Berliner Zeitung 10.04.2019

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22 Berliner Zeitung · N ummer 84 · M ittwoch, 10. April 2019 ························································································································································································································································································· Feuilleton Kunst ist ein ganz besonderer Saft Drei Gründe, warum die Theaterkritiken von Theodor Fontane auch heute noch lesenswert sind VonPetraKohse Eigentlich braucht niemand 2000 Buchseiten voll Kritiken über das Berliner Theater vor 150 Jahren. Menschen, denen das Theater fern ist, sowieso nicht. Diejenigen, denen das Theater nah ist, aber auch nicht. Denn was inden 70er-Jahren des 19. Jahrhunderts auf den Bühnen geboten wurde, gehört zuden uninteressanten Kapiteln derTheatergeschichte. Jekursorischer man sich damit befassen kann, desto besser. Erst Mitte der 1880er-Jahre nahm das Geschehen mit dem aufkommenden Realismus Fahrt auf und wurde mit der Gründung der Freien Bühne in Berlin im Jahr 1889 dann sogar richtig aufregend. Aber da war Theodor Fontanes Zeit als hauptamtlicher Theaterkritiker der Vossischen Zeitung schon zu Ende, unddie Handvoll Artikel, die er über die Aufführungen der –umdie Zensur umgehen zu können als Verein gegründeten –Freien Bühne noch schrieb,waren bloß die Bonustracks seines diesbezüglichen Schaffens. Trotzdem sei empfohlen, in die vier Bände der Großen Brandenburger Fontane-Ausgabe, die sich mit seinen Theaterkritiken von 1870 bis 1894 befassen (drei Bände mit 649 Kritiken, ein Band mit Kommentaren) wenigstens hineinzulesen. Denn sofortwirdmehreres spürbar. Erstens: die offenbare und sehr inspirierende Muße der damaligen Kulturgesellschaft. Ohne Multitasking, Newsfeeds und Netflix konnten den Lesern bis zu drei Artikel über eine einzige Aufführung zugemutet werden. Zuweilen eine Nachtkritik als ersten Eindruck, durchaus schon in der Länge eines heutigen Beitrags in einem Fachmagazin. Dann bei neuen Stücken oft zwei weitere Beiträge: einen nur über das Drama, einen über das Spiel, die sich beide ohne raffinierte Einstiege darauf verließen, eine wartende Leserschaft vorzufinden, die den mäandernden Gedankengängen Fontanes zu folgen bereit war. Dessen meistunorthodoxes Herangehen, die Tatsache, dass er stets mehr Fragen stellte als beantwortete und auch als Kritiker ein Plauderer war,unterschied ihn zwar von seinen eher akademisch schreibenden Kollegen (etwa Karl Frenzel in der National-Zeitung), heißt aber nicht, dass seine Texte leichte Lektüre waren. Anders als Jahrzehnte später Friedrich Luft, der als Plauderer durchaus ein Nachfolger war, sprach Fontane zu Vorgebildeten, Das Königliche Schauspielhaus am Gendarmenmarkt, aus dem Theodor Fontane von 1870 bis 1894 für die Vossische Zeitung berichtete, um 1890. Eingeweihten. In wachsender Selbstbegeisterung breitete er zuweilen Winzigkeiten aus, während er den Inhalt von Stücken, die in Berlin schon einmal zu sehen gewesen waren, umstandslos als bekannt voraussetzte. Wobei man wissen muss, dass Fontane,der erst als50-Jähriger zur kontinuierlichen Theaterkritik kam, vor allem für die Aufführungen im Königlichen Schauspielhaus (heutigen Konzerthaus) am Gendarmenmarkt zuständig war. Und dieses hatte bei Fontanes Dienstantrittgerade das jahrzehntelange Hoftheater-Privileg auf die Aufführung von Tragödien verloren. Mit dem Beschluss über die Gewerbefreiheit für Theater im Jahr 1869 durften alle Theater –imRahmen der Zensur – spielen, was sie wollten. Natürlich waren die meisten Theater-Neugründungen in den 1870er-Jahren gewinnorientierte Unterhaltungsbetriebe. Dennoch war der Druck auf die Hoftheater, ihre kulturelle Vorrangstellung zu behaupten, gewachsen, und Fontane zögerte nicht, sich auf seine legere Weise zum Vorredner eines nach wie vor elitären Clubs zu machen. Zweitens lohnen Fontanes Kritiken auch über zu Recht vergessene Stücke und Aufführungen, weil er aus jedem Anlass seine Lust auslebt, sich mit dem Gebotenen weltanschaulich auseinanderzusetzen. Dass sich im Theater Haltung ausdrückt, ist gerade heute einerseits selbstverständlich, wird andererseits aber meist anhand der Stoffwahl, also thematisch entschieden und nicht, wie Fontane es tut, an der Dramaturgie oder den Figuren entlang diskutiert. An dem Stück „Fe- „Die Welt liegt in Wehen; wer will sagen, was geboren wird. (...) Gut, die Dinge gehen ihren ewigen Gang; thut eure Maulwurfsarbeit, ihr, die ihr untenseid. Theodor Fontane in der Kritik zu „Feenhände“ von Eugène Scribe am 2.11.1871 enhände“ von Eugène Scribe etwa störtihn,dasshierausgerechnet ein Angehöriger der Oberschicht das Undercover-Dasein einer Aristokratin als Näherin romantisiere. „DieWelt liegt inWehen“, schrieb er am 2.11.1871, also wenige Monate nach Ende des deutsch-französischen Krieges,indessen Verlauf er selbst als deutscher Spion festgenommen worden und nur auf Betreiben Bismarcks wieder freigekommen war. Aber es sei „Wahnsinn und Verbrechen“, wenn diejenigen, die bei einem Umsturz der Gesellschaftsordnung nur verlieren SOPHUS WILLIAMS /AKG-IMAGES können, „wenn diese, sag ich, aus Eitelkeit, aus Popularitätshascherei und Gewinnsucht von heut auf morgen (...) sich selber das Brett unter den Füßen fortziehen“. Das Unauthentische stört ihn bei Scribe, nicht die moralische Aufwertung des Werktätigendaseins. Fontane war konservativ,ein Verfechter der Stabilität. Aber er war aufgeschlossen. Sein Intellektualismus verbot ihm ein Parteigängertum und auch sein künstlerisches Empfinden war autonom genug, nicht vorzuverurteilen. Durchaus etwas sprunghaft im Urteil, legte er dessen Entstehung aber jeweils ausführlich dar und ließ die Leser so am Denkprozess teilhaben. Ganz Kind seiner Zeit war Fontane indessen in den nationalen Stereotypen und Rassismen.Wasdeutsch sei, was slawisch, was französisch, war für ihn unumstößlich gesetzt, kaum jemals etwa könnte ein englische Fräulein von einer deutschen Schauspielerinnen angemessen verkörpert werden. Und von dem „Enkelkinde einer Negerin“ sei Tugend ja wohl kaum zu erwarten –auchdas. Drittens interessiert, wie Fontane die Ankunft des Realismus auf deutschen Bühnen (Henrik Ibsen) und dessen Umschlagen in den Naturalismus (Gerhart Hauptmann) begleitet. Denn die damalige Frage der zahlreichen Gegner der neuen Richtung, ob es denn eigentlich sein müsse,auf der Bühne gegen Eintritt all das gezeigt zu bekommen, was man im wirklichen Leben auf der Straße umsonst haben könne, wieviel Dokumentarisches also die Kunst vertrage,ist ja auch der heutigen ästhetischen Debatte nicht fremd. Fontane, der begeisterte Shakespearianer, der an der „Noth“ des „Aufführungspomps“ bei klassischen Stücken leidet, wächst in die neue Richtung gewissermaßen hinein. Die vergleichsweise alltägliche Sprache Ibsens gefällt ihm sofort, die Thematisierung häuslicher Fragen ebenfalls. Mit dem missionarischen Eifer des Norwegers, Herzensentscheidungen undden sogenannten freien Willen zu verherrlichen, kann er indessen nichts anfangen. Aus einer ordentlichen Vernunftehe, soFontane, sei wohl noch niemandem Unheil entstanden. Gerhart Hauptmann schließlich, der mit dem sozialkritischen Drama „Vor Sonnenaufgang“ 1889 das Publikum und die Kritik spaltete, war für ihn künstlerisch von Anfang an eine „Erfüllung“. DasLeben selbst komme bei ihm auf die Bühne, aber eben durch die Theatralisierung „räthselvoll“ umgewandelt –„Kunst ist ein ganz besonderer Saft.“ WasanFontanes Theaterkritiken am meisten anregt, ist diese Bereitschaft, Kunst als Aussage zur Gegenwarternst zu nehmen und seine eigenen Positionen daran immer wieder zu überprüfen. Ein Mann, der seinen Geist und sein Empfinden als Testsystem zur Verfügung stellte und dem es in der Beurteilung von Kunst nicht um das Rechthaben, sondernumdie ästhetische und intellektuelle Erfahrung ging, die er dadurch mitteilen konnte. Verglichen mit der Reflexhaftigkeit und Destruktivität heutiger Diskurse ist dieses mäandernde Tasten geradezu ein utopischer Ansatz. Theodor Fontane: Theaterkritik 1870–1894, Große BrandenburgerAusgabe, vier Bände, 3104 Seiten, Aufbau Verlag,Berlin 2018, 180 Euro PetraKohse versteht Theaterkritik immer als Spiegel der Zeit Die Beschreibung von Realität kann helfen, sie zu verändern Zum 80. Geburtstag des italienischen Schriftstellers Claudio Magris, der als einer der ersten die Parole „Mitteleuropa“ ausgab VonArnoWidmann Claudio Magris wurde vor 80Jahren inTriest geboren. 1963 erschien sein Buch über den „Habsburg-Mythos in der modernen österreichischen Literatur“. Es war seine Dissertation und hat dennoch Epoche gemacht. Nicht nur, weil er zu den ersten gehörte,die Mitteleuropa und die Rolle des Judentums darin wiederentdeckten. Er hatte, wohl ohne es zu wissen, beim Blick in die Vergangenheit einen in die Zukunft getan. „Mitteleuropa“ wurde bald danach zu einer zentralen Parole.Intellektuelle in Ungarn, der Tschechoslowakei und Polen benutzten sie, um daran zu erinnern, dass sie keineswegs zu Osteuropa zählten. Es ging um eine Revision der in Ostund West zweigeteilten Welt. Claudio Magris hatte mit seiner germanistischen Abhandlung nichts dergleichen beabsichtigt. Aber er machte die Erfahrung, dass die Beschreibung einer Realität helfen kann, sie zu verändern. Das war nicht angelesen, sondern an sich selbst, an dem, was er dachte und fühlte,erlebt. Er sei Triestiner, da sei es ihm quasi in die Wiege gelegt worden, über den Tellerrand des Ost-West- Konflikts hinauszusehen, wird oft gesagt. Die Bürger des geteilten Deutschland fragen sich da allerdings, wieso keinem von ihnen das nicht einmal in zartesten Ansätzen so gut gelang wie Claudio Magris. Wenn man darüber nachdenkt, zeigt sein Fall, wie wichtig nicht nur das Timing, sondern auch das Standing ist. Der Standort, von dem aus man in die Welt blickt, prägt das Weltbild. Mit Nähe ist nichts und mit Distanz ist auch nichts gewonnen. Es kommt auf das Verhältnis von beidem zu dem Gefühls- und Verstandslebens dessen an, der versucht, über den Tellerrand des Status quo zu blicken. Triest allein hätte nicht genügt. Es bedurfte auch eines Claudio Magris. Zeigt, wie man Ich wird, indem man das Du einlässt: der Triestiner Claudio Magris. Er schrieb eines der schönsten Bücher über Mitteleuropa, das jemals geschrieben wurde: sein Buch über die Donau, Sachbuch und Roman in einem. Spätestens von daan (1986) war Claudio Magris kein Germanist mehr, der auch Erzählungen DPA schrieb, sondern einer der unsere Welt prägenden Autoren. Das Verhältnis von Realität und Fiktion interessierte ihn von Anfang an. Viele Jahre lang nur als Wissenschaftler. Seit Jahrzehnten inzwischen auch als Autor.Seinem neues- ten Roman „Verfahren eingestellt“, der 2017 im Carl Hanser Verlag erschien, ist eine Betrachtung beigefügt, in der er klarstellt, dass sein Roman über einen Mann, der sein Leben lang für ein zu schaffendes „Kriegsmuseum für den Frieden“ Waffen kaufte,ein reales Vorbild hat: Diego de Henriquez (1909–1974). Sein Museum gibt es. Heute hat es seit 10 Uhrgeöffnet. Magris schreibt, ohne diesen Mann hätte es seinen Roman niemals gegeben, aber zugleich ist der ohne diese Realität undenkbare Held seines Romanes gänzlich erfunden. DieWirklichkeit, ihre erfindungsreiche Beschreibung und ihreVeränderung, das ist ein von Claudio Magris immer wieder beschworener Zusammenhang. Wer schreibt, entkommt ihm nicht. An einer anderen Stelle des Romans heißt es: „‚Papa, wer ist ich?' ‚Das bist du’, antwortete er mir.“ Wo Es ist, muss ich Ich werden, schrieb Freud.Jedes Du dem Icheinzuverleiben –das ist die Arbeit des Autors. „Madame Bovary bin ich“, sagte Flaubert. Das Kind, das wissen will, wer ich ist und erfahren muss, dass du ich ist, ist verwirrt, fühlt sich unwohl. Ein dummes Kind, wie die meisten von uns, wird sich einfach daran gewöhnen, dass die anderen du zu meinem Ich sagen. Und es wird lernen, selbst du zu sagen zu den anderen Ichs. Ein Kind, das klug ist und sich weigert, die Spiele, die es nicht durchschaut, einfach mitzuspielen, wird in immer neuen Dus immer neue Seiten seiner selbst entdecken. Wirbeginnen zu ahnen, wie mühsam es für jeden von uns ist, ein Ich zu sein. Claudio Magris zeigt uns, wie man das macht und wie man dieses Ichimmer größer,immer umfassender werden lässt. Nichtindem man es aufbläst, sondern indem man immer mehr Duseinlässt. Auch darum wünschen wir ihm nicht nur alles Gute zum Geburtstag, sondern auch noch viele neue Bücher. Zur Pflege unserer Selbste.
Berliner Zeitung · N ummer 84 · M ittwoch, 10. April 2019 23 ························································································································································································································································································· Feuilleton Brummende Bässe und Sternenstaub The Comet is Coming spielte im Kreuzberger Bi Nuu VonMarkus Schneider Wenn es überwiegend jüngere Leute sind, die dafür sorgen, dass ein montägliches Jazzkonzert ausverkauft ist –und sei’s auch nur im kleinen Bi Nuu unterm Schlesischen Tor–soist es doch bemerkenswert. The Comet Is Coming heißt das Londoner Jazztrio, umdas es geht, eine der Bands des Saxophonisten Shabaka Hutchings oder in diesem Falle King Shabaka, der seit einigen Jahren mit einer aufregenden Jazz-Fusion die britische Jazzszene aufmischt. Nach einer brütend psychedelischen Einleitung geriet auch das Bi Nuu inWallung. „Super Zodiac“ bretterte als erster von etlichen Uptempo-Tracks unter einem typischen, schubweise repetierten Kürzelriff vonHutchings zu abfallenden Harmonien und dicht zischenden Drums in den Saal: ein herrlicher, spaciger Sound, dunkel, voll schwerer Bässe und Elektro-Effekte von Keyboarder Dan „Danalogue“ Leavers, worunter Drummer Max „Betamax“ Hallett eine Artforcierten Halsbrecher-Breakbeat spielte. Mit ihrem Album „Channel the Spirits“ waren die drei 2016 auf der ShortList des MercuryPrizesnotiert; im Bi Nuu vorgestellt wurde der Nachfolger „Trust in the Lifeforce of the Deep Mystery“, beide beim berühmten Impulselabel veröffentlicht. Dessen Ruhm gründet auf den großen Sixties-Alben John Coltranes und Pharoah Sanders’, Letzteren erkennt man auch im heiseren Spiel Hutchings’. Anders als die Alten nimmt er jedoch kaum Soli im herkömmlichen Sinn, er führt die Band eher wie ein Sänger mit seinen dynamisch pulsenden Figuren, die er nur sacht koloriert. Unter afro-karibischem Einfluss: Shabaka Hutchings am Saxophon ROLAND OWSNITZKI Das mag daher kommen, dass er Jazz, wie er sagt, zunächst nicht mochte. Die quasi-akademische Komplexität schien ihm zu abgehoben. Ähnlich wie die Jazz-Neuerer vonder US-Westküste mit ihren Hip- Hop- und R&B-Bezügen löste er das Problem, indem er sich auf die britische Clubkultur und deren afro-karibischen Einfluss besann. Mitseinem Projekt Sons of Kemet geht er analoger vor, mit viel afrikanischer Perkussion und karibischen Beats,die er als Teenager auf Barbados kennenlernte. Ihr Mercury-nominiertes Debüt „Your Queen Is aReptile“ feierte im letzten Jahr afro-diasporische Königinnen als Alternativezur Queen. Sein Comet huldigt erklärtermaßen dem Afro-Futurismus.Während Danalogue Brummbässe wummern und andromedische Nebel steigen lässt, arbeitet sich der Drummer an Jungle, anHouse- und Garagebeats, auch mal metal-artiger Stumpfheit ab, und Hutchings tutet und flirrt und streift stratosphärisch durch die dichten, sternbestaubten Texturen. ZumOutroerinnertdas Trio noch einmal an den frühen kosmischen Jazz nach Artdes Sanders-Klassikers „The Creator Has aMasterplan“. Ob ein Schöpfer einen Plan hat, kann ich nicht beurteilen. Sähe er aus wie diese aufrüttelnde, zuRecht tobend bejubelte Musik –ich wär’dabei. Jenseits der Schwerkraft Nicht einfach Breakdance: Die Flying Steps überschreiben Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ VonBirgit Walter Eine der Riesenfiguren auf dem Wegindie vertanzte Ausstellung. SMB, NATIONALGALERIE/KOONE Der Gnom ist ein wild zappelnder und herumspringender Zwerg, den drei Meter hohe Riesengestalten mit erhabenem Interesse beäugen. Aus dem Ballett der Küken mausert sich eine auf Spitze tanzende Ballerina. Der Marktplatz wird zueiner schrillen Umkleide- und Flanierschlacht, in der ein Tänzer als zugeschnürter Lumpensack durch die Gegend fliegt. Und Babajaga ist eine gefährlich schöne Hexe in knallrot. So sieht es aus, wenn Breakdancer und Street-Art-Künstler den alten Klavierzyklus „Bilder einer Ausstellung“ von Modest Mussorgsky zum Tanzen bringen: Sie erzählen knappe Theaterepisoden. Der Choreograf Vartan Bassil und seine Flying Steps halten sich in ihrer Inszenierung durchaus an die Reihenfolge der zehn Gemälde, die die Musik beschreibt. Trotzdem stellen sie alles auf den Kopf und setzen ihre eigenen Bilder mit einer Energie dagegen, dass die Bühne des Hamburger Bahnhofs am Ende im johlenden Zuschauerjubel versinkt. Dabei war das Publikum bei der Premiere gut durchmischt mit Staatssekretären, Managern und Kunstsachverständigen. Vartan Bassil, Sohn libanesischer Flüchtlinge in Berlin, war 15, als er zum ersten Mal Breakdancer in Aktion sah. Er bezweifelte, dass die Bewegungen echt waren. Spulte seine Kassette immer wieder zurück, langsam, um die Kameratricks zu entdecken. Stattdessen verfiel er dem Breakdance, gründete die Flying Steps, und sie wurden die Besten –viermal Weltmeister. Der Zuschauer aber sitzt noch heute vor der Bühne, beobachtet die Tänzer und fragt sich: Wo ist der Punkt? In welchem Moment überlisten diese Tanz-Akrobaten die Gesetze von Kraft und Gravitation, um ihre Körper waagerecht durch die Luft zu kreiseln, gestützt nur auf eine Hand? Oder um aus dem Stand durch die Luft zu fliegen und zu neunt gefahrlos über die kleine Bühne in Boxringgröße zu springen? Manchmal sogar synchron. Bevor nun diese neue Inszenierung gewürdigt und die Künste zueinander in Beziehung gesetzt werden, sei nochmal klargestellt, dass hier nur absolute Ausnahmetänzer am Start sind. Wenn Udo Kittelmann, Direktor der Nationalgalerie mit sechs Standorten in Berlin, den Hamburger Bahnhof für die Flying Steps öffnet, geht er damit kein Wagnis ein. Er lud die Flying Steps schon vor neun Jahren in die Neue Nationalgalerie ein. Dort entstand mit dem Opernregisseur Christoph Hagel, einem Klavier und einem Cello ihre erste abendfüllende Inszenierung „Flying Bach“. Der Erfolg ging sofort durch die Decke. Sogar die China News berichteten am nächsten Tag. „Flying Bach“ machte sich dann auf den Weg durch die großen Theater und Hallen in Wien, Sydney, Tokio, läuft noch heute. Und brauchte nicht mal Werbung –es verbreitete sich weltweit über Youtube-Kanäle. Der Echo-Klassik erfand dafür einen Sonderpreis. Der Nachfolger „Flying Illusion“ von 2014, aufgeführt mit einem technischen Mega-Aufwand, erreichte nicht ansatzweise die Magie des Auftakts – zu überladen die Vorstellung, zu austauschbar die Musik, zu schlicht die Handlung. Gespannt sein durfte man also auf die Nummer drei „Flying Pictures“. Dazu verbündeten sich die Tänzer mit dem brasilianischen Künstlerduo Osgemeos, die als Straßenmaler in Brasilien angefangen hatten, sympathische, schmallippige Riesenfiguren auf Güterwagen und Hauswände zu malen –mit Farbe und Pinsel, weil sie sich keine Spraydosen leisten konnten. Heute wird das Duo von den etablierten Galerien der Welt vertreten und in einer Reihe mit Banksy genannt. Es stellt sicher, dass die Musik nicht nur eine tänzerische, sondern mit ihren Figuren auch eine bildhafte Entsprechung bekommt. Einweiteres Bruderpaar, die deutsch-indischen Komponisten Vivian und Ketan Bhati, sorgte dafür, dass die berühmte Musik erkennbar Mussorgsky bleibt und trotzdem groovt. Sie wurde nicht einfach gesampelt, sondern „überschrieben“, strenger rhythmisiert, von einer Beatbox verfremdet und von dem streicher-dominierten Berlin Music Ensemble live gespielt. Bis Juni laufen die Vorstellungen, und wenn jeder Platz verkauft wird, hört man, macht niemand Verluste. Soläuft es bei nichtsubventionierten Künstlern. Ihren langjährigen Sponsor Red Bull haben die Flying Steps nun nicht mehr an Bord – die Kulturwelt reagiert empfindlich auf einen Geldgeber, der seinen Namen noch vor den von Bach setzen lässt. „Was wir machen, ist Kunst!“, sagt ein Tänzer. „Kunst! Nicht einfach Breakdance.“ Als sei daran irgendetwas einfach. Aber auf diese Anerkennung legen sie wert, jetzt, wo sie wissen, was sie alles erreichen können. Wenn der Kurator und Museumsmann Kittelmann attestiert: „Das ist ein Gesamtkunstwerk“, dann klingt das wie ein Ritterschlag. FlyingPictures, bis 2. Juni, Mi,Fr, Sa, So, verschiedene Anfangszeiten, Hamburger Bahnhof, Invalidenstr.50/51 Subtil die Lasur,zugespitzt bis ins Groteske Eine postume Hommage: Der Berliner Porträtmaler Clemens Gröszer im Zentrum für aktuelle Kunst, Zitadelle Spandau VonIngeborg Ruthe Das Gesicht ist die menschliche Visitenkarte. Bei dem Berliner Porträtisten Clemens Gröszer (1951–2014) war es aber nie nur Äußerlichkeit. Er malte am liebsten Frauen, einige Männer,die ihm nahe waren, wie die Dichter Karl Mickel und Volker Braun, aber dessen Porträt blieb unvollendet. Freunde, die eigene Familie saßen ihm Modell und berühmte Künstler wie die Komponistin Ruth Zechlin. Er malte die Haut durchlässig für Gefühle. Und Augen, Münder samt schrillem Aufputz als Ausdruck für Sehnsüchte, für Desillusion, Melancholie und Ironie. Bisweilen schaut man auf laszive Posen und verstörende Masken einer wie in Trance erstarrten Gesellschaft –mit Noblesse gemalte Großstadt-Gestalten, so im allerletzten Gemälde „Versuchung“, einem Triptychon. Im ZAK der Zitadelle Spandau sind jetzt die Porträts und Selbstporträts des 2014 früh verstorbenen Malers ausgebreitet, eine postume Hommage für diesen eigenwilligen Maler aus dem Osten der Stadt. Zu DDR- Zeit ausgebildet an der Kunsthochschule Weißensee, AdK-Meisterschüler des Bildhauers Wieland Förster, wurde Gröszer in den Achtzigern Mitglied der schrill-realistischen Gruppe Neon Real. Und durchweg rieb er sich, was in seinem Werk, auch den ausgestellten meisterlichen Grafiken nicht zu übersehen ist, im Stil, in der Maniera an den markantesten Veristen der 1920er- Jahre: Dix, Schad, Schrimpf. Zuweilen auch an Surrealisten und Metaphysikern wie Magritte oder de „Selbst mit Modell“, gemalt 1988 BRANDENBURGISCHE KUNSTSAMMLUNGEN /VG BILDKUNST BONN 2019 Chirico. Und an Alten Meistern wie Cranach. Damit galt Gröszer,der seine Modelle gernmit mittelalterlicher Kleidung und mit extrem spitzen Schuhen versah, als exzentrisch – über 1989/90 hinaus. Und doch sind es allesamt gegenwärtige, moderne Gestalten, diese stark geschminkten Gesichter und Frauenakte mit Kopfputz und exotischem Zubehör, etwa toten, bunten Vögeln, magischen Kugeln, Früchten, Pflanzen wie aus alten Vanitas-Motiven. Oder mit chimärenhaften Puppen und schillernden Fabelwesen wie aus dem Kosmos eines Hieronymus Bosch. Gröszer wusste seine wohlausgesuchten Modelle in Szene zu setzen, so dass sie auf einen zuzukommen scheinen, sich quasi vom Bildgrund lösen. Die beinahe porentiefen Porträts zeigen Blöße und meinen Vergänglichkeit. Alles entstand aus der malerischen Faszination des Körperlichen heraus, das zugleich Wesenhaftigkeit meinte. Gröszers virtuoses Spiel mit perfekten Lasuren war auf das Hervorheben von Individuellem gerichtet, kühn gemischt mit Trivialem. In „Reunion“, 2007, setzte er sich in einer vertikal komponierten Tafel ans obere Ende des Abendmahls-Tisches,auf dem eine Frau wie ein Opfer liegt. Die Hure Babylon-Berlin. Links und rechts Freunde, ratlose Jünger der Kunst. Gröszer war kein Gesellschaftskritiker,sondernein ästhetischer Beobachter und das immer mit gehöriger Distanz. Zitadelle Spandau/ZAK Galerie AlteKaserne, EG. Bis 28. Juli, Fr–Mi 10–17/Do 13–20 Uhr. Parallel ist im ObergeschossKunst der altenund neuenLeipziger Schule zu sehen. Her mit dem Publikum Die Stiftung Preußischer Kulturbesitz will sich öffnen VonNikolaus Bernau Die Staatlichen Museen zu Berlin haben den Ruf, leer zu stehen. Zumindest im Vergleich zu den Museen in London, Parisoder Rom. Der Vergleich sei aber unfair, monierte der Generaldirektor der staatlichen Museen Michael Eissenhauer am Dienstag auf einer Pressekonferenz zur Publikumsentwicklung der Stiftung Preußischer Kulturbesitz. Prozentual gesehen zögen Berlins Institutionen nämlich genausoviel Prozent des verfügbaren Publikums aus Ansässigen und Touristen an wie die hochgelobten Schwestern in London, Paris oder New York: zwischen 20 und 30 Prozent. Nur ist Berlin eben deutlich kleiner als etwa London, Parisoder NewYork. In Sachen Digitalisierung ist die Stiftung Preußischer Kulturbesitz trotz ihrer erlesenen Bestände allerdings tatsächlich immer noch weit hinterher, das gestand sogar Stiftungs-Präsident Hermann Parzinger implizit ein: In Amsterdam oder New York sind die gesamten Museumsbestände im Netz zu recherchieren –in Berlin nicht einmal alle Sammlungskataloge.400 000 Nummernwurden inzwischen verzeichnet –aber von einer Voll-Digitalisierung auch nur der im Humboldt-Forum bald ausgestellten Objekte ist man weit entfernt, und selbst das wären erst ungefähr drei Prozent des Gesamtbestands des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst. Wemgenau nutzt was? Auch sonst ist noch Luft nach oben. DiePreußen-Stiftung weiß etwa derzeit gar nicht, wem der rühmenswertefreie Eintritt für Menschen unter 18 Jahren eigentlich nützt: Schulklassen und Familien mit Kindern, aber sind es Berliner oder auswärtige Klassen und welche sozialen Kreise oder Altersklassen sind in ihnen vertreten? Undwie steht es mit dem Publikum insgesamt? In den Niederlanden wissen selbst kleine Museen so etwas. Immerhin gibt es mit dem Bode- Lab eine Fortbildungsmöglichkeit für junge Museumsleute, etwa hinsichtlich eines stärkeren Einbezugs vonPublikumsideen. Angesichts des konservativen Ästhetizismus, der in Berlin seit den 90er-Jahren dominiertund die Erfolge der Bildungsreformer aus den Siebzigern fast vollständig zunichte machte, darf man das durchaus eine Sensation nennen. Im Staatsarchiv darf man jetzt auch Akten selbst fotografieren, in den Museen gibt es kostenloses Wlan, und die Staatsbibliothek wird nicht nur –jedenfalls für eine Probezeit von zwei Jahren –die Öffnungszeiten erheblich ausweiten, sondern auch die Nutzungsgebühr abschaffen. Ob ausgerechnet ein vor allem der Forschung dienendes Institut so in die Breite geöffnet werden muss, kann man debattieren. Aber es ist ein Signal der Stiftung: Wir wollen uns öffnen. Wemauch immer. TOP 10 Montag,8.April 1 Und tot bist Du! ZDF 6,08 19 % 2 Tagesschau ARD 4,74 16 % 3 Wer wird Millionär? RTL 4,64 15 % 4 heute-journal ZDF 3,92 14 % 5 heute ZDF 3,67 16 % 6 SokoMünchen ZDF 3,58 19 % 7 Wer weiß denn ...? ARD 3,26 18 % 8 RTL aktuell RTL 2,88 13 % 9 Wilde Dynastien ARD 2,83 9% 10 GZSZ RTL 2,78 10 % ZUSCHAUER IN MIO/MARKTANTEIL IN %
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