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Kunst im Buch
Nordstern
Eine riesige Welle türmt sich auf, wie
mit Schnee überzogen zeigt sich die
Gischt, darunter drei Ruderboote, die
von der Welle beinahe verschlungen
werden, schliesslich fern im Hintergrund
das Hauptmotiv der ganzen
Szene: der Berg Fuji. Der Holzschnitt
«Die Grosse Welle» wurde zum Inbegriff
der japanischen Kunst. Die Welle
ist Teil der «Sechsunddreissig Ansichten
des Berges Fuji», einem ersten Höhepunkt
im Schaffen von Katsushika
Hokusai (1760 –1849). Was seit je faszinierte,
ist nicht nur die Gewalt der
enormen Welle, sondern die eigenartige
Komposition und Perspektive.
Bereits mit 14 oder 15 Jahren tritt
Hokusai in die Lehre eines Holzschnittmeisters
ein. 1798 gründet Hokusai
sein eigenes Studio, das er «Studio
des Nordsterns» nennt. Er wird
damit zum unabhängigen Künstler.
Seine Bildthemen bleiben sich über
seine lange Schaffenszeit (74 Jahre)
ähnlich: das alltägliche Leben in Japan,
Bauern, Fischer, Kaufleute und
natürlich die Natur. Jedoch ist Hokusai
stets auf der Suche nach neuen
Stilen und Ausdrucksformen. Er war
natürlich der virtuose Holzschneider,
aber auch Maler, Zeichner, verfertigte
Lehrbücher, Erotisches und so genannte
Mangas.
Die Bedeutung der japanischen
Kunst und insbesondere derjenigen
von Hokusai im ausgehenden 19.
Jahrhundert ist allgemein bekannt.
Künstler wie van Gogh, Gauguin
oder Seurat liessen sich inspirieren.
Was oftmals vergessen wird, ist, dass
Hokusai bereits früh Elemente des
westlichen Illusionismus in seine
Holzschnitte aufgenommen hat.
Die Publikation umfasst über 700
hervorragende Abbildungen. In verschiedenen
Essays werden einzelne
Aspekte von Hokusais Schaffen beleuchtet.
Der Hauptteil umfasst sechs
Kapitel, in denen die verschiedenen
Lebens- und Schaffensabschnitte von
Hokusai beschrieben sind, jeweils ergänzt
durch Abbildungen der Werke
aus der entsprechenden Phase. (di)
Gian Carlo Calza, Hokusai, Phaidon,
2006, 518 Seiten, Fr. 152.00.
artensuite März 03 | 07
Reizend
Bereits das Cover der Publikation
«Reiz & Risiko» ist ein Risiko und reizt
gehörig: ein tränenüberströmtes Frauengesicht
in Nahaufnahme, gerötete
Haut, aufgelöster Blick – berührend in
seiner Authentizität und Leidenschaft.
Es gibt kein Ausweichen für den Betrachter/Leser,
die vom Weinen gerötete
Nase wird ihm unmittelbar ins
Angesicht gestreckt. Es ist das ideale
Cover für die Publikation zur gleichnamigen
Ausstellung, die letzten
Sommer/Herbst im Haus der Kunst
Uri gezeigt wurde. Die holländische
Künstlerin Helen Bonajo (1978), Erzeugerin
des Coverbildes, verbindet
darin Reiz und Risiko. Sie zeigt in ihrer
Fotoserie «Pearl in the Pain» (2005)
sich selbst, fotografiert während einer
schwierigen Lebensphase, nutzte sie
ihre damalige Gemütslage, um daraus
Kunst zu machen: Einerseits ein Risiko,
sie könnte sich in ihrer Entblössung
(gleich manch einem «Big Brother»-Kandidaten)
lächerlich machen
und allzu viel von sich Preis geben;
sie könnte verletzt- und verwundbar
werden. Doch gleichzeitig reizt
Bonajo gerade durch diese kaum zu
übertreffende Authentizität, die auch
ohne Kenntnis des Betrachters über
die Befindlichkeit der Künstlerin bzw.
des Modells spürbar bleibt.
Wie die Gegenwartskunst mit den
beiden Themen Reiz und Risiko umgeht,
dies verdeutlichen die Autoren
Peter Stohler und Sylvia Rüttimann
in zwei Essays. Die beiden Themen
sind natürlich nicht neu, mit Reizen
versucht die Kunst wohl seit eh und
je den Betrachter zu fesseln. In der
Kunst der Gegenwart wurde diese
Strategie aber immer offensichtlicher.
Und als Reaktion auf unsere Risikogesellschaft
aber auch unsere reizüberflutete
Eventgesellschaft sind Reiz
und Risiko auch bei jungen Künstlern
wichtiger Gegenstand wie Publikation
und Ausstellung zeigten. (di)
Reiz & Risiko, hrsg. v. Peter Stohler
und Sylvia Rüttimann, Arnoldsche
Verlagsanstalt, 2006, 160 Seiten, Text
in Deutsch und Englisch, Fr 49.80.
Alchemie
Irgendwo zwischen physikalischem
Experiment und Naturschauspiel,
zwischen Architektur und Design,
zwischen Laboranordnung und künstlerischer
Installation, zwischen Event
und Meditation sind Olafur Eliassons
Arbeiten aufzuspüren. Sein Atelier in
Berlin ist genauso alchemistische Zauberbude
wie auch wissenschaftliches
Labor. Eliasson (1967, Kopenhagen)
fotografiert die isländische Landschaft,
befasst sich aber zeitgleich in komplexen
technischen Installationen mit
Phänomenen der Wahrnehmung und
Physik. Immer wieder sind es grundlegendste
Elemente wie Licht oder Wasser,
die er untersucht. Und in beiden
findet er Wellenlängen, Frequenzen
und Vibrationen, die er wie ein Magier
für sein Publikum aufbereitet.
«Your engagement has consequences»
lautet der Titel des bei Lars
Müller Publishers erschienen Buches.
Drei Ausstellungen von Eliasson in Tokyo,
Rotterdam und Malmö bilden die
Ausgangslage der reich bebilderten
Publikation. In einem längeren Text
führt uns Eliasson sein Schaffen, seine
Kunst- und Welttheorie vor Augen.
Seine Arbeit ist ein intensiver Versuch,
nicht einfach Kunstwerke zu kreieren,
sondern einen Raum, indem Kunstwerk,
Raum und Betrachter aufeinander
wirken. Es ist ein Engagement sich
als Betrachter in einem Ausstellungsraum
aufzuhalten. Eine Engagement
mit Konsequenzen. Und Eliasson ist
davon überzeugt, dass durch Kunst
wichtige Aspekte der Gesellschaft und
des Lebens untersucht, herausgefordert
und neu verhandelt werden.
Neben Eliassons Text, enthält die
Publikationen einen kurzen Essay des
italienischen Schriftstellers Italo Calvino
sowie zwei Gespräche mit Eliasson
über Wahrnehmung und die Farbe
Weiss im Ausstellungsdesign. Damit
ist die Publikation ein nachdrücklicher
und überzeugender Einblick in Eliassons
faszinierendes Schaffen! (di)
Your Engagement has Consequences.
Olafur Eliasson, Lars Müller Publishers,
2006, 304 Seiten, Englisch, Fr.
64.90.
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