kodak películas para cine

¿Está Thomas Alva Edison, el mundialmente
reconocido inventor, relacionado con un
desagradable espectáculo deshonesto en la
elegante Park Avenue de Nueva York?
¿Apareció esta sorprendente revelación en
los ecos de sociedad en el verano de 1884?
Seguramente no. Pero estas preguntas
ponen de relieve el hecho de que el genio
creativo de Edison permitió que la floreciente
ciencia de la fotografía fija se aplicase a
“imágenes en movimiento” comercialmente
viables a finales del siglo XIX. Trabajando
estrechamente con otro célebre inventor de
esa época, George Eastman, Edison fue capaz
de combinar la nueva película transparente
EASTMAN (una tira de nitrato de celulosa
transparente recubierta de una emulsión
fotográfica en blanco y negro) y una cámara
fotográfica Kodak muy modificada para realizar
la primera película cinematográfica
auténtica. Para ver esas imágenes en movimiento,
también se desarrolló y demostró por
primera vez en la Feria Mundial de Chicago de
1893 un mecanismo llamado Kinetoscopio.
La reacción del público ante este emocionante
nuevo medio fue arrolladora - surgieron
salones de Kinetoscopio en las ciudades más
importantes del mundo y la demanda de nuevos
títulos parecía insaciable.
Figura 1
Kinetoscopio
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Introducción
En esta primera época, la fascinación por
contemplar un “movimiento captado” fuera
de un escenario - olas rompiendo en la orilla,
gente arremolinada en la plaza de una
ciudad, una locomotora que se dirige amenazadoramente
en silencio hacia la cámara,
era suficiente para atraer a grandes multitudes.
El poder real de este medio recién nacido,
el de contar una historia con imágenes en
movimiento, estaba siendo descubierto por
fotógrafos innovadores, tales como George
Méliès. Este ocasional caricaturista político,
actor y mago estaba fascinado por el potencial
narrativo de la película y, en los primeros
años de siglo XX, desarrolló el concepto
de “escenas preparadas artificialmente”.
Tomando por modelo el mundo del teatro,
Méliès creaba los acontecimientos que necesitaba
para contar su historia con actores y
decorados adecuados, en lugar de depender
de acontecimientos rodados al azar. Este
nuevo enfoque de la “realidad” abrió las
puertas a una narrativa creativa en todo el
mundo y proporcionó una carrera prolífica
y llena de éxitos a Méliès. Su película
número 400, Viaje a la Luna (1902), fue
enormemente popular en todo el mundo.
Otro aspecto de la producción cinematográfica
que hoy damos por conocido, se
refiere al uso creativo del montaje cinematográfico.
Hasta que Edwin S. Porter no
entró en escena en los primeros 1900,
nadie había “montado” sus películas.
Simplemente rodaban la película y proyectaban
los resultados. Inspirado en el uso
innovador de las técnicas teatrales de puesta
en escena y los variados ángulos de
cámara que había observado en las películas
de Méliès, Porter se propuso contar una
historia usando el material que ya había
rodado. Se dio cuenta de que el realizador
de cine tenía la misma libertad para desarrollar
un mundo de ficción que durante
mucho tiempo había estado a disposición
del novelista y el dramaturgo - la capacidad
para cambiar rápidamente las escenas, para
avanzar y retroceder en el tiempo, para
mostrar acciones simultáneas, etc. Con esta
flexibilidad recién descubierta en el monta-
je cinematográfico surgió otra revelación
que simplificaba el proceso de producción:
las escenas de una determinada película no
tenían que ser rodadas en la secuencia de
proyección, porque siempre podían volverse
a montar posteriormente para producir un
mayor impacto.
Porter, un notable innovador de la primera
época de la industria del cine, con
películas tales como Asalto y robo de un
tren (The Great Train Robbery), dirigió a
algunas de las más grandes estrellas (por
ejemplo, Mary Pickford), creó grandes
espectáculos rodados en exteriores como en
La ciudad eterna (The Eternal City) y en
general dejó su sello indeleble en este negocio
de rápido crecimiento antes de retirarse
en 1915.
Esta fructífera colaboración entre el arte y
la tecnología, en la que cada progreso técnico
abría nuevas puertas creativas, dio como
resultado un ciclo evolutivo de perfeccionamientos
continuos y ha caracterizado a la
industria cinematográfica desde el principio.
De hecho, actualmente el proceso está todavía
en marcha con productores de películas
como Titanic y La tormenta perfecta (The
Perfect Storm) que dependen en gran medida
de los ordenadores y otros dispositivos
relacionados con la era espacial para producir
complicados efectos visuales especiales.
Deberían mencionarse en este punto los
dos avances más importantes que modificaron
radicalmente la orientación creativa de
la industria del cine en los años 30: el sonido
sincrónico y las imágenes en color.
Ya en 1901 se tienen noticias sobre experimentos
de grabación óptica de sonido
sobre la película, pero el Cantante de jazz
(The Jazz Singer), de 1927, interpretada por
Al Jolson fue la primera producción de éxito
comercial que combinó el movimiento, la
voz y la música de forma tan efectiva que
formaron parte esencial del mensaje cinematográfico.
Mucha gente de la industria
creyó que las “películas sonoras” eran una
diversión pasajera, un truco publicitario.
Sin embargo, al cabo de un año, los principales
estudios se estaban preparando para
producciones totalmente sonoras, los fabri-