por Le ClÃ©zio revelado O mundo - Fonoteca Municipal de Lisboa

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Discos Espaço Público Clássica O talento inesgotável de Zelenka Uma das grandes descobertas das últimas décadas no âmbito do repertório barroco. Cristina Fernandes Zelenka Missa Votiva ZWV 18 Collegium 1704 & Collegium Vocale 1704 Václav Luks (direcção) Zig-Zag Territoires ZZT 080801 mmmmn Nos últimos tempos a República Checa começou a dar cartas no que toca a interpretações historicamente informadas Estar a par de tudo o que sai durante um ano discográfico é uma tarefa árdua, de que me desmarquei sem qualquer complexo de culpa. De qualquer forma, quero partilhar os três discos que mais tocaram no meu portátil, carro, aparelhagem ou um outro leitor dado à mobilidade. Entrem em 2009 abraçados Esquecida durante mais de dois séculos, a música de Jan Dimas Zelenka (1679-1745) constitui uma das grandes descobertas das últimas décadas no âmbito do repertório barroco. Actualmente, a discografia deste músico de origem boémia que trabalhou quase toda a vida ao serviço da corte de Dresden como contrabaixista e compositor, tem já uma dimensão considerável mas reserva ainda surpresas. Registos recentes, como a interpretação da Missa Votiva ZWV 18 apresentada pelo agrupamento Collegium 1704 na 30ª edição do Festival de Sablé (2008), mostram a criatividade de Zelenka em toda a sua pujança através de uma obra exuberante profundamente expressiva. Escrita em 1739, na sequência de um voto do compositor pela recuperação de uma doença grave, a Missa Votiva tem por base o modelo da missa-cantata napolitana, com a subdivisão das várias rubricas em andamentos contrastantes em carácter, textura e estilo (antigo e moderno). Secções corais aparentadas com o motete ou em escrita fugada combinam-se com “ritornelli” instrumentais, passagens concertantes com vários solistas e árias independentes com elementos virtuosísticos e influências do estilo galante. Os vários elementos heterogéneos agregam-se numa arquitectura equilibrada (que forma um arco pela repetição no “Agnus Dei” da música do primeiro “Kyrie”), de onde sobressai uma fecunda inspiração melódica e um hábil domínio da retórica musical, características transmitidas com grande brilho pelo Collegium 1704 e pelo Collegium Vocale 1704. Fundados pelo trompista e cravista Václav Luks, respectivamente em 1991 e 2005, estes agrupamentos prestam homenagem a Zelenka, recordando a data da primeira apresentação pública, em Praga, de uma das suas obras. A sonoridade opulenta, a energia rítmica, um perspicaz sentido de estilo e prestações de nível elevado do coro e dos solistas são algumas das suas virtudes. Por razões históricas e políticas (a música antiga em instrumentos da época era mal vista nos países comunistas antes da queda do muro de Berlim), a República Checa chegou tarde ao universo das interpretações historicamente informadas, mas nos últimos tempos começou a dar cartas que merecem ser seguidas com atenção. Pop O melhor de dois mundos Hush Arbors Hush Arbors Ecstatic Peace; distri. Compact Records mmmmn pela boa música! 3. “Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust”, Sigur Rós 2. “Vampire Weekend”, Vampire Weekend 1. “Songs in A&E”, Spiritualized Lista completa em http://fusco-lusco. blogspot.com Pedro Miguel Silva, 35 anos, Técnico de Comunicação É o melhor dos dois mundos. Temos folk de cantautor talentoso, com a guitarra a espraiar luminosidade sobre as palavras e as palavras cantadas num registo, próximo do falsete, que nos cativa pela estranheza. Temos blues alucinado, com pés no pântano e cabeça na estratosfera, que inebria e hipnotiza e se dança como o bom e velho rockn’roll. ¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente Há um par de anos, Keith Wood, mentor dos Hush Arbors, seria mais um nome associado à aparentemente inesgotável vaga free-folk. Quando lança este álbum homónimo que, para a maioria, será o primeiro contacto com a sua música, pode ser apenas amigo de Ben Chasny, que ouvimos em “Follow closely”, e colaborador de David Tibet - “free folk” é expressão gasta e os Hush Arbors podem ser simplesmente aquilo que são: o melhor de dois mundos, repetimos. Temos o fingerpicking recordando a folk britânica de Ian Matthews - bucolismo paredes meias com fantasia em “Rue hollow” -, aventuras sónicas que recusam qualquer sinal de serenidade (a feérica “Water II” podia ser obra de uns Comets On Fire) e drones encantatórios que nos entontecem antes de se transformarem em canção (“Bless you”). Pés no pântano e cabeça na estratosfera, Keith Wood põe a guitarra ao ombro e parte mundo fora em busca de histórias para as canções. Cabeça na estratosfera e pés no pântano, transforma a folk em matéria incandescente e derrama-a sobre nós. Descobrimos os Hush Arbors algures entre Bert Jansch e Six Organs Of Admittance, entre Neil Michael Hagerty e os Comets On Fire. Ou melhor, não os descobrimos. Deixamo-los revelarem-se que esta música não perde tempo. Impõe-se a nós ao primeiro contacto. Mário Lopes Yo Majesty Futuristically Speaking... Never Be Afraid Domino, distri. Edel mmmnn americanas Yo Majesty passou despercebido no turbilhão do final do ano. Não que seja uma obra As Yo Majesty têm alguns dos temas mais foliões dos últimos meses naquela categoria difícil de definir que começa na cultura hip-hop mas já não o é O álbum de estreia das Keith Wood (Hush Arbors) põe a guitarra ao ombro e parte mundo fora em busca de histórias para as canções inesquecível - não tem a consistência e a intencionalidade dos grandes discos - mas contém alguns dos temas (“Grindin’ & shakin’”, “Party hardy”, “Club action”) mais foliões dos últimos meses naquela categoria difícil de definir que começa na cultura hip-hop mas já não o é por inteiro, desembocando numa terra de ninguém onde se inserem outras figuras contemporâneas como Santogold, Lady Sovereign, M.I.A., as Fannypack ou Kid Sister. Ajudadas na produção pelos Radio Clit (The Very Best), Basement Jaxx ou Chris de Luca (ex-Funkstorung), as duas Yo Majesty discorrem apaixonadamente sobre a sua condição particular (negras, cristãs e lésbicas), ao mesmo tempo que provocam, com ironia, o mundo exterior. É um disco de festim sem limites, algures entre o fraseado vocal de Missy Elliott e a electrónica urbana dos Spank Rock, pecando apenas por não ser mais focado. Vítor Belanciano O supergrupo de Kim Gordon Free Kitten Inherit Ecstatic Peace; distri. Compact Records mmmnn E eis que, em 2008, subsistem ainda essas entidades que os anos 1970 nos legaram: os habitualmente tenebrosos supergrupos. Contudo, estas Free Kitten, ao contrário de monstrengos do progressivo como os Asia, não têm nada de tenebroso. No que a supergrupos diz respeito, serão até o que de mais próximo temos de um sonho indie. Enunciemos: Kim Gordon, dos Sonic Youth, Julie Cafritz, dos Pussy Galore, e Yoshimi, baterista dos Boredoms - e, como convidado a tocar as seis cordas e a percutir as peles de bateria, J Mascis, “guitar-hero” dos Dinosaur Jr. “Inherit”, que é o terceiro álbum do trio - foi antecedido por “Nice Ass”, em 1995, e “Sentimental Education” dois anos depois -, tem como principal virtude não se levar a sério e soar exactamente aquilo que é: três músicos talentosos a “jammar” sobre 44 • Ípsilon • Sexta-feira 9 Janeiro 2009
Kim Gordon e Julie Cafritz vestiram-se como versões femininas de Marc Bolan e vaguearam por onde a intuição as levou Espaço Público Tenho muito gosto em partilhar as minhas escolhas pessoais em termos dos discos que mais me marcaram no ano de 2008. Músicos que têm direito ao merecidíssimo reconhecimento do seu trabalho. Destaco Peter Broderick, multiinstrumentista norteamericano a trabalhar na Dinamarca, autor do sublime “Home”. Os Fleet Foxes com o seu álbum homónimo remexeram nas suas raízes musicais e fizeram um belíssimo retrato dos EUA. A banda inglesa The Accidental, no seu álbum de estreia “There were wolves”, conseguiu demonstrar como se fazem excelentes canções. O norteamericano Justin Vernon, sob a capa Bon Iver, deu uma lição de personalidade e criatividade com o seu melancólico “For Emma, forever ago”. Joan Wasser, a mulher-polícia de Nova Iorque, apresentou “To survive” em grande forma e cheia de segurança. Em Portugal e em bom português, destaco B Fachada que, carregado de orgulho nacional, surpreendeu com a sua “Viola Braguesa”. João Semog, 39 anos, artista plástico padrões imediatamente reconhecíveis. A voz glaciar e sussurrada de Gordon e as guitarras, distorcidas, cruzando-se em espirais eléctricas (os Sonic Youth de “Dirty”, mas sem canções, só com uma ideia de som). O garage-punk corrosivo berrado por Julie Cafritz, violência sónica cuspida com fervor, e a libertinagem rítmica de Yoshimi, em equilíbrio precário à beira do precipício. “Inherit” não é um álbum de quem procura explorar novas vertentes criativas em projecto secundário - “The poet” e “Erected girl” caberiam, devidamente trabalhadas, num álbum dos Sonic Youth -, é um encontro descomprometido numa garagem onde, por acaso, até havia um gravador e, vai daí, porque não gravar um disco? A história não é exactamente esta, mas é a isso que soa este ocasionalmente interessante, ocasionalmente redundante “Inherit”. Gordon e Cafritz vestiram-se como versões femininas de Marc Bolan (fase Tyranossaurus Rex) e vaguearam por onde a intuição as levou: chegaram ao xamanismo psicadélico de “Free kitten on the mountain”, que no seu delírio opiáceo, na sua escuridão pantanosa, é a melhor canção do álbum, e chegaram à agressividade riot-grrrl de “Bananas”, canção afogada em fuzz, canção que nos agarra pelos colarinhos para vociferar não sabemos bem o quê (mas é melhor levá-la a sério). Nada do que aqui ouvimos é particularmente inspirador - falta-lhe foco, falta-lhe transformar muitas das divagações eléctricas em matéria viva. Nada nos levará a considerar as Free Kitten mais que curiosidade interessante a que regressaremos de muito em muito tempo. Bem vistas as coisas, já é feito assinalável para uma coisa chamada “supergrupo”. M.L. Bernardo Devlin Ágio Nau, distri. Flur mmmnn Pop hermética pode ser um oxímoro, mas é isso que Bernardo Devlin propõe há muito. Com uma carreira onde se destaca uma passagem pelos Osso Exótico e um percurso a solo onde cabe a banda-sonora do filme de animação “A Suspeita”, o lisboeta lança agora “Ágio”, quarto álbum em nome próprio. De novo, Devlin, que se assume fundamentalmente como cantor, faz canções, mas que se desviam do apelo fácil e das estruturas simples próprias da pop. “Ágio” é pesado, estranho e difícil, como os discos anteriores, todos eles impossíveis de colocar numa prateleira, mas, ao mesmo tempo, caloroso. A voz, cavernosa, lembra Scott Walker, mas é única a forma como Devlin coloca as palavras, cheia de maneirismos. Este é um disco mais rico que o antecessor, “Circa 1999”, de 2003, menos classicista, mais dado ao ritmo e à tensão, mudanças conseguidas com a ajuda de músicos convidados como Tiago Miranda (Loosers, Slight Delay, etc.) e Pedro Oliveira, dos Sétima Legião - banda que, curiosamente, parece pairar sobre estas melancólicas canções que vinham sendo preparadas desde 2005. Em “Desvio para o vermelho”, os sintetizadores (instrumento central no disco) fazem a cama para Devlin, que repete coisas como “noite, dia, dia, noite” - também as letras assumem riscos. O álbum ganha quando é mais directo e despido, como em “Turno da noite”, construída em torno de batidas simples, com a voz de Devlin multiplicada, ou “Solário”, espécie de balada em que o canto é engolido pela reverberação e linhas de sintetizador glaciais. Pela sua radicalidade, “Ágio” é um daqueles objectos capazes de apaixonar uns, afastar alguns e deixar outros tantos perplexos, sem saberem onde o situar. Pedro Rios Lucky Dragons Dream Island Laughing Language Upset! The Rhythm, distri. Sabotage mmmmn Bernardo Devlin apaixonará uns, afastará alguns e deixará outros tantos perplexos Há algo de desconcertante na música dos Lucky Dragons, o projecto em que o californiano Luke Fischbeck se rodeia de outros músicos (com destaque para Sarah Rara - o duo esteve em Portugal em Outubro). Não fazem canções, mas também ocupam um lugar único no cenário experimental. Neste disco, o último de uma série de 20 registos em vários formatos, aprofundam a sua visão peculiar do que pode ser a música filtrada pelas tecnologias digitais. Além de tocar vários instrumentos (flautas, piano, dulcimer, entre outros), cabe também a Fischbeck a função de editar este caleidoscópio sonoro, onde cabem elementos como retalhos de guitarras folk, gongos, percussão tribal e vozes murmurantes. O método dos Lucky Dragons consiste em provocar um acontecimento (um objecto percutido, uma frase de guitarra) para, em seguida, manipulá-lo, num jogo entre banda e maquinaria electrónica que impele o ouvinte a participar de alguma forma (ao vivo, esta ideia ganha força, com a banda a convidar o público a interferir na performance). A simplicidade de temas como “Free guys by the sea” (uma flauta desgarrada, percussão básica) é desarmante. Em “Band hammer”, com uma guitarra acústica em “loop” e a voz de Fischbeck, evocam a austeridade doce de Richard Youngs. “Givers” lembra os Black Dice dos últimos discos, enveredando por caminhos mais lúdicos mas também fortemente rítmicos, e “My are singing”, outro momento alto, põe uma guitarra acústica roufenha em círculos debaixo de vozes em cascata. Como os Lucky Dragons já nos habituaram, “Dream Island Laughing Language” inclui várias faixas que não são mais do que a simples exploração de uma ideia. Este lado ingénuo e brincalhão é, ao mesmo tempo, o seu trunfo e calcanhar de Aquiles, já que fica a impressão que a banda só beneficiaria de uma maior filtragem antes de editar um disco. P.R. Jazz Som de mestre Acompanhado por uma big band e uma orquestra sinfónica, Joe Lovano apresenta um dos seus projectos mais ambiciosos. Paulo Barbosa Joe Lovano Symphonica Blue Note; Dist. EMI mmmnn À excepção de “Duke Ellington’s sound of love”, de Charles Joe Lovano Mingus, todo o material deste álbum é da autoria de Joe Lovano, que não esconde a sua enorme satisfação por ter a oportunidade de, pela primeira vez, apresentar as suas composições ornamentadas com arranjos para uma orquestra sinfónica (a Rundfunk Orchester) e uma orquestra de jazz (a WDR Big Band). As primeiras notas com que Lovano faz planar o seu saxofone sobre uma massa orquestral de quase 80 músicos fazem com que de imediato nos reconheçamos na presença de um dos grandes mestres do jazz das últimas duas décadas. Empunhando o saxofone tenor em cinco temas e o soprano em outros dois, Lovano apresenta-se em apuradíssima forma ao longo de todo o álbum. Com um som tipicamente cheio e inconfundível - mais sensual e envolvente ou mais nervoso e picante, consoante cada ocasião -, Lovano acaba, como seria de esperar, por dominar quase todo o álbum. E melhor seria que, enquanto voz solista, o dominasse por completo, já que, por comparação com a excelência de Lovano, as intervenções improvisadas por músicos da WDR Big Band acabam por constituir momentos anti-climáticos que em nada beneficiam este registo. Os arranjos de Michael Abene são ambiciosos, mas acabam por se revelar como meramente funcionais na criação de um contexto para os mais diversos movimentos do saxofonista. Por tudo isto se prevê que o ouvinte mais atento compare os resultados aqui obtidos com os de “Rush Hour”, álbum com orquestrações entregues a Gunther Schuller, e reconheça uma clara vantagem àquela gravação, porventura uma das melhores que o jazz nos ofereceu nos últimos anos com este tipo de formação. “Symphonica” é recomendável aos mais acérrimos seguidores do grande som de Lovano; os outros deverão iniciar o contacto com este importante saxofonista através de outros álbuns, alguns dos quais verdadeiramente essenciais, como “Landmarks”, “Sounds of Joy”, “From the Soul”, “Quartets” ou o referido “Rush Hour”. O som do cinema O trompetista luso faz uma revisão jazzística a músicas que marcaram a história da sétima arte. Nuno Catarino Laurent Filipe Flick Music iPlay mmmnn O que é mais sensual, o corpo lânguido de Maria Schneider no “Último Tango em Paris” ou o saxofone fogoso de Gato Barbieri a crepitar sobre esse mesmo filme? A resposta fica para o leitor, mas não há dúvida que a ligação entre imagens e música sempre foi frutuosa. São inúmeros os exemplos, desde que o cinema integrou o som (desde o pioneiro “The Jazz Singer”) até aos nossos dias, da união da música à imagem animada. De facto, alguma da melhor música de sempre foi composta para cinema - as ligações de Bernard Herrmann a Hitchcock e de Ennio Morricone a Leone são lendárias e no campo do jazz também há casos de relevo, como o trabalho de Herbie Hancock no “Blow Up” de Antonioni, Ellington para “Anatomia de um Crime” de Preminger ou Miles em “Ascenseur por l’échafaud” de Louis Malle. Se muitas vezes a música tem papel meramente decorativo, outras vezes ganha mais importância que as imagens - que podem valer mais que mil palavras, mas menos que um solo de trompete. O trompetista Laurent Filipe aventura-se agora numa revisão jazzística de alguns clássicos que ficaram famosos enquanto “banda sonora”. Já sabemos que o som do seu trompete é de uma rara doçura (faz sentido lembrar a sua recente homenagem a Chet Baker, “Ode to Chet”) e os comparsas neste projecto estão em bom nível - Filipe conta com as colaborações de André Fernandes na guitarra, Demian Cabaud no contrabaixo e Pedro Viana na bateria. A tarefa torna-se complicada quando se levanta a questão: o que fazer quando as músicas originais já são tão boas? A tarefa não é fácil e o resultado não é sempre igual. Se por vezes a nova roupagem proposta assenta que nem uma luva sobre as melodias (particularmente quando à partida estas já assumem um registo baladeiro, como é o caso de “Il Postino”, do filme “O Carteiro de Pablo Neruda”), outras vezes o resultado soa desadequado. Há dois casos flagrantes: “Can’t Buy Me Love” e “Raindrops (Keep Falling On My Head)”. Antes de mais poderíamos questionar a escolha daquela música dos Beatles, quando haveriam tantas outras mais cinéfilas - nesta versão Laurent Filipe opta por manter alguma frescura rítmica, mas acaba sempre por ficar longe do original, perdendo-se num meio termo jazzístico, num limbo incaracterístico. Já a versão do clássico de Burt Bacharach assume uma dimensão popularucha que destoa da essência original - ingénua, agridoce, feliz. A forma como estes temas são maltratados poderia desconcentrarnos do resto do projecto, bem intencionado, e que por vezes alcança resultados bem satisfatórios - a penúltima, “Chinatown”, é talvez a mais conseguida, a que melhor demonstra a envolvência do grupo e onde se destaca a guitarra de André Fernandes, em intervenções discretas mas precisas. Ípsilon • Sexta-feira 9 Janeiro 2009 • 45
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