagung des DTD 

von Günther Rebel � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 8 

Düsseldorfer Kulturfrühstück der FDP 

von Anja Körber-Giovanelli und Ulrich Roehm � � � � � � � � � � � � � 9 

Erleichterung im Jahressteuergesetz 2013 bedeutet 

existenziell wichtige Regelung 

von Kulturstaatsminister Bernd Neumann . . . . . . . . . . . . . . . . . 10 

575.000 Euro Bundesförderung für »Initiative Tanz« 

von Karin Schmidt-Feister � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 11 

Tanz im Dialog mit der Politik 

von Michael Freundt � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 12 

»Sieh’ mal an …« – Die Kolumne von Ralf Stabel 

HEUTE: Preiset! . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14 

Step Ahead e.V. – Performance Course Bonn 2012 

von Christine Eilks . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15 

Internationale Begegnungen am Bodensee 

Die 17. Internationale Sommertanzwoche Bregenz 

von Jens Siebeneicher . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16 

Viel Rauch um eine Ballettschule – Inge Stoffers zum 90. 

von Dagmar Ellen Fischer � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 18 

Ärztin im Hauptberuf, und doch Tänzerin: Nina Steckel 


Highlights des Keil-Imperiums 

Gala der Tanzstiftung Birgit Keil am 9. November 2012 

von Carola Mezger � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 23 

Impressum 

Herausgeber: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V. – Heft 104 – 35. Jg. – Nr. 5/Dezember 2012 – ISSN 1864–1172 

1983 30 Jahre 2013 

Deutscher Jubiläums-Tanzpreis 



Anerkennungspreis 

2013: 


Manager Ballett 

Dortmund 


Bundesjugendballett Hamburg 

BALLETT INTERN ISSN 1864–1172 

ist die Mitgliederzeitschrift des Deutschen Berufsverbandes 

für Tanzpädagogik e. V. (DBfT) und erscheint ab 2013 

vier Mal im Kalenderjahr (März, Juni, September und Dezember). 

Die Zeitschrift geht den Mitgliedern des Verbandes 

kostenlos zu. Nichtmitglieder können BALLETT INTERN 

abonnieren: Deutschland € 40,00, europäisches Ausland 

€ 60,00 (jeweils inkl. Porto/Versand und MWSt.) pro Jahresabonnement. 

Redaktion dieser Ausgabe: Ulrich Roehm (verantwortl.), 

Dagmar Ellen Fischer (dagmar.ellen.fischer@ballett-intern.de), 

Frank Münschke dwb 

Autoren dieser Ausgabe: Oleksi Bessmertni (Berlin), Christine Eilks (Münster), Volkmar 

Draeger (Berlin), Dagmar Ellen Fischer (Hamburg), Michael Freundt (Berlin), Klaus 

Geitel (Berlin), Marieluise Jeitschko (Münster), Anja Körber-Giovanelli (Düsseldorf), 

Bertram Müller (Düsseldorf), Carola Mezger (Stuttgart), Bernd Neumann (Berlin), John 

Neumeier (Hamburg), Hartmut Regitz (Berlin/Stuttgart), Günther Rebel (Münster), 

Ulrich Roehm (Essen), Daniela Rothensee (Hamburg), Karin Schmidt-Feister (Berlin), 

Jens Siebeneicher (Münster), Ralf Stabel (Berlin), Achim Thorwald (Karlsruhe), Ira Werbowsky 

(Wien) 

Birgit Keil . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .24 


Daten und Fakten zu einer bewundernswerten Compagnie 

von Achim Thorwald � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 25 

Auszug aus den Spielplänen seit 2003/04 . . . . . . . . . . . . . . . 25 

Liebeserklärung eines Generalintendanten 

an seine Ballettdirektorin 

von Achim Thorwald � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 26 

10. Tanzolymp 2013 


Energie für Körper und Geist 

Academy 1 – Bühnenkunstschule in Berlin-Kreuzberg 

von Karin Schmidt-Feister � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 28 

»I am crazy with ballet« – Portrait Igor Zapravdin 

von Ira Werbowsky � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 30 

Wie viel Tanz steckt im Clown? – Porträt: David Larible 


»Vorgestellt« – ein neuer Dialog geht in Serie 

Ivan Liška, Ballettdirektor des Bayerischen Staatsballetts, 

informierte Studenten der Staatlichen Ballettschule Berlin 

über seine Münchner Compagnie 

von Volkmar Draeger � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 33 

»… eine irrsinnig lebendige Tanzszene« 

Das 20. Münsteraner Tanzfestival 

von Marieluise Jeitschko � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 34 

Komponierender Chronist – Nachruf: Hans Werner Henze 

von Klaus Geitel � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 36 

Ballettkomponist – Auszeichnung, nicht Schimpfwort 



Auf dem Weg der Erkenntnis 

Die Akademie der Künste Berlin erinnerte an Gerhard Bohner 

zu seinem 20. Todestag 

von Volkmar Draeger � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 38 

Bescheidenheit in Person 

Nachruf auf den Tanzjournalisten Dietmar Fritzsche 

von Hartmut Regitz � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 38 

Nachruf: Gerd Maier 

von Ulrich Roehm � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 39 

Der Vorstand informiert / Aktivitäten des Vorstands . . . . . . 39 

Reaktionen auf die gute Nachricht zur »MWSt« . . . . . . . . . . 40 

Editorial 

von Ulrich Roehm . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41 

Buchempfehlungen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 43 

Namentlich gekennzeichnete Artikel geben nicht unbedingt die Meinung der Redak tion 

oder des Herausgebers wieder. Der Nachdruck, auch auszugsweise, ist ohne ausdrückliche 

Genehmigung der Redaktion nicht gestattet. Für unverlangt eingesandte Manuskripte 

und für Terminangaben wird keine Gewähr übernommen. Die Redaktion behält sich das 

Recht vor, Leserbriefe zu kürzen. Manuskripte gehen in das Eigentum der Redaktion über. 

Umschlagabbildung: Ulrich Roehm (Elke Münschke), Bundesjugendballett (Marcus 

Renner), Tobias Ehinger (Theater Dortmund) 

Herausgeber: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V., (DBfT) 

Hollestraße 1, D–45127 Essen – E-Mail: dbft-verband@t-online.de 

Tel.: +49(0)201 228883 Fax: +49(0)201 61616181 

Internet: www.dbft.de – www.ballett-intern.de 

Bankverb.: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V., 

Sparkasse Essen (Bankleitzahl: 360 501 05) – Konto-Nr.: 26802927 

IBAN DE 20 3605 0105 0000 2680 29 

Gestaltung: Ulrich Roehm, Frank Münschke dwb 

Realisation und Gesamtausstattung: 

Klartext Medienwerkstatt GmbH, 45327 Essen, 

Katernberger Straße 146-152 – www.k-mw.de – dbft@k-mw.de 

Tel.: +49(0)201 9222 535 (Frank Münschke dwb) 

Anzeigen und Beilagen: Gültige Preisliste: 1/2013 

Heft 1/2013 erscheint 15. März 2013 

Redaktionsschluss: 23. Februar 2013 

Anzeigenschluss: 23. Februar 2013 

Annahmeschluss Beilagen: 1. März 2013

Ulrich Roehm - Fördervereins Tanzkunst Deutschland

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Template löschen?

Als Template speichern?