por Le Clézio revelado O mundo - Fonoteca Municipal de Lisboa

Kim Gordon e Julie Cafritz
vestiram-se como versões femininas
de Marc Bolan e vaguearam por
onde a intuição as levou
Espaço
Público
Tenho muito gosto em
partilhar as minhas
escolhas pessoais em
termos dos discos que
mais me marcaram no ano
de 2008. Músicos que têm
direito ao merecidíssimo
reconhecimento do seu
trabalho. Destaco Peter
Broderick, multiinstrumentista
norteamericano
a trabalhar
na Dinamarca, autor do
sublime “Home”. Os Fleet
Foxes com o seu álbum
homónimo remexeram
nas suas raízes musicais
e fizeram um belíssimo
retrato dos EUA. A banda
inglesa The Accidental, no
seu álbum de estreia “There
were wolves”, conseguiu
demonstrar como se fazem
excelentes canções. O norteamericano
Justin Vernon,
sob a capa Bon Iver, deu
uma lição de personalidade
e criatividade com o seu
melancólico “For Emma,
forever ago”. Joan Wasser,
a mulher-polícia de Nova
Iorque, apresentou “To
survive” em grande forma
e cheia de segurança.
Em Portugal e em bom
português, destaco
B Fachada que, carregado
de orgulho nacional,
surpreendeu com a sua
“Viola Braguesa”.
João Semog, 39 anos, artista
plástico
padrões imediatamente
reconhecíveis. A voz glaciar e
sussurrada de Gordon e as
guitarras, distorcidas, cruzando-se
em espirais eléctricas (os Sonic Youth
de “Dirty”, mas sem canções, só com
uma ideia de som). O garage-punk
corrosivo berrado por Julie Cafritz,
violência sónica cuspida com
fervor, e a libertinagem rítmica
de Yoshimi, em equilíbrio
precário à beira do
precipício.
“Inherit” não é um
álbum de quem procura
explorar novas vertentes
criativas em projecto
secundário - “The poet” e
“Erected girl” caberiam, devidamente
trabalhadas, num álbum dos Sonic
Youth -, é um encontro
descomprometido numa garagem
onde, por acaso, até havia um
gravador e, vai daí, porque não gravar
um disco? A história não é
exactamente esta, mas é a isso que soa
este ocasionalmente interessante,
ocasionalmente redundante “Inherit”.
Gordon e Cafritz vestiram-se como
versões femininas de Marc Bolan (fase
Tyranossaurus Rex) e vaguearam por
onde a intuição as levou: chegaram ao
xamanismo psicadélico de “Free
kitten on the mountain”, que no seu
delírio opiáceo, na sua escuridão
pantanosa, é a melhor canção do
álbum, e chegaram à agressividade
riot-grrrl de “Bananas”, canção
afogada em fuzz, canção que nos
agarra pelos colarinhos para vociferar
não sabemos bem o quê (mas é
melhor levá-la a sério).
Nada do que aqui ouvimos é
particularmente inspirador - falta-lhe
foco, falta-lhe transformar muitas das
divagações eléctricas em matéria viva.
Nada nos levará a considerar as Free
Kitten mais que curiosidade
interessante a que
regressaremos de
muito em muito
tempo. Bem vistas as
coisas, já é feito
assinalável para uma
coisa chamada
“supergrupo”. M.L.
Bernardo Devlin
Ágio
Nau, distri. Flur
mmmnn
Pop
hermética
pode ser um
oxímoro,
mas é isso
que
Bernardo Devlin propõe há
muito. Com uma carreira
onde se destaca uma
passagem pelos Osso Exótico e
um percurso a solo onde cabe
a banda-sonora do filme de
animação “A Suspeita”, o
lisboeta lança agora “Ágio”,
quarto álbum em nome
próprio. De novo, Devlin,
que se assume
fundamentalmente como
cantor, faz canções, mas
que se desviam do apelo
fácil e das estruturas simples próprias
da pop. “Ágio” é pesado, estranho e
difícil, como os discos anteriores,
todos eles impossíveis de colocar
numa prateleira, mas, ao mesmo
tempo, caloroso. A voz, cavernosa,
lembra Scott Walker, mas é única a
forma como Devlin coloca as palavras,
cheia de maneirismos. Este é um disco
mais rico que o antecessor, “Circa
1999”, de 2003, menos classicista,
mais dado ao ritmo e à tensão,
mudanças conseguidas com a ajuda
de músicos convidados como Tiago
Miranda (Loosers, Slight Delay, etc.) e
Pedro Oliveira, dos Sétima Legião -
banda que, curiosamente, parece
pairar sobre estas melancólicas
canções que vinham sendo
preparadas desde 2005. Em “Desvio
para o vermelho”, os sintetizadores
(instrumento central no disco) fazem
a cama para Devlin, que repete coisas
como “noite, dia, dia, noite” - também
as letras assumem riscos. O álbum
ganha quando é mais directo e
despido, como em “Turno da noite”,
construída em torno de batidas
simples, com a voz de Devlin
multiplicada, ou “Solário”, espécie de
balada em que o canto é engolido pela
reverberação e linhas de sintetizador
glaciais. Pela sua radicalidade, “Ágio”
é um daqueles objectos capazes de
apaixonar uns, afastar alguns e deixar
outros tantos perplexos, sem saberem
onde o situar. Pedro Rios
Lucky Dragons
Dream Island Laughing Language
Upset! The Rhythm, distri. Sabotage
mmmmn
Bernardo Devlin
apaixonará uns,
afastará alguns
e deixará outros
tantos perplexos
Há algo de
desconcertante na
música dos Lucky
Dragons, o projecto
em que o
californiano Luke
Fischbeck se rodeia de outros
músicos (com destaque para
Sarah Rara - o duo esteve em
Portugal em Outubro). Não
fazem canções, mas também
ocupam um lugar único no
cenário experimental. Neste
disco, o último de uma série
de 20 registos em vários
formatos,
aprofundam a sua
visão peculiar do
que pode ser a
música filtrada
pelas
tecnologias
digitais. Além
de tocar
vários
instrumentos
(flautas,
piano,
dulcimer,
entre outros),
cabe também
a Fischbeck a
função de
editar este
caleidoscópio
sonoro, onde
cabem
elementos
como
retalhos de guitarras folk, gongos,
percussão tribal e vozes
murmurantes. O método dos Lucky
Dragons consiste em provocar um
acontecimento (um objecto percutido,
uma frase de guitarra) para, em
seguida, manipulá-lo, num jogo entre
banda e maquinaria electrónica que
impele o ouvinte a participar de
alguma forma (ao vivo, esta ideia
ganha força, com a banda a convidar o
público a interferir na performance).
A simplicidade de temas como “Free
guys by the sea” (uma flauta
desgarrada, percussão básica) é
desarmante. Em “Band hammer”,
com uma guitarra acústica em “loop”
e a voz de Fischbeck, evocam a
austeridade doce de Richard Youngs.
“Givers” lembra os Black Dice dos
últimos discos, enveredando por
caminhos mais lúdicos mas também
fortemente rítmicos, e “My are
singing”, outro momento alto, põe
uma guitarra acústica roufenha em
círculos debaixo de vozes em cascata.
Como os Lucky Dragons já nos
habituaram, “Dream Island Laughing
Language” inclui várias faixas que não
são mais do que a simples exploração
de uma ideia. Este lado ingénuo e
brincalhão é, ao mesmo tempo, o seu
trunfo e calcanhar de Aquiles, já que
fica a impressão que a banda só
beneficiaria de uma maior filtragem
antes de editar um disco. P.R.
Jazz
Som de
mestre
Acompanhado por uma
big band e uma orquestra
sinfónica, Joe Lovano
apresenta um dos seus
projectos mais ambiciosos.
Paulo Barbosa
Joe Lovano
Symphonica
Blue Note; Dist. EMI
mmmnn
À excepção
de “Duke
Ellington’s
sound of
love”, de
Charles
Joe Lovano
Mingus, todo o material deste álbum é
da autoria de Joe Lovano, que não
esconde a sua enorme satisfação por
ter a oportunidade de, pela primeira
vez, apresentar as suas composições
ornamentadas com arranjos para uma
orquestra sinfónica (a Rundfunk
Orchester) e uma orquestra de jazz (a
WDR Big Band).
As primeiras notas com que Lovano
faz planar o seu saxofone sobre uma
massa orquestral de quase 80 músicos
fazem com que de imediato nos
reconheçamos na presença de um dos
grandes mestres do jazz das últimas
duas décadas. Empunhando o
saxofone tenor em cinco temas e o
soprano em outros dois, Lovano
apresenta-se em apuradíssima forma
ao longo de todo o álbum. Com um
som tipicamente cheio e
inconfundível - mais sensual e
envolvente ou mais nervoso e picante,
consoante cada ocasião -, Lovano
acaba, como seria de esperar, por
dominar quase todo o álbum. E
melhor seria que, enquanto voz
solista, o dominasse por completo, já
que, por comparação com a
excelência de Lovano, as intervenções
improvisadas por músicos da WDR Big
Band acabam por constituir
momentos anti-climáticos que em
nada beneficiam este registo. Os
arranjos de Michael Abene são
ambiciosos, mas acabam por se
revelar como meramente funcionais
na criação de um contexto para os
mais diversos movimentos do
saxofonista.
Por tudo isto se prevê que o ouvinte
mais atento compare os resultados
aqui obtidos com os de “Rush Hour”,
álbum com orquestrações entregues a
Gunther Schuller, e reconheça uma
clara vantagem àquela gravação,
porventura uma das melhores que o
jazz nos ofereceu nos últimos anos
com este tipo de formação.
“Symphonica” é recomendável aos
mais acérrimos seguidores do grande
som de Lovano; os outros deverão
iniciar o contacto com este
importante saxofonista através de
outros álbuns, alguns dos quais
verdadeiramente essenciais, como
“Landmarks”, “Sounds of Joy”, “From
the Soul”, “Quartets” ou o referido
“Rush Hour”.
O som
do cinema
O trompetista luso faz uma
revisão jazzística a músicas
que marcaram a
história da sétima
arte. Nuno
Catarino
Laurent Filipe
Flick Music
iPlay
mmmnn
O que é mais
sensual, o corpo
lânguido de
Maria Schneider
no “Último Tango
em Paris” ou o
saxofone fogoso de
Gato Barbieri a
crepitar sobre esse
mesmo filme? A resposta fica para o
leitor, mas não há dúvida que a ligação
entre imagens e música sempre foi
frutuosa. São inúmeros os exemplos,
desde que o cinema integrou o som
(desde o pioneiro “The Jazz Singer”)
até aos nossos dias, da união da
música à imagem animada. De facto,
alguma da melhor música de sempre
foi composta para cinema - as
ligações de Bernard Herrmann a
Hitchcock e de Ennio Morricone a
Leone são lendárias e no campo do
jazz também há casos de relevo,
como o trabalho de Herbie Hancock
no “Blow Up” de Antonioni, Ellington
para “Anatomia de um Crime” de
Preminger ou Miles em “Ascenseur
por l’échafaud” de Louis Malle. Se
muitas vezes a música tem papel
meramente decorativo, outras vezes
ganha mais importância que as
imagens - que podem valer mais que
mil palavras, mas menos que um solo
de trompete.
O trompetista Laurent Filipe
aventura-se agora numa revisão
jazzística de alguns clássicos que
ficaram famosos enquanto “banda
sonora”. Já sabemos que o som do
seu trompete é de uma rara doçura
(faz sentido lembrar a sua recente
homenagem a Chet Baker, “Ode to
Chet”) e os comparsas neste projecto
estão em bom nível - Filipe conta com
as colaborações de André Fernandes
na guitarra, Demian Cabaud no
contrabaixo e Pedro Viana na bateria.
A tarefa torna-se complicada quando
se levanta a questão: o que fazer
quando as músicas originais já são
tão boas? A tarefa não é fácil e o
resultado não é sempre igual. Se por
vezes a nova roupagem proposta
assenta que nem uma luva sobre as
melodias (particularmente quando à
partida estas já assumem um registo
baladeiro, como é o caso de “Il
Postino”, do filme “O Carteiro de
Pablo Neruda”), outras vezes o
resultado soa desadequado. Há dois
casos flagrantes: “Can’t Buy Me Love”
e “Raindrops (Keep Falling On My
Head)”. Antes de mais poderíamos
questionar a escolha daquela música
dos Beatles, quando haveriam tantas
outras mais cinéfilas - nesta versão
Laurent Filipe opta por manter
alguma frescura rítmica, mas acaba
sempre por ficar longe do original,
perdendo-se num meio termo
jazzístico, num limbo incaracterístico.
Já a versão do clássico de Burt
Bacharach assume uma dimensão
popularucha que destoa da essência
original - ingénua, agridoce, feliz. A
forma como estes temas são
maltratados poderia desconcentrarnos
do resto do projecto, bem
intencionado, e que por vezes alcança
resultados bem satisfatórios - a
penúltima, “Chinatown”, é talvez a
mais conseguida, a que melhor
demonstra a envolvência do grupo e
onde se destaca a guitarra de André
Fernandes, em intervenções discretas
mas precisas.
Ípsilon • Sexta-feira 9 Janeiro 2009 • 45