vivilcinema 5-09 ok def_Layout 1 - Fice

ANNO IX - NUOVA SERIE - N.5 - SETTEMBRE/OTTOBRE 2009 - Euro 3,00 - SPED. ABBONAMENTO POSTALE 70% - FILIALE DI ROMA 

numero52009 

Bimestrale d’informazione cinematografica edito dalla FICE - Federazione Italiana Cinema d’Essai 

Speciale Festival di Roma 

Tutti i film 

Angelini Diritti 

di Robilant Maiorca 

interviste 

John Lasseter 

Coppola, Cruz 

Filiberti, Haneke 

Lee, Maoz 

Melchionna, Moore 

Ozon, Paunescu 

Di me cosa ne sai 

di Valerio Jalongo 

Un’analisi critica 

del cinema italiano 

Gli abbracci 

spezzati 

di Pedro Almodovar 

speciale 

Incontri del Cinema 

d’Essai a Mantova 

Le anteprime 

Le riflessioni 

I Premi Fice 

Vota il film d’essai: 

i vincitori

MEDUSA FILM 

presenta 

DAL 16 OTTOBRE AL CINEMA 

www.medusa.it 

Ph. Francesca Martino / photomovie

numero52009 

Bimestrale d’informazione cinematografica edito dalla FICE - Federazione Italiana Cinema d’Essai 

ANNO IX - NUOVA SERIE - N.5 - SETTEMBRE/OTTOBRE 2009 - Euro 3,00 - SPED. ABBONAMENTO POSTALE 70% - FILIALE DI ROMA 

Speciale Speciale Festival Festival di Roma Roma 

Tutti i film 

Angelini Diritti 

di Robilant Maiorca 

interviste 

John Lasseter 

Coppola, Cruz 

Filiberti, Haneke 

Lee, Maoz 

Melchionna, Moore 

Ozon, Paunescu 

Di me cosa ne sai 


Un’analisi critica 

del cinema italiano 

Gli abbracci 

spezzati 


speciale speciale 

Incontri del Cinema 

d’Essai a Mantova 

Le anteprime 

Le riflessioni 

I Premi Fice 

Vota il film d’essai: 

i vincitori 

n.5/2009 

Cover story 

33 Gli abbracci 

spezzati 


(Marco Spagnoli) 

In copertina: Penelope Cruz 

Speciale 

6 Incontri del Cinema d’essai di Mantova 

(Mario Mazzetti) 

8 I premi FICE - Vota il film d’essai: i vincitori 

Interviste 

10 Michael Haneke (Anna Maria Pasetti) 

12 Francis Ford Coppola (Federico Pontiggia) 

14 Michael Moore (Marco Spagnoli) 

16 Luciano Melchionna (Barbara Corsi) 

18 Marco Filiberti (Federico Pontiggia) 

32 Ang Lee (Marco Spagnoli) 

34 Samuel Maoz (Marco Spagnoli) 

35 Bobby Paunescu (Barbara Corsi) 

36 John Lasseter (Marco Spagnoli) 

37 François Ozon (Anna Maria Pasetti) 

Speciale Festival di Roma 2009 

20 Il Festival: tutti i film (Mario Mazzetti) 

24 Donatella Maiorca (Franco Montini) 

26 Alessandro Angelini (Barbara Corsi) 

28 Giorgio Diritti (Davide Zanza) 

30 Alessandro di Robilant (Franco Montini) 

Rubriche 

4 Notizie 

50 Cult dvd (Gabriele Spila) 

51 Cinema di carta (Chiara Barbo) 

52 Mondo d’essai 

Lionello Cerri (Marta Proietti) 

53 Detour (Umberto Ferrari) 

54 Colonna sonora (Mario Mazzetti) 

Schede critiche 

33 GLI ABBRACCI SPEZZATI 

47 BERLIN CALLING 

48 BRÜNO 

43 CAPITALISM: A LOVE STORY 

47 CHE FINE HA FATTO OSAMA BIN LADEN? 

49 500 GIORNI INSIEME 

49 DIAMOND 13 

42 DI ME COSA NE SAI 

38 LA DOPPIA ORA 

35 FRANCESCA 

46 GENOVA 

42 GOOD MORNING AMAN 

34 LEBANON 

32 MOTEL WOODSTOCK 

40 IL NASTRO BIANCO 

45 NEMICO PUBBLICO 

46 NORD 

48 NORTH FACE 

43 PARNASSUS L’UOMO CHE VOLEVA INGANNARE IL DIAVOLO 

37 RICKY 

40 SEGRETI DI FAMIGLIA 

38 LO SPAZIO BIANCO 

45 L’UOMO CHE FISSA LE CAPRE 

36 UP 

VIVILCINEMA 

Bimestrale d’informazione 

cinematografica 

fondato da Claudio Zanchi 

n°5/2009 nuova serie 

Settembre/Ottobre 2009 

Direttore responsabile: Mario Mazzetti 

editoriale 

Cibo per l’anima 

Parafrasando uno dei film più apprezzati di Venezia, 

rilanciato dagli Incontri d’essai di Mantova, vorremmo 

infondere ottimismo in un momento assai confuso, 

anche guardando ai nostri colleghi d’Oltralpe 

Se la visione a Venezia di un piccolo gioiello come Soul kitchen di Fatih Akin 

– che bel titolo, la cucina dell’anima, rievoca il cibo per la mente che le nostre sale ambiscono 

a preparare per un pubblico esigente – fa sperare in nuovi titoli capaci di coniugare tematiche 

sociali e un sano divertimento (un po’ come i film del nostro Virzì), l’annuale appuntamento 

degli Incontri del cinema d’essai, quest’anno per la prima volta nella magnifica cornice di 

Mantova, segna il ritorno della voglia di confrontarsi, dibattere, riunire rappresentanti di 

tutte le categorie del cinema per rimboccarsi le maniche, allontanare lo spettro della crisi che 

è culturale oltre che economica, investendo delle istanze di vivibilità del territorio anche gli 

enti locali, le regioni e lo stato. E seppure non stiamo vivendo tempi rassicuranti e 

incoraggianti per le imprese che investono in cultura cinematografica, l’occasione conviviale ci 

spinge all’ottimismo della volontà, auspicando per le sale che la nostra associazione 

rappresenta il rilancio oltre la sopravvivenza, un ruolo utile alle comunità urbane, ad un 

pubblico che ha un’età media non proprio da teenager e che ha il diritto di vedere film 

stimolanti, diversificati, non soltanto roboanti di effetti speciali. Che la convivenza tra generi, 

stili, approcci produttivi sia possibile lo dimostra il fatto che una major americana, con Gran 

Torino e Si può fare, ha vinto entrambi i premi assegnati dai nostri lettori, parallelamente 

alla crisi di identità di alcuni dei distributori storici del nostro settore. 

Ottimismo, si diceva: e allora non soltanto salutiamo con gratitudine talenti come Francesca 

Archibugi, Giovanna Mezzogiorno, Antonio Albanese, l’attrice palestinese e cittadina del 

mondo Hiam Abbass, artigiani impagabili come Marco Onorato, Pivio & Aldo De Scalzi, un 

produttore di sostanza come Riccardo Tozzi, i registi esordienti Claudio Noce e Valerio Mieli – 

ovvero i premi Fice 2009; apprestiamoci a intensificare la collaborazione con il Nice per 

promuovere il cinema italiano all’estero (primo passo a Seattle, a metà novembre); ma 

guardiamo all’esempio dei cugini francesi, il cui modello di sostegno al cinema è da sempre 

considerato un punto di riferimento purtroppo inarrivabile. Nell’ultimo editoriale della rivista 

dell’omologa associazione francese, il collega Patrick Brouiller si rallegra per un’estate di qualità 

rivelatasi superiore alle aspettative (da noi neanche l’ombra di un film…) e, a fronte della 

diminuzione del periodo che intercorre tra l’uscita in sala di un film e il successivo sfruttamento 

in home video (la cd. “finestra”), si compiace della contropartita ottenuta dall’esercizio 

tradizionale: l’aumento del 30% del premio ministeriale per le sale d’essai di taglia mediopiccola: 

imprese sempre più fragili ricevono ossigeno per portare avanti la loro attività culturale, 

in quanto il loro ruolo viene riconosciuto dai poteri pubblici come necessario e utile. Tutto ciò 

palesa l’esistenza di un dialogo fuori e dentro la professione, del rispetto e del riconoscimento 

per il valore di un settore strategico anche per la diffusione della produzione nazionale. 

E da noi? Un ministro della repubblica parla di “culturame”, di “parassiti” e via insultando 

alla vigilia della chiusura della Mostra veneziana, incassando la solidarietà del nostro ministro 

di riferimento. A parte il sospetto che, mentre le risorse pubbliche per il settore continuano a 

diradarsi, tali esternazioni siano strumentali per sollevare il polverone, anche figure un tempo 

critiche nei confronti del sistema di aiuti alla produzione riconoscono che con le modifiche del 

2004 è cambiato (in meglio) il rapporto tra stato finanziatore e produttori assistiti. Lo ha 

dimostrato, con dovizia di dati, il bimestrale del Sindacato Giornalisti Cinemagazine, nel 

numero veneziano, analizzando costi e incassi delle opere sovvenzionate dal 2005 al 2009. Per 

cui, la trentina di milioni di euro (mai così pochi) destinati quest’anno al cinema italiano 

saranno ben spesi, anche se la nostra quota di mercato ha perso terreno rispetto al 2008 – 

anzi, proprio per questo. A noi, alle associazioni del settore, non resta che rimboccarci le 

maniche, a Mantova ma anche all’incontro nazionale promosso dall’Anec per l’11 novembre a 

Milano, per rilanciare dialogo e confronto a tutto campo. Nonostante gli insulti. 

MARIO LORINI 

presidente FICE 

Hanno collaborato a questo numero: Chiara Barbo, Domenico Barone, Barbara Corsi, 

Umberto Ferrari, Mario Lorini, Mario Mazzetti, Franco Montini, Anna Maria Pasetti, Cristiana 

Paternò, Federico Pontiggia, Marta Proietti, Marco Spagnoli, Gabriele Spila, Davide Zanza 

...Segreteria per l’editore: Stefania Trenca ...Progetto grafico: Geppy Sferra 

...Editore per conto della Fice: Spettacolo Service srl, via di Villa Patrizi 10, 00161 

Roma, tel. 06/884.731 - Rivista fondata dalla Coop. L’Atelier di Firenze, pubblicata 

dalla Fice: via di Villa Patrizi 10, 00161 Roma, tel. 06/884.731, fax 

06/440.42.55 ...e-mail: fice@agisweb.it ...web: www.fice.it ...Fotocomp. 

e stampa: Inprinting srl, Via Dalbono 35, Roma 

...Abbonamento annuo: euro 15,00 sul C.C. Postale n° 61358016 intestato a 

Spettacolo Service srl, Via di Villa Patrizi 10, 00161 Roma - Numeri arretrati euro 

2,50 ...Concess.ria esclusiva per la pubblicità: A.P.S. ADVERTISING srl - Via Tor de' 

Schiavi, 355 - 00177 Roma - Tel. 06.89015166 - 06.89015167 

www.apsadvertising.it, info@apsadvertising.it ... 

Reg. Trib. di Roma n. 382 dell’ 11/9/2000 (già Trib Firenze n. 3642 del 

17/12/1987) Sped. Abb. postale 70% 

Chiuso in redazione il 28/9/2009 - stampato per conto della 

Inprinting srl presso lo stabilimento “Grafiche PFG” Spa 

VIVILCINEMA settembreottobre09 3

notizie fice 

NUOVE COMMISSIONI MINISTERIALI 

Rinnovate le commissioni ministeriali, da quella che attribuisce le 

qualifiche film d’essai – entrano il presidente del sindacato giornalisti 

Laura Delli Colli, affiancata da Emilia Costantini, Sara Cortellazzo e Carlo 

Montanaro – alla commissione per i film di interesse culturale (ne fanno 

parte Antonio Ferraro, Enrico Magrelli, Dario Viganò, Rosaria Marchese, 

Oscar Iarussi, Francesco Gesualdi), per le opere prime e i cortometraggi 

(Carlo Cozzi, Anselma Dell’Olio, Antonia Postorivo, Massimo Bergami) e 

per la promozione (Osvaldo De Santis, Ettore Albertoni, Gianluigi 

Paragone, Paride Leporace). Avvicendamento di cariche alla Direzione 

generale cinema: Mariella Troccoli cede a Marina D’Andrea la dirigenza 

del settore cinema e promozione (responsabile per le sale d’essai) e 

prende il posto del veterano Francesco Ventura alla guida della 

produzione italiana. 

BELLOCCHIO IN 

EMILIA ROMAGNA 

La Fice Emilia Romagna promuove la 

rassegna Immagini del potere. Il cinema di 

Marco Bellocchio assieme a Regione e 

Sindacato Critici: tra novembre e dicembre 

10 sale d’essai di Modena, Bologna, Reggio 

Emilia, Piacenza, Parma, Forlì, Cesena e Faenza programmeranno 

l’intera produzione del regista, che incontrerà il pubblico in diverse 

occasioni. Luisa Ceretto e Gianfranco Casadio hanno curato la 

pubblicazione monografica. 

GIORNATE PROFESSIONALI 

A SORRENTO 

Mentre il cinema d’essai si riunisce a Mantova, fervono i lavori per la 

XXXII edizione delle Giornate Professionali di Cinema, l’incontro 

annuale di tutta l’industria cinema per la presentazione dei listini del 

2010, anteprime, trailer, dibattiti e i “Biglietti d’Oro” Anec a campioni al 

botteghino e talenti emergenti. Confermata la sede di Sorrento, dal 30 

novembre al 3 dicembre con molti eventi per la cittadinanza. 

CINEMA DI CITTÀ ALLA RIBALTA 

Un campanello d’allarme a sostegno dei cinema di città, le sale 

tradizionalmente dedite alla programmazione di cinema di qualità, che 

risentono più dei grandi complessi extraurbani di crisi e concorrenza, è 

stato lanciato dall’Anec: proposte, dibattiti con Regioni, Stato ed Enti 

locali e una conferenza nazionale da tenersi a Milano l’11 novembre. La 

Fice aderisce ai lavori e contribuisce alla fase propositiva, consapevole 

del fatto che molte di queste sale sono anche sale d’essai. 

I giurati del Leoncino d’oro 

AGISCUOLA E GLI ALTRI 

Il Leoncino d’oro 2009 di Agiscuola, assegnato a 

Venezia da 24 ragazzi, ha visto trionfare 

Capitalism: a love story di Michael Moore. 

Notevole l’albo d’oro delle 20 edizioni 

precedenti: Avati, Wes Anderson, Park Chan- 

4 VIVILCINEMA settembreottobre09 

NOWHERE BOY 

APRE TORINO 

Gli anni di formazione del giovane 

John Lennon al centro del film che 

apre il 27° Torino Film Festival, il primo 

diretto da Gianni Amelio, il prossimo 

13 novembre: è Nowhere boy di Sam 

Taylor Wood, con Aaron Johnson nei 

panni del “working class hero”, Kristin 

Scott-Thomas in quelli della zia, Anne- 

Marie Duff (la madre ritrovata) e 

Thomas Sangster (Paul McCartney). Tra 

le novità dell’edizione 2009, il neonato 

premio 8½ a Francis Ford Coppola ed 

Emir Kusturica. 

wook, Kim Ki-duk, Bellocchio, Leconte, Giordana, Kusturica, Lelouch, 

Virzì, Tornatore, Kieslowski, Sautet, Gilliam, la Campion. 

Sempre a Venezia, tra i premi collaterali: il premio Cicae dei cinema 

d’essai a Io sono l’amore di Luca Guadagnino (tra i giurati il nostro 

Rocco Frontera); il Premio Pasinetti del Sindacato Giornalisti a Lo 

spazio bianco di Francesca Comencini (la Buy migliore attrice, 

Filippo Timi miglior attore per La doppia ora); il premio Europa 

Cinémas a The last days of Emma Blank di Alex van Warmerdam, il 

Premio Regione Veneto della Settimana della Critica al magnifico 

Tehroun di Takmil H. Nader. 

FICE E NICE A SEATTLE 

Le opere selezionate per la XIX 

settimana di cinema italiano (15-22 

novembre) del Nice (New italian 

cinema events) a San Francisco, New 

York e da quest’anno Seattle – con la 

collaborazione della Fice – sono: Pa- 

PA-RA-DA Ra-Da, Lezione 21, Ex, La siciliana 

ribelle, Diverso da chi?, La casa 

sulle nuvole, Viola di mare. Eventi speciali: omaggio a Marco Risi, 

Vincere e gli ultimi Piccioni e Archibugi. 

CORSO CICAE A SAN SERVOLO 

Si è concluso il 9 settembre scorso il sesto Corso di formazione 

internazionale per esercenti d’essai Art cinema = Action + Management, 

organizzato dalla Cicae con la Fice nell’ambito del programma Media 

della UE nell’isola veneziana di San Servolo, nei giorni della Mostra: 

dieci giorni di permanenza per 56 persone di 21 paesi (19 europei più 

Algeria e Marocco), 68 ore di corsi con conferenze, studio di casi e 

workshop proposti da 47 docenti. 

ITALIA AD ANNECY E IN GERMANIA 

Come ogni anno, il cinema italiano sbarca ad Annecy (fino al 6 ottobre) 

per il festival del cinema italiano: 60 opere tra lunghi e doc, anteprime e 

retrospettive (Jean-Louis Trintignant attore “italiano”, omaggio alla 

Puglia con premio Sergio Leone a Edoardo Winspeare, i 20 anni della 

Fandango). In concorso Sbirri di Burchielli, Diverso da chi? di Carteni, 

La pivellina di Covi/Frimmel, Aria di D’Annunzio, Pandemia di Lucio 

Fiorentino, La bella gente di Di Matteo, Good morning Aman di 

Noce, Dall’altra parte del mare di Sarto, Velma di Tomaselli. 

Partito anche Made in Italy, rassegna di cinema italiano in Germania a 

cura di Franco Montini, Piero Spila e Francesco Bono. Ad aprire Si può 

fare di Manfredonia, ospite ad 

Amburgo, seguito da Piccioni e 

Molaioli che il 2 ottobre ha presentato 

La ragazza del lago. In programma 

anche le opere di Avati, Brizzi, 

Winspeare, in tour fino al 12 dicembre 

quando il film più gradito dal pubblico 

si assicurerà la distribuzione in 

LA BELLA GENTE 

Germania. 

IL PROFETA 

GLI EFA DEL 

CINEMA EUROPEO 

48 film in rappresentanza di 25 paesi sono 

stati selezionati dalla European Film 

Academy per l’attribuzione degli annuali 

premi del cinema europeo. Gli italiani 

Pranzo di Ferragosto, Questione di cuore e Vincere se la vedranno 

con i francesi Il profeta, Coco avant Chanel, Séraphine e Welcome; 

gli inglesi The reader, Fish tank, The millionaire e Il mio amico Eric 

(a Ken Loach anche il premio alla carriera); gli spagnoli Camino e Gli 

abbracci spezzati e ancora La banda Baader Meinhof, Uomini che 

odiano le donne, Lasciami entrare, Antichrist, il greco Dogtooth, il 

romeno Police, adjectiv, l’ultimo Wajda e The time that remains del 

palestinese Suleiman. La XXII edizione dei premi EFA si svolgerà in 

Germania, a Bochum, il 12 dicembre.

LUX D’EUROPA 

Ancora sostegno al cinema europeo con il Premio Lux 2009 del 

Parlamento Europeo per valorizzare ricchezza e diversità del cinema del 

continente: al vincitore saranno finanziati i sottotitoli nelle 23 lingue 

della UE e la produzione di una copia per ciascuno stato membro. Tre 

opere finaliste annunciate a Venezia: il bulgaro Eastern plays di 

Kamen Kalev, il francese Welcome di Philippe Lioret ed il tedesco 

Sturm di Hans-Christian Schmid. 

Nel frattempo, il Consiglio europeo ha approvato il programma di 

cooperazione tra Europa e paesi terzi, Media Mundus, che dal 2011 al 

’13 destinerà 15 milioni di euro per la distribuzione extraeuropea di 

opere continentali e viceversa. 

OSCAR, AL VIA LE SEGNALAZIONI 

Tempo di segnalazioni per l’Oscar al miglior film 

straniero: la Francia ha scelto Il profeta di 

Jacques Audiard, Grand Prix a Cannes 2009, la 

Corea il campione d’incassi Mother di Bong 

Joon-ho, la Svezia la tragicommedia 

Involuntary, la Finlandia Letters to father 

Jacob, Israele Ajami (anteprima Fice a 

Mantova), l’Ungheria Chameleon, l’Olanda The 

silent army, Taiwan Prince of flowers (già a Venezia), il Canada J’ai 

tué ma mère, la Slovenia Landscape n. 2 (lo scorso anno alle Giornate 

degli Autori), il Belgio La merditude des choses, la Svizzera Home con 

la Huppert e il Giappone – vincitore lo scorso anno con Departures – il 

poliziesco Nobody to watch over me di Kimizuka. La commissione di 

produttori ed esperti italiani ha scelto quando questo numero era già in 

stampa il candidato tricolore tra Vincere, Baaria, Fortapasc, Il grande 

sogno e Si può fare. Nomination il 2 febbraio, statuette il 7 marzo. 

LA MERDITUDE DES CHOSES 

AVVICENDAMENTI SOCIETARI 

L’autunno porta con sé cambi della guardia in alcune compagini del 

settore. Valter Casini è il nuovo amministratore unico di Circuito 

Cinema, la più vasta rete di sale di qualità che ha tra i soci Bim, Lucky 

Red, Mikado, Medusa, Cinecittà Luce, a seguito delle dimissioni 

dell’intero CdA. Già amministratore delegato, Fabio Fefé rimane in 

carica come programmatore. Ha invece cambiato assetto proprietario la 

prestigiosa Mikado, la cui quota di maggioranza è stata ceduta da 

DeAgostini a Franco Tatò e Sonia Raule. 

LA CARRIERA DI PRECIOUS 

Già premiato e applaudito al Sundance e a Cannes, la stroria 

drammatica dell’adolescente obesa e incinta ha vinto il premio del 

pubblico al 34° Toronto Film Festival: è Precious: based on the novel 

“Push” by Sapphire, di Lee Daniels, con Gabourey Sidibe e, tra i 

comprimari, Lenny Kravitz e Mariah Carey. Al Marché di Cannes era 

venduto a peso d’oro ai distributori: approderà mai in Italia? 

FORTAPASC 

GALA DEL 

CINEMA E FICTION 

In scena il Gala del cinema e fiction 

made in Campania, il 10 ottobre al 

Castello Medievale di Castellamare 

di Stabia a cura della Film 

Commission Campania, direttore 

artistico Marco Spagnoli. In lizza per il miglior film Fortapasc, Lo 

spazio bianco e Tris di donne & abiti nuziali, come miglior fiction e 

serie tv Un posto al sole, La nuova squadra e 7 vite. 

RASSEGNE E FESTIVAL 

10 e 11 ottobre a Ostiglia: Come dio comanda di Ammaniti/Salvatores, 

Caos calmo di Veronesi/Grimaldi e Amore, bugie e calcetto di 

Bonifacci/Lucini si contendono il Premio Arnoldo Mondadori, Un libro al 

cinema (www.teamitalia.com) …Scenari Orizzontali a Novara dal 13 al 

17/10, festival per cortometraggi (novaracinefestival.com) …Mestre Film 

Fest dal 20 al 24/10 per corti da tutto il mondo 

(centroculturalecandiani.it) …Viennale International Film Festival nella 

capitale austriaca dal 22/10 al 4/11 per lunghi, doc e opere sperimentali, 

tributo a Tilda Swinton e Lino Brocka, retrospettiva The unquiet 

notizie 

American sulle commedie trasgressive Usa (viennale.at) …Dal 24/10 

all’1/11 Festival del cinema latino americano di Trieste 

(cinelatinotrieste.org) …Scade il 15/11 il bando per la IX edizione del 

Roma Independent Film Festival (concorso, New frontiers per opere 

prime, doc, corti e animazione), dall’11 al 19 marzo 2010 (riff.it) 

…Science+Fiction, festival della fantascienza a Trieste dal 22 al 28/11: in 

programma la trilogia manga 20th century boys, One di Peter 

Sparrow da un racconto di S. Lem, l’horror natalizio The children e 

l’opera seconda di Zampaglione Shadow (produce Dario Argento); 

Premio Urania d’Argento a Roger Corman (scienceplusfiction.org) 

…Tertio Millennio Film Fest “Forme di resistenza” alla sala Trevi di Roma 

dal 30/11 al 6/12, a cura dell’Ente dello Spettacolo 

(tertiomillenniofilmfest.org) …IX River to river. Florence Indian film 

festival a Firenze dal 4 al 10 dicembre: lunghi, corti, doc indiani, 

retrospettiva Guru Dutt (rivertoriver.it) …Dal 21 al 28 gennaio Trieste 

Film Festival per film, corti e doc dell’Europa centrale e orientale, 

omaggio alla Grecia (triestefilmfestival.it). 

SI GIRA NEL MONDO 

La vita all’Aquila dopo il terremoto ne La città invisibile di Giuseppe 

Tandoi, riprese in corso …20 sigarette di Aureliano Amadei parla 

dell’esperienza italiana a Nassiriya: il regista è l’unico supersite 

dell’attentato che fece 19 vittime sei anni fa (vi si recò come aiuto 

regista di Stefano Rolla). Nel cast Carolina Crescentini e Giorgio 

Colangeli …Esordio alla regia di Rocco Papaleo con Basilicata coast to 

coast, con Alessandro Gassman, Giovanna Mezzogiorno, Paolo 

Briguglia e lo stesso autore … Bilal, ispirato al romanzo di Fabrizio Gatti 

e sceneggiato da Rulli & Petraglia, parla di immigrazione clandestina 

…Dopo i Diari premiati a Cannes, Attilio Azzola prepara Canzoni per il 

viaggio ed il tempo presente, indagine sulle band giovanili 

…Giuliano Montaldo prepare con Andrea Purgatori L’industriale, sulla 

crisi economica …La ritirata in Russia al centro de La seconda via, 

finalista del Solinas, diretto da Alessandro Grilli …Tra i ghiacci del 

Monte Rosa Andrea Papini gira La misura del confine, riprese con 

camera digitale Red 4k …Matrioska di Marco Di Gioia analizza vecchie 

tensioni tra Italia e Svizzera …È ispirato a Schnitzler Gioco all’alba di 

Andrea Bolognini …Guillermo del Toro produce Los ojos de Julia di 

Guillem Morales, nuovo horror catalano …La processione al Calvario di 

Pieter Bruegel ha ispirato The mill and the cross di Lech Majeski, con 

Rutger Hauer e Charlotte Rampling …Colin Firth e Geoffrey Rush in The 

king’s speech di Tom Hooper su Giorgio VI, padre della regnante 

Elisabetta II …Sam Mendes, dopo l’ancora inedito Away we go, prepara 

Netherland su sceneggiatura di Christopher Hampton, storia di un 

agente di cambio trasferitosi nella New York del dopo 11/9 e del cricket 

come valvola di sfogo …Il centurione Marcus Aquila, il Vallo di Adriano 

e il mistero della Nona Legione in The eagle of the ninth di Kevin 

Macdonald con Channing Tatum e Donald Sutherland …Daniel Auteuil 

è Un homme très recherché per Isabelle Mergault, al fianco di Sabine 

Azéma …Zhang Yimou prepara Amazing tales of 3 guns, film in due 

parti (thriller e commedia) …Jean-Jacques Annaud girerà Wolf totem, 

kolossal cinese su uno studente che ammaestra un lupo nella Mongolia 

anni ’70 …Premiato a Cannes, Christoph 

Waltz sarà un ambizioso uomo di mafia in 

The green hornet di Michel Gondry, con 

Cameron Diaz e Seth Rogen …Suzanne Biel 

torna in Danimarca per girare The revenge, 

scritto col fido Anders Thomas Jensen 

…Gérard Depardieu pesa 110 kg e vive in 

roulotte con la madre: accade ne La tête en Christoph Waltz 

friche di Jean Becker …Shogun e missione 

suicida in 13 assassins, remake a firma Miike Takashi del film del ’63 

…L’invenzione del vibratore nell’Inghilterra puritana nella commedia 

Hysteria di Tanya Wexter, con Sally Hawkins e Rupert Everett …Léos 

Carax torna al cinema con The beast, una storia d’amore lunga 20 anni 

…Stephen Fry nel film tratto dal suo libro The liar, regia di Tony Hagger 

con Ian McKellen …Stagista in uno studio legale difende un noto 

contrabbandiere: è l’incipit de L’avocat di Cédric Anger con Benoît 

Magimel e Gilbert Melki …Freakonomics è un documentario a episodi 

diretti tra gli altri da Morgan Spurlock e Alex Gibney ...Christopher Lee 

in Invasion of privacy, nuovo thriller della rinata Hammer Films con 

Hillary Swank. 


Metti, una sera a Mantova 

Tante buone ragioni per essere 

alla nona edizione degli Incontri del cinema 

d’essai (6-8 ottobre): la prima e più evidente 

è lo skyline mozzafiato della città dei 

Gonzaga, che colpisce a sorpresa percorrendo 

il ponte sul lago. Una città a misura d’uomo, 

Mantova, con un’offerta culturale da fare 

invidia a tante amministrazioni comunali, dal 

festival della letteratura alle numerose mostre 

che si avvicendano – in questo periodo, tra le 

altre, gli scatti del Tazio Nuvolari fotografo, al 

Palazzo Te fino al 18 dicembre, e le creazioni 

serpeggianti di Stefano Arienti, al Palazzo 

Ducale fino al 6 gennaio. E adesso il cinema, 

con l’annuale incontro delle sale d’essai che 

raduna circa 400 tra esercenti, produttori, 

distributori, autori e professionisti di un settore 

che ha tanta voglia di riflettere sul proprio 

presente e sul proprio futuro, su un’offerta di 

cinema che si evolve come le aziende che lo 

distribuiscono, non sempre a beneficio della 

diversità culturale e del pluralismo, mentre la 

crisi economica e una concorrenza sempre più 

accesa rischiano di pregiudicare l’attività di 

tante sale “tradizionali” dei centri cittadini, 

baluardo della programmazione in buona 

misura italiana che accontenta quella fascia di 

pubblico “over 30”, zoccolo duro del segmento 

di mercato. Una di queste sale “benemerite”, la 

multisala Ariston, costituisce la sede principale 

della manifestazione, affiancata dalla cornice 

incomparabile del Teatro del Bibiena (avete 

presente i piccoli teatri definiti “bomboniere”? 

Mai definizione fu più azzeccata!) per la 

consegna dei premi Fice per un anno di cinema 


speciale incontri Fice 

d’autore; dal Palazzo della Ragione di Piazza 

delle Erbe per la festa in onore dei premiati e 

dal cinema Mignon per la selezione di Venezia 

Orizzonti, che fa seguito all’intesa stipulata da 

Agis e associazioni aderenti con la Biennale 

Cinema per una promozione congiunta delle 

rispettive attività. 

E allora, accanto alle consuete anteprime 

nazionali e alla riproposta del meglio dei 

principali festival, spazio al dibattito, al 

famigerato dibattito tanto temuto da molti 

cinefili, per analizzare, proporre e soprattutto 

dialogare tra i tanti settori che portano avanti 

con crescenti difficoltà l’industria cinema 

italiana. È affidato a Lionello Cerri, produttore 

ed esercente doc, il coordinamento della 

tavola rotonda Ruolo e identità del cinema 

d’essai oggi: un’impresa possibile, ricognizione 

a tutto campo dell’attività del settore, delle 

criticità e dei terreni di sviluppo e 

salvaguardia, che coinvolge assessori alla 

cultura di regioni ed enti locali, direzione 

generale cinema del ministero per i beni e le 

attività culturali, produttori “illuminati” come 

Riccardo Tozzi e Angelo Barbagallo, 

distributori leader come Valerio De Paolis (Bim 

distribuzione, che ha portato a casa i principali 

tre premi all’ultima Mostra di Venezia) e Luigi 

Lonigro (01 distribution), autori e 

sceneggiatori e poi giornalisti esperti come 

Laura Delli Colli, presidente del Sindacato 

giornalisti cinematografici. Sarà Franco 

Montini, giornalista e presidente del Comitato 

film d’arte e cultura (Fac) a illustrare la nuova 

pubblicazione dal titolo Autorialità e cinema 

Man 

SOUL KITCHEN 

Nuova sede per gli “Incontri Fice del cinema d’essai”, con una rinnovata vocazione 

all’approfondimento dei temi di attualità e molte anteprime beneauguranti per la 

programmazione di qualità. Angelini, Diritti e Soldini tra gli ospiti 

di genere, che analizza col contributo di critici 

ed esperti i rapporti molto stretti tra cinema 

d’autore e quei generi che hanno fatto la 

fortuna del nostro cinema. E poi, il lustro e la 

competenza della Bocconi di Milano ad 

illustrare un’indagine denominata Dal word of 

mouth al word of mouse: esercenti e 

distributori alle prese con i nuovi media per 

promuovere lo spettacolo cinematografico, 

svolta per il progetto Schermi di Qualità volto a 

promuovere la diffusione del cinema italiano ed 

europeo in tutto il territorio: uno studio sulla 

migliore promozione possibile per accrescere la 

redditività della produzione di qualità. Non 

ultima, la presenza del regista Valerio Jalongo 

che presenta Di me cosa ne sai, documentario 

sugli ultimi trent’anni (di difficoltà) della nostra 

industria cinema, lucida analisi delle cause del 

declino culturale prima che produttivo, a 

cominciare dal diffondersi della tv commerciale. 

Le anteprime 

Accanto alle anteprime per la città di Mantova 

(Lo spazio bianco di Francesca Comencini, 

Genova di Michael Winterbottom e North face 

di Philipp Stöltz, spettacolare ricostruzione della 

sfortunata scalata alla Parete Nord dell’Eiger), ai 

film di Venezia Orizzonti (Io sono l’amore di 

Luca Guadagnino, Il colore delle parole di 

Marco Simon Puccioni, il vietnamita Adrift di Bui 

Thac Chuyen ed il film russo a episodi sull’amore 

Crush) e all’omaggio al premio Fice Giovanna 

Mezzogiorno – il bel documentario Negli occhi 

di Anzellotti & Del Grosso dedicato al padre 

Vittorio, coprodotto dall’attrice che intervista i

tova 2009 

numerosi autori, attori, intellettuali e familiari 

(da Montaldo a Placido, da Peter Brook alla 

madre Cecilia Sacchi) – saranno presentati 

alcuni corti di registi mantovani, supportati 

dalla Fondazione Bam. Mancano alcuni titoli 

destinati al Festival di Roma ma non 

mancheranno alcuni dei loro autori con trailer 

e sequenze: Giorgio Diritti presenta le prime 

immagini de L’uomo che verrà, la 

ricostruzione della strage di Marzabotto; 

Alessandro Angelini porta a Mantova i primi 

20’ di Alza la testa con Sergio Castellitto. Ad 

affiancarli, Silvio Soldini presenta le prime 

immagini di Cosa voglio di più, una 

produzione Lumière con Alba Rohrwacher e 

Pierfrancesco Favino. 

Questi i titoli delle anteprime per i numerosi 

accreditati: 

GLI ABBRACCI SPEZZATI 

di Pedro Almodovar (Spagna) 

Finalmente in Italia, in anteprima sull’uscita di 

novembre, l’ultima opera del maestro iberico, 

ingiustamente bistrattata in patria, in concorso 

a Cannes: una summa del suo cinema che 

incolla allo schermo per due ore con la sua 

trama finissima controllata al millimetro; una 

vicenda di passioni, rancori, delitti con un cast 

al solito magistralmente diretto e una cura 

formale prodigiosa. Da non perdere. 

AJAMI 

di Scandar Copti & Yaron Shami 

(Israele-Germania) 

Il film ha chiuso la Quinzaine des Réalisateurs a 

Cannes 2009 ed è la cronaca asciutta e 

drammatica del conflitto tra ebrei, musulmani e 

cristiani in un quartiere di Jaffa, dove il 13enne 

Nasri e il fratello maggiore Omar vivono nel 

terrore per l’oltraggio che lo zio ha perpetuato 

a un influente boss della zona. Una storia di 

sopravvivenza, vendetta, oppressione. 

IL CANTO DELLE SPOSE 

di Karin Albou (Tunisia-Francia) 

Dopo il successo del libanese Caramel 

all’edizione 2007, la Archibald propone una 

nuova regista maghrebina con la storia, molto 

apprezzata a Torino, dell’amicizia femminile tra 

un’araba e un’ebrea nel Nord Africa sconvolto 

dalla Seconda Guerra Mondiale. Un film delicato 

che potrebbe rivelarsi una felice sorpresa. 

500 GIORNI INSIEME 

di Marc Webb (Usa) 

Prima mondiale al Sundance, ha aperto il 

Festival di Locarno e adesso chiude gli Incontri 

Fice questa esilarante commedia, opera prima di 

un video maker che descrive una storia d’amore 

a senso unico, un racconto in flashback lungo 

500 giorni. Cinefilia e musica a profusione, a 

cominciare dagli Smiths, con un gran lavoro al 

montaggio. 

DEPARTURES 

di Yojiro Takita (Giappone) 

Ha vinto l’Oscar per il film straniero e in Italia è 

stato “importato” dal Far East Festival. 

Raffinato, delicato, una insolita commedia 

agrodolce: un violinista senza fortuna è 

costretto a tornare al paese natio dove si 

impiega come “preparatore” di cadaveri 

all’insaputa della moglie. Gli incontri con i vecchi 

amici e un’umanità sconvolta dal lutto lo 

spingeranno a un bilancio della propria 

esistenza e a fare i conti col passato. 

DIECI INVERNI 

di Valerio Mieli (Italia) 

Un esordio targato Centro sperimentale di 

cinematografia, baciato da un lusinghiero 

successo di critica a Venezia e premiato dalla 

Fice a Mantova. Ne è artefice Valerio Mieli, che 

dirige due talenti emergenti come Michele 

Riondino e Isabella Ragonese, la cui storia 

d’amore è seguita in dieci capitoli che si 

dipanano nel tempo e nello spazio, tra Venezia 

e Mosca. 

IL MIO AMICO ERIC 

di Ken Loach (Gran Bretagna) 

Un Loach più “grande pubblico” che mai quello 

speciale incontri Fice 

DEPARTURES 

GLI ABBRACCI SPEZZATI DIECI INVERNI 

che ha divertito e commosso la platea di 

Cannes, al centro le disavventure di un postino 

di mezza età con due figli adolescenti a carico, 

gli stenti della working class che l’autore sa 

raccontare con la consueta efficacia e… 

l’amicizia sui generis con l’idolo del calcio Eric 

Cantona, che si materializza davanti al 

protagonista ispirandolo nella riscossa sociale e 

personale. Finale da applausi, uscita natalizia. 

NON E’ ANCORA DOMANI – LA PIVELLINA 

di Tizza Covi e Rainer Frimmel 

(Italia-Austria) 

Già premiato a Cannes (Quinzaine) e al Nuovo 

Cinema di Pesaro, è una storia di impronta 

neorealista ambientata nella periferia romana, 

dove la tranquilla esistenza di artisti di strada 

viene sconvolta dal ritrovamento in un parco 

di una bambina di due anni, Asia. Un 

approccio documentaristico, zavattiniano, 

poetico, più vero del vero. 

SOUL KITCHEN 

di Fatih Akin (Germania) 

Gran Premio della Giuria a Venezia, è un film 

insolitamente comico e travolgente per 

l’autore de La sposa turca: le peripezie di un 

ristoratore greco ad Amburgo con fidanzata 

dall’altra parte del mondo, il fratello in libertà 

vigilata, l’ex compagno di scuola speculatore 

edilizio che vuole rilevare l’immobile, il fisco 

vorace, lo chef intransigente e un’umanità 

variopinta e articolata che fa del film un vero 

incanto, anche per le musiche rigorosamente 

soul. 

VENGEANCE 

di Johnny To (Francia-Hong Kong) 

Già in concorso a Cannes, è uno dei pochi film 

del cult Johnny To ad approdare nelle nostre 

sale, grazie alla faccia scolpita di Johnny 

Hallyday nel ruolo del killer a riposo, 

determinato a vendicare la barbara uccisione 

della figlia in Estremo Oriente. Stilizzato e 

coinvolgente, promette emozioni forti. 

MARIO MAZZETTI 


speciale Mantova 

8 

Un primo dato: i voti della 

decima edizione del referendum promosso dalla 

nostra rivista e pubblicato anche sul sito 

www.fice.it sono stati molto frammentati. 

Eccezion fatta per il trionfatore della categoria 

“miglior film dell’anno”, il granitico e ispirato 

Clint Eastwood di Gran Torino (molto votato 

anche Changeling), le preferenze si sono 

spalmate su un numero di titoli più ampio del 

solito: un segnale della vitalità dell’offerta di 

qualità della passata stagione o, viceversa, il 

campanello d’allarme della mancanza di opere 

“a colpo sicuro”, capaci di attrarre un folto 

pubblico? A ben vedere, la passata stagione ha 

scontato la mancanza di titoli forti e soprattutto 

una pausa estiva molto più lunga del solito (e 

del necessario), che ha penalizzato la continuità 

dell’offerta. Il discorso si fa più evidente quando 

si analizzano i risultati del cinema italiano, 

nell’assenza drammatica di titoli come 

Gomorra e Il divo, trionfatori della stagione 

precedente. A sorpresa, il rigoroso e potente 

Vincere è stato battuto sul filo di lana dal più 

rassicurante Si può fare, che proprio nella 

scorsa edizione degli Incontri Fice, ad Asti, fu 

presentato dal regista agli entusiasti esercenti 

d’essai (una spinta alla sua programmazione?). 

Se Pupi Avati è un habitué delle nostre 

classifiche e Pranzo di Ferragosto ha già 

raccolto numerosi consensi, spiccano il buon 

esito del film della Archibugi e del ritorno di 

Marco Risi Fortapasc, opera ispirata e 

convincente che non ha riscontrato il successo 

meritato. E poi, un esordio felice come Mar 

Nero di Federico Bondi, settimo posto 

lusinghiero che precede Salvatores e l’altro 

esordio, ben più ammiccante, Diverso da chi? 

Ben piazzata anche l’opera prima di Marco 

Pontecorvo. Tutto sommato, gli esordienti 

hanno affiancato degnamente gli autori 

affermati contribuendo alla vivacità della nostra 

produzione nazionale. Sul versante globale, alle 

spalle di Clint spicca il buon risultato di Valzer 

con Bashir, L’ospite inatteso e Il giardino di 

limoni, a testimoniare l’attenzione del pubblico 

cinefilo per opere che affrontano temi di 

attualità. E infine, una menzione speciale a 

Revolutionary Road, bellissimo e 

sottovalutato film di Sam Mendes che continua 

a far parlare di sé grazie all’uscita in dvd. 

VIVILCINEMA settembreottobre09 

PREMI FICE 2009 

GRAN TORINO SI PUÒ FARE Hiam Abbass 

Fuori dall’ordinario 

“Gran Torino” e “Si può fare” vincono il referendum dei lettori, mentre Francesca Archibugi, 

Giovanna Mezzogiorno, Antonio Albanese e Hiam Abbass saranno gli ospiti d’onore della serata 

I PREMI FICE A MANTOVA 

Come ogni anno, la Fice attribuisce agli Incontri d’essai premi 

speciali ai talenti del cinema d’autore. Ad arricchire l’edizione 

2009 a Mantova, due fuoriclasse come Antonio Albanese e 

Giovanna Mezzogiorno, che si appresta con Vincere a 

Antonio Albanese raccogliere consensi in giro per il mondo; due esordienti di razza 

come Claudio Noce e Valerio Mieli, applauditi a Venezia con 

Good morning Aman e Dieci inverni; professionisti del calibro di 

Pivio & Aldo De Scalzi, compositori tra i più apprezzati, e il 

direttore della fotografia Marco Onorato (Gomorra, Fortapasc). 

Il produttore Riccardo Tozzi, artefice delle fortune di Cattleya 

assieme ai soci Stabilini e Chimenz, e l’autrice di Questione di 

cuore, Francesca Archibugi, che ha confermato le coordinate 

Giovanna Mezzogiorno 

di una carriera a metà tra sentimenti e impegno civile, ottima 

direttrice di attori (tra cui, per l’appunto, Albanese). Il premio internazionale viene quest’anno 

attribuito a un’attrice speciale, la palestinese Hiam Abbass che ha nobilitato due delle opere 

più interessanti dell’anno, L’ospite inatteso e Il giardino dei limoni. Infine, i vincitori del 

referendum, entrambi targati Warner Bros, Si può fare e Gran Torino: la presenza di Giulio 

Manfredonia è probabile, un po’ meno quella di Clint… (M.M.) 

FILM D’ESSAI IN GENERALE 

1. Gran Torino di Clint Eastwood 

2. The millionaire 

3. L’ospite inatteso 

4. Valzer con Bashir 

Come Dio comanda 

6. The reader 

Il bambino con il pigiama a righe 

8. L’onda 

Il giardino di limoni 

Giu’ al nord 

11. Si può fare 

12. Revolutionary road 

Tra gli altri film votati: Il curioso caso di 

Benjamin Button, Milk, Vincere, Changeling, 

Stella 

QUESTI I FILM PIÙ VOTATI 

FILM D’ESSAI ITALIANI 

1. Si può fare di Giulio Manfredonia 

2 Vivere 

3 Il papà di Giovanna 

4 Pranzo di ferragosto 

5 Questione di cuore 

6 Fortapasc 

7 Mar Nero 

8 Come Dio comanda 

9 Diverso da chi? 

Tutta colpa di Giuda 

11 Giulia non esce la sera 

Pa-Ra-Da 

Tra gli altri film votati: I ragazzi del Bar Margherita, 

Galantuomini, Il passato è una terra straniera, Un 

altro pianeta 

I FORTUNATI VINCITORI TRA I NOSTRI LETTORI 

Tra le migliaia di schede pervenute per il referendum Vota il film d’essai dell’anno, la FICE 

ha messo in palio due tessere di libero ingresso nei cinema associati Anec-Agis per il 2010 e 

dieci abbonamenti annuali a Vivilcinema. Questi i fortunati sorteggiati. 

Le due tessere sono state assegnate a: Anna Gassi di San Severo (FG) e Angelo Codega di 

San Giuliano M. (MI); questi invece i destinatari dei dieci abbonamenti: Marina Brunelli di 

Bologna, Aldo Massironi di Milano, Nunzia Zacco di Napoli, Adriana Pizzo di Giugliano 

(NA), Nicola Panzini di Siziano (PV), Giambattista Polignano di Putignano (BA), Nunzio Santini 

di Comiso (RG), Stefania Bartalini di Poggibonsi (SI), Battista Bonetti di Endine Gaiano 

(BG), Bruno Zingari di Mantova.

intervista Michael Haneke 

FILMOGRAFIA - Der 7. Kontinent (1989), Benny's 

Video (1992), 71 frammenti di una cronologia 

del caso (1994), Funny games (1997), 

Storie (2000), La pianista (2001), Il tempo dei 

lupi (2003), Niente da nascondere (2005), Funny 

games (2007), Il nastro bianco (2009) 

Il futuro è noto 

Palma d’oro all’ultimo festival di Cannes, l’imperdibile “Il nastro bianco” mette 

in stretta relazione l’educazione rigidissima della comunità protestante tedesca 

con le future derive dittatoriali ad ampio consenso 

Ogni tanto Michael Haneke 

sorride. La Palma d’oro meritata, deliberata 

con forza dalla sua musa Isabelle Huppert, 

presidente di giuria all’ultimo festival di 

Cannes: un trionfo del cinema dei misteri 

intelligenti e delle passioni anticatartiche. 

Deviazioni, malattie, violenza e austerità 

senza mai cedere all’indugio. Detestabile per 

alcuni palati, geniale per altri: non si 

scompone il regista austriaco che sembra 

uscito dal pennello di Grant Wood, neo gotico 

su scala di grigi nel suo magnifico ultimo 

sforzo, Il nastro bianco. Due ore e mezza di 

denso precisionismo sulle cause del male. 

Qual è stata l’origine del film? 

Ho conosciuto la storia di alcuni bambini 

membri del coro di una chiesa, in un paesino 

della Germania settentrionale, protestante, 

alla vigilia della Prima Guerra Mondiale. 

Provenivano da famiglie profondamente 

severe nell’educazione. I principi di rigidità 

protestante si sono assolutizzati nel modo di 

crescere questi bambini, sottoponendoli anche 

a feroci punizioni fisiche. I ragazzi, alla fine, 

hanno interiorizzato questi metodi. 

Fotografia e montaggio: come ha 

lavorato per ricostruire un’epoca e un 

ritmo ben precisi? 

Prima di tutto abbiamo studiato sui documenti 

iconografici del periodo, di ogni tipo. Da 

questo la ricostruzione fedele di costumi, 

parrucche, ambienti e atmosfere. Abbiamo 

girato 35mm a colori e poi abbiamo 

desaturato le immagini, fino a una densa 

gamma di grigi. L’imitazione della fotografia 

dell’epoca si limita però solo al risultato, non 

al processo. Quanto al montaggio, potrei 

definirlo “narrativamente lineare”, proprio 

come il processo di sfogliare un libro. 

Come si è relazionato con gli attori 

bambini? Ha loro dato un’idea del 

background del film? 

Come in ogni mio film, non chiedo agli attori 

un’interpretazione concettuale. Intendo dire 

che, se non è strettamente necessario, non 


fornisco loro elementi di sfondo al contesto. A 

loro chiedo – inclusi i bambini in questo 

specifico caso – di posizionarsi in una 

determinata situazione narrativa e 

scenografica. Onestamente non so se e quanto 

i bambini abbiano compreso del senso 

profondo de Il nastro bianco. E se non 

hanno capito, forse è anche meglio perché 

non era necessario che interpretassero oltre gli 

stessi personaggi mentre vivevano la 

situazione. I ragazzini erano inseriti in questo 

contesto ma non potevano immaginare che 

tipo di territorio socio-politico l’educazione 

loro imposta avrebbe nutrito di lì a pochi anni. 

Ci sono drammi privati nel suo film, ma 

soprattutto c’è in sottofondo una 

fondamentale questione sociale. In quale 

parte del film questa emerge 

maggiormente secondo lei? 

Quando sono sul set, quindi nel momento in 

cui il film prende forma tangibile, gli aspetti 

privati della storia sono sempre i principali e 

più interessanti per me. È nella fase di scrittura 

della sceneggiatura che presto più attenzione 

al contesto socio-filosofico su cui l’azione si 

muove. Perché ogni dettaglio dei dialoghi 

risulta un rimando a un sottotesto, a un 

sottofondo di significato. Quindi vorrei che in 

ogni parte del film emergessero entrambi i 

sensi. 

Il nastro bianco è anche un film religioso. 

Ha scelto la cultura protestante di 

proposito rispetto a quella cattolica? 

La cultura protestante è 

determinante perché 

domina nella zona in 

cui è ambientato il 

film ed è quella che 

nello specifico ha 

dato vita 

all’ideologia 

nazista. 

Certamente si 

poteva 

ambientare un 

film nell’Italia pre-fascista, la cui cultura era 

totalmente condizionata dalla religione 

cattolica. Oppure nel contesto musulmano per 

capire le ragioni dei comportamenti del 

fondamentalismo islamico. Sarebbero stati tutti 

film diversi ma di certo accomunati da un simile 

meccanismo causa-effetto: ogni momento della 

storia estremo è stato preparato alla base da un 

certo tipo di educazione socio-familiare e, a 

monte, dall’applicazione perversa di una 

qualunque confessione religiosa. 

Secondo lei, da quanto emerge dal film, 

uno dei messaggi è che le due guerre 

erano inevitabili considerando il tessuto 

psico-sociale che si stava preparando? 

Spesso i film tentano di tornare indietro nel 

passato per fare una ricognizione delle possibili 

cause delle tante tragedie della storia. Io non 

voglio dare giudizi, ho solo voluto mostrare il 

contesto in quella particolare frazione di tempo 

e spazio e naturalmente mettere in evidenza i 

semi problematici di un futuro noto a tutti. 

Ipoteticamente, quindi, potrebbero 

succedere anche oggi le stesse tragedie di 

allora, dati i medesimi presupposti? 

In ogni momento della storia si possono 

ripetere gli stessi errori. Oggi il più evidente 

nucleo problematico risiede nelle modalità 

sbagliate in cui viene applicato l’islamismo: 

siamo ad una fase molto delicata e pericolosa e 

che non ha nulla a che vedere con la vera 

religione. Ogni grande crisi ha ragioni profonde 

non facili da analizzare, di certo ci sono 

elementi ricorrenti che stanno alla 

base dei fanatismi e delle 

intolleranze razziali. 

Lei crede all’innocenza dei 

bambini? 

I bambini sono o non sono 

innocenti quanto 

ciascuno di noi. Ci sono 

essere umani buoni ed 

esseri umani malvagi. 

ANNA MARIA PASETTI

intervista Francis Ford Coppola 

FILMOGRAFIA - Terrore alla tredicesima ora (1963), Buttati Bernardo! (1967), Il padrino (1972), La conversazione (1974), Il padrino – Parte II (1974), Apocalypse Now (1979), Un sogno lungo un giorno (1982), I 

ragazzi della 56ª strada (1983), Rusty il selvaggio (1983), Cotton Club (1984), Peggy Sue si è sposata (1986), I giardini di pietra (1987), Tucker, un uomo e il suo sogno (1988), Il padrino – Parte III (1990), Dra- 

12 

Tutto in famiglia 

Personale ma non autobiografico, “Segreti di famiglia” è l’ultima opera del leggendario 

regista, la terza da lui anche scritta. Sempre allergico a Hollywood, estinti i debiti della 

Zoetrope fa cinema per divertimento, tra vini e alberghi. Con un occhio all’Italia… 

“Niente è successo realmente, ma 

è tutto vero: tremendamente vero…”. Così 

Francis Ford Coppola, a chi gli chiede se Tetro 

(Segreti di famiglia in Italia) sia in qualche 

modo autobiografico. 

Presentato in anteprima alla Quinzaine des 

Réalisateurs di Cannes, da lui ideato, scritto e 

diretto, girato in un superbo bianco e nero (il 

colore compare solo per i flashback), Tetro 

scava nei conflittuali rapporti familiari del 

protagonista (Vincent Gallo), ossessionato 

dall’idea di “uccidere il padre”, celebre 

quanto egocentrico e soffocante direttore 

d’orchestra (Klaus Maria Brandauer), che non 

esita a rubargli la fidanzata e a stroncare le 

sue potenzialità letterarie perché “non può 

esserci più di un genio in famiglia”. 

È la terza volta che realizza un 

lungometraggio basato su una sua 

sceneggiatura originale. 

Proprio così. L’ho scritto durante il montaggio 

di Un’altra giovinezza. Nella mia carriera, 

ogni volta che ho fatto un film tratto da un 

romanzo, ho sempre voluto mettere il nome 

dell’autore sul titolo, per sottolinearne la 

paternità: Il Padrino di Mario Puzo, Dracula 

di Bram Stoker, L’uomo della pioggia di 

John Grisham. Qualche volta sento il bisogno 

di metterci anche il mio nome, e per far 

questo devo essere anche l’autore della 

sceneggiatura. D’altronde, più che talento ho 

una fervida immaginazione: mi trovo a 

cucinare delle idee. Il lavoro più difficile, ma 

anche quello più essenziale, è proprio quello 

della sceneggiatura. Infatti ammiro gente 

come Woody Allen, che ogni anno scrive uno 

script originale. 

Perché scrivere rende liberi? 

Infatti, Tetro è un inno alla mia libertà! Dopo 

il flop commerciale di Un sogno lungo un 

giorno, che travolse la mia Zoetrope, per un 


decennio ho fatto quasi un film su 

commissione all’anno: per pagare i miei debiti 

con le banche. E, ovviamente, non avevo più il 

controllo pressoché totale che avevo ottenuto 

con Il Padrino. Solo dopo Dracula ho estinto 

i debiti, e sono finiti questi problemi. 

E oggi? 

Ora mi sento un uomo e un regista 

indipendente che è riuscito ad affrancarsi, 

come fa Vincent Gallo nel film. Oggi posso 

infischiarmene del movie business. 

Che decisamente non le piace… 

No, non mi piace il cinema che si vive tra le 

mura degli uffici marketing, che pensa alla 

televisione – quella italiana è la più stupida al 

mondo, e ci soffro – e pretende grandi incassi a 

discapito della qualità, la voglia e la gioia di 

creare. Sono stufo di questo cinema in cui il 

budget è direttamente proporzionale alla 

stupidità dell’opera. Sono sorpreso: quando 

pensi ai film contemporanei, ogni cosa deve 

essere semplice e sottodimensionata. Se cerchi 

di fare qualcosa di poco più ambizioso, sei 

immediatamente bollato come pretenzioso. 

Amo la grandezza, letteralmente, e sono triste 

di sapere che negli States i nostri film ormai 

raggiungono solo 4mila schermi. Anche per 

questo me ne sono andato in America Latina. 

Ma? 

Ma sono un uomo fortunato, molto 

fortunato: ho vinto tutti i premi che un uomo 

di cinema possa desiderare, dalla Palma d’Oro 

agli Oscar. E se sono un uomo ricco, lo devo al 

mio vino: il cinema lo faccio perché lo 

desidero, non perché ne ho bisogno. Lo faccio 

per scoprire nuovi attori come Alden 

Ehrenreich (il fratello di Tetro, NdR) o lavorare 

con attrici straordinarie come Maribel Verdù, 

nel film la fidanzata del protagonista. 

Come vede questa attuale rispetto alla 

sua generazione d’oro? 

Maribel Verdù e Vincent Gallo 

Il rimpianto del passato è uno stereotipo: 

bisogna guardare al presente con obiettività e 

ottimismo. Vedo tanti bravi registi: da Spike 

Jonze ad Alexander Payne passando per 

Catherine Hardwicke, Tamara Jenkins, Gus 

van Sant, Steven Soderbergh. Certo, non è il 

mainstream il loro terreno privilegiato, ma 

l’arte indipendente: sono tanti e straordinari, 

forse è il mondo a non meritarli, e non il 

contrario. E le stesse valutazioni dovremmo 

farle in tutti i campi, quando giudichiamo le 

giovani generazioni. 

Il cinema per lei rimane una grande 

famiglia: del resto, Tetro è l’ennesima 

saga familiare della sua filmografia. 

La famiglia è il nucleo più importante. Se amo 

questo lavoro, probabilmente è perché posso 

parlarne con mia figlia Sofia, caratterialmente 

e cinematograficamente molto diversa da me. 

E poi posso lavorare con mio figlio Roman, 

guardare i documentari che mia moglie fa sui 

miei set, un gioco nato dopo che le regalai la 

sua prima super16. In famiglia succede tutto: 

lì trovi quasi tutte le domande, e molte delle 

risposte. 

Le sue origini sono italiane: il suo 

presente? 

Quest’estate ho inaugurato un nuovo albergo 

in Lucania. In Italia torno appena posso, 

anche per la mia scuola di cinema. È un paese 

che per me significa molto, anche se spesso mi 

preoccupa! Del vostro cinema, mi sono 

rimaste nel cuore le commedie feroci di Pietro 

Germi, Vittorio De Sica, Mario Monicelli, 

Francesco Rosi. E quello straordinario attore 

di Alberto Sordi, che ebbi la fortuna di 

conoscere. Fu lui a parlarmi di un collega 

molto bravo: Carlo Verdone. Chissà, se avesse 

una bella sceneggiatura, sarebbe bello fare 

un film insieme. 

FEDERICO PONTIGGIA

crediti non contrattuali 

DAL 27 NOVEMBRE AL CINEMA

intervista Michael Moore 

FILMOGRAFIA - Roger & Me (1989), 

Canadian bacon (1995), The big one 

(1997), Bowling a Columbine (2002), 

Fahrenheit 9/11 (2004), Sicko (2007), 

Capitalism: a love story (2009) 

Quello che non siamo 

Si conclude con un discorso storico di Roosevelt “Capitalism: a love story”, 

applauditissimo (a Venezia) ultimo documentario del provocatorio regista, che 

riesce a far riflettere senza stemperare l’ironia 

“Nel mio lavoro non sono 

mosso dall’idea di dover superare me stesso e 

fare in modo che il mio ultimo film sia 

necessariamente migliore del precedente. La 

mia grande passione è il cinema. È da quando 

sono piccolo che vado al cinema tre o quattro 

volte a settimana. Il venerdì sera, in una sala 

d’essai che oggi non c’è più, per anni ho visto 

ogni singolo film di Bergman, Fellini, Truffaut 

e Fassbinder. Quella è stata la mia ispirazione 

e la mia scuola per diventare regista. Così, una 

volta, quando vivevo con il sussidio di 

disoccupazione, ho deciso di prendere una 

macchina da presa e raccontare quello che 

succedeva a Flint, la città del Michigan dove 

sono nato e cresciuto. Da allora non ho più 

smesso”. Michael Moore racconta così la sua 

filosofia cinematografica, che lo ha spinto ad 

intraprendere una straordinaria carriera di 

documentarista che nel suo ultimo lavoro, 

Capitalism: a love story, sembra riuscire a 

raggiungere un climax sia sotto il profilo 

cinematografico che sociale e politico. Il 

miglior documentario diretto da Michael 

Moore è un viaggio in un’America devastata 

dallo scandalo dei cosiddetti mutui subprime e 

lacerata da una crisi economica in cui Wall 

Street è la protagonista di un vero e proprio 

colpo di Stato ai danni del resto degli Stati 

Uniti. 

Qual è la funzione del cinema? 

Quella di parlare a miliardi di persone e di 

creare un dibattito e una discussione. Io credo 

soltanto nell’azione collettiva e nella 

mobilitazione. L’azione personale del singolo 

è solo un’illusione in cui non credo affatto. O 

meglio: se non amo una particolare azienda 

per quello che fa, non compro i suoi prodotti, 

perché mi fa stare meglio. So bene che la mia 

scelta personale non serve a nulla ed è per 

questo che, invece, ho scelto di esprimermi 

attraverso un mezzo come il cinema, che mi 

mette in contatto con milioni di persone per 

raccontare loro le storie di cui sono testimone. 


Il cinema può cambiare il mondo? 

Credo proprio di sì: Fahrenheit 9/11 non ha 

avuto un grande impatto nel breve periodo. 

C’è voluto un po’ di tempo perché si radicasse 

nella nostra cultura. Sono stato il primo a 

sparare contro George W. Bush e a prendermi 

il rischio di fare un film per il quale sono stato 

criticato e maltrattato dalla maggioranza 

delle persone. Facendolo, però, ho fatto in 

modo che anche altri iniziassero a scrivere e a 

fare film sull’amministrazione Bush. Sicko sta 

dando oggi un contributo significativo al 

dibattito sulla sanità che si sta sviluppando 

negli Usa. Il cinema serve a formare la 

coscienza delle persone e a raccontare le loro 

storie. 

Nel corso della sua carriera, lei è 

diventato un’icona: avverte una certa 

pressione sul suo lavoro? 

Sinceramente no. Non avverto alcuna 

particolare pressione se non quella di 

rispettare il pubblico che guarda i miei film e 

le persone che si rivolgono a me per 

raccontare i loro drammi. In Capitalism: a 

love story la prima sequenza è quella di uno 

sfratto di una famiglia rovinata dai mutui. 

Non l’ho girata io: me la sono trovata una 

mattina nella mia cassetta della posta. Ricevo 

cose del genere ogni giorno: dvd, 

videocassette insieme a semplici lettere di 

persone che mi scelgono come testimone 

delle loro sofferenze. C’è tanta gente che mi 

chiede aiuto in America e questo è il mio 

fardello personale: dover conoscere in prima 

persone le pene e la disperazione di persone 

che, come me, vivono nella nazione più ricca 

del mondo. Per me è molto difficile non 

sentirmi profondamente coinvolto da quello 

che mi viene raccontato e da ciò che io stesso 

decido di mostrare agli spettatori. Il mio 

obiettivo è quello di mostrare storie 

complesse e difficili riuscendo ad intrattenere 

il pubblico, mantenendo saldo il mio senso 

dell’umorismo. Ridere è l’unica maniera per 

non esplodere, allentando un po’ la tensione 

e scaricando l’inquietudine. Lo humour è 

fondamentale per me e per il mio cinema. 

Come riesce a mantenere la sua 

indipendenza? 

Faccio film che costano tra i due e i sei milioni 

di dollari, dei quali riesco a mantenere un 

controllo pressoché totale e che si rivelano 

molto profittevoli. L’incasso totale di 

Fahrenheit 9/11, contando tutti i biglietti 

staccati nel mondo e le vendite televisive e in 

dvd, è stato di mezzo miliardo di dollari. Così, 

qualsiasi studio è interessato a produrre 

quello che faccio, perché il mio cinema 

produce soldi senza perderne. La mia 

indipendenza è tutelata dalla formula che ho 

scelto per esprimermi e nella quale mi sento 

più a mio agio. Finché avrò successo dal punto 

di vista economico, potrò restare seduto al 

tavolo delle grandi distribuzioni e produzioni 

ed essere libero di scegliere. 

Capitalism si conclude con una sequenza 

commovente di Franklyn Delano 

Roosevelt che parla alla nazione. Come 

l’ha trovata? 

Tutti gli americani che la vedono piangono: 

Barack Obama potrebbe diventare il 

Roosevelt del ventunesimo secolo se avrà la 

forza e il coraggio sufficienti. Io intendo 

sostenerlo in questo cammino così come il 

resto degli americani. Per questo motivo ho 

mandato la mia squadra di ricercatori presso 

la famiglia Roosevelt e il suo archivio per 

trovare le immagini di quello straordinario 

discorso. Ci hanno detto che non esistevano, 

ed è in questi momenti che so di dovermi dare 

una mossa per ritrovarlo, cosa che, invece, è 

accaduta nella Carolina del Sud. Oggi questo 

materiale d’archivio appartiene al mondo e ci 

fa rimpiangere al pensiero di come avrebbe 

potuto essere diversa la nostra storia se solo 

avessimo seguito le idee esposte in quel 

discorso. 

MARCO SPAGNOLI

Luciano Melchionna 

intervista 

Era dal 1967, da quando 

Pasolini vi girò La terra vista dalla luna, che 

una troupe cinematografica non entrava al 

Colosseo. Nonostante le difficoltà da 

affrontare per ottenere i permessi, il regista 

teatrale e cinematografico Luciano 

Melchionna ha voluto fortemente il 

monumento romano come scenario del suo 

film Ce n’è per tutti, il cui protagonista, 

Gianluca, si arrampica sul Colosseo per 

estraniarsi da tutto. Immediatamente 

accorrono amici e parenti, mossi dalla 

preoccupazione che il ragazzo voglia 

suicidarsi, ma anche da sentimenti meno 

nobili, come la voglia di partecipare 

all’evento. Il film è tratto da una commedia di 

Luca De Bei e dello stesso Melchionna, autore 

teatrale pluripremiato (fra gli ultimi successi: 

Dignità autonome di prostituzione) qui alla 

sua seconda prova cinematografica dopo Gas 

(2005), anch’esso tratto da un suo testo 

teatrale. 

Come è stato sviluppato il testo teatrale 

nel passaggio al cinema? 

Quando l’ho scelta per metterla in scena, la 

commedia di De Bei non era finita. L’ho 

sviluppata io per il teatro, aggiungendo 

alcune parti come quella del protagonista e 

della nonna, e solo allora ci siamo resi conto 

delle enormi potenzialità che aveva. Per il 

cinema, comunque, è stata completamente 

riscritta. 

Qualche anno fa lavoravi alla 

trasposizione cinematografica del 

romanzo L’odore di Rocco Familiari. Cosa 

ti ha fatto cambiare progetto? 

Il progetto de L’odore ce l’ho ancora nel 

cuore, la sceneggiatura secondo me 

è molto potente ed efficace, ma il 

budget per realizzarlo sarebbe 

stato troppo alto per gli standard 

di un secondo film. Inoltre 

avevo voglia di raccontare 

con uno sguardo 

bonario e sorridente 

quelle stesse energie 

giovanili e 

inconsapevoli che in 

Il regista del film 


Anna Falchi Lorenzo Balducci e Stefania Sandrelli 

Micaela Ramazzotti e Ambra Angiolini 

Trentenni inconsapevoli 

Con “Ce n’è per tutti” lo sguardo generazionale dell’autore vira in commedia 

dopo le pulsioni violente di “Gas”. Lorenzo Balducci di nuovo protagonista 

Gas venivano dirottate verso il male e la 

violenza, diventando bombe a orologeria. 

Forse mi sentivo anche un po’ colpevole di 

aver descritto solo l’aspetto violento di quelle 

vite allo sbando, che per contrasto possono 

essere anche molto divertenti. 

Il tema di fondo, pur in una chiave di 

commedia, è ancora il vuoto che domina 

la vita dei giovani. Come mai hai scelto 

di tornare a parlare della generazione dei 

trentenni? 

I protagonisti sono gli stessi giovani 

mammoni, trentenni e oltre – perché questo 

vuol dire giovani oggi: ragazzi non cresciuti – 

che in Gas erano fotografati in una realtà di 

provincia. Le loro forze sono assorbite dalla 

disperata ricerca del lavoro o dai tantissimi 

lavori che sono costretti a fare 

contemporaneamente per arrotondare lo 

stipendio, volantinaggio, vendite porta a 

porta, ragazzo speedy: è una fotografia del 

precariato a tutto tondo. Non hanno grandi 

aspirazioni e forse nemmeno speranze. Non 

sono uniti da passioni comuni, come in 

passato, ma dal caso, e non si capisce che 

affinità abbiano fra loro. Si ritrovano insieme 

solo grazie al gesto estremo di Gianluca, che li 

attira tutti al Colosseo, chi per farsi vedere, chi 

per esserci, chi per diventare un eroe. E in 

quell’occasione si capirà che non tutti sono 

amici come vogliono apparire. 

Hanno scritto di te che hai un “talento 

visionario espressionista”. In questo caso 

la definizione ti corrisponde? 

Spero che il graffio sia riconoscibile anche in 

questo diverso contesto, perché il mio 

intento sarebbe quello di 

rivitalizzare la commedia 

all’italiana alta, mantenendo 

uno sguardo 

visionario. 

Che background 

ha il 

protagonista 

Gianluca, per 

interpretare 

il quale hai 

riconfermato 

il “tuo” attore Lorenzo Balducci? 

Gianluca è un poeta in un mondo dove la 

poesia non vale più niente. Non abbiamo 

neanche bisogno di sapere cosa scriva, per 

sapere che è un emarginato. Lui non sale sul 

Colosseo per buttarsi, come tutti credono, ma 

per staccarsi da tutto, per “sollevarsi” in una 

specie di paradiso. Ho riconfermato Lorenzo 

Balducci nel ruolo di protagonista e lo 

riconfermerò fino a quando sarà lui a dirmi di 

lasciarlo in pace. É un attore strepitoso, ha la 

capacità di mantenere un’imperturbabilità 

apparente pur rivelando attraverso la mimica, 

il volto, quei suoi occhi liquidi, un mondo 

interiore vulcanico. 

Il cast è veramente ricco di bravi attori 

fra cui, nella parte importante della 

nonna, Stefania Sandrelli… 

La nonna è l’unico personaggio che riesce a 

parlare al cuore del ragazzo, a rompere 

quella sua dissociazione dalla realtà. Lei, che 

l’ha cresciuto, è il suo unico punto di 

riferimento. Sono veramente onorato che 

Stefania Sandrelli abbia accettato questo 

ruolo. Dal momento che ha deciso di fare il 

film si è consegnata nelle mie mani, seguendo 

il suo grande istinto di attrice che la porta ad 

essere così spontanea e allo stesso tempo così 

consapevole. Nella scelta degli attori mi sono 

divertito a invertire i ruoli, a esasperare i 

contrasti, perché trovo che mettendo l’attore 

di fronte al proprio opposto, il personaggio 

diventi più complesso e tridimensionale. 

Ambra Angiolini, che appare sempre così 

calma e compassata, fa la parte di una 

ragazza volgare e coatta. “Dopo tanti anni di 

dizione – mi ha detto – guarda cosa mi tocca 

fare!”. Micaela Ramazzotti, invece, che sullo 

schermo spesso impersona la ragazza sexy ma 

un po’ svampita, una Marilyn italiana, diventa 

un personaggio duro e rompiscatole. Arnoldo 

Foà, the voice, nel film fa il nonno che non 

parla. Ho chiamato poi gli attori con cui 

lavoro di solito in teatro, nomi poco noti ma 

tutti bravissimi, e Giorgio Colangeli, che 

ha lavorato molto con me, e che io amo 

molto. 

BARBARA CORSI

intervista Marco Filiberti 

Piera degli Esposti 

Il crepuscolo degli uomini 

Appena presentato a Venezia, “Il compleanno” è un melodramma alla Douglas Sirk: 

due coppie, una villa e una presenza che turba gli equilibri… 

Dopo Poco più di un anno fa 

nel 2002, Marco Filiberti torna alla regia con Il 

compleanno, melò all star – da Alessandro 

Gassman a Piera degli Esposti passando per 

Michela Cescon, Maria de Medeiros, Massimo 

Poggio e Christo Jivkov – già passato al 

Controcampo Italiano della 66^Mostra di 

Venezia. È la storia di due coppie di amici, 

Matteo e Francesca e Diego e Shary, che 

passano l’estate in una casa sulla spiaggia, tra 

crisi e momenti di tensione, finché arriva 

David, il figlio di Diego e Shary, che travolgerà 

tutti... 

Produttivamente, che Compleanno è? 

Ho due produttrici francesi per una società 

italiana, la ZenZero. Non posso disattendere 

le mie radici, combatto nel mio terreno, ma la 

mia estraneità al sistema è fortissima e 

continuerà ad esserlo: Il compleanno è stato 

realizzato senza Rai né Medusa. 

Rai e Medusa: fanno bene al nostro 

cinema? 

Quella tra cinema e televisione è una 

connection perniciosa: un peccato mortale, 

che mina autenticità e libertà degli autori. È 

la tendenza all’omologazione, strategica, 

calcolata, che fa parte della volontà di 

assopimento del senso critico generale: non 

un individuo dalle scelte deliberate e 

soggettive, ma un compratore come vuole il 

capitalismo iperselvaggio. 

Che vorresti passasse con questo film? 

Ho un desiderio tormentato e ineludibile, 

spero collettivo: il superamento della 

contemporanea descrittività, mediata 

dall’implosione del linguaggio televisivo. Nel 

mio libro che accompagna il film, Il melò 

ritrovato, sostengo che c’è stato un tempo 

degli dei, uno del dio unico, e uno degli 

uomini, che oggi sta tramontando, sostituito 

dalla tecnologia. Cerco di registrare il 

crepuscolo degli uomini, sperando di dare 


Massimo Poggio, Maria de Medeiros, Alessandro Gassman e Michela Cescon 

luce e senso nella riorganizzazione delle 

forme, perché non finisca tutto in un centro 

commerciale il sabato pomeriggio. 

E la forma scelta è il melò. 

Parto da due percorsi che confluiscono. 

Innanzitutto, identifico il legame del gesto 

artistico cinematografico con l’eziologia 

melodrammatica; poi, c’è il mio percorso 

personale: non potrei fare altro, affino il 

linguaggio in termini contemporanei, 

lavorando in sottrazione rispetto 

all’ineludibile modello di Douglas Sirk. 

Veniamo al film… 

Si apre su una scena d’opera in teatro con 

Tristano e Isotta: una mediazione per far 

accedere il pubblico. Ma, per dirla con 

Thomas Mann, la nobiltà dello spirito non 

appartiene a nessuno dei personaggi, sta nel 

metatesto, in quell’altrove a cui i caratteri 

non arrivano. Tanto è vero che il film finisce 

malissimo, non solo per la tragedia ma perché 

questa non serve: David scatena una reazione, 

stigmatizzando lo strato di non autenticità 

che riveste queste persone, in una società 

improntata al capitalismo e svuotata di 

identità. 

E gli attori? 

Massimo Poggio ha il ruolo principale: il suo 

personaggio ha la consapevolezza più alta, è 

l’unico intellettuale, gli altri appartengono al 

milieu borghese, ma senza cultura. Il suo 

Matteo, orfano come Tristano, si è fatto 

da solo ed è molto attaccato alla 

sua professione di 

psicanalista, ma si 

sfascia: è disarmante. 

La moglie, 

Francesca, ha il 

volto di Maria de 

Medeiros. 

Potrebbe essere 

una Desdemona 

dei giorni nostri, una bambina senza età, con 

gli occhioni spalancati sull’abisso. Accanto a 

lei, Michela Cescon, utilizzata sempre in modo 

mortificante: qui è bellissima, bionda, 

irriconoscibile, una novella Lana Turner. 

La sua Shari è accoppiata ad Alessandro 

Gassman… 

Un eterno ragazzo, Diego, che gioca 

sull’appeal e l’inconsistenza, in un tira e molla 

con la compagna. Diego voleva fare l’attore 

ed è finito nello studio del padre: è simpatico, 

figo e senza posizione nel mondo. Ma in un 

gruppo corroso dall’ansia ha un ruolo di 

bilanciamento: non si accorgerà di nulla, solo 

che la vacanza sta andando in malora. 

Poi c’è il fratello minore di Shari, 

Leonard. 

Christo Jivkov, ovvero la nobiltà offesa dalla 

violenza del mondo: un solitario, con la croce 

sulle spalle. È l’unico a presentire la tragedia, 

ma i suoi mezzi non possono fare breccia 

nella società attuale. 

Un Compleanno nichilista? 

No, perché la ricerca dell’altrove permea 

ogni singolo fotogramma. La risoluzione c’è, 

ma non è qui: i personaggi non ci possono 

arrivare, forse gli spettatori. È un film sulle 

verità nascoste, e nella verità una risposta 

c’è sempre. 

FEDERICO PONTIGGIA

CREDITI NON CONTRATTUALI 

INCONTRA IL CINEMA D’ESSAI 

LOURDES 

di Jessica Hausner 

con 

Sylvie Testud Léa Seydoux 

Bruno Todeschini 

Elina Löwensohn 

PREMIO FIPRESCI 

Assegnato da una giuria internazionale di critici 

PREMIO SIGNIS 

Organizzazione Cattolica Internazionale per il Cinema 

PREMIO BRIAN 

Unione degli Atei e degli Agnostici Razionalisti 

PREMIO LA NAVICELLA 

Fondazione Ente dello Spettacolo 

e dalla Rivista del Cinematografo 

GOOD MORNING 

AMAN 

di Claudio Noce 

con 

Valerio Mastandrea 

Said Sabrie Anita Caprioli 

MANTOVA 6 / 8 OTTOBRE 2009 

WWW.CINECITTALUCE.IT 

DI ME 

COSA NE SAI 


collaborazione alla regia 

Giulio Manfredonia 

e Francesco Apolloni 

Selezione Ufficiale 

PREMIO FEDIC 

Federazione Italiana dei Cineclub

Festival di 

Speciale 

CHAQUE JOUR EST UNE FÊTE 

Donne che contano 

Tre film italiani che potrebbero fare la differenza e poi i Coen, Tanovic, Reitman e, 

tra i documentari de “L’Altro Cinema”, Olmi e Scorsese. A far brillare l’edizione 

2009 è però un’attrice del calibro di Meryl Streep, premio alla carriera 

A metà strada tra la Mostra 

di Venezia e il Torino Film Festival, la IV 

edizione del Festival di Roma (15-23 

ottobre), per la seconda volta presieduto 

da Gian Luigi Rondi, conferma la propria 

natura di vetrina del cinema internazionale 

d’autore a vocazione popolare, tra 

glamour e temi di attualità. Rientrate le 

polemiche su tappeto rosso e budget, 

sollevate dalla giunta capitolina dopo 

l’elezione a sindaco di Alemanno (anche 

grazie alla collaudata abilità mediatrice di 

Rondi, “uomo per tutte le stagioni”), 

quest’anno titolare unica della direzione è 

Piera Detassis, già responsabile nelle scorse 

edizioni delle anteprime, mentre Mario 

Sesti resta al timone de L’altro cinema/Extra 

e Gianluca Giannelli di Alice nella città. 

Potenziato il Mercato, dal 15 al 19 ottobre 

a via Veneto e dintorni, neo direttore 

Roberto Cicutto che si è compiaciuto del 

15% di presenze in più. Ad esso è collegata 

La fabbrica dei progetti, quest’anno 26 


sceneggiature in cerca di coproduzioni. 

Smussate le specificità dell’impronta 

veltroniana, confermato il filo diretto dei 

film-evento con il Festival di Toronto, 

quest’anno la selezione ufficiale propone 

14 opere in concorso più 8 fuori concorso, 

giudicate da una giuria di professionisti e 

intellettuali guidata da Milos Forman, che 

avrà anche l’onore di consegnare il 

Marc’Aurelio d’oro alla carriera a Meryl 

Streep, protagonista di un atteso incontro 

con pubblico e stampa, di una retrospettiva 

e del film di chiusura Julie & Julia. L’altra 

retrospettiva è dedicata a Luigi Zampa, 

mentre gli omaggi sono rivolti a Luciano 

Emmer e Tullio Kezich, da poco scomparsi, 

e Luciano Salce; gli spazi dell’Auditorium 

Parco della Musica ospitano mostre 

dedicate a Sergio Leone, Antonio Ligabue 

(a margine del documentario di Salvatore 

Nocita), a Cesare Zavattini (al museo 

Macro) e ai mutamenti climatici globali, 

tema quest’ultimo al centro del focus 

Occhio sul mondo con eventi, dibattiti e 

naturalmente film, tra cui La questione 

nucleare di Ugo Fabrizio Giordani (Italia e 

Francia, scettici ed entusiasti) e Strade 

d’acqua di Augusto Contento, 

sull’Amazzonia. Proseguono gli Stati 

generali del cinema italiano, titolo 

altisonante per tre convegni quest’anno 

sulla promozione, sulla rivoluzione del 

digitale in sala e sul rapporto tra cinema e 

territorio. 

Nel presentare 

l’edizione 2009, si 

è parlato di una 

forte 

connotazione 

femminile 

tra autrici 

(von 

Trotta, 

VISION

Roma 2009 Speciale 

UP IN THE AIR 

TRIAGE 

l’esordiente Stefania Sandrelli) e attrici di rilievo (Streep, Helen 

Mirren, la madrina Margherita Buy), di temi ricorrenti come 

razzismo, totalitarismi, povertà ma anche spiritualità e sport – 

in generale c’è poco da ridere e le poche commedie sono 

intrise di disgrazie. Ad ogni modo, ciò che conta è la qualità e 

per formulare giudizi occorrerà attendere la fine dei giochi. 

Molte le opere sulla carta interessanti, a cominciare dagli 

italiani cui dedichiamo ampio spazio in questo numero, 

L’uomo che verrà di Diritti, Alza la testa di Angelini e Viola 

di mare della Maiorca: una strage nazista attraverso gli occhi 

di una famiglia dell’appennino tosco-emiliano e in particolare 

di una bambina; un rapporto padre-figlio tra pregiudizi e 

dolore e la sfida alle convenzioni di una coppia lesbica nella 

Sicilia dell’800. Di omosessualità parla anche Brotherhood del 

danese di origini italiane Nicolo Donato, al debutto con la 

storia di due neonazisti, un apprendista e il suo mentore, tra i 

quali scocca una clamorosa scintilla tra un raid punitivo e 

l’altro. L’isola di Dawson, nello stretto di Magellano, ha visto 

imprigionare e torturare dopo il golpe anti-Allende tutti i 

collaboratori e ministri del presidente: il regista cileno a lungo 

in esilio Miguel Littin ne parla in Dawson Isla 10, tra il 1973 

ed oggi. Regimi e martiri anche in Popieluszko di Rafal 

Wieczynski, sul sequestro e omicidio del 

cappellano di Solidarnosc nella Varsavia 

del 1984, evento che ha accelerato la 

fine del regime di Jaruzelski (già 

narrato in Un prete da uccidere della 

Holland nell’88); a 25 anni dalla 

morte, ad accompagnare il film 

sarà Lech Walesa. Le concert di 

Radu Mihaileanu (primo regista 

romeno ad affacciarsi alla 

notorietà col travolgente Train 

de vie) concede una rivincita 

Tutti i film del festival 

CONCORSO 

After, Alberto Rodriguez …Alza la testa, Alessandro Angelini 

…Brotherhood, Nicolo Donato …Chaque jour est une fête, Dima El- 

Horr …Dawson Isla 10, Miguel Littin …The last station, Michael 

Hoffman …Plan B, Marco Berger …Qingnian, Geng Jun …Les regrets, 

Cédric Kahn …Triage, Danis Tanovic …L’uomo che verrà, Giorgio 

Diritti …Up in the air, Jason Reitman …Viola di mare, Donatella 

Maiorca …Vision, Margarethe von Trotta 

Giuria: Milos Forman (presidente), Assia Djebar, Gabriele Muccino, Gae 

Aulenti, Jean-Loup Dabadie, Pavel Lungin, Senta Berger 

FUORI CONCORSO 

Christine Cristina, Stefania Sandrelli …The city of your final 

destination, James Ivory …Le concert, Radu Mihaileanu …Io, Don 

Giovanni, Carlos Saura …Julie & Julia, Nora Ephron …Lang zai ji/The 

warrior and the wolf, Zhuangzhuang Tian …Oggi sposi, Luca Lucini 

…A serious man, Joel e Ethan Coen …Hachiko: a dog’s story, Lasse 

Hallström …Astro Boy, David Bowers 

EVENTI SPECIALI 

Red riding trilogy, Autori Vari …Parnassus l’uomo che voleva 

ingannare il diavolo, Terry Gilliam …Omaggio a Roma, Franco 

Zeffirelli …La maglietta rossa, Mimmo Calopresti …L’uomo dalla 

bocca storta, Emanuele Salce, Andrea Pergolari …Dive allo specchio, 

Gilles Jacob …Le ragazze di piazza di Spagna, Luciano Emmer 

L’ALTRO CINEMA 

American boy: a profile of Steven Prince, Martin Scorsese, Tommy 

Pallotta …Con artist, Michael Sladeck …Fratelli d’Italia, Claudio 

Giovannesi …Garbo, the man who saved the world, Edmon Roch 

…I knew it was you, Richard Shepard …L’Italia del nostro 

scontento, Elisa Fuksas, Francesca Muci, Lucrezia Le Moli …Latta e 

café, Antonello Matarazzo …Mamachas del ring, Betty M. Park …Pin 

2011, Torsten König …The one man Beatles, Cosimo Messeri 

…Severe clear, Kristian Fraga …Sons of Cuba, Andrew Lang 

Giuria: Folco Quilici (presidente), Francesco Conversano, Salvo Cuccia, 

Giovanna Gagliardo, Gianfranco Pannone, Franco Diavoli, Sherin Salvetti 

Fuori concorso: The afterlight, Alexei Kaleina …Bancs publics, 

Bruno Podalydès …Bunny and the bull, Paul King …Corked!, Paul 

Hawley …Het Leven uit een dag, Mark De Cloe …Juryoku Pierrot, 

Jun-ichi Mori …Moja krew, Marcin Wrona …Rewizyta, Krzysztof 

Zanussi …Simon Konianski, Micha Wald …Tokyo Ningen Kigeki, 

Koji Fukada …Paulo Coelho’s The experimental witch, Aa. Vv. 

Eventi speciali: Antonio Ligabue: fiction e realtà, Salvatore Nocita 

…Immota manet, Gianfranco Pannone …L’Aquila bella mè, Pietro 

Pelliccione, Mauro Rubeo …Rupi del vino, Ermanno Olmi …Maria Lai. 

Ansia d’infinito, Clarita Di Giovanni …Sotto il Celio azzurro, 

Edoardo Winspeare …University of Southern California – Giovani 

autori dell’animazione, Aa. Vv. …H.O.T. – Human Organ Traffic, 

Roberto Orazi 

ALICE NELLA CITTA’ 

To be all and end all, Bruce Webb …A boy called dad, Brian Percival 

…Dear Lemon Lima, Suzi Yoonessi …Last ride, Glendyn Ivin 

…Marpiccolo, Alessandro di Robilant …1981, Ricardo Trogi …Nat e il 

segreto di Eleonora, Dominique Monféry …Prinsessa – Starring 

Maja, Teresa Fabik …La regate, Bernard Bellefroid …Skellig, Annabel 

Jankel …Vegas, Gunnar Vikene …Winter in wartime, Martin 

Koolhoven …Turtle the incredibile journey, Nick Stringer 

OCCHIO SUL MONDO 

The cove, Louise Psihoyos …Ghost bird, Scott Crocker …Strade 

d’acqua, Augusto Contento …The end of the line, Rupert Murray 

…La questione nucleare, Ugo Fabrizio Giordani …1000 year song of 

Baobab, Seiichi Motohashi …H2Oil, Shannon Walsh 


speciale Roma ‘09 

Da Roma alle sale 

Escono a ridosso del festival romano diversi 

titoli interessanti: oltre ai film in concorso di 

Alessandro Angelini e Donatella Maiorca 

(per il film di Diritti dovremo aspettare i 

primi del 2010) e a Marpiccolo di 

Alessandro di Robilant, ecco cosa troverete 

in sala dalla metà alla fine di ottobre. 

IO, DON GIOVANNI 

di Carlos Saura 

con Lorenzo Balducci, 

Lino Guanciale, Ennio 

Fantastichini (Lucky Red) 

Coproduzione italospagnola 

sul librettista 

Lorenzo Da Ponte, la cui vita dissoluta lo costringe 

all’esilio da Venezia a Vienna, dove conosce Mozart 

che da lui trarrà ispirazione per il Don Giovanni. 

JULIE & JULIA 

di Nora Ephron 

con Meryl Streep, Amy 

Adams, Stanley Tucci 

(Sony) 

Ispiratrice della cucina 

“alla francese” per molte 

donne americane: Julia Child, nella recente 

commedia dell’autrice di Insonnia d’amore in cui la 

fama e le ambizioni dell’autrice e cuoca che nel ’48 

pubblicò il suo libro più famoso vengono rievocate 

da una trentenne di oggi, Julie Powell, che in 

difficoltà sul lavoro e nella vita si mette sulle orme 

della donna e apre un blog dove racconta le sue 

esperienze in cucina. 

OGGI SPOSI 

di Luca Lucini 

con Luca Argentero, 

Michele Placido, Isabella 

Ragonese, Carolina 

Crescentini, Filippo Nigro, 

Renato Pozzetto 

(Universal) 

Cast corale per quattro matrimoni molto 

movimentati, dal poliziotto pugliese che vuole 

sposare la figlia dell’ambasciatore indiano ai due 

precari che cercano di imbucare tutti gli invitati a 

una festa di nozze vip al pubblico ministero che 

cerca di dissuadere l’anziano padre dallo sposare 

una giovane massaggiatrice. Lucini è un nome 

ormai affermato nella commedia contemporanea, 

anche grazie al lavoro dello sceneggiatore Fabio 

Bonifacci. 

L'INCREDIBILE 

VIAGGIO 

DELLA TARTARUGA 

di Nick Stringer 

Regista militante 

ecologista, Stringer ci 

immerge nell'habitat 

delle tartarughe marine, grazie a 5 anni di riprese 

in alta definizione. Voce italiana di Paola Cortellesi 


THE LAST STATION 

tardiva al direttore d’orchestra del Bolshoj licenziato dal regime sovietico e diventato 

custode del teatro moscovita. Ma c’è anche l’attualità con Triage di Danis Tanovic 

(No man’s land): Colin Farrell fotoreporter di ritorno dal Kurdistan, ossessionato dai 

ricordi e dalla scomparsa del collega (al montaggio la nostra Francesca Calvelli, dopo il 

magnifico lavoro per Vincere di Bellocchio); con Qingnian (Gioventù) di Geng Jun, 

ambientato in una provincia cinese ai confini con la steppa siberiana dove il miracolo 

economico non è arrivato; con Up in the air del sulfureo Jason Reitman (vinse a 

Roma due anni fa con Juno), George Clooney tagliatore di teste che sfugge alla realtà 

accumulando e spendendo punti mille miglia aereo dopo aereo. Anche sul fronte 

biografie non mancano figure affascinanti, come Cristina da Pizzano, letterata e 

donna emancipata ante litteram nel Medioevo, rievocata da Stefania Sandrelli alla 

prima regia con la figlia Amanda nel ruolo di Christine Cristina, Alessio Boni e 

Alessandro Haber. Come l’anziano Leo Tolstoj attratto dalla dottrina utopica, 

spogliatosi di tutti i beni nello sconcerto della moglie Sofia (protagonisti Helen Mirren 

e Christopher Plummer) in The last station di Michael Hoffman. Come Hildegard von 

Bingen, badessa di convento in preda a visioni mistiche e sospettata di eresia in 

Vision di Margarethe von Trotta, che ritrova la Barbara Sukowa di Anni di piombo. 

Desta curiosità il ritorno di James Ivory, dopo la scomparsa del sodale Ismail 

Merchant, che in The city of your final destination, con Anthony Hopkins, Laura 

Linney e Charlotte Gainsbourg affronta il romanzo di Peter Cameron su un biografo 

alle prese con la strampalata famiglia di 

uno scrittore scomparso. I Coen sono gli 

autori più attesi a Roma, fuori concorso 

per loro scelta: il loro A serious man è la 

vicenda grottesca di un insegnante 

universitario ebreo, che nel Minnesota del 

1967 cade sempre più in basso tra lavoro, 

famiglia e fede. Dilemmi morali e teologici 

in un film dall’umorismo corrosivo con 

attori sconosciuti. Sul versante amour fou, 

l’argentino Plan B di Marco Berger ed il 

francese Les regrets di Cédric Kahn, con 

Valeria Bruni Tedeschi e Yvan Attal. Sul 

fronte sociale-surreale, Chaque jour est 

une fête della libanese Dima El-Horr 

descrive tre donne, in viaggio verso il 

carcere che ospita i loro mariti, smarrite 

nel deserto (una di loro è la grande Hiam 

Abbass). Sul fronte fantastico, 

Zhuangzhuang Tian in The warrior and 

the wolf mette in scena tribù ribelli, 

spargimenti di sangue e licantropia nel 

deserto del Gobi di 2000 anni fa, mentre 

HACHIKO: A DOG’S STORY 

il supereroe suo malgrado Astro Boy

(produzione Usa di David Bowers) è tratto 

dal manga di Osamu Tezuka e, sempre 

dalla creatività giapponese, Hachiko: a 

dog’s story di Lasse Hallström parla del 

legame indissolubile tra un cane e il suo 

padrone (Richard Gere). In concorso anche 

lo spagnolo After di Alberto Rodriguez, su 

trentenni insoddisfatti, fuori concorso la 

trilogia nata per la britannica Channel 4 

Red riding, crimini efferati nella 

campagna dello Yorkshire dai romanzi di 

David Peace, regia di Julian Jarrold, James 

Marsch (lo scorso anno a Roma col premio 

Oscar Man on wire) e Anand Tucker. Il 

documentario di Mimmo Calopresti La 

maglietta rossa, su Adriano Panatta che 

vinse la Coppa Davis con un indumento che 

sfidava il regime cileno nel 1976. Giovani 

fan in visibilio con l’omaggio a Heath 

Ledger (le prime prove registiche con la 

scuola di cinema The masses e il film in 

uscita Parnassus) e l’anticipazione di New 

moon, secondo capitolo di Twilight. 

Da sempre fiore all’occhiello della 

manifestazione, L’Altro Cinema è 

incentrato quest’anno su una sezione 

competitiva con 12 documentari, 11 

lungometraggi fuori concorso e qualche 

evento speciale. Tra i maestri, Ermanno 

Olmi con Rupi del vino prosegue il suo 

viaggio tra i ritmi e i prodotti della terra, 

ripetendo il viaggio in Valtellina di Mario 

A SERIOUS MAN 

CHRISTINE CRISTINA LE CONCERT 

Soldati; Martin Scorsese riprende con 

Tommy Pallotta, in American boy, il 

ritratto dell’amico molto scapestrato 

Steven Prince, iniziato nel 1978 con un film 

che si credeva perduto. Tra i temi 

affrontati, gli adolescenti italiani di 

seconda generazione in Fratelli d’Italia di 

Claudio Giovannesi; l’ambiente, i giovani 

d’oggi e la politica ne L’Italia del nostro 

scontento a firma Fuksas, Muci e Le Moli; 

il dopo terremoto ne L’Aquila bella mè di 

Pelliccione e Rubeo e nel corto collettivo 

Immota manet a cura di Gianfranco 

Pannone; i ritratti degli artisti Maria Lai, 

Riccardo Dalisi, Mark Kostabi e Antonio 

Ligabue; le donne wrestler in Bolivia e i 

giovani pugilatori a Cuba, la spia Garbo 

tra nazisti e alleati avvolta nella cinefilia, il 

diario del graffitista tedesco Pin 2011, il 

traffico di organi e i corti animati 

dell’università della Southern California; gli 

sforzi degli insegnanti di una materna 

multietnica a Roma diretti da Edoardo 

Winspeare, la pop star 

Emitt Rhodes 

caduta nell’oblio 

(dirige Cosimo 

Messeri, 

producono 

Barbagallo e 

Mazzacurati). 

Ma su tutti, 

due ritratti si 

impongono: il 

marine Mike 

Scotti che ha 

filmato gli 

orrori 

dell’invasione 

dell’Iraq 

affidandoli a 

Kristian Fraga 

(Severe clear) e 

l’attore John Cazale, 

THE CITY OF YOUR FINAL DESTINATION 

cinque film con Coppola, Lumet e Cimino e 

una morte prematura: all’epoca era 

fidanzato con Meryl Streep, intervistata 

assieme a Pacino, De Niro, Coppola in I 

knew it was you. Tra i film fuori 

concorso, il road movie mentale, “da 

appartamento” Bunny and the bull 

dell’inglese Paul King; la bizzarra 

commedia corale Bancs publics di Bruno 

Podalydès con un cast all star (Darroussin, 

Deneuve, Amalric, Mastroianni, Arditi); il 

mystery familiare Juryoku Pierrot di Junichi 

Mori, la Experimental witch che 

Paulo Coelho ha realizzato affidando il suo 

libro La strega di Portobello ai lettori via 

web; il polacco Moja krew sull’intesa tra 

un pugile menomato e una immigrata 

vietnamita; il viaggio nella memoria 

dell’Olocausto Simon Konianski di Micha 

Wald, con toni da commedia; il tocco 

rohmeriano del giapponese Koji Fukada e 

Krzysztof Zanussi che rivisita i personaggi 

di alcune sue opere del passato con gli 

attori di allora, invecchiati. Nel folto 

programma anche l’incontro duetto tra 

Gabriele Muccino e Giuseppe Tornatore e 

quello con Asia Argento. 

Si parlerà per lo più inglese e francese in 

Alice nella città, vicende agrodolci su 

infanzia e adolescenza non prive di 

drammi, con attori come Tim Roth 

(angelo-gufo in Skellig), Hugo 

Weaving e Ian Hart. Da segnalare 

l’italiano Marpiccolo di 

Alessandro di Robilant e 

l’animazione italo-francese Nat 

e il segreto di Eleonora di 

Dominique Monféry, ritorno 

dopo liti e vicissitudini 

della torinese Lanterna 

Magica. 


LES REGRETS 

VIVILCINEMA settembreottobre08 23

intervista 

FILMOGRAFIA - Viol@ (1998), La squadra 

– serie TV (2006), La stagione dei delitti – 

serie TV (2007), Viola di mare (2009) 

Donatella Maiorca 

Uomo per forza 

Dieci anni dopo l’esordio di 

Viol@, Donatella Maiorca, che nel frattempo 

si è dedicata alla televisione – “per 

sopravvivere”, tiene subito a precisare – torna 

al cinema con Viola di mare per raccontare 

un’altra inconsueta storia d‘amore. Se nel 

primo film la protagonista era una ragazza 

coinvolta in una relazione virtuale attraverso 

la rete, questa volta al centro dell’intreccio c’è 

la passione fra due giovani donne nella Sicilia 

di fine Ottocento. Facile intuire che quello fra 

Angela e Sara è un amore scandaloso, 

contrastato, quasi impossibile; proprio per 

questo Angela è costretta a trasformarsi in 

Angelo, ovvero fingere di essere un uomo, 

nascondere il seno, indossare la coppola, 

fumare il sigaro. “Il mio film – precisa 

Donatella Maiorca – racconta la storia di due 

donne in lotta per l’affermazione dell’amore 

e insieme un lungo percorso finalizzato alla 

riacquisizione di un’identità femminile. 

Tuttavia vorrei chiarire che Viola di mare 

non vuol essere un film manifesto in chiave 

femminista. Non sono omosessuale e non 

volevo realizzare un film bandiera. 

La storia – prosegue la regista – è ambientata 

nel passato ma credo che la vicenda narrata 

sia ancora molto attuale, basti pensare alla 

condizione della donna in molte società del 

Sud del mondo. Per questo motivo, pur 

cercando di essere storicamente rigorosa, ho 

cercato di ridurre all’osso costumi e 


Ennio Fantastichini Isabella Ragonese e Valeria Solarino 

Opera seconda a 10 anni di distanza dal debutto, “Viola di mare” è una storia 

d’amore che affronta pregiudizi e convenzioni nella Sicilia di fine ‘800, 

con Valeria Solarino e Isabella Ragonese. Le musiche sono di Gianna Nannini 

scenografie, evitando dal punto di vista 

iconografico lo stereotipo della Sicilia. Il mio 

film è un po’ come sospeso nel tempo, 

proprio per avvicinarlo ai nostri giorni”. 

Come è nata l’ispirazione per il film? 

Alla base del film c’è il romanzo Minchia di re 

di Giacomo Pilati. Un’amica giornalista, Pina 

Mandolfo, me lo ha segnalato e, dopo averlo 

divorato, ho subito pensato di farne un film. 

Ho lavorato alla sceneggiatura con la 

Mondolfo, Donatella Diamanti e Mario 

Cristiani e, pur non partecipando 

direttamente al lavoro di scrittura, Pilati ci è 

stato molto vicino, con consulenze ed 

incoraggiamenti. Il libro è molto barocco e 

poetico, il film volutamente più scarno. 

Peraltro la vicenda raccontata nel libro nasce 

da una storia vera, protagonista una donna 

nata nel 1868 e vissuta per cento anni, quindi 

testimone e protagonista di un’infinità di 

rivoluzioni sociali e culturali. 

Qual è il senso del titolo del nuovo film? 

Il nome Viola intende metaforicamente 

suggerire una connessione con la sua 

opera prima? 

Niente affatto. La doppia presenza del nome 

Viola nel titolo dei due film è del tutto 

casuale. Viola di mare è il nome di un pesce 

ermafrodito del Mediterraneo che nasce 

femmina, depone le uova e successivamente 

si trasforma in maschio. Questo pesce ha 

anche vari nomignoli dialettali e in siciliano è 

chiamato Minchia di re, appunto il titolo del 

romanzo. Diciamo che abbiamo 

semplicemente tradotto in italiano il titolo 

originale... 

È stato difficile trovare e ricostruire la 

Sicilia di fine Ottocento? 

Sono siciliana e pertanto possiedo 

un’approfondita conoscenza della mia 

regione. Questo mi ha aiutato ad individuare 

abbastanza celermente le location. Le riprese 

si sono svolte tutte dal vero, fra l’isola di 

Favignana e Custunaci, un paesino 

dell’entroterra fra Palermo e Trapani, senza 

alcuna ricostruzione scenografica, anche 

perché non avevamo alle spalle una 

produzione così ricca. 

Gran parte della squadra tecnica del film 

(direttore della fotografia, scenografia, 

costumi, musica, produzione) è composta 

da donne: una scelta voluta per 

sottolinearne il carattere femminile? 

Non si tratta di una scelta decisa 

prioritariamente a tavolino, ma di un processo 

naturale, del tutto involontario per certi versi. 

Le direttrici della fotografia, ad esempio, sono 

ancora delle eccezioni, ma con Roberta 

Allegrini, che ritengo bravissima, avevo già 

collaborato ed è stato logico rivolgermi a lei. 

Quanto alle musiche sono molto fiera della 

presenza di Gianna Nannini, che offre al film 

un valore aggiunto. 

La scelta degli interpreti è stata 

altrettanto semplice? 

Assolutamente sì: per il ruolo di Angela/Angelo 

avevo bisogno di un’attrice che potesse 

interpretare il doppio ruolo senza cadere nel 

grottesco o nel ridicolo. Valeria Solarino 

possiede una fisicità che si presta facilmente 

alle trasformazioni; può essere molto sexy ma 

apparire anche un po’ un ragazzino, insomma 

era proprio l’attrice ideale per il ruolo. Per Sara 

ho pensato subito a Isabella Ragonese perché, 

oltre ad essere un’ottima attrice, come del 

resto Valeria, è anche siciliana e, pertanto, in 

grado di arricchire il personaggio di certe 

sfumature caratteriali e psicologiche. Mi piace, 

infine, ricordare la presenza di Ennio 

Fantastichini e Giselda Volodi nel ruolo dei 

genitori di Angela, che non volevo apparissero 

dei mostri, bensì il retaggio di una società 

ipocrita e bigotta, quindi dei personaggi 

negativi, ma per certi versi comunque 

comprensibili. Sono molto soddisfatta della 

prestazione dei miei attori. 

FRANCO MONTINI

IL NASTRO BIANCO 

DAL 30 OTTOBRE AL CINEMA

Intervista Alessandro Angelini 

FILMOGRAFIA - El barrilete (2005, doc.), 

L’aria salata (2006), Alza la testa (2009) 

26 

L’autore del film 

La ruggine addosso 

Per la seconda volta 

Alessandro Angelini è in concorso al Festival 

di Roma, dove nel 2006 il suo bel film 

d’esordio, L’aria salata, vinse il premio per 

l’interpretazione di Giorgio Colangeli. Con 

l’opera seconda, Alza la testa, il giovane 

regista romano torna a raccontare un 

complesso personaggio maschile, 

interpretato da Sergio Castellitto, e il suo 

percorso di caduta e redenzione, scritto 

insieme ad Angelo Carbone e Francesca 

Marciano. Lo spunto iniziale è ancora un 

rapporto padre-figlio, in questo caso un 

padre single, che cerca di crescere il figlio 

adolescente nel modo migliore, 

proteggendolo dalle cose che hanno ferito 

lui nella vita. Lorenzo (Gabriele Campanelli) 

rappresenta per Antonio Mero una promessa 

di risarcimento alle proprie delusioni 

sentimentali e sportive, ed è per questo che 

lo allena con tanto accanimento alla boxe, 

sport nel quale lui non è riuscito ad andare 

oltre la carriera di dilettante. Quando 

Lorenzo comincia ad avere i primi autonomi 

successi sportivi e si innamora di una ragazza 

straniera, Mero cerca di fermarlo per timore 


Gabriele Campanelli e Sergio Castellitto 

A tre anni dal notevole “L’aria salata”, l’autore romano si avvale di un gigantesco Sergio 

Castellitto per raccontare di un nuovo difficile rapporto padre-figlio in “Alza la testa” 

di perderlo, ma i contrasti che ne nascono 

scatenano tragiche conseguenze. Dopo il 

grande dolore della perdita, Mero dovrà 

cambiare atteggiamento per rimettere mano 

ai propri errori e cercare di rialzarsi in piedi. 

Inizierà un viaggio alla ricerca di una persona 

nella quale intravede l’unica possibilità di 

salvezza, ma il viaggio sarà anche dentro di 

sé. Sonia, la figura intorno alla quale ruota la 

seconda parte del film, è interpretata da 

Anita Kravos, già protagonista di Come 

l’ombra; Denisa, la madre di Lorenzo, da Pia 

Lanciotti; Ana, la ragazza romena di cui si 

innamora il ragazzo, da Laura Ilie. 

Mero ama il figlio ma lo vuole 

indirizzare secondo i propri desideri, è 

ostile agli stranieri ma si trova 

continuamente ad aver a che fare con 

loro, vive in un mondo maschile ma le 

sue certezze sono “minacciate” dalle 

donne. Che persona è Mero? 

Mero non è un personaggio accattivante. 

Quando vuole essere simpatico è di una 

simpatia per così dire grezza, quando è 

antipatico capisci che lo è perché ci sono 

state circostanze che lo hanno segnato. Fa 

l’operaio nautico in un cantiere di Fiumicino 

ma, pur costruendo barche, è ancorato al suo 

ambiente e alle sue convinzioni. Non ha mai 

viaggiato e ha una chiusura totale verso gli 

extracomunitari, nonostante lavori con molti 

di loro. Con i colleghi del cantiere – fra i quali 

Giorgio Colangeli – tutti cinquantenni e soli, 

ha formato una specie di famiglia virile, in cui 

è costretto a muoversi anche il figlio, 

cresciuto senza una figura femminile di 

riferimento. Questo fragile 

equilibrio è rotto dall’arrivo di 

una ragazzina che viene da un 

paese straniero, nella quale 

Lorenzo ritrova qualcosa 

della madre e Mero lo 

spettro del suo 

matrimonio 

fallito con una 

donna albanese. 

Da quel momento 

il suo obiettivo 

diventa quello di 

impedirgli di 

compiere i suoi stessi 

errori.

Come ha contribuito Sergio Castellitto 

alla caratterizzazione di Mero? 

Il film è costruito su un unico personaggio, 

sul suo modo di vivere i rapporti e i 

sentimenti, e avere Sergio è stata la mia 

fortuna. Ho pensato a lui fin dall’inizio e lui 

ha accettato la parte ancora prima che fosse 

scritta la sceneggiatura. Ha colto subito 

l’essenza del personaggio ed è stato disposto 

ad arricchirlo di dettagli e suggestioni con un 

entusiasmo e una partecipazione 

meravigliosi. Ha praticamente scritto il film 

con la sua interpretazione: nell’arco di un’ora 

e mezzo riesce a far ridere, piangere, 

suscitare rabbia, cambiando continuamente 

registro di recitazione. 

Hai dichiarato di amare i “personaggi 

con la ruggine addosso”, come Mero e 

Luigi Sparti de L’aria salata. 

Cosa trovi in loro di 

interessante da 

raccontare? 

Mi piacciono perché sono 

persone indomite, che 

agiscono e non si 

fermano mai, pur 

commettendo 

molti errori. 

Sentono che 

l’ago della 

bilancia pende 

a loro sfavore, 

pensano di 

meritarsi di 

più dalla vita 

e di non avere più tempo. Allora provano a 

forzare la situazione e spesso passano il 

segno, facendo peggiorare le cose. Io ne ho 

conosciute tante di persone così, e la cosa che 

mi affascina di loro è che ci provano sempre, 

fino in fondo. Questo è il tratto 

fondamentale di Mero, che non capisce mai 

quando è ora di smettere, ma proprio per 

questo riesce sempre a ottenere qualcosa, a 

rimettersi in piedi. Nel pugilato, l’importante 

è rimanere in piedi anche se si prendono i 

pugni, e sapersi rialzare quando si cade. Allo 

stesso modo ciò che anima queste persone è 

la volontà di farcela, l‘idea che un giorno 

riusciranno ad ottenere quello che si 

meritano. 

Nel film precedente adottavi una 

costruzione molto rigorosa, quasi 

documentaristica. Qui la storia è più 

articolata e ricca di sorprese. In che 

modo sei intervenuto sul modo di 

raccontarla? 

Può sembrare che Alza la testa parta dalle 

stesse premesse de L’aria salata, ma non è 

così. Questo film mescola i generi 

continuamente con una grande libertà 

narrativa. Volevamo che la struttura fosse 

spiazzante, come le aspettative e le sorprese 

della vita, che ti butta all’aria un progetto, 

per il quale magari ti sei allenato a lungo, e ti 

costringe a ricominciare da capo o a 

cambiare strada. Inizia come una commedia 

anche un po’ sgangherata, poi diventa un 

romanzo di formazione, una storia d’amore, 

un dramma, per concludersi con un finale 

Castellitto con Laura Ilie 

surreale e quasi favolistico. C’è dentro tutto: 

l’idea di ridere, piangere e dare il classico 

colpo allo stomaco. Spero che arrivi allo 

spettatore così come è stato pensato. 

Ne L’aria salata c’era un attento studio 

di ambienti e di luci, un dialogo intenso 

fra il concetto di “apertura” e 

“chiusura”. Anche in questo caso le 

ambientazioni aggiungono significati 

ulteriori al percorso umano di Mero? 

Dovendo trattare la parabola di un uomo, 

siamo partiti da luoghi fermi e chiusi – il 

cantiere, la palestra, il quartiere popolare e 

duro, che sta asserragliato in difesa dei suoi 

abitanti – per concludere con il movimento e 

l’apertura del viaggio, che non è solo un 

viaggio geografico. Mero si ritrova ai confini 

dell’Italia, a Gorizia, in un luogo in cui è lui lo 

straniero. Va a conoscere qualcuno di cui non 

sa nulla, non sa cosa aspettarsi e non ha più 

alcun punto fermo. Mi piace pensare che 

anche in casi estremi come questo, quando si 

è perso tutto, c’è sempre la possibilità di 

compiere un gesto inatteso e – forse – 

pacificatorio per “rialzare la testa”. E qui 

vengo al titolo, Alza la testa, il consiglio che 

Mero dà sempre al figlio durante gli 

allenamenti di pugilato, esortandolo in 

questo modo anche a comportarsi con 

fierezza e a non aver paura di nessuno. Poi, 

nel cammino doloroso di Mero, questa frase 

diventa un monito a se stesso: “alza la testa” 

e guarda chi hai davanti. Riconosci l’altro, 

anche se è diverso da te. 

BARBARA CORSI 


27

intervista 

28 

Giorgio Diritti 

La vita in tempo di guerra 

29 settembre – 5 ottobre 

1944. Circa ottocento civili furono assassinati 

dalle truppe naziste nel territorio emiliano di 

Marzabotto e nelle colline limitrofe di 

Montesole. Fra le vittime molti bambini. È 

questo lo scenario che accompagna il nuovo 

lavoro di Giorgio Diritti, L’uomo che verrà: 

il racconto di quei tragici giorni attraverso la 

storia di una famiglia e lo sguardo lucido ed 

innocente di Martina. 

Qual è stata la genesi del progetto? 

L’idea è nata molti anni fa. Avevo 

intervistato un monsignore responsabile 

della Caritas di Bologna. Era stato compagno 

di seminario di alcuni sacerdoti che sono 

morti a Montesole. Aveva scritto un libro, Le 

querce di Montesole che racconta i tragici 

fatti della strage di Marzabotto. Quella 

lettura mi ha aperto gli occhi su una vicenda 

che i libri di storia o l’immaginario collettivo 

raccontano in maniera diversa rispetto alla 

realtà dei fatti. In quel periodo però ero 

molto giovane e inesperto. Ho tentato di 

proporre il progetto di un film su quella 

vicenda senza ricevere alcuna risposta 

positiva. Poi nel ‘93 ho ripreso in mano 

l’idea. Ho fatto parecchie interviste a 

sopravvissuti e partigiani, iniziando il 

percorso che mi ha portato poi alla 

realizzazione della sceneggiatura. 

Nella scrittura che punto di vista hai 

utilizzato? 

Non volevo fare un film storico, anche se è 

importante parlare di questo pezzo di storia, 

mantenendo viva la memoria. Tanto meno 


Claudio Casadio e Maya Sansa 

La strage di Marzabotto, il conflitto bellico visto dal basso ne “L’uomo che verrà”, 

attesa opera seconda per l’autore della rivelazione “Il vento fa il suo giro”, con Alba 

Rohrwacher e Maya Sansa accanto ad attori non professionisti 

un film bellico dove ci sono i vincitori buoni 

da una parte e i cattivi perdenti dall’altra. 

Volevo raccontare la vicenda di Marzabotto 

affrontando un tema purtroppo d’attualità, 

vale a dire la condizione dei civili nella 

guerra. I civili con la loro quotidianità, i 

sogni, le aspirazioni, i figli da crescere, il 

desiderio di migliorare la propria condizione 

sociale, il desiderio di affermarsi nel lavoro, 

l’innamorarsi. Sono stadi che facevano parte 

del loro vissuto e che logiche di dominio e di 

possesso, di ideologie come quella nazista, 

oppure d’interessi commerciali velati da altre 

cose, hanno in un attimo annientato insieme 

alle persone. Il film racconta la guerra vista 

in un certo senso dal basso, con il punto di 

vista di chi la subisce. 

Per farlo hai utilizzato gli occhi e il 

cuore di Martina. 

Ho utilizzato il punto di vista di una bambina 

per due motivi. Nella fase della fanciullezza 

c’è una dimensione bellissima, che è quella 

che ti porta a scoprire il mondo per 

conoscere gli elementi che lo compongono, 

pur non sapendo bene cosa essi siano. In 

questo sguardo innocente tante volte si 

nasconde una grande forza, quella che 

mette in luce le incoerenze e le stranezze 

del mondo degli adulti. L’altro aspetto è 

legato al fatto che nella strage di 

Marzabotto hanno perso la vita un alto 

numero di bambini, più di duecento di 

età inferiore agli otto/dieci anni. 

Oltre a Martina troviamo altre due 

donne: la madre interpretata da 

Maya Sansa e la zia interpretata da Alba 

Rohrwacher. Che caratteristiche hanno? 

Il mio è il racconto corale che ha per 

protagonista una tipica famiglia 

dell’Appennino di allora, immersa in una 

dimensione in cui la civiltà contadina era 

molto forte. Le famiglie erano dei nuclei 

multiformi dove convivevano tante persone. 

Il personaggio interpretato da Maya Sansa 

viveva la condizione di vita in campagna 

come una cosa normale. Maya è nella logica 

di una madre, spesso inglobata nelle 

dinamiche che relegavano il ruolo femminile 

in ambiti poco decisionali. Questo non 

accadeva ovunque: nelle altre regioni d’Italia, 

come in Piemonte, il matriarcato era molto 

forte. Qui nell’Appennino bolognese era la 

figura maschile che predominava. L’uomo 

andava a fare la spesa al paese, gestiva i 

soldi e prendeva le 

decisioni. 

Il regista del film

Al contrario, il personaggio interpretato da 

Alba cerca di affrancarsi, realizzarsi. 

All’epoca ad esempio si andava in città a 

servizio per conquistare il mondo, per 

elevarsi socialmente, per poter comprare un 

vestito in più, avere un ruolo diverso. 

Anche ne L’uomo che verrà, come era 

accaduto ne Il vento fa il suo giro, hai 

utilizzato il dialetto. 

Era importante conservare il più possibile la 

sensazione di salto nel tempo. Era 

fondamentale entrare nel 1944. L’ipotesi di 

parlare un italiano bolognesizzato non 

convinceva me e gli attori. Così ho optato 

per l’utilizzo di un dialetto che fosse più 

stretto ma reale. Certo, esiste la fatica dei 

sottotitoli ma si ha così la sensazione di 

tuffarsi in quell’epoca. Gli attori hanno fatto 

un grande lavoro di training. Maya e Alba 

sono state bravissime. Hanno avuto un bravo 

dialect coach che le ha istruite in ogni 

battuta, ha fatto loro un corso. La difficoltà 

nell’uso del dialetto non ha riguardato solo 

loro: altri attori anche del territorio 

regionale hanno faticato non 

poco. 

In quali territori hai 

girato? 

Gran parte del film è 

stata girata in 

Emilia, una parte 

in Toscana. Il 

progetto è nato 

con l’idea di 

essere 

Alba Rohrwacher e, sullo sfondo, Greta Zuccheri Montanari 

realizzato qui. È stato difficile trovare ancora 

un angolo di territorio che non avesse case 

ristrutturate o crollate. Abbiamo girato in 

gran parte nelle zone di Calderino Monte 

San Pietro, Castel San Pietro, poi ci siamo 

trasferiti in Toscana vicino a Radicondoli, 

dove abbiamo trovato una situazione 

bellissima. Questa scelta è legata anche alla 

disponibilità della Film Commission Toscana, 

che ha aderito al progetto entrando in 

coproduzione con una quota sul film. 

Quali sono gli altri partner produttivi? 

Il film è prodotto da Arancia Film e Rai 

Cinema con il sostegno dalla Fondazione 

Cassa di Risparmio di Bologna assieme alla 

Cineteca Comunale di Bologna. C’è anche un 

apporto finanziario da parte di un editore 

musicale che si chiama Borgatti. Molto 

importante anche il contributo del 

Ministero, mentre il film sarà distribuito 

dalla Mikado. 

Il film ha avuto a disposizione un 

budget di circa tre milioni e mezzo di 

euro, molto di più rispetto al tuo 

precedente lavoro. Come ti sei trovato a 

gestire più risorse finanziarie? 

Per molti aspetti il denaro semplifica e 

complica le cose. Con un budget così alto le 

responsabilità economiche sono pesanti, 

anche perché i meccanismi ministeriali sono 

lentissimi e quindi sei costretto a lavorare 

con le banche. Poi, nella gestione del film ho 

cercato di conservare e mantenere lo spirito 

che c’era stato nel lavoro precedente, con 

qualche professionista in più nei ruoli chiave 

e una troupe che ha visto Roberto Cimatti 

come direttore della fotografia, Giancarlo 

Basili come scenografo, Lia Morandini ai 

costumi, Paolo Barzoni ed io al montaggio. 

Sul set c’è stato un clima collaborativo e 

costruttivo da parte di tutti, c’era la voglia di 

fare cinema con passione, la piena 

condivisione sia dal punto di vista artistico 

che morale. 

Quanto è stato importante il lavoro di 

ricerca di luoghi e persone? 

Moltissimo. Il lavoro di preparazione è 

iniziato un anno prima delle riprese. In quel 

periodo abbiamo cercato i luoghi e le 

persone. Il lavoro di casting mi ha portato ad 

incontrare migliaia di persone, centinaia di 

bambini. Avevamo l’esigenza di trovare 

persone con i lineamenti che 

corrispondessero ai tratti di quel periodo: nel 

1944 la gente abitava in campagna, aveva 

fame e non mangiava, mentre oggi 

soprattutto i bambini hanno i tratti del 

benessere e dell’abbondanza. Altrettanto 

importante è stato il lavoro sulle location. 

Abbiamo lavorato a lungo per trovare due 

luoghi in particolare: una chiesa e un 

oratorio scuola. Ne abbiamo visti più di 

ottanta. Abbiamo censito tutto il territorio 

delle province di Bologna, Modena, Faenza. 

Importante è stato anche il lavoro 

preparatorio con la Cineteca di Bologna su 

tutto l’archivio fotografico e 

cinematografico di quegli anni, per il lavoro 

sui costumi. 

DAVIDE ZANZA 


Alessandro di Robilant 

intervista 

FILMOGRAFIA - Il nodo alla cravatta (1981), Anche lei fumava il sigaro (1985), Il giudice ragazzino 

(1993), I fetentoni (1999), Per sempre (2003), L’uomo della carità (2006), Marpiccolo (2009) 

Percorso obbligato 

Tra criminalità e angeli custodi si dipana la storia del giovane Tiziano, inchiodato 

nel quartiere ghetto che si affaccia sul “Marpiccolo” di Taranto 

La struttura narrativa è quella 

del romanzo di formazione, ma il nuovo film 

di Alessandro di Robilant, Marpiccolo, è 

anche il ritratto di una città, Taranto, umiliata 

ed offesa. Al centro del racconto Tiziano, 17 

anni, abitante del quartiere Paolo VI, un 

labirinto di cemento sorto negli anni ’70 per 

svuotare la città vecchia e “deportare” in 

periferia gli abitanti più poveri e le fasce 

sociali a rischio. “Se nasci nel quartiere Paolo 

VI – commenta di Robilant – davanti a te si 

aprono solo tre prospettive: saltuari contratti 

trimestrali nella Nettezza Urbana; un posto 

fisso all’Ilva, con conseguente condanna ad 

una vita breve; oppure una rapida carriera 

nella criminalità. In questa situazione, è 

logico che i ragazzi più svegli e più capaci 

scelgano la terza strada. Ed è appunto ciò che 

nel film accade al protagonista che, anche 

per saldare i debiti contratti dal padre, si 

mette al servizio del boss del quartiere. Il film 

racconta la lenta ma inarrestabile caduta di 

Tiziano nel gorgo della criminalità, fino ad un 

tentato omicidio che non riesce e che 

conduce Tiziano dietro le sbarre. A salvare 

Tiziano da un destino che sembra segnato, 

comune alla maggior parte dei suoi amici e 

conoscenti, intervengono – prosegue il 

regista – tre angeli custodi che gli 

prospettano la possibilità di un’esistenza 

diversa: dapprima un’insegnante che lo 

spinge alla lettura e che cerca di dimostrargli 

come affrancarsi dall’ignoranza sia l’unica 

possibilità per uscire da un’esistenza priva di 

futuro; poi un educatore incontrato in 

carcere, infine la fidanzata, una giovane 

cameriera che combatte per ottenere ciò che 

dovrebbe essere offerto a tutti: una vita 

normale”. 

Dove hai tratto l’ispirazione per questo 

film? 


Giulio Bernanek e Selenia Orzella 

È nata da un libro di Andrea Cotti, privo di 

una precisa collocazione geografica, 

intitolato Stupido. Dopo che avevo già 

avviato il lavoro di sceneggiatura, mi è 

capitato di passare per Taranto e mi sono 

reso conto che era la città perfetta per 

ambientare la storia sullo schermo. Così il 

copione è stato in buona parte riscritto, per 

armonizzarlo con la location scelta. Taranto è 

una città controversa, dove bellezza e 

mostruosità convivono una accanto all’altra. 

La parte vecchia, che ha origini greche, è 

molto suggestiva, ma sulla città incombe 

come un mostro lo stabilimento dell’Ilva, una 

fabbrica che produce lavoro e morte per gli 

scarichi di diossina che provocano malattie, 

anche genetiche. Il quartiere Paolo VI è 

abitato esclusivamente da donne e bambini: 

non ci sono uomini, non ci sono vecchi. L’Ilva 

divide in due la città, che si affaccia, come 

un’isola, su due mari. Il mare piccolo, che dà 

il titolo al mio film, è appunto quella distesa 

d’acqua su cui si affaccia il quartiere Paolo VI. 

Il film è stato interamente girato dal 

vero: non dev’essere stato facile entrare 

con una troupe in un quartiere, diciamo 

così, a rischio. 

La preparazione del film è durata molti mesi 

e le riprese si sono svolte successivamente alla 

nascita del rapporto di conoscenza e di 

reciproca fiducia che si è instaurato con gli 

abitanti del Paolo VI, favorito dall’intervento 

di un educatore di Taranto, molto noto in 

città: Giovanni Guarino. Poi, come accade 

sempre, superata la diffidenza gli abitanti si 

sono rivelati persone affidabilissime. Tutti ci 

hanno aperto le porte delle loro case e 

durante le riprese abbiamo potuto contare su 

una assoluta disponibilità. La cosa che 

personalmente più mi ha colpito è stato 

constatare come queste persone, che pure 

soffrono di molti problemi, siano legate fra 

loro da forti vincoli di solidarietà e 

possiedano una vitalità, una combattività, 

un’allegria incredibili. Le donne in particolare 

sono molto forti, molto determinate. Tutta 

questa energia ho cercato di trasferirla nel 

mio film, il cui tono è tutt’altro che dolente. 

Il cast di Marpiccolo accosta nomi noti e 

attori del tutto sconosciuti. Come sono 

stati scelti gli interpreti? 

Il problema più complicato è stato quello di 

trovare gli attori per i ruoli di Tiziano e della 

fidanzata. Volevamo degli interpreti che 

fossero pugliesi, meglio ancora se tarantini; 

per questo abbiamo fatto migliaia di provini, 

partendo dalle scuole. I presidi di solito ci 

spedivano gli alunni più meritevoli, i “bravi 

ragazzi”; noi invece avevamo bisogno di 

qualcuno che fosse anche un po’ 

“mascalzone”. Un preside ha capito e ci ha 

proposto Giulio Bernanek, figlio di giostrai, 

papà serbo e mamma di origini spagnole, un 

ragazzo nato e cresciuto proprio nel 

quartiere Paolo VI, dall’intelligenza spiccata, 

dotato di grande gestualità; insomma 

perfetto per il ruolo di Tiziano. La fidanzata è 

invece Selenia Orzella, una ballerina che, per 

studiare danza, a 12 anni da Taranto si era 

trasferita a Roma; una ragazza molto 

concreta e determinata, proprio come il 

personaggio. Anche Michele Riondino, scelto 

per il ruolo del boss, è curiosamente di 

Taranto e sono comunque pugliesi anche 

Anna Ferruzzo e Nicola Rignanese, scelti per 

la parte dei genitori di Tiziano. Infine, a 

completare il cast, ci sono due attori che non 

sono pugliesi ma che apprezzo moltissimo: 

Valentina Carnelutti e Giorgio Colangeli, i 

due adulti angeli custodi di Tiziano. 

FRANCO MONTINI

NICOLA GIULIANO, FRANCESCA CIMA, MEDUSA FILM PRESENTANO 

KSENIA RAPPOPORT 

FILIPPO TIMI 

UN FILM DI 

GIUSEPPE CAPOTONDI 

DAL 9 OTTOBRE AL CINEMA 

www.indigofilm.it 

www.medusa.it

schede critiche 

MOTEL WOODSTOCK 

di Ang Lee 

Titolo originale: Taking Woodstock …Sceneggiatura: 

James Schamus dal libro di Elliot Tiber …Fotografia: 

Eric Gautier …Montaggio: Tim Squyres …Musiche: 

Danny Elfman …Interpreti: Demetri Martin, Dan 

Fogler, Liev Schreiber, Henry Goodman, Jonathan 

Groff, Imelda Staunton, Paul Dano, Mamie Gummer 

…Produzione: Focus Features …Distribuzione: Bim 

…Usa 2009 …colore 120’ 

WOODSTOCK come antidoto alla 

cupezza e come simbolo di 

liberazione sessuale nelle sue 

varianti, anche omosessuali. Così 

Ang Lee passa dai toni 

melodrammatici e disperati di film 

come Brokeback Mountain e 

Lust, caution alla commedia 

generazionale e scanzonata con 

Motel Woodstock, dal libro 

autobiografico di Elliot Tiber che ha 

per sottotitolo A True Story of a 

Riot, a Concert, and a Life. 

Occasione perfetta il quarantennale 

di quella mitica “tre giorni di pace, 

amore e musica” che per l’eclettico 

regista taiwanese è lo spunto per 

raccontare “una notte fantastica, 

l’ultima notte prima della perdita 

dell’innocenza”. 

Lasciando sullo sfondo la musica, 

grande protagonista di quel mitico 

evento dell’agosto 1969 con nomi 

intervista Ang Lee 

Cosa l’affascinava del periodo in cui è 

ambientato Motel Woodstock? 

Per me il 1969 e Woodstock rappresentano il momento culmine di un 

periodo come gli anni Sessanta, che io considero l’ultima età 

dell’innocenza vissuta dalla nostra società. Dal punto di vista personale, 

poi, volevo cambiare qualcosa: negli ultimi tredici anni ho diretto sei 

film legati ad argomenti drammatici. Sentivo il bisogno di dedicarmi 

alla commedia e quando ho letto il libro scritto da Elliot Tiber ho 

sentito che era il film che volevo fare. 

Cosa rappresenta per lei il concerto di Woodstock? 

Ho saputo del concerto di Woodstock a Taiwan dalla televisione: ero 

molto giovane, seguivo la musica e avevo capito che erano successe 

molte cose divertenti in quei giorni. Nel corso del tempo, però, quel 

momento ha acquistato ai miei occhi un valore sempre più simbolico. 

Durante quel concerto è nata una nuova generazione che si è separata 

dal vecchio establishment, alla ricerca di una maniera migliore e più 

giusta di vivere con gli altri. A Woodstock si è 

celebrata una nuova era in cui le differenze di 

pelle, di credo e sociali hanno smesso di 

costituire delle barriere tra le persone. È stato un 

modo per iniziare a vivere in maniera pacifica 

con la Natura e con tutti gli esseri che ci 

circondano. Un evento vissuto dalle persone 

normali. 

suo produttore James Schamus, ha 

scelto di non usare né i filmati di 

repertorio né molti dei brani cult e 

persino il mitico palco si vede solo di 

sfuggita e in una distorsione 

lisergica. Così la colonna sonora del 

film, che comunque contiene 32 

brani d’epoca, ne esclude molti altri, 

anche per una questione di budget, e 

questo deluderà molti degli 

spettatori cinquantenni o più. Ma il 

consiglio è di concentrarsi sul resto, a 

partire dal cast variegato e azzeccato 

con tanti siparietti gustosi. Oltre ai 

già citati, segnaliamo Emile Hirsch 

(Into the wild) nel ruolo di un 

reduce dalla guerra del Vietnam che 

soffre di sindrome post-traumatica e 

soprattutto il simpatico Liev 

Schreiber, un ex militare en travesti, 

dalla muscolatura d’acciaio ma 

dalle movenze femminili, che 

vivacizza l’atmosfera del motel 

offrendo brownies alla marijuana ai 

genitori del protagonista (la scena è 

una delle più esilaranti). Altra scena 

notevole è quella in cui Elliot viene 

invitato a un festino a base di Lsd 

da una coppia di figli dei fiori 

all’interno di un pullmino arredato in 

perfetto stile freak. 

CRISTIANA PATERNÒ 

L’ultima età dell’innocenza 

Il concerto, l’emancipazione, la ricerca della felicità e i ricordi di un giovane 

taiwanese nella commedia “Motel Woodstock”, cambio di registro per l’autore 


come Joan Baez, Janis Joplin, i 

Grateful Dead, gli Who, Joe Cocker, 

Crosby, Stills, Nash & Young, il 

racconto si concentra 

sull’autobiografia di Elliot Tiber (è 

il comico televisivo Demetri 

Martin), rampollo di una buffa e 

scombinata famiglia di origine 

ebraica con un padre depresso e 

una madre arpia che, dopo essere 

scampata allo sterminio, intrattiene 

un rapporto maniacale col denaro 

(è una fantastica Imelda Staunton). 

Sommerso dalle ipoteche, il 

giovane Elliot ha un’idea 

estemporanea quanto brillante: 

fare dello scalcinato motel di 

famiglia il quartier generale per un 

happening che si rivelerà epocale 

(lui non può saperlo, ma noi 

spettatori sì) con mezzo milione di 

persone che arrivano da ogni 

angolo degli States, intasando la 

statale e consacrando la cultura 

hippie al rango di enorme e 

lucroso business. 

Immagini (in bianco e nero) e suoni 

fanno ormai parte 

dell’immaginario collettivo, anche 

grazie al documentario di Michael 

Wadleigh che vinse l’Oscar nel 

1971. Ma Ang Lee, d’accordo col 

E cosa ne è del sesso, droga e rock and roll… 

Ovviamente c’erano pure quelli: ma quello che mi interessava di più era 

comprendere quali semi fossero stati piantati per un pensiero e delle azioni 

da prendere più seriamente. Per me Woodstock è soprattutto un simbolo: 

un’icona imperfetta della nostra modernità cui, però, dobbiamo comunque 

molto. 

Anche in questo film affronta il tema dell’omosessualità. 

Sono interessato alle grandi storie e spesso coinvolgono questo tema che 

mi affascina molto. In Motel Woodstock si affronta l’argomento come 

inserito nel contesto di un orizzonte più grande. Da quando ho lasciato 

Taiwan, ormai molti anni fa, sono considerato uno straniero ovunque 

vada. Anche quando torno a quella che una volta era casa mia. Tale 

situazione mi ha portato ad una sorta di rifiuto delle definizioni e delle 

categorie; se dovessi scegliere un tema principale, per me Motel 

Woodstock parla soprattutto di felicità e di un’epoca in cui si potevano 

fare e cambiare le cose. 

Woodstock era stata già raccontata da un 

famoso documentario. In che rapporto sta il suo 

film con quel lavoro? 

È stato una grande influenza: mi sarebbe piaciuto 

usare parti di quel film, ma alla fine abbiamo preferito 

sentirci più liberi. In compenso ho utilizzato una 

ventina delle canzoni registrate in quei giorni. 

MARCO SPAGNOLI

GLI ABBRACCI SPEZZATI 


Titolo originale: Los abrazos rotos …Sceneggiatura: 

Pedro Almodovar …Fotografia: Rodrigo Prieto 

…Montaggio: José Salcedo …Musiche: Alberto Iglesias 

…Interpreti: Penelope Cruz, Lluis Homar, Blanca 

Portillo, José Luis Gomez, Ruben Ochandiano, 

Tamar Novas …Produzione: El Deseo …Distribuzione: 

Warner Bros …Spagna 2009 …colore 129’ 

VARIAZIONE sul tema? 

Compendio? Lezione di stile? 

Davanti al nuovo film di Almodovar, 

finalmente sui nostri schermi dal 13 

novembre, il pubblico spagnolo non 

si è lasciato sedurre come una volta, 

quello festivaliero ha storto il naso 

tra sospetti di “maniera” e continui 

cambi di registro; eppure Los 

abrazos rotos, opera 17 nella sua 

filmografia, è una sorta di 8½ per il 

maestro spagnolo, manifesto di stile 

e incastro narrativo, commistione di 

melodramma e commedia con 

inserti (seppur deboli) di noir, 

ennesima dimostrazione della 

capacità rarissima di dirigere gli 

attori – davvero in stato di grazia – 

per di più con un rigore e una 

sobrietà che forse ai fan storici non 

sono andati giù. La cecità del 

personaggio principale, il regista 

Mateo poi diventato sceneggiatore 

con lo pseudonimo di Harry Caine, 

più che rinviare a Hollywood 

ending di Woody Allen rappresenta 

l’attacco di emicrania invalidante 

che ha costretto per mesi 

Almodovar al 

riposo forzato in una stanza buia. Il 

“film nel film” che spesso fa 

capolino nelle sue opere (ricordate 

El amante minguante in Parla con 

lei?) come i riferimenti alla 

professione di cineasta qui 

assurgono a una vera e propria 

autocelebrazione al fianco di una 

quantità di citazioni e omaggi, da 

Europa ’51 di Rossellini a Peeping 

Tom di Powell fino all’intensità 

emotiva di Persona di Bergman, 

con una fluidità narrativa e una 

raffinatezza visiva che richiama qua 

e là Magritte, Hopper e quant’altro 

e che ormai costituisce il marchio di 

fabbrica dell’autore. 

A raccontare la trama che ondeggia 

tra il ’92, il ’94 e il 2008 a Madrid, 

più una fuga d’amore 

sull’Atlantico, si rischia di non 

rendere un favore al film: quel che 

incanta è l’atmosfera che il regista 

manchego instaura a pochi minuti 

dall’inizio, dopo una presentazione 

con voce fuori campo molto 

“vecchia Hollywood”; atmosfera 

che resiste nonostante le virate dal 

drammatico al comico, alla quasiparodia 

del film nel film (Ragazze e 

valige) che non fa che rielaborare il 

plot di Donne sull’orlo di una 

crisi di nervi e che costituisce 

parte integrante della vicenda: 

Mateo (Lluis Homar) ne è il regista, 

Magdalena (Penelope Cruz) è la 

protagonista debuttante e molto 

presto la sua amante, Ernesto (José 

Luis Gomez) l’anziano magnate 

della finanza nonché colui che 

mantiene Magdalena, ne produce il 

film ed è divorato dalla gelosia. In 

intervista Penelope Cruz 

Nell’anno dell’Oscar per Vicky Cristina Barcelona, 

Penelope Cruz ha affrontato altre due sfide molto importanti per la sua 

carriera: tornare a lavorare col suo regista preferito e amico Pedro 

Almodovar in Los abrazos rotos e partecipare al musical Nine di Rob 

Marshall al fianco di Daniel Day Lewis, Nicole Kidman, Sofia Loren, Judi 

Dench, nel ruolo di Carla Albanese che già fu di Sandra Milo in 8½, al 

quale il film si ispira. Parlando del film spagnolo, la Cruz ammette che 

“è stata una grande sfida recitare di nuovo per Pedro in un film che 

mette commedia e dramma sullo stesso piano; il ruolo che mi ha offerto 

Almodovar era, praticamente, tre donne in una”. Quanto alla 

preferenza tra generi: “non prediligo né la commedia, né il dramma. Mi 

sento fortunata a poter portare sullo schermo entrambi gli aspetti della 

recitazione, com’è avvenuto nel film di Woody Allen”. L’Oscar? “Un 

momento incredibile, credo ci voglia davvero qualche mese per rendersi 

conto di quello che è accaduto: quando sei sul palco del Kodak Theatre 

ti passa la vita davanti e ripensi a tutti quelli che nel corso del tempo 

hanno creduto in te e ti hanno aiutato, a cominciare dalla famiglia”. Il 

lavoro con Almodovar? “Mi sento davvero fortunata per la fiducia che 

ripone in me: le donne che ho interpretato per lui sono, infatti, 

estremamente diverse tra loro. Io e lui ci conosciamo molto bene, 

conosciamo i sentimenti che proviamo reciprocamente l’uno per l’altra. 

Ciò nonostante, lavoriamo sempre alla stessa maniera ed effettuiamo le 


più il figlio di Ernesto, l’adolescente 

omosessuale represso Ray X (Ruben 

Ochandiano) che filma il backstage 

delle riprese, altrettanto decisivo per 

la progressione drammaturgica e 

raccordo narrativo tra i due piani 

temporali. Da menzionare infine 

l’agente del regista/sceneggiatore, la 

fedele e accigliata Julieta (una 

immensa Blanca Portillo), suo figlio 

Diego (Tamar Novas) a più livelli 

assistente/seguace di Mateo e, qua e 

là, vecchie conoscenze come Angela 

Molina e in un cameo le fedelissime 

dell’ex cantore della movida: Rossy 

De Palma e Chus Lampreave (la 

portinaia, naturalmente), oltre alla 

dolce Lola Dueñas nel bellissimo 

ruolo di interprete labiale dei 

dialoghi tra amanti. Passioni, rancori, 

segreti, vendetta e morte si affollano 

attorno alla realizzazione di un film e 

si riversano sullo schermo che, dal 

nostro schermo, ne amplifica la 

potenza fungendo da catalizzatore 

dei sentimenti dei personaggi. Un 

impianto drammaturgico che elabora 

influenze e amori dichiarati 

dell’autore (Douglas Sirk in testa), 

integrando senza essere prevalente 

un linguaggio di grande potenza 

espressiva che potrà apparire ad 

alcuni freddo o déjà vu ma non 

mancherà di incantare cinéphile di 

ogni latitudine, anche grazie ad 

apporti tecnici (fotografia, musiche, 

scenografia) di prim’ordine. 


La buena sorte 

Dopo la consacrazione dell’Oscar, l’attrice ritrova il connazionale Almodovar nell’intenso 

“Los abrazos rotos”, applaudito a Cannes. Manco a dirlo, un ruolo di donna che resta impresso 

prove con la solita intensità e dedizione. Siamo amici e ci vediamo spesso 

nella nostra vita privata. Al tempo stesso, però, il nostro rapporto sul set è 

improntato ad una grandissima professionalità: abbiamo fatto le prove per 

quattro mesi!”. Un regista unico, insomma? “Se i grandi registi sono tutti 

dei personaggi unici, Pedro lo è più degli altri: mi ha rivelato che, mentre si 

trovava a Parigi, ha visto in un negozio l’abito per il mio personaggio in una 

determinata scena del film, è entrato e lo ha comprato. È qualcosa di molto 

singolare, che caratterizza lui e il suo modo di concepire il cinema”. 

Parliamo di Nine… “Un’altra esperienza fantastica”, confessa l’attrice, 

“sebbene alla fine fossi distrutta dal dover ballare per dodici ore al giorno! 

Ballo da quando avevo quattro anni, una disciplina fantastica che purtroppo 

non riesco a praticare quanto vorrei. La cosa più straordinaria del film è che 

è popolato di donne: sei attrici sempre in contatto tra loro, è stato 

meraviglioso starci a guardare cantare e ballare. Un gran lavoro di squadra, 

con un interprete incredibile come Daniel Day Lewis e il grande talento del 

regista Rob Marshall”. Felice della dimensione internazionale del successo? 

“Sì, il problema semmai è essere sempre in viaggio e vivere in uno stato di 

perenne jet lag: ti svegli e non sai in quale città ti trovi. Ma non è il caso di 

lamentarmi, so di essere stata favorita dalla sorte. La più grande gioia è 

quella di non dovere essere stabile negli Stati Uniti ma di poter fare avanti e 

indietro con la Spagna”. 

MARCO SPAGNOLI 


33


LEBANON 

di Samoel Maoz 

Sceneggiatura: Samoel Maoz …Montaggio: Arik 

Lahav-Leibovich …Fotografia: Giora Bejach …Musiche: 

Michael Giacchino …Interpreti: Yoav Donat, Italy 

Tiran, Oshri Cohen, Michael Moshonov, Zohar 

Strauss …Produzione: …Distribuzione: Bim …Israele 

2009 …colore 93’ 

DOPO VALZER con Bashir, un 

altro reduce israeliano dalla guerra 

del Libano racconta la sua 

esperienza di quei giorni. 

Lebanon, però, è un film molto 

diverso e non solo per la sua forma 

cinematografica che non è quella 

dell’animazione, bensì per 

l’impianto stesso della narrazione. 

intervista Samuel Maoz 

Vittime di guerra 

Leone d’oro a Venezia, l’esordio del regista israeliano descrive gli orrori della guerra 

nel Libano del 1982 dal punto di vista claustrofobico dei soldati di un carro armato 

Perché ha scelto di esordire con un 

film come Lebanon? 

Sentivo il bisogno di liberarmi, di fare pace con il mio passato mettendo 

da parte il presunto eroismo e tutti i cliché che mi hanno fatto 

compagnia negli ultimi venti anni. Lo scopo di tutto questo era riuscire 

a perdonarmi. Ho delle responsabilità che fanno parte del mio destino. 

Anche se non avevo altra scelta, non posso fare a meno di sentirmi 

responsabile. In questo senso ho sempre pensato che Lebanon dovesse 

essere un film non politico, per riuscire così a parlare alla testa, al cuore 

e allo stomaco degli spettatori. 

Perché ha scelto di ambientarlo all’interno di un carro armato? 

La genesi del film dipende interamente dall’idea alla base della sua 

realizzazione. L’uomo nel carro armato sono io e volevo raccontare la 

mia esperienza, nei limiti della struttura narrativa del cinema classico. 

Non volevo solo che il pubblico conoscesse questa storia, ma desideravo 

anche che la percepisse a livello sensoriale. In questo senso percezione e 

comprensione coincidono. Volevo prendere lo spettatore e metterlo al 

mio posto nel carro per farlo identificare con i personaggi. L’idea di 

Lebanon era quella di comunicare al pubblico un’esperienza in cui 

vedesse e conoscesse le stesse cose che vivono e conoscono i 

protagonisti. Questa era l’unica maniera per far capire che cosa 

abbiamo vissuto in quei giorni. 

Ha provato una sorta di catarsi nel realizzare questo film? 

Ho provato un grande senso di liberazione durante la lavorazione, ma 

quando mi sono accorto a film finito quali emozioni Lebanon è in 


Se, infatti, il film di Ari Folman era 

un viaggio psicologico nella 

memoria di un passato 

dimenticato e addirittura rimosso, 

la pellicola vincitrice del Leone 

d’Oro alla Mostra di Venezia è, 

invece, la messinscena di 

un’esperienza in cui lo spettatore 

segue il punto di vista del regista 

con poche informazioni a 

disposizione, molti ordini cui 

eventualmente dovere obbedire e 

una dimensione spaziale 

fortemente limitata e limitante. 

A dispetto dello spazio risicato 

quanto il budget a disposizione, 

Lebanon è tutt’altro che privo di 

colpi di scena e trovate in grado di 

rendere in forma dinamica e 

appassionante la storia, raccontata 

anche attraverso qualche 

momento di “apertura” verso 

l’esterno, verso un’umanità ostile 

impietrita dalla paura e distrutta 

dal dolore. 

Ambientato nel giugno del 1982, 

Lebanon sfrutta al massimo la 

claustrofobia dell’ambientazione 

all’interno di un carro armato per 

mettere in discussione i quattro 

improbabili soldati che si trovano 

catapultati in una situazione per 

loro nuova, come il 

pattugliamento di un 

apparentemente inerme villaggio 

libanese già bombardato 

dall’aviazione israeliana. Quella 

che potrebbe essere 

un’operazione di routine si 

trasforma progressivamente in un 

incubo antimilitarista in cui risulta 

più facile colpire dei civili inermi 

che i nemici armati, e in cui ogni 

situazione viene enfatizzata 

tramite l’adrenalina dei quattro 

militari israeliani. 

La guerra raccontata da Maoz non 

ha orizzonte ed è quasi 

“sbirciata”, a piccole porzioni, 

attraverso un mirino da quattro 

uomini che non vogliono 

combattere, né tantomeno 

ammazzare qualcuno, ma che si 

trovano costretti dagli eventi a 

reagire seguendo il proprio istinto 

di sopravvivenza e la legge ferina 

secondo cui o si uccide o si viene 

uccisi. 

Interessante e originale sia sotto il 

profilo registico che narrativo, 

Lebanon prescinde 

dall’autobiografismo per 

raccontare qualcosa di universale 

che fa riferimento ad un dramma 

primario, come una gioventù 

sofferente le scelte 

apparentemente incomprensibili 

della propria nazione. Un film 

complesso e coinvolgente, in cui il 

punto di vista del regista, 

vagamente assolutorio, e la sua 

memoria degli eventi di oltre un 

quarto di secolo fa impongono allo 

spettatore un’ulteriore, ma non 

per questo meno efficace o 

superflua, riflessione sugli orrori 

della guerra e sulle dinamiche 

apparentemente incontrollabili che 

si sviluppano durante un 

combattimento. 


grado di comunicare al pubblico, ho provato anche una grandissima 

soddisfazione, oggi amplificata dalla vittoria del Leone d’Oro. Al tempo 

stesso, però, avverto un senso di profondo dolore per tutti i morti della 

guerra in Libano. Quando sei in guerra ti rendi conto di cose terribili 

che ti accompagneranno negli anni a venire. Mi dispiace 

profondamente per loro e per i caduti di tutte le guerre che ancora 

oggi si combattono nel mondo. 

La stampa libanese ha reagito abbastanza duramente al suo 

film accusandolo di non essere realistico e di non aver 

raccontato in maniera adeguata il popolo del Libano, nonché 

(più banalmente) di fare della “propaganda israeliana”. 

Lo so e me ne dispiace, ma per rispondere non posso dire altro che 

questa è la mia storia e la mia verità. Questa è la mia versione dei fatti, 

che deriva dalla mia esperienza e dai miei ricordi. Io ero lì. Certo, 

possiamo tentare di cercare dei colpevoli e provare a distinguerli dagli 

innocenti e dalle vittime, ma la realtà è che in guerra il vero nemico e il 

vero carnefice è la guerra stessa. Nessuno ha il controllo di una situazione 

del genere e, talora, sono le azioni delle vittime a determinare ciò che 

accade in determinati momenti. Il trucco di ogni guerra è quello di 

mettere in situazioni pericolose delle persone che reagiranno, uccidendo 

pur di riuscire a sopravvivere. Non è normale uccidere e la gente normale 

non uccide. In combattimento, invece, la stessa persona si sente costretta 

ad uccidere. In guerra si è guidati da istinti primari legati alla 

sopravvivenza contro i quali non riesci a ribellarti. 

MARCO SPAGNOLI

FRANCESCA 

di Bobby Paunescu 

Sceneggiatura: Bobby Paunescu …Fotografia: 

Andrej Butica …Montaggio: Ioachim Stroe …Interpreti: 

Monica Bîrladeanu, Dorian Boguta, Luminita 

Gheorghiu, Mihai Dorobantu …Produzione: Mandragora 

Movies …Distribuzione: Fandango …Romania 

2009 …colore 96’ 

ALL’ULTIMA Mostra di Venezia si 

è parlato di Francesca del romeno 

Bobby Paunescu più che altro per 

la polemica innescata da una 

battuta del film rivolta all’indirizzo 

di Alessandra Mussolini e al 

pregiudizio anti-romeno che si è 

diffuso in Italia dopo il terribile 

omicidio Reggiani. In realtà, lungi 

dall’essere un atto di accusa contro 

l’Italia, Francesca scava a fondo 

nelle diverse anime della società 

romena attuale, sottoposta a 

contrastanti pulsioni: la 

voglia di 

emancipazione delle 

donne, l’avidità di 

soldi facili, la 

vischiosità di un 

apparato 

burocratico 

intimamente 

corrotto. 

Francesca, 

che deve 

il suo 

nome a suor Francesca Cabrini, 

proclamata santa patrona degli 

emigranti per aver dato supporto 

agli italiani in America nella 

seconda metà dell’800, ha un 

obiettivo alto e molto 

concreto. Sogna di trasferirsi 

in Italia non semplicemente 

per guadagnare dei soldi, 

ma per realizzare il suo 

progetto di aprire un asilo. È 

determinata e concreta e 

rappresenta l’energia più bella 

e positiva della nuova 

Romania, alla quale 

l’attrice Monica Bîrladeanu 

conferisce una potente 

fisicità. La sua spinta propulsiva è 

però ostacolata dai retaggi di una 

tradizione maschilista e 

soprattutto dagli azzardi di chi, 

come il suo fidanzato Mitia, crede 

di poter prendere impunemente 

una scorciatoia per la ricchezza. Le 

tragiche conseguenze delle sue 

azioni fermeranno il progetto di 

Francesca, ma – ci si può 

scommettere – non per sempre. Il 

viaggio si interrompe ma la 

voglia di farcela non è sconfitta e, 

alla fine, il fatto che Francesca sia 

costretta a tornare indietro è 

tanto più significativo per un 

film che solo apparentemente 

intervista Bobby Paunescu 

La rinascita che verrà 

Opera prima di un brillante produttore, “Francesca” parla delle energie 

inespresse e del fermento che alimenta i giovani romeni 

Francesca è il suo primo film da regista, ma il romeno 

Bobby Paunescu ha alle spalle una fortunata carriera di produttore. Con 

la sua Mandragora Movies ha prodotto nel 2004 La morte del signor 

Lazarescu di Cristi Puiu, uno dei film romeni di maggior successo degli 

ultimi anni, e adesso il suo film d’esordio, presentato nella sezione 

Orizzonti della Mostra di Venezia. Protagonista è una giovane maestra 

d’asilo di Bucarest che sogna di venire in Italia – paese che Paunescu 

conosce bene per averci vissuto molti anni – per aprire un asilo destinato 

a bambini figli di immigrati romeni. Pur di raggiungere il suo scopo 

Francesca si prepara a fare la badante per un certo periodo, ma i 

problemi finanziari del fidanzato Mitia, che ha chiesto soldi in prestito a 

una banda di criminali, intervengono a turbare il suo progetto. 

A Venezia si è creato un equivoco, per cui è sembrato che 

Francesca fosse un film su come i romeni vedono l’Italia. 

Certamente è presente anche questo aspetto, ma in realtà tutta 

la vicenda è interna alla Romania… 

Il nucleo del film è la crisi di identità che sta attraversando la società 

romena e la critica è tutta interna ad essa. L’Italia, che ho scelto come 

meta del viaggio di Francesca, rappresenta la terra promessa, dove 

realizzare i propri sogni. Lasciare un posto conosciuto per uno 

sconosciuto ha qualcosa a che fare con l’idealismo, col desiderio di 

migliorare la propria vita. L’emigrazione nasce da un’energia che nella 

società romena esiste e si sente, anche se non è ancora indirizzata nel 

modo giusto. La Romania è un paese di grande tradizione, che oggi sta 

alzando la testa con fatica, ma sta andando avanti. Penso sia utile 

criticare i nostri sbagli e cambiare strada, se occorre. 


parla di emigrazione. 

Il tema dell’emigrazione è uno dei 

tanti che partecipano a un ritratto 

della società romena tutto 

ambientato a Bucarest e quasi 

completamente in interni. Il regista 

Paunescu dice di aver scelto prima 

di tutto l’appartamento dove 

Francesca vive con sua madre, 

perché era sicuro che l’energia delle 

pareti avrebbe aiutato gli attori a 

entrare nei personaggi. In effetti, la 

casa rispecchia la personalità e il 

sentimento della donna – la dignità 

e la modestia dell’arredo, il 

souvenir di Venezia, simbolo del 

paese sognato – anche se la scena 

migliore del film è girata in un’altra 

casa, quella del padre. Mentre 

Francesca tenta di spiegare il suo 

progetto di asilo, entrano ed 

escono di scena, in piano-sequenza 

e con tempi perfetti, i “padri”, 

rappresentanti della vecchia 

generazione che si scambiano 

fulminanti battute sull’illusione 

della terra promessa, l’alternanza 

dei cicli storici e la realtà italiana di 

oggi. Una scena che fa sorgere il 

sospetto che Paunescu abbia più 

talento per la commedia che per il 

dramma. 

BARBARA CORSI 

Come produttore, che valutazione dà della rinascita del cinema 

romeno? 

É un momento molto bello, c’è competizione, voglia di fare e successo 

internazionale. La fortuna è che ci sono registi in grado di raccogliere il 

fermento della società, senza il quale non ci potrebbe essere questa 

ondata di buon cinema. Facendo le dovute proporzioni, è la stessa cosa 

che è accaduta col neorealismo. Durerà ancora a lungo e nasceranno cose 

nuove perché ci sono molti talenti importanti. 

Monica Bîrladeanu, l’attrice protagonista, vive negli Stati Uniti e 

lavora in serie di successo come Lost e Nip/Tuck. È tornata in 

Romania apposta per girare il film? 

Ho scritto il ruolo di Francesca pensando a Monica, con la quale avevo 

fatto dei corti e che ha una storia personale che la avvicina al 

personaggio. Sua madre insegna all’asilo e tutte le sue colleghe sono 

emigrate in Italia per fare le badanti. Per girare questo film è tornata in 

Romania e ha fatto bene, perché come attrice mi sembra più adatta al 

cinema europeo che al cinema americano. 

Il personaggio del fidanzato Mitia chi o che cosa rappresenta? 

Rappresenta i miei compagni di liceo o i miei vicini che negli anni del 

boom economico hanno cercato di fare delle cose per cui non erano 

preparati. Inseguendo il miraggio del business, la maggior parte di loro è 

finita male. Mitia è il giovane romeno come lo vedo io, che ha perso i 

punti di riferimento e non ha ancora trovato la strada per indirizzare nel 

modo migliore le proprie forze. Sono convinto che prima o poi ce la farà. 

BARBARA CORSI 


35


UP 

di Pete Docter & Bob Peterson 

Sceneggiatura: Pete Docter & Bob Peterson …Montaggio: 

Kevin Nolting …Musiche: Michael Giacchino 

…Voci italiane: Giancarlo Giannini, Neri Marcoré, 

Arnoldo Foà …Produzione: Pixar …Distribuzione: 

Walt Disney …Usa 2009 …colore 96’ 

DOPO WALL-E, la Pixar torna a 

proporre al pubblico un film 

esilarante e, al tempo stesso, molto 

commovente. Una pellicola 

ambiziosa e originale che sfrutta le 

potenzialità tecniche offerte dalla 

nuova tecnologia 


tridimensionale per rendere 

ancora più spettacolari una serie di 

sequenze aeree incentrate sullo 

sgangherato e coraggioso viaggio 

di una villetta monofamiliare 

trasformata in un insolito 

aerostato, sollevato in aria da 

diverse centinaia di palloncini. 

Scritto e diretto dal regista di 

Monsters & Co. Pete Docter e da 

Bob Peterson, Up ci accompagna 

alla scoperta della lunga vita di 

Carl: un bambino che sogna di 

diventare un esploratore e che, un 

Anche Up, come i precedenti, è un film in cui la Pixar – 

insignita del Leone d’oro alla carriera all’ultima Mostra di Venezia – 

inserisce temi importanti e situazioni commoventi nel contesto di una 

storia brillante e molto divertente. Il suo fondatore, John Lasseter, 

descrive la filosofia dell’azienda. 

Quanto conta fare un cinema che abbia contenuti profondi? 

Facciamo i film che desideriamo realizzare e che ci piacerebbe vedere 

come spettatori. In questo ambito, la cosa più importante è raggiungere 

un equilibrio tra la storia e i personaggi. Quello che cerchiamo non è 

tanto il messaggio da mandare, quanto piuttosto riuscire a comunicare al 

pubblico delle grandi emozioni. Al cuore di questo lavoro, però, c’è un 

grande confronto interno sullo sviluppo dei temi della storia che 

intendiamo portare sullo schermo. Sono gli argomenti che scegliamo a 

guidarci in direzione di determinate emozioni forti, che controbilanciamo 

con un bel po’ di humour. Noi speriamo che i sentimenti provati dal 

pubblico la prima volta che vedono un nostro lavoro rimangano a lungo 

nei loro cuori. La nostra ambizione è comunicare queste emozioni non 

solo ai bambini, ma anche ad un pubblico più adulto. 

Esiste una ricetta nel cinema d’animazione? 

Walt Disney diceva sempre che ad ogni risata doveva corrispondere una 

lacrima e tutti noi che lavoriamo alla Pixar condividiamo questa idea. 

Quando fai un film devi riuscire a far stare il pubblico seduto sul bordo 

della poltrona in spasmodica attesa di quello che sta per accadere: tutti i 

personaggi devono essere, in un certo senso, “memorabili”. Anche i 

cattivi. Devi inserire la trama nel contesto di una storia originale e 

giorno, nei suoi giochi, incontra 

una bambina con cui condivide la 

stessa passione per l’avventura. 

Quella che scorre davanti ai nostri 

occhi è così una tenera storia 

d’amore fatta di momenti 

bellissimi, ma anche, 

inevitabilmente, di ombre e di 

tristezze. In questo senso Up 

rappresenta una vera sorpresa: con 

eleganza e delicatezza si racconta 

la gioia per l’arrivo di un bambino 

e la disperazione per la sua 

perdita. Non solo, in maniera 

poetica seguiamo Carl nel suo 

viaggio verso la vecchiaia, 

trovandolo, ad un certo punto, 

solo senza più la sua compagna. È 

in quel momento che l’uomo 

ormai molto anziano, con l’unico 

desiderio di restare solo in 

compagnia dei propri ricordi, 

decide di riprendere il sogno 

abbandonato quando sua moglie 

era ancora con lui. In una mattina 

diversa da tutte le altre, Carl e la 

sua casa si librano alte nel cielo, 

volando verso il Sudamerica. 

La solitudine, però, è un bene che 

il burbero vecchietto non riuscirà a 

conquistare: dapprima, un giovane 

boy scout rimasto per caso 

intrappolato sul patio della villetta 

intervista John Lasseter 

in volo, poi un uccello esotico e un 

cane parlante diventeranno gli 

improbabili e inseparabili compagni 

di viaggio dell’uomo nel 

raggiungimento del sogno di una 

vita. 

Up, però, non è soltanto un film 

d’avventura; la storia emozionante 

che racconta non è solo quella 

spettacolare che vedrà Carl e gli 

altri dare battaglia su un dirigibile 

pur di salvare le penne (nel vero 

senso del termine…) del loro nuovo 

amico uccello e dei suoi piccoli: le 

vicissitudini dei protagonisti di 

questo film colpiscono lo spettatore 

per la loro profondità psicologica 

senza mai scivolare nel melò, 

conquistando emotivamente il 

pubblico divertito e commosso da 

una pellicola originalissima che, in 

qualche maniera, sembra cogliere le 

atmosfere e l’esotismo del cinema 

americano degli anni Quaranta e di 

film come Orizzonte perduto di 

Frank Capra. La morale di Up è che 

la vita ci sorprende sempre, e in 

ogni momento possiamo trovare 

qualcuno che abbia bisogno di noi 

per affrontare la vita, che rimane 

l’avventura più mirabolante di 

tutte. 


L’arte prima di tutto 

La filosofia che anima il lavoro della Pixar spiegata dal suo creatore, alla 

vigilia dell’uscita di “Up” e dopo il Leone d’oro veneziano 

indimenticabile. Per fare queste cose devi avere il tempo di riuscire a 

mettere insieme tutti gli elementi in maniera equilibrata. Ecco perché ci 

mettiamo almeno due o tre anni per ogni film che facciamo. 

L’animazione non è un genere per bambini, ma un qualcosa di molto 

serio che riguarda sia gli adulti che i più piccoli. 

Dopo Up, a luglio, vedremo il sequel di Toy Story e poi un Cars 2: 

qual è la sfida legata alla serializzazione? 

Noi amiamo enormemente i personaggi dei nostri film per i motivi che 

ho appena elencato. L’unica cosa che ci può convincere a realizzare un 

sequel è avere un’idea che metta i protagonisti nel contesto di una 

storia buona almeno quanto quella originale, se non migliore. In questo 

senso gli unici titoli realizzati a Hollywood che ci ispirano in qualche 

maniera sono Il Padrino – Parte II e L’impero colpisce ancora. 

Entrambe le pellicole erano buone quanto gli originali e, in un certo 

senso, alla fine hanno reso il primo film ancora migliore in quanto parte 

di una saga. Per noi la qualità è il migliore business plan possibile. 

Qual è il segreto del vostro successo? 

Il nostro è uno Studio guidato dai filmmaker e non dagli uomini di 

marketing. Noi crediamo in una visione artistica dominante l’esito 

produttivo. Le nostre idee sono sempre ispirate dalle emozioni e il 

nostro cinema punta al fattore umano come la chiave di volta 

dell’intera storia. Non ci preoccupiamo di avere successo ma crediamo di 

dover fare grandi film raccontando storie importanti per noi e il nostro 

pubblico. 

MARCO SPAGNOLI

RICKY 

di François Ozon 

Sceneggiatura: François Ozon, Emmanuèle Bernheim 

dal romanzo “Moth” di Rose Tremain …Fotografia: 

Jeanne Lapoirie …Montaggio: Muriel Breton 

…Interpreti: Alexandra Lamy, Sergi Lopez, Mélusine 

Mayance, Arthur Peyret …Produzione: Eurowide 

Film Production, Teodora Film …Distribuzione: Teodora 

Film …Francia/Italia 2009 …colore 90’ 

BIZZARRO impenitente. 

Giocherellone osservatore 

dell’umana specie fino a 

trasformarla in qualcos’altro. A 

François Ozon piace cambiare per 

essere uguale a se stesso. Traendo 

libero spunto dal romanzo Moth 

di Rose Tremain, confeziona la 

fanta-commedia agrodolce Ricky, 

intingendo nel magico un 

realismo per metà del film 

profondamente dardenniano. La 

scena, infatti, si apre nella 

plumbea provincia nella Francia 

del Nord, dove la ragazza madre 

Katie (Alexandra Lamy) e la 

figlioletta Lisa (l’enfant prodige 

Mélusine Mayance) arrivano 

faticosamente a fine mese, 

essendo la donna una semplice 

operaia. Tra un turno e l’altro 

incontra il collega Paco (Sergi 

Lopez): nasce la passione seguita 

dal pargolo Ricky. La famigliola 

sembra il ritratto di una felice 

cartolina proletaria, finché l’uomo 

nostalgico dongiovanni lascia 

donna e prole, ignaro delle novità 

“fisiologiche” che stanno 

prendendo forma nel corpo del 

piccolo Ricky. Con queste se la 

vedranno Katie e Lisa, 

inizialmente sconvolte e in 

pellegrinaggio tra uno specialista 

e l’altro, successivamente 

rassegnate alla diversità. Che poi, 

alla fine, può anche esser 

fortunosa se data in pasto alle 

voracità mediatiche. Per fortuna 

intervista François Ozon 

Dalla veglia al sonno 

Realismo e favola nella storia del bambino molto speciale, “Ricky”, opera 

insolita nella filmografia dell’autore presentata in concorso a Berlino 

Un neonato che sviluppa caratteristiche diverse da tutti gli 

altri esseri umani e va a sconvolgere la quiete familiare. François Ozon, in 

concorso con Ricky all’ultima Berlinale, racconta il suo modo di 

“concepire la profondità della natura umana”. Seriamente bizzarra, 

normalmente fantasiosa. 

Da dove viene l’idea di Ricky? 

L’idea del film viene da un racconto breve inglese che mi ha fatto 

letteralmente innamorare. Ma non è stato facile portarlo sullo schermo, 

trasformarlo secondo l’idea che mi aveva prodotto in testa. 

Qual è il messaggio del film? 

Volevo mostrare come l’armonia di una famiglia può essere modificata – 

nel bene o nel male – da un improvviso fattore esterno che appartiene 

all’universo della “diversità”. Il primo livello di diversità è espresso 

dall’entrata in scena dell’uomo, Paco, uno spagnolo, cioè uno straniero 

che destabilizza l’equilibrio di madre e figlia. Il secondo livello, ancora 

più disturbante, quello di un neonato che si scopre anomalo, diciamo 

“diversamente dotato” per non svelare in che modo. Quasi magico. 

Questo aspetto mi interessava 

approfondire. 

I suoi film, e Ricky non fa 

eccezione, sembrano costruiti 

apposta per offrire vari livelli di 

interpretazione. Concorda? 

Mi piace lasciare libero il pubblico nelle 

sue diverse interpretazioni. Si parte, 

cuor di mamma Katie opterà per 

una soluzione completamente 

sentimentale, facendo volare il 

film nel cielo mielato della 

fantasia a lacrima pronta. 

Interessante nella materia e 

certamente poetico nei momenti 

migliori, Ricky non decolla come 

Ozon si sarebbe augurato. Il 

motivo risiede in una 

sceneggiatura debolmente 

raccordata e che non soddisfa la 

cura dei dettagli – specie nel 

trattamento dei rapporti 


interpersonali – di una storia 

intrigante e dotata di una 

grande dose metaforica. 

L’accettazione che diventa 

esaltazione della diversità è un 

tema caro al regista francese – 

pure il suo recente e più riuscito 

Angel (2007) lo rimarcava nelle 

gesta di una folle eroina 

romantica – ma non può stare in 

piedi da solo se non supportato 

da una scrittura che vada in 

profondità, seppur si tratti di un 

film che reclama “leggerezza” 

rispetto ad altre opere della sua 

filmografia. Un plauso va, 

comunque, all’esilarante 

sequenza girata (con fatica, 

ammette il regista) nel 

supermercato e alla prova delle 

due attrici: Lamy solitamente 

impiegata in ruoli comici si 

cimenta qui con un film fuori dai 

generi e dai registri e la sua Katie 

è una madre sostanzialmente 

affaticata, preoccupata e molto 

realistica; la piccola Mélusine 

Mayance offre una performance 

da professionista “matura” che 

di certo lo stesso Ozon non 

tralascerà di utilizzare nei suoi 

prossimi lavori. 

ANNA MARIA PASETTI 

come per tutti, da una storia 

raccontata e poi si prosegue verso 

diverse esplorazioni, a carico di 

ciascuno spettatore. Amo aprire le 

strade affinché ognuno possa costruire una propria storia. Personale. 

Dotare un bambino di morfologie diverse che poi gli permettono 

di rifuggire dai luoghi comuni, significa interpretare la diversità 

come forma di libertà? 

Per me la libertà è avere la possibilità e la capacità di seguire la propria 

natura. 

È come dire, citandola, “un approccio alla vita in modo tale da 

accettare l’umanità esattamente per quello che è”? 

Sì. Nel cinema, nel mio cinema, questo concetto si riassume nel mostrare 

un certo tipo di realismo “sociale” alla Dardenne o alla Loach per poi 

trasformarlo o trasfigurarlo in qualcosa di fantasioso, di magico, di 

disneyano volendo usare un aggettivo cinematografico. Quasi come 

passare dalla veglia al sogno. Questa per me è l’umanità più profonda, 

colta nel suo realismo e nei suoi desideri. E il cinema permette questo 

passaggio in maniera unica. 

Tra le sequenze finali, la stampa accorsa a vedere “il fenomeno” 

Ricky rimane “fregata” dal superbaby. Si può interpretare come 

una vendetta contro la critica che disapprova alcuni tuoi film? 

Bella interpretazione! Sinceramente non ci avevo pensato... Magari è 

un’espressione dell’inconscio. 



37


LO SPAZIO BIANCO 

di Francesca Comencini 

Sceneggiatura: Francesca Comencini, Federica Pontremoli 

dal romanzo di Valeria Parrella …Fotografia: 

Luca Bigazzi …Montaggio: Massimo Fiocchi …Interpreti: 

Margherita Buy, Giovanni Ludeno, Antonia 

Truppo, Salvatore Cantalupo, Guido Caprino, Gaetano 

Bruno, Maria Pajato …Produzione: Fandango, Rai 

Cinema …Distribuzione: 01 …Italia 2009 …colore 96’ 

LO SPAZIO BIANCO è una pausa 

della scrittura che permette di 

andare avanti con un nuovo 

racconto, senza usare il futuro, 

senza strappi col presente, senza 

perdere il filo della storia. È come 

mettere un punto, ma la pausa 

così è più ampia e distesa, è come 

un silenzio che ci fa raccogliere le 

idee e ci introduce in un territorio 

nuovo della parola e del pensiero. 

Lo spazio bianco è anche il limbo 

dove respirano solo attaccati 

all’ossigeno esserini venuti al 

mondo prima del tempo. Lo 

spazio bianco è il bel film di 

Francesca Comencini (Mobbing, 

Carlo Giuliani ragazzo), un po’ 

sottovalutato nel concorso 

veneziano, forse perché questo 

racconto femminile e intimo, 

visionario e musicale, che parla di 

maternità come di qualcosa di 

misterioso e unico, qualcosa che si 

tramanda da una donna all’altra e 

che ha a che fare col simbolico 

oltre che con la biologia, ha 

bisogno di uno spazio bianco, 

LA DOPPIA ORA 

di Giuseppe Capotondi 

Sceneggiatura: Alessandro Fabbri, Ludovica Rampolli, 

Stefano Sardo …Fotografia: Tat Radcliffe 

…Montaggio: Guido Notari …Musiche: Pasquale 

Catalano …Interpreti: Ksenia Rappoport, Filippo 

Timi, Antonia Truppo, Gaetano Bruno, Giorgio 

Colangeli …Produzione: Indigo Film, Medusa Film 

…Distribuzione: Medusa …Italia 2009 …colore 95’ 

GIALLO esistenziale 

sull’insicurezza e la fragilità di due 

anime smarrite e solitarie, incrocio 

tra horror, cronaca romantica e 

melodramma, La doppia ora è 

l’opera prima di Capotondi: 

un’ambiziosa pellicola di genere, 

citazionista ma divertente e 

straniante. Realizzata con le 

migliori intenzioni, la pellicola resta 

sospesa tra realtà ed 

immaginazione, in una dimensione 

impalpabile che mette a fuoco 

l’isolamento e lo straniamento di 

due personaggi lontani dal 

presente e dal quotidiano, 

prigionieri di un’illusione d’amore, 

protesi alla conquista di un’idea 

personale di armonia e di equilibrio 

sentimentale, da trovare dentro un 

doloroso percorso interiore. 

Sonia, cameriera in un hotel e 

testimone di un tragico suicidio 

dalla finestra, incontra Guido, 

custode di una villa sulla collina. In 


ovvero di un ascolto più attento e 

sottile di quello che un grande 

festival di cinema può prestare. 

Maria, la protagonista di questa 

storia ispirata al romanzo di Valeria 

Parrella edito da Einaudi, è una 

donna molto contemporanea, una 

che fa tutto da sola, che decide e 

“non sa aspettare”. Ha 42 anni e 

improvvisamente, 

inaspettatamente, si ritrova incinta, 

il suo partner si defila, la bimba 

nasce prematura e rimane per 

lunghi giorni in un limbo in cui non 

è ancora nata o non è ancora 

morta. La dura, solitaria Maria in 

quei giorni di veglia accanto 

all’incubatrice, nel reparto 

neonatale di un grande ospedale 

pochi giorni, i due imparano a 

comprendersi, conoscersi ed amarsi 

rivelando piccole debolezze e 

timori; durante una rapina in villa, 

l’uomo viene colpito a morte e la 

ragazza, sospettata di complicità 

dalla polizia, si ritrova prigioniera 

dei fantasmi del passato. 

In un racconto congegnato 

sull’ambiguità, sul potere evocativo 

e disturbante dell’aldilà e 

sull’incertezza di comportamenti e 

azioni, il regista riesce a modellare 

lo stile ed il linguaggio essenziale 

del thriller – i sospiri, il rumore e le 

attese della tensione – 

concentrandosi su trappole, artifici 

e raggiri di maniera che 

dove devi lavarti le braccia fino al 

gomito e indossare un camice 

verde, scopre una rete di donne di 

diversa età, estrazione e cultura di 

cui si assume in qualche modo la 

responsabilità, che sente come 

sorelle e figlie. 

Ma non subito. All’inizio vive tutta 

concentrata nella sua gestazione 

ormai solo mentale, come se il 

potere del controllo potesse 

davvero salvare e guarire: lascia la 

scuola serale dove insegna, 

mangia le cose comprate al take 

away, sta sveglia di notte e il suo 

unico contatto con gli altri è la 

gente spiata nelle case dal vagone 

della funicolare, in una Napoli 

piccolo borghese e qualsiasi come 

rimandano, senza ironia, ai corpi 

doppi e al rapporto tra apparenza 

e verità narrato da De Palma. Con 

una sceneggiatura che, analizzata 

a mente fredda, evidenzia segni e 

circostanze, il regista, nella sua 

personale rivisitazione dei generi, 

tende a mischiare le carte e resta 

vittima consapevole dell’esercizio 

di stile; tuttavia, firma un’opera 

imperfetta ed atipica sul rapporto 

attrazione-repulsione di due 

individui impauriti, raccontata con 

precisione ed essenzialità nei ritmi 

e rituali degli speed date. 

Cercando di riprodurre le speranze 

tradite di una vita metodica e 

opaca, in fuga da impegni, vincoli 

mai prima. Poi però Maria si apre 

agli altri: agli allievi stropicciati che 

faticano per conquistare la terza 

media; a Mina, altra mamma di un 

prematuro, che non può smettere 

di lavorare perché non le bastano i 

soldi; al dottorino con cui ha una 

storia; al suo ex, un musicista anche 

lui padre da poco; alla vicina di 

casa magistrato che ha lasciato i 

figli per affrontare un caso difficile, 

personaggio molto bello, ispirato 

alla figura di Ilda Boccassini e 

interpretato in modo stringato ed 

efficace da un’attrice di teatro 

bravissima come Maria Pajato che 

abbiamo appena visto anche nel 

film di Luca Guadagnino. 

Margherita Buy, è quasi inutile 

dirlo, si prende un bel pezzo della 

scena, con quel suo dolore represso 

e quel muoversi come uno spettro 

tra i vivi. Ma lascia anche tanto 

spazio agli altri attori, che sono 

spesso molto bravi: tra tutti 

segnaliamo Antonia Truppo (Mina) 

e Salvatore Cantalupo (l’allievo 

operaio). 

Infine una precisazione che ci sta a 

cuore: Lo spazio bianco non è, 

come ha detto qualcuno, un film 

sull’inutilità dei maschi, ma la 

proposta, come dice la regista, di 

un nuovo patto di amicizia tra i 

due sessi. 


amorosi, ambizioni professionali, 

l’autore cerca un’altra umanità, 

invisibile e sempre indecisa. 

La doppia ora, proiettato in 

concorso alla Mostra di Venezia e 

Coppa Volpi per la migliore attrice, 

è un film sulla ricerca dell’altro, su 

sensazioni e percezioni alterate; 

un’amara riflessione sull’inganno 

dei sentimenti, fotografata con una 

luce vivida che amplifica dubbi ed 

esitazioni nella comprensione di 

fatti e avvenimenti. In un 

compiaciuto e razionale gioco di 

equivoci e malintesi, in una Torino 

angosciante e indifferente, 

attraverso un ribaltamento 

continuo di prospettive ed attese il 

film indaga sulla perdita di fiducia, 

rispecchia titubanze e perplessità 

nel concedersi senza riserva ed il 

terrore nel vivere emozioni e 

tormenti. Ricco di tracce, simboli e 

rimozioni, il film rende omaggio al 

genio di Hitchcock, restandone 

vittima: non rispetta le regole, gioca 

con la struttura dello psico noir ed i 

salti spazio temporali ma spiazza lo 

spettatore, con suoni e apparizioni, 

in un divertimento ambiguo di 

ricordi e rimandi. 

DOMENICO BARONE

omaFictionFest2009 9 

43000 

presenze complessive 

accreditati 

3000partecipanti 

1000Industry 

7000 

spettatori 

1000 

nelle province 

90 

ospiti internazionali 

224 

broadcaster nazionali 

40 

ospiti 

case di 

Produzione 

pitching 

300000 

visite al sito web 

IL ROMAFICTIONFEST ES 

E LE MIGLIORI SERIE TV DEL MON MONDO 

VI DANNO APPUNTAMENTO AL 2010 

Realizzato da: Promosso da: 

201 

www.romafictionfest.it


IL NASTRO BIANCO 

di Michael Haneke 

Titolo originale: Das weiße band …Sceneggiatura: 

Michael Haneke …Fotografia: Christian Berger 

…Montaggio: Monika Willi …Interpreti: Christian Friedel, 

Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi, Susanne 

Lothar, Burghart Klaussner …Produzione: X Filme 

Creative Pool, Wega Film, Les Films du Losange, Lucky 

Red …Distribuzione: Lucky Red 

…Germania/Austria/Francia/Italia 2009 …colore 144’ 

SE TARANTINO ha affrontato, a 

suo modo, l’occupazione nazista, 

l’austriaco Michael Haneke, nella 

sua prima opera in lingua tedesca 

dal ’97, con toni e intrecci alla 

Heimat ci porta in un villaggio 

dell’Alta Germania in un’epoca 

cruciale per la nazione e l’Europa 

intera, il 1913-1914: un microcosmo 

all’apparenza ordinato, tranquillo, 

gerarchico nasconde al proprio 

interno meccanismi di sopruso, 

repressione e aggressività che 

troveranno eco nella Grande 

Guerra, il cui scoppio soltanto 

evocato chiude le oltre due ore di 

narrazione. Con un bianco e nero 

ormai desueto ma molto suggestivo 

e l’apporto alla sceneggiatura di 

Jean-Claude Carrière, Haneke 

realizza un’opera corale 

dall’andamento sì tradizionale (la 

voce narrante è quella 

dell’istitutore, ruolo in partenza 

concepito per il prematuramente 

scomparso Ulrich Mühe de Le vite 

degli altri) ma inquietante come Il 

villaggio dei dannati, in un 

SEGRETI DI FAMIGLIA 

di Francis Ford Coppola 

Titolo originale: Tetro …Sceneggiatura: Francis Ford 

Coppola …Fotografia: Mihai Malaimare jr. …Montaggio: 

Walter Murch …Musiche: Osvaldo Golijov 

…Interpreti: Vincent Gallo, Maribel Verdou, Klaus 

Maria Brandauer, Alden Ehrenreich …Produzione: 

American Zoetrope …Distribuzione: Bim …Argentina/Spagna/Italia 

2009 …bianco e nero/colore 127’ 

MELODRAMMA autobiografico 

sanguigno ed onirico, barocco e 

sperimentale, Segreti di famiglia 

è un saggio di sfolgorante bellezza 

visiva, un percorso dentro le 

ossessioni coppoliane attraverso 

uno sguardo indiscreto e 

impietoso su matrimoni, lutti e 

rancori, dal dolore alla 

incomunicabilità nella distanza, da 

innumerevoli incomprensioni alla 


crescendo di tensione sotterranea 

che non esplode mai (può 

sorprendere se si pensa a Funny 

games o La pianista, molto meno 

se si guarda a Code inconnu o 

Storie) ma anzi lascia ampia libertà 

allo spettatore di sviluppare una 

chiave di lettura degli eventi, nel 

tentativo di decifrare i numerosi 

misteri che sconvolgono la 

comunità. Per una volta, l’irrisolto è 

ampiamente giustificato 

dall’assunto di fondo che non 

attribuisce la “colpa” a un individuo 

o a un gruppo ristretto bensì a un 

sistema di valori esasperato ed 

autocontraddetto, in cui l’infanzia e 

l’adolescenza represse, ridotte al 

silenzio, saranno terreno di coltura 

forza dell’invidia per il mancato 

talento che annienta debolezze e 

fragilità. 

A Buenos Aires vive Angelo, isolato 

in una vita da reduce, in fuga dal 

passato e dal presente, senza 

contatti con il padre direttore 

d’orchestra. La visita del fratello 

minore finirà per riaprire antiche 

ferite e sopite incomprensioni mai 

dimenticate. Con una lunga, 

faticosa e liberatoria seduta di 

autoanalisi in cui i tempi, le 

tensioni ancestrali della tragedia 

greca vengono contaminate con 

l’attrazione visionaria e la forza 

terapeutica delle immagini, il film 

è un viaggio sospeso tra realismo e 

fantasia nel labirinto della 

e massa critica del nazismo. È una 

convincente scelta stilistica quella di 

adottare un andamento lento e una 

struttura a spirale, che descrive con 

fredda scansione eventi fuori 

dell’ordinario e nuclei familiari 

compositi; lo scorrere dell’esistenza 

scandito dal raccolto, dalle prime 

comunioni, lasciando emergere 

poco a poco relazioni, inclinazioni e 

aberrazioni e lasciando che sia lo 

spettatore a “unire i puntini”, a 

raccogliere mezze frasi e commenti 

e mettere più a fuoco una realtà 

ben poco gradevole. Il barone 

latifondista (Ulrich Tupur, altro 

reduce da Le vite degli altri) con 

moglie insoddisfatta, pargoli e 

giovane tata; l’amministratore del 

creatività, con la materializzazione 

delle catene della colpa, i 

condizionamenti sentimentali, 

nella dura conquista di un 

equilibrio e di una stabilità 

quotidiana. 

Classico e solenne, radicale nel 

desiderio di ricercare e ricostruire la 

verità nella perdita, Segreti di 

famiglia indaga sul potere 

consolatorio ed autodistruttivo 

delle radici, con una Buenos Aires 

inedita filmata nelle sue 

contraddizioni, e riflette la 

dimensione irreale dei personaggi 

tracciati dall’Autore, sempre 

segnati da una personale 

propensione all’isolamento e alla 

paranoia, dalla paura per la 

rivelazione, dal pudore della 

debolezza e dall’impossibilità di 

adattarsi ad una realtà 

incomprensibile e minacciosa. 

Costruita sulle suggestioni ed 

alterazioni della memoria, con una 

vena sarcastica e grottesca, l’opera, 

che ha inaugurato la Quinzaine des 

réalizateurs a Cannes 2009, 

conferma lo straordinario talento 

del regista nella composizione di 

ogni immagine e penetra, come in 

Giardini di pietra, nella 

malinconia di affetti perduti e mai 

riconquistati, provando a 

fondo con famiglia numerosa e 

l’ultimo nato improvvisamente 

ammalatosi; il medico condotto con 

figlia adolescente e pargoletto 

orfano dalla nascita, assistito dalla 

vicina con figlio ritardato; il 

temutissimo pastore che sembra 

uscito da Fanny e Alexander, 

implacabile nel ricordare doveri 

morali e impartire punizioni ai figli; 

il già menzionato istitutore 

innamorato della tata impiegata 

dal barone, e ancora fittavoli e 

precettori nella galleria di 

personaggi che compongono un 

panorama umano fatto di 

ipocrisia e senso del possesso, 

tormenti segreti e una spessa 

coltre di perbenismo. Rara 

incursione del cineasta nel cinema 

in costume, Il nastro bianco – 

meritata Palma d’Oro assegnata 

dall’amica Huppert – scava nelle 

coscienze di una comunità devota 

e all’apparenza unita che tenta di 

arginare i sospetti scaturiti da 

troppi misteriosi incidenti. Agli 

sconvolgimenti pubblici, l’autore 

unisce l’impietosa analisi dei vizi 

privati, dall’educazione 

rigidissima agli indicibili soprusi; a 

farne le spese saranno i 

giovanissimi abitanti – e un 

pappagallino. Ma quanto è 

innocente la gioventù del 

villaggio? 


riprodurre conflitti ed 

inadeguatezze dell’artista con 

istintiva brutalità, passioni e 

sentimenti nell’insofferenza delle 

tradizioni di una famiglia 

patriarcale. 

Con uno sguardo che spazia dalle 

intuizioni di Powell in Scarpette 

rosse e Scala al Paradiso alla 

rivoluzione del linguaggio di Orson 

Welles, in un gioco rarefatto e 

complesso tra bianco e nero e colore 

e la parodia e la derisione di 

cerimoniali e premi, il film è, a suo 

modo, istintivo e romantico, 

squilibrato negli eccessi: una 

riflessione sul tema del dolore, 

sull’impossibilità della rimozione, 

sulla fuga e la conquista della 

maturità. Coppola presenta in totale 

libertà nevrosi e insoddisfazioni, 

ribellioni e tradimenti e si dimostra 

all’altezza delle attese; racconta 

l’illusione della felicità con uno stile 

operistico che riproduce sensibilità 

perdute, lasciando sempre una 

seconda possibilità ai protagonisti 

che, come in Un’altra giovinezza, 

possono forse ripercorrere la propria 

esistenza con l’energia del cinema: 

un viaggio di purificazione, ritratto 

affascinante di un’ idea familiare e 

cammino di ricerca estetica. 

DOMENICO BARONE

UN FILM DI MICHAEL MANN 

-


GOOD MORNING AMAN 

di Claudio Noce 

Sceneggiatura: Elisa Amoruso, Claudio Noce, Diego 

Ribon, Heidrun Schleef ...Fotografia: Michele D’Attanasio 

…Montaggio: Andrea Maguolo …Musiche: 

Valerio Vigliar …Interpreti: Valerio Mastandrea, Said 

Sabrie, Anita Caprioli …Produzione: DNA Cinematografica 

con RAI Cinema …Distribuzione: Cinecittà 

Luce …Italia 2009 …colore 105’ 

DUE UOMINI smarriti a 

confronto, alla faticosa ricerca 

della propria identità e di un 

equilibrio rasserenante di 

sopravvivenza nel riuscito esordio 

di Claudio Noce, vincitore del 

David di Donatello e del Nastro 

d’Argento con il corto Aria e già a 

Venezia col corto Adil e Yusuf. 

Good morning Aman è un 

romanzo di formazione che 

celebra il valore dell’amicizia e 

l’ordinario peso della solitudine, 

filmato con semplicità e freschezza 

e l’entusiasmo della poesia 

metropolitana. 

Aman è un italiano di origine 

somala, arrivato in Italia a quattro 

anni in fuga dalla guerra in 

Somalia; Teodoro è un ex pugile, 

intrappolato e vinto da colpe e 

rimpianti: i due si incontrano sulle 

terrazze dell’Esquilino, uniti 

dall’insonnia che li perseguita. Due 

solitari che, confrontandosi, 

ritrovano le piccole certezze 


dell’esistenza e la voglia di 

superare traumi e sconfitte. Non è 

la scontata e retorica storia di 

faticosa e violenta integrazione 

razziale ma, nelle intenzioni, un 

omaggio alle atmosfere del cinema 

americano degli anni Settanta e 

alle storie di Hal Ashby, curioso 

narratore di inquietudini e incontri 

tra personalità opposte che si 

scoprono lentamente 

complementari, sempre percorsi da 

una vena malinconica e 

dolceamara. Con una regia 

attenta, che privilegia la sofferenza 

dei volti e degli sguardi, Noce 

schiva il ricatto della commozione 

ed usa in modo intelligente e 

misurato la voce fuori campo, 

mostrando una Roma multietnica 

in eterna evoluzione, con l’aiuto di 

DI ME COSA NE SAI 


Sceneggiatura: Valerio Jalongo, Giulio Manfredonia, 

Felice Farina …Montaggio: Mirco Garrone …Produzione: 

Ameuropa International, Cinecittà Luce …Distribuzione: 

Cinecittà Luce …Italia 2009 …colore 78’ 

DI ME COSA ne sai di Valerio 

Jalongo, con quel titolo così 

allusivo, sembra fatto apposta per 

rispondere al vaniloquio del 

ministro Renato Brunetta, che non 

perde occasione di inveire contro le 

élite parassitarie del cinema 

italiano. Cosa ne sa il ministro 

Brunetta della cultura (non 

“culturame”) cinematografica 

italiana che ha reso grande il 

nostro paese nel mondo, degli 

uomini coraggiosi (i De Laurentiis, i 

Grimaldi…) che hanno osato sfidare 

le regole commerciali e il “comune 

senso del pudore”; di quanta fatica 

e quante amarezze costi oggi 

realizzare un film che 

probabilmente verrà distribuito 

poco e male, finendo per far da 

riempitivo a un palinsesto 

notturno? Sa invece molto bene, 

probabilmente, il ministro, cosa 

passa fra le glorie passate e le 

odierne miserie del cinema 

nazionale: l’avvento di quell’impero 

televisivo che ha vampirizzato il 

cinema minandone l’autonomia. 

una sceneggiatura che delinea la 

forza e la fragilità dei caratteri, in 

una dimensione sospesa tra realtà 

ed immaginazione. 

Good morning Aman, 

presentato alla Settimana della 

Critica dell’ultima Mostra di 

Venezia, narra difficoltà e 

problemi di anime indecise, 

incapaci di adattarsi ai ritmi ed alla 

complessità di un quotidiano che 

non riconoscono e preferiscono 

osservare dall’alto. Vite intrecciate 

dal destino ma filmate con pudore 

e gentilezza, senza aggressività, in 

un personale percorso di 

conoscenza; un film costruito su 

dialoghi e confessioni, sulla forza 

terapeutica e salvifica del mettersi 

a nudo, senza difese. È un’opera 

intima ed essenziale, pensata 

Valerio Jalongo (Messaggi quasi 

segreti, Sulla mia pelle) è 

portavoce del movimento 

Centoautori, formatosi 

spontaneamente alcuni anni fa per 

la difesa del cinema italiano e 

l’elaborazione di proposte sui 

problemi dell’industria 

cinematografica. Anche Di me 

cosa ne sai, presentato a Venezia 

alle Giornate degli autori, nasce 

dalle riflessioni del gruppo e dalla 

necessità, avvertita da molti autori, 

di ripercorrere la storia del cinema 

italiano per capirne i motivi della 

crisi. Il quadro che esce da questo 

montaggio stringente di sequenze 

e interviste di repertorio, dati 

sull’industria e frammenti di vita 

politica, culturale e televisiva degli 

ultimi trent’anni, è sconfortante e 

non solo per il cinema. Lo stato di 

salute del cinema – inteso anche 

come spettacolo condiviso in sala – 

e la considerazione che oggi gode 

nell’immaginario collettivo 

diventano il simbolo di 

un’agghiacciante decadenza 

culturale che ha il suo contraltare in 

Videocracy, e la sua sintesi 

nell’ignoranza dei ragazzini in coda 

per le selezioni di un reality. 

Fortunatamente a opporre 

resistenza ci sono ancora pochi ma 

sull’identificazione emotiva con lo 

spettatore, con stile rarefatto e 

simbolico per riprodurre i flussi e i 

disagi della fantasia. In un incontro 

di corpi e parole, l’autore ritrae il 

malessere narrando l’amicizia 

virile, per un viaggio interiore di 

ricerca ed approfondimento. Noce 

usa un approccio realista, in un 

cinema sincero ed ottimista che 

ritrova il piacere della narrazione 

ma riesce anche a far riflettere 

cercando nuove impressioni. Con le 

incertezze e le ingenuità 

dell’opera prima e l’impazienza di 

mostrare abilità e capacità 

registica, è una pellicola divisa in 

capitoli, con un approccio 

originale, composta da altri 

sguardi sull’irrinunciabile 

mutazione culturale ed etnica che 

modella la struttura della 

commedia e del dramma in un 

percorso individuale dentro 

coscienze e conoscenze. 

DOMENICO BARONE 

ostinati “donchisciotte”, come 

alcuni agguerriti esercenti d’essai, 

ma la crisi avanza e non solo – come 

pensa Brunetta – perché il governo 

ha tagliato gran parte dei 

finanziamenti. 

I motivi, complessi e strettamente 

collegati a un perverso – e unico in 

Europa – sistema degli audiovisivi, 

sono analizzati con lucidità e 

chiarezza da Jalongo, che non 

risparmia di interrogarsi anche sulle 

responsabilità interne all’ambiente 

del cinema. Ecco allora il regista 

Felice Farina recitare sullo schermo 

la sua storia, in una docu-fiction 

semiseria che fa da filo conduttore e 

contrappunto grottesco a tutto il 

film. La storia, che Farina condivide 

con molti suoi colleghi, è quella del 

difficile recupero del suo ultimo 

lavoro dal fallimento della società 

produttrice – una società fittizia – e 

delle energie spese per terminare il 

film con le proprie mani, 

letteralmente, e per presentarlo di 

persona al pubblico, in giro per 

l’Italia. Più che alle élite radicalchic – 

caro ministro – questi cento e più 

autori del cinema assomigliano a 

dei precari testardi, in lotta per la 

difesa del proprio lavoro. 

BARBARA CORSI

CAPITALISM: A LOVE STORY 

di Michael Moore 

Sceneggiatura: Michael Moore …Fotografia: Jayme 

Roy, Daniel Marracino …Montaggio: John Walter, 

Connor O’Neill, Alex Meillier, Tamyn Ager Meillier, 

Jessica Brunetto …Musiche: Jeff Gibbs …Produzione: 

Dog Eat Dog Films …Distribuzione: Mikado 


DOPO LA chiusura della fabbrica 

della General Motors, dalla città di 

Flint vengono mandate le lettere di 

sfratto ai proprietari di case (uno 

ogni 7 secondi) che hanno 

rifinanziato l’immobile senza poi 

riuscire a ripagare i debiti. Molte 

delle principali aziende del paese 

hanno stipulato polizze sulla vita 

dei loro dipendenti (più sono 

giovani, più si guadagna) di cui 

naturalmente sono uniche 

beneficiarie. I piloti d’aereo 

intascano uno stipendio non 

superiore a ventimila dollari annui e 

sono costretti a trovarsi un secondo 

lavoro, come la maggior parte dei 

liberi professionisti nei paesi dell’Est 

prima che cadesse il Muro. A causa 

del fallimento dell’azienda, gli 

operai di una fabbrica di Detroit 

sono stati gettati sul lastrico senza 

stipendio, indennità e liquidazione 

di sorta. È un’America fatta di 

sfratti, licenziamenti selvaggi, 

divario incolmabile tra l’1% ai vertici 

della finanza, dell’economia e della 

politica e il resto della popolazione. 

PARNASSUS, L’UOMO CHE 

VOLEVA INGANNARE IL DIAVOLO 

di Terry Gilliam 

Titolo originale: The imaginarium of doctor Parnassus 

…Sceneggiatura: Terry Gilliam, Charles McKeown 

…Fotografia: Nicola Pecorini …Montaggio: 

Mick Audsley …Musiche: Mychael Danna, Jeff Danna 

…Interpreti: Heath Ledger, Christopher Plummer, 

Lily Cole, Tom Waits, Johnny Depp, Colin Farrell, 

Jude Law …Produzione: Poo Poo Pictures, Parnassus 

Productions …Distribuzione: Moviemax 

...Usa/Canada …colore 122’ 

HEATH LEDGER & Friends, 

ovvero Johnny Depp, Colin Farrell 

e Jude Law. Ed ecco lo 

straordinario attore, The Joker di 

Un paese che, sin dall’era Reagan, 

ha affidato alle principali banche di 

investimento e ai loro emissari la 

gestione diretta dell’economia, 

trasformando i presidenti in 

fantocci utili a deregolamentare, 

favorire, finanziare, spingendo 

sull’orlo del baratro gli elettori 

proni e fiduciosi, fino a sprofondare. 

Riuscendo a tenere saldamente le 

redini della narrazione per due ore, 

concedendosi il consueto gusto della 

divagazione, dell’iperbole e del 

collegamento ardito, riducendo al 

minimo l’enfasi delle lacrime di 

vedove e orfani (ma poteva farne 

del tutto a meno), Michael Moore si 

avvale in Capitalism: a love story 

The dark knight, moltiplicarsi 

come in una galleria degli specchi 

grazie al film di Terry Gilliam, 

Parnassus, l’uomo che voleva 

ingannare il diavolo. Ledger, che 

nel film interpretava il ruolo di 

Tony, un misterioso benefattore 

dell’infanzia maltrattata che forse 

nasconde intenzioni losche, il 22 

gennaio del 2008 improvvisamente 

e tragicamente è morto. Le riprese 

erano iniziate da quattro 

settimane appena e il progetto 

sembrava destinato a morire 

– lunghissimo applauso e Leoncino 

d’oro dei giovani giurati di Agiscuola 

a Venezia 2009 – di immagini 

d’archivio e di un’iconografia di 

notevole impatto, rendendosi protagonista 

sì ma con discrezione 

(voce narrante, giullare grottesco 

per amplificare le emozioni, volto 

sgomento dai tempi comici perfetti) 

della fluviale analisi del crollo 

finanziario del sistema capitalistico 

per eccellenza; delle cause profonde 

e dei risvolti paradossali (il salvataggio 

in due tempi del grande 

istituto, prima negato poi votato 

alla Camera dopo un blitz del 

ministro del Tesoro); degli effetti 

nefasti e dei profitti illimitati, indi- 

anch’esso, finché il grande regista, 

visionario e un po’ maledetto, non 

ha avuto l’idea di moltiplicare Tony 

attraverso uno specchio. Ed è un 

piacere degli occhi, e un gioco nel 

gioco, individuare i vari alter ego 

di Tony. 

Terzo lavoro scritto con lo 

sceneggiatore Charles McKeown 

dopo il magico Brazil e il 

lussureggiante Le avventure del 

Barone di Munchausen, ecco un 

fantasy dal sapore nettamente 

autobiografico. Protagonista è 

l’immortale Dottor Parnassus 

(Christopher Plummer), un 

sapiente inventore di favole che 

aiuta gli esseri umani a dare forma 

alle proprie fantasie segrete, per 

quanto assurde esse siano, 

lasciando che attraversino uno 

specchio trasportato su un carro 

trainato da quattro cavalli. Nella 

moderna Londra dello shopping e 

della finanza, l’antico carro di 

Tespi viaggia con a bordo una 

buffa combriccola di guitti 

emarginati: la bella figlia Valentina 

(Lily Cole) e i due aiutanti (il 

giovane Andrew Garfield e il nano 

Verne Troyer), imbonitori a caccia 


gnandosi come non mai e cercando 

di istigare il pubblico alla ribellione, 

la stessa che spinge nel finale 

i suoi vessati protagonisti a reagire, 

occupando fabbriche e resistendo 

al pignoramento. Sono 

momenti di tensione (una figura 

dagli anni ’50 ci avverte a inizio 

proiezione che il film è inadatto 

alle persone impressionabili…), 

d’altronde i valori in gioco sono 

quelli della democrazia, argine 

necessario quella Dichiarazione 

d’indipendenza coi suoi diritti e 

valori fondamentali messi ultimamente 

da parte. 

Un discorso lucido e facilmente 

comprensibile quello di un Moore 

ispirato, di nuovo ai livelli delle 

opere degli esordi, che non esita a 

ricorrere ai consueti colpi di teatro, 

come quando da privato cittadino 

cerca di arrestare i “grandi capi” 

della finanza e di mettere il cordone 

di polizia all’intera Wall Street, 

luogo di un crimine grave e reiterato 

ai danni dei risparmiatori, dei 

piccoli proprietari, dei cittadini di 

serie B delle moderne democrazie 

plutocratiche. E poi, pur essendo 

un campione del documentario a 

tesi, l’autore riesce a farci sorridere, 

emozionare e più di tutto indignare, 

e non è poco… 


di un pubblico sempre più sparuto. 

Finché un giorno la compagnia non 

salva rocambolescamente un tizio 

che penzola da un ponte come il 

banchiere Roberto Calvi dal 

Blackfriars’ Bridge e quello si unisce 

a loro, mettendo le sue spiccate doti 

di marketing e la sua parlantina a 

servizio dell’arte in via d’estinzione. 

Ma Parnassus, e soprattutto la dolce 

Valentina, sono minacciati dal 

Demonio in persona, interpretato 

nientemeno che dal cantautore Tom 

Waits, demonio in carne ed ossa che 

intende riscuotere il suo credito e 

portar via la ragazza nel giorno del 

suo 16° compleanno. 

Ognuno dei personaggi citati farà la 

sua sortita nel mondo dietro lo 

specchio, un paese delle 

meraviglie (o degli orrori) dove 

tutto è possibile grazie agli effetti 

davvero speciali creati dalla Peerless 

Camera Company, la società 

londinese che ha sempre 

collaborato alle opere di Gilliam. Sei 

mesi di pre-produzione, scene girate 

col blue screen e un budget di 30 

milioni di dollari hanno fatto il 

resto. 



43

NEMICO PUBBLICO 

di Michael Mann 

Titolo originale: Public enemies …Sceneggiatura: 

Ronan Bennett, Ann Biderman, Michael Mann dal 

romanzo di Bryan Burrough …Fotografia: Dante Spinotti 

…Montaggio: Jeffrey Ford …Musiche: Elliot 

Goldenthal …Interpreti: Johnny Depp, Christian 

Bale, Marion Cotillard, James Russo, Billy Crudup 

…Produzione: Universal Pictures, Forward Pass, 

Misher Films …Distribuzione: Universal Pictures 


LA BELLEZZA pittorica delle 

inquadrature e la fisicità diretta e 

potente delle azioni sono 

caratteristiche che 

contraddistinguono il cinema di 

Michael Mann, e Nemico 

pubblico non fa eccezione. La 

storia di John Dillinger, nemico 

pubblico n.1 dell’America degli 

anni Trenta, è qui raccontata senza 

enfasi e senza psicologismi. John 

Dillinger è un rapinatore di banche 

e Mann racconta semplicemente 

gli accadimenti dei mesi che vanno 

dalla spettacolare evasione alla 

morte di Dillinger. Gli avvenimenti, 

le ricostruzioni di Chicago, le 

riprese on location come nel caso 

della Crown Point Jail e della Little 

Bohemia Lodge, persino il modo di 

parlare di Dillinger, interpretato da 

un bravo e costantemente 

misurato Johnny Depp, rivelano 

un’imponente e meticolosa ricerca 

L’UOMO CHE FISSA LE CAPRE 

di Grant Heslov 

Titolo originale: The men who stare at goats …Sceneggiatura: 

Peter Straughan dal romanzo di Jon 

Ronson …Fotografia: Robert Elswit …Montaggio: 

Tatiana Riegel …Musiche: Rolfe Kent …Interpreti: 

George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges, 

Kevin Spacey …Produzione: Smoke House Pictures 

…Distribuzione: Medusa …Usa 2009 …colore 90’ 

UN GIORNALISTA disperato, un 

improbabile agente dotato di 

superpoteri, un’unità segreta 

dell’esercito americano 

specializzata nella ricerca 

paranormale sono gli insoliti 

protagonisti de L’uomo che fissa 

le capre, che segna l’esordio alla 

storica, e qui sta forse una delle 

peculiarità del film: Mann si è 

basato sui fatti. Sui documenti, 

sulle fotografie, sugli articoli di 

giornale, naturalmente sul 

romanzo di Bryan Burrough, ma 

non sull’immaginario 

gangsteristico del cinema classico 

hollywoodiano. 

La mise en scène è straordinaria: 

non si può non rimanere 

affascinati e travolti dal susseguirsi 

regia di Grant Heslov, da lungo 

tempo amico e collaboratore come 

sceneggiatore e coproduttore dei 

film di George Clooney. Ed è 

proprio l’attore americano al 

centro della trama di questa 

divertente e intelligente 

commedia dal tono comunque 

molto leggero, che prende in giro 

l’ossessione per l’utilizzo 

dell’energia psichica a fini militari. 

Interpellato da un reporter alla 

ricerca dello scoop della sua vita, 

l’uomo che finge di essere un 

tecnico, al lavoro per la 

ricostruzione dell’Iraq, conduce il 

di scoppi di violenza e azioni 

frenetiche, dall’iperrealismo di 

certe scene alternato a momenti di 

pura astrazione (la splendida 

fotografia di Spinotti e le 

possibilità date dal digitale 

potenziano il film in questo senso), 

dal fascino semplice di Dillinger, un 

ragazzo dell’Indiana che odia le 

banche, odia il sistema, odia la 

polizia. Ma attenzione: la simpatia 

è immediata, e non perché lui sia 

giornalista alla volta di uno 

sgangherato viaggio, guidato – 

come dice di essere – da una 

visione notturna del suo ex capo 

guru, interpretato da un Jeff 

Bridges alla sua migliore 

interpretazione dai tempi de Il 

Grande Lebowski. Tra flashback 

e momenti insoliti che fanno 

ironicamente il verso a tanto 

cinema legato al mondo degli 

agenti segreti, L’uomo che fissa 

le capre brilla per una 

sceneggiatura intrigante, tratta 

dal libro dello scrittore e 

giornalista gallese Jon Ronson, che 

esplora la strana storia di un 

gruppo di soldati chiamati in 

codice “I Jedi” per le loro 

avanzatissime capacità psichiche. 

Al di là dell’evidente, forse perfino 

facile umorismo 

metacinematografico in cui il 

giornalista che deve scrivere degli 

Jedi è anche l’Obi Wan Kenobi 

della seconda trilogia di Guerre 

Stellari, L’uomo che fissa le 

capre mette ancora una volta in 

luce il talento di Clooney nel 

campo della commedia sofisticata. 

Circondato da interpreti 

decisamente alla sua altezza, come 

Ewan McGregor e Kevin Spacey, 

Clooney e gli altri sono impegnati 


John Dillinger, ma perché le banche 

erano quelle che avevano gettato il 

paese nella Grande Depressione e 

rubato i risparmi della gente, e il 

sistema va di conseguenza, quindi 

le antipatie di Dillinger sono quelle 

del pubblico americano. Quanto 

alla polizia, il sogno di J. Edgar 

Hoover era quello di catturare il 

nemico pubblico per eccellenza per 

trasformare il suo Bureau nel 

Federal Bureau of Investigation, 

mentre il suo agente di punta, 

Melvin Purvis (un bravissimo 

Christian Bale) è circondato da 

colleghi inetti che non sanno 

maneggiare le armi e anzi, quando 

sparano, uccidono cittadini 

innocenti. Di conseguenza, Mann 

non ha bisogno di ricorrere a 

espedienti narrativi per ornare di 

fascino Dillinger e le sue azioni. Ne 

racconta squarci e attimi privati con 

la fidanzata Billie Frechette, ma 

senza dilungarsi mai. I fatti, Mann 

racconta splendidamente i fatti: 

John Dillinger è morto ammazzato 

su un marciapiede all’uscita del 

cinema, tradito dalla leggendaria 

“lady in red”, che indossava in 

realtà una camicetta bianca e una 

gonna arancione… 

CHIARA BARBO 

a restituire allo spettatore il senso 

di una storia dove non si capisce 

mai se quello che accade è frutto 

di stupidità, del caso oppure di 

poteri tanto inspiegabili quanto 

complessi nella loro 

fenomenologia. 

Sullo sfondo di un Iraq più 

“appaltato” che occupato, 

L’uomo che fissa le capre è un 

film originale che, con qualche 

venatura demenziale, si trasforma 

in una satira antimilitarista senza 

troppe pretese, ma anche 

abbastanza riuscita. Le capre 

evocate dal titolo sono le 

testimoni involontarie di una serie 

di esperimenti in cui i superpoteri 

vengono usati talora per liberare 

un generale della Nato detenuto 

dalle italiane Brigate Rosse (il 

film non lo dice, ma si tratta della 

liberazione del generale Dozier), 

altre volte per canalizzare lo 

scontro di ego tra i vari membri 

di questa unità di elite, nata 

durante la guerra del Vietnam e 

la cui storia, in una maniera o 

nell’altra, arriva fino ai giorni 

nostri. Un film piacevole dove la 

parodia porta a momenti 

inaspettati di comicità. 



45


NORD 

di Rune Denstad Langlo 

Sceneggiatura: Erlend Loe …Fotografia: Philip Ogaard 

…Montaggio: Zaklina Stojevska …Musiche: Ola 

Kvernberg …Interpreti: Anders Baasmo Christiansen, 

Tommy Almenning, Marte Aunemo, Kyrre Hellum 

…Produzione: Motlys …Distribuzione: Sacher 

Film …Norvegia 2009 …colore 78’ 

ACCANTO a storie minime e 

stravaganti come Kitchen 

stories, ai personaggi strampalati 

dei film di Lukas Moodysson e ai 

toni sarcastici e crepuscolari di 

Kaurismaki, trova la sua perfetta 

collocazione anche Nord, un 

piccolo film norvegese che scivola 

con eleganza tra la commedia di 

toni e situazioni e la malinconia 

GENOVA 

di Michael Winterbottom 

Sceneggiatura: Laurence Coriat …Fotografia: Marcel 

Zyskind …Montaggio: Paul Monaghan …Musiche: 

Melissa Parmenter …Interpreti: Colin Firth, Catherine 

Keener, Hope Davis, Willa Holland, Perla Haney- 

Jardine …Produzione: Revolution Film, Aramid Ent. 

Fund, Moviola Film …Distribuzione: Officine Ubu 

…Inghilterra 2008 …colore 92’ 

“HO DECISO che dovevo girare 

un film a Genova e solo in un 

secondo momento ho pensato a 

quale storia raccontare”. Sono 

parole del regista, un’affermazione 

sicuramente sincera perché è 

davvero difficile immaginare una 

diversa ambientazione per questo 

film. Il cuore della storia, che pure è 

una vicenda molto intima e privata, 

ruota infatti attorno a 

quell’inestricabile labirinto di vicoli 

dove è facile perdersi fisicamente e 

mentalmente, come appunto 

accade ai protagonisti del film, alla 

ricerca di un filo che li riconduca 

alla vita dopo essere stati oggetto 

di una improvvisa tragedia. In 

Genova, insomma, la città è un 

preciso ed affascinante luogo fisico, 

ma anche un’ambientazione 

simbolica, un percorso che conduce 

dalle tenebre verso la luce. 

In seguito alla tragica morte della 

moglie in un incidente stradale, 

anche per liberarsi dal peso di 


sgangherata del suo protagonista, 

Jomar, un ex campione di sci che, 

in seguito a un esaurimento 

nervoso e una depressione da cui 

non riesce a venir fuori, trova 

lavoro come addetto alle sciovie, 

lavoro che naturalmente svolge 

assai malvolentieri. Tra il 

rimpianto per la clinica in cui è 

stato ricoverato per mesi, il ricordo 

della moglie che l’ha lasciato e la 

noia di quel lavoro che lo spinge a 

bere, fumare e ciondolare tutto il 

giorno tra il letto e la poltrona, 

una notizia inaspettata lo spinge a 

uscire dall’apatia per affrontare 

un viaggio verso nord, centinaia di 

ricordi strazianti, Joe, docente 

universitario di Chicago, decide di 

trasferirsi insieme alle figlie, 

l’adolescente Kelly, 16 anni, e la 

piccola Mary, 10 anni, a Genova 

dove ha ottenuto un incarico. 

Il trasferimento sembra giovare a 

Joe e a Kelly che, bellissima, attira 

subito l’attenzione dei coetanei, 

mentre Mary, oppressa dai sensi di 

colpa, si ritiene responsabile del 

fatale incidente: è perseguitata da 

incubi notturni e ad un certo 

momento comincia a vedere la 

madre aggirarsi attorno a lei. 

Mentre Barbara, una vecchia amica 

di Joe, intuisce il malessere della 

bambina, padre e sorella non 

sembrano accorgersene. Finché un 

giorno, proprio per seguire la 

chilometri tra distese di neve e 

ghiaccio, in solitudine, fatta 

eccezione per alcuni incontri 

bizzarri che pian piano 

riappacificheranno Jomar con se 

stesso e con la vita. 

Nord è un road movie sulla 

snowmobile, un “road movie 

fuoripista” come lo definisce lo 

stesso autore; una commedia 

minimale che trascina il 

protagonista fuori dal suo 

malessere per farlo incontrare e 

scontrare con situazioni assurde e 

personaggi stravaganti e assoluti 

nella loro umanità: bambine 

solitarie, gare di snowboard, 

improbabili soldati che sbucano 

dal nulla e vecchi scontrosi intenti 

a pescare nel ghiaccio conducono 

il protagonista, nella sua 

ricerca della vita, verso 

un finale sobrio e 

asciutto che ben 

completa la 

stravaganza 

misurata e sottile 

di questa 

malinconica 

commedia 

umana. 

I meriti 

del 

film 

madre che ha visto camminare 

davanti a lei, Mary si inoltre in una 

città sempre più ostile e pericolosa… 

La trama potrebbe far pensare ad 

un mystery segnato da presenze 

soprannaturali e destinato ad una 

tragica conclusione ed invece 

Genova racconta semplicemente, 

con accenti intimi e dolorosi, 

l’elaborazione di un lutto da parte 

di tre persone private del loro 

affetto più caro. 

Genova, premio per la regia lo 

scorso anno a San Sebastian, è un 

film di atmosfere e di silenzi, dove i 

dialoghi sono rarefatti e il racconto 

è affidato principalmente alla 

suggestione delle immagini, dei 

colori, dei suoni. In maniera niente 

affatto casuale, la mamma morta 

sono molti: il regista Rune Denstad 

Langlo, che qui impiega 

splendidamente anche la sua 

esperienza di documentarista, 

riesce a mantenere in costante 

equilibrio la commedia pur non 

tralasciando momenti di dramma, 

utilizzando bene gli scenari 

nordici, protagonisti del film 

insieme al bravo Anders Baasmo 

Christiansen, una presenza 

fondamentale nei vari segmenti 

del film, sempre provvisorio nel 

suo incedere incerto, tra la 

chiusura in se stesso e lo stupore di 

fronte agli incontri imprevisti che 

quel pezzetto di vita gli riserva, 

sempre umanissimo. E lo 

sceneggiatore Erlend Loe scrive 

con delicatezza personaggio e 

momenti narrativi, senza 

risparmiare ironia e sarcasmo 

graffiante a Jomar Henriksen e 

anche al pubblico. Nord è 

stato presento nella sezione 

Panorama alla scorsa 

edizione del Festival di 

Berlino, vincendo il 

premio Fipresci della 

stampa 

internazionale 

come miglior 

film. 

CHIARA BARBO 

era un’insegnante di pianoforte ed 

anche le sue figlie prendono lezioni 

di musica. Il film funziona molto 

bene nella parte domestica e 

familiare, illustrando con sapienza e 

profondità i rapporti che legano il 

padre alle figlie e le figlie fra loro. 

Kelly è la tipica adolescente alla 

scoperta delle prime vere emozioni, 

una ragazza che vorrebbe bruciare 

le tappe e comincia a mostrare una 

crescente insofferenza per regole 

ed orari. Alle sue continue e 

provocatorie sfide non sfugge 

neppure la sorella più piccola, 

ovviamente incapace di 

comprendere le ragioni di tanta 

improvvisa ostilità. Funziona invece 

molto meno il contorno, il coro dei 

ragazzi italiani che corteggiano 

Kelly e tutto il gruppo degli 

studenti di Joe, altrettante 

macchiette. In particolare 

l’accennata e un po’ ridicola storia 

d’amore fra Joe e la studentessa 

Rosa è uno degli elementi deboli 

del film. Insomma ciò che convince 

meno è il côtè di presenze italiane, 

ma la cosa non sorprende più di 

tanto: perché un regista inglese 

dovrebbe conoscerci così bene e 

raccontarci in maniera davvero 

convincente? 

FRANCO MONTINI


CHE FINE HA FATTO OSAMA BIN LADEN? 

di Morgan Spurlock 

Titolo originale: Where in the world is Osama Bin 

Laden? …Sceneggiatura: Jeremy Chilnick, Morgan 

Spurlock …Fotografia: Daniel Marracino 

…Montaggio: Gavin Coleman, Julie “Bob” Lombardi 

…Musiche: Jon Spurney …Produzione: Warrior 

Poets, Wild Bunch …Distribuzione: Fandango 

…Usa 2007 …colore 96’ 

NUOVA provocazione di 

Morgan Spurlock, ironico cialtrone 

e “fratello minore” della 

multinazionale Michael Moore, 

con una folle e divertente caccia al 

criminale più pericoloso del 

mondo che diventa un viaggio nei 

Paesi mediorientali, costruito 

come i livelli di difficoltà di un 

videogioco tra ispirate intuizioni, 

incontri di karate con il ricercato a 

cartoni animati, spunti e idee 

grottesche. 

Dall’Egitto all’Afghanistan, 

interviste strampalate sulle 

conseguenze economiche di 

attentati e speculazioni in Borsa 

costellano un reportage 

sull’incontro-confronto con la 

gente araba, disponibile e cordiale 

agli inoffensivi attacchi del regista. 

Spurlock, in pericolosa trasferta tra 

Marocco e Palestina, parte sulle 

tracce del fuggitivo fin dentro le 

caverne nel cuore 

dell’Afghanistan, avvicinando 

esperti ed imam; collabora, a suo 

BERLIN CALLING 

di Hannes Stöhr 

Sceneggiatura: Hannes Stöhr …Fotografia: Andreas 

Doub …Montaggio: Anne Fabini …Musiche: Paul 

Kalkbrenner …Interpreti: Paul Kalkbrenner, Rita Lengyel, 

Corinna Harfouch, Araba Walton, Peter Schneider 

…Produzione: Sabotage Films, Stöhr Film Prod. 

con Wdr, Arte …Distribuzione: Officine Ubu …Germania 

2008 …colore 100’ 

IKARUS è un dj/remixer 

berlinese – una vaga 

rassomiglianza con Moby – che 

alterna album e dance floor in 

discoteca, troppi per concentrarsi 

sul nuovo disco, anche perché il 

ragazzo tende ad abusare di 

modo, al disinnesco degli ordigni; 

scopre la teoria della cospirazione 

che lega indissolubilmente 

l’organizzazione di Al-Qaeda alla 

rivoluzione suina di Babe e 

partecipa alle incursioni a fianco 

dell’esercito. 

Dopo l’esperimento del precedente 

Supersize me, in cui si faceva 

uomo-cavia che eroicamente 

decide di nutrirsi per un mese di 

prelibatezze preparate nei fast 

food con esiti clinici disastrosi, 

questa volta, con la stessa carica di 

ingenua goliardia, Spurlock si 

spinge in un lungo viaggio 

impersonando l’uomo comune che 

desidera un’esistenza metodica 

confortata dal consumo di generi 

ketamina e cocaina: la sua 

discografica respinge il progetto, 

lo stress aumenta e lo sballo pure, 

la ragazza-manager Mathilde 

inizia ad essere stufa mentre il 

padre, pastore protestante, parla 

nei suoi sermoni di responsabilità 

individuale. 

Una crisi di troppo (“era roba 

cattiva”…) e Ikarus si ritrova in 

ospedale con altre vittime di acidi 

e cristalli – ottenendo almeno il 

permesso di lavorare al disco, 

anche se la dottoressa trova la sua 

musica cupa e deprimente. Ma gli 

futili e con un figlio in arrivo. 

Senza le invettive moralistiche e 

saccenti del corpulento collega di 

Fahrenheit 9/11 e Sicko, 

l’autore, beffardo e narcisista, ha 

il pudore e il ritegno di non 

prendersi mai sul serio ma usa la 

stessa tecnica di guerriglia del 

compagno: sceglie un bersaglio da 

colpire facile facile, confidando 

nel candore e nella semplicità di 

spettatori ancora inclini 

all’indignazione, inconsapevoli di 

essere manipolati. 

La pellicola, presentata lo scorso 

anno al Festival Internazionale di 

Roma, diventa una “ardita” 

riflessione sui rapporti segreti tra 

Stati Uniti e mondo arabo, 

effetti allucinogeni persistono e 

una scappatella dall’ospedale gli 

costerà cara in termini umani, 

professionali e di salute: la terra 

continua a franargli sotto i piedi 

ma l’atteggiamento immaturo ed 

egocentrico si rafforza. 

All’ipogeo, grazie al sostegno di 

Mathilde (che nel frattempo ha 

accettato le avances dell’amica 

Corinne) e all’affetto del padre e 

del fratello, oltre che alle pillole 

che cancellano alti e bassi, il 

motore sembra tornare a girare… 

La musica techno del 

protagonista (Kalkbrenner nella 

vita fa lo stesso mestiere 

del suo personaggio) 

fornisce un tono 

maudit alla storia di 

tossicodipendenza, 

solo aggiornata alla 

“fame chimica” di 

sostanze brucia 

cervello. Può 

sembrare fico 

un dj che si 

gode la 

celebrità 

di 

stage 

disegnata con lo stile sarcastico ed 

irriverente dei fumetti. Spurlock 

gioca con intelligenza con i luoghi 

comuni, le differenze etniche, le 

paure e la xenofobia, ma da buon 

cittadino americano istruito cerca 

un’illusoria armonia, convincendosi 

che il nemico possa essere un 

pesante fardello nell’evoluzione e 

nell’incontro tra culture opposte 

ma complementari. Che fine ha 

fatto Osama Bin Laden? è un 

girotondo che inizia come 

intrattenimento satirico 

intervallato da spunti umoristici, in 

cui tesi ed asserzioni restano 

ovvietà scontate, con una 

sceneggiatura divisa tra indagine 

sociologica ed inchiesta, scandita 

da intermezzi grafici e spettacolari, 

notazioni di costume che graffiano 

ma non lasciano segni. 


performance infuocate (purché 

piacciano i ritmi electro), indossa 

magliette di calcio e soddisfa 

bisogni primari; il regista tuttavia 

ne sottolinea il senso di vuoto, la 

discesa agli inferi e fino alla fine 

non sappiamo se ce la farà a 

superare la crisi. Tuttavia, se solo 

la regia mostrasse qualche 

guizzo in più e il protagonista 

una maggiore espressività, la 

capacità di coinvolgimento della 

vicenda ne risulterebbe 

accresciuta. Lo stesso finale 

assomiglia più a una pubblicità 

progresso che a uno snodo 

narrativo. Il titolo del film è 

quello del famigerato disco di 

Ikarus tanto rinviato, e 

naturalmente ammicca ai 

Clash. Quanto a Berlino, la 

storia potrebbe svolgersi in 

qualsiasi metropoli (anche 

se i tedeschi vanno forte 

in questo campo 

musicale) e il 

Muro è soltanto 

evocato in un 

ricordo 

familiare. 



47


BRÜNO 

di Larry Charles 

Sceneggiatura: Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, 

Dan Mazer, Jeff Schaffer …Fotografia: Anthony Hardwick 

e Wolfgang Held …Montaggio: Scott M. 

Davids e James Thomas …Interpreti: Sacha Baron 

Cohen, Gustaf Hammarsten con la partecipazione di 

Bono, Sting, Elton John, Chris Martin …Produzione: 

Everyman Pictures, Four by Two, Media Rights Capital 

…Distribuzione: Medusa …Usa 2009 …colore 85’ 

DELLA PROVOCAZIONE ha fatto 

il suo logo. Sacha Baron Cohen, già 

Ali G e Borat, non si smentisce e 

con Brüno va anche oltre, 

affrontando ludicamente e 

luridamente il mondo della moda. 

Il suo personaggio omonimo è 

NORTH FACE 

di Philipp Stöltz 

Titolo originale: Nordwand …Sceneggiatura: Philipp 

Stöltz, Cristoph Silber, Rupert Henning, Johannes 

Naber …Fotografia: Kolja Brandt …Montaggio: Sven 

Budelmann …Musiche: Christian Kolonovits …Interpreti: 

Benno Furmann, Johanna Wokalek, Florian 

Lukas, Simon Schwarz …Produzione: Dor Film-West, 

Lunaris Film, MedienKontor …Distribuzione: Archibald 

…Germania 2008 …colore 126’ 

AVVENTURA, tensione e 

dramma nella radicata tradizione 

delle pellicole di montagna in 

North Face, che ricostruisce con 

meticolosa attenzione la lotta 

disperata per la sopravvivenza 

nella scalata alla parete nord del 

Monte Eiger, evidenziando ogni 

dettaglio nella descrizione di 

eventi ed imprevisti, uniti ad una 

complessa riflessione 

sull’immanenza di una natura 

ostile e matrigna. 

Durante l’estate del 1936, due 

militari bavaresi decidono di 

scalare la parete nord della 

montagna, in un’ascensione 

seguita da giornalisti in cerca di 

gloria, funzionari del Reich decisi 

a trasformare l’impresa sportiva in 

un trionfante mezzo di 

propaganda. North Face, con 

stile classico e rigoroso, è un film 

dal cuore antico, epico, sul valore 

del coraggio individuale, sulla 


l’irriverente e indomito critico del 

magazine Funky Zeit, che dal 

fashion biz ambisce a diventare 

una star. Austriaco dal 

maccheronico accento e 

omosessuale, con valletto a 

seguito segretamente innamorato 

di lui, parte alla conquista di 

Hollywood. 

Supportato da una sceneggiatura 

di cui è co-autore con gag 

esilaranti a profusione, Brüno è 

un film sui generis che fluttua tra 

fiction e mockumentary ed è per 

sua natura un fenomeno oltre lo 

schermo. Come del resto erano i 

solitudine fisica e mentale dello 

scalatore, deciso a non farsi 

strumentalizzare dagli attacchi 

della stampa, dalle lusinghe del 

potere politico come dal terrore 

dell’isolamento, cullandosi nella 

forza consolatoria di affetti e 

relazioni amorose, forze svanite, 

in una pessimistica 

considerazione sul significato del 

tempo. 

Stöltz, che ha studiato e 

compreso i codici morali degli 

eroi quotidiani e solitari del 

cinema di Fred Zinnerman, 

combina azione, storia e rischio, 

analizzando la dimensione 

psicologica della cronaca e del 

precedenti di Baron Cohen. Le sue 

performance, infatti, hanno 

animato la campagna 

promozionale condotta in maniera 

del tutto alternativa, tra irruzioni 

alle sfilate di moda milanesi, 

mescolamenti con le guardie reali 

a Londra in aderenti costumi o alla 

tv spagnola dove si è mostrato in 

mutande fregiate col volto di 

Zapatero. Il sottotitolo del film, 

d’altra parte, non induce a 

fraintendimenti sulla natura 

dell’oggetto: “deliziose 

scorribande attraverso l’America 

allo scopo di mettere visibilmente 

a disagio i maschi eterosessuali in 

presenza di un gay straniero in 

magliettina a rete”. Oltraggioso a 

dismisura, facilmente censurabile e 

presumibilmente sgradevole a 

pubblici non adepti o 

semplicemente rigido-schizzinosi, 

Brüno fa perno sull’immenso 

talento performativo del comico 

gallese-lituano-israeliano: le risate 

provocate dal magma esplosivo tra 

il suo modus e le battute e 

situazioni sono a volte davvero 

irresistibili. Solo per citarne alcune: 

l’utilizzo di uomini nudi in 

sostituzione dell’arredamento 

nello studio televisivo, la 

simulazione di un orgasmo con lo 

racconto, sottolineando gli 

ingannevoli meccanismi dello 

sfruttamento mediatico, dei 

contrasti etnici tra visioni 

esistenziali differenti ed 

inconciliabili. Con una 

costruzione scrupolosa e sicura 

della narrazione, diretta ad 

evidenziare la forza della 

competizione e dei legami di 

sangue, cerca sempre il realismo, 

l’effetto emotivo alla mistica 

ricerca delle difficoltà e degli 

imprevisti. Con una fotografia 

che estende il fascino della luce e 

del pericolo, il film ha una sua 

forza istintiva nel rapporto di 

assoluta dipendenza dalla vetta 

spirito di un defunto durante una 

seduta spiritica e – all’apice del 

politically incorrect – il furto 

nell’immaginario Paese “Dar-five” 

di un bebè africano “scambiato 

con un iPod” a prova che essere 

padre single e gay è bello. La gag 

non rovina la risata in sala essendo 

già punta di diamante del trailer. Il 

film non risparmia sagaci cine e 

tele-citazioni, talvolta di autentica 

arguzia, virate a caricatura 

estrema delle manie, fobie ed 

ossessioni prodotte dall’American 

Dream. Questa volta concentrato 

sullo spaccato umano dello star 

system, terreno intrinsecamente 

comico. E, con personalissimo 

messaggio pacifista, Baron Cohen 

si improvvisa anche mediatore tra 

Israele e Palestina, quasi 

riuscendoci... Tra le curiosità del 

backstage: nel film era prevista 

un’intervista a LaToya Jackson 

prendendo di mira il fratello 

Michael, la cui scomparsa, però, ha 

ovviamente procurato il taglio 

definitivo della scena. Rimasti, 

invece, i camei degli amici Bono, 

Sting, Elton John e Chris Martin, 

musicalmente uniti per una 

“Brüno-causa”. 


da raggiungere che diventa 

ossessione. Il regista, con 

l’intelligenza del cineasta 

consumato, riprende non solo la 

preparazione e la paura del 

vuoto, ma la costruzione di un 

sogno, la difficoltà ed il coraggio 

del fattore umano: la stanchezza 

e la disillusione degli scalatori che 

lottano contro pregiudizi, la 

tragica distanza dalla realtà 

quotidiana e la coesistenza 

silenziosa con il rischio della 

morte. 

Costruito con l’ambizione di unire 

l’incanto letterario del racconto 

orale con la manipolazione 

sentimentale degli avvenimenti; 

l’immediatezza e l’identificazione 

del cinema popolare con un uso 

seduttivo e mai retorico dell’etica, 

il film è una cronaca sulla perdita 

dell’innocenza, filmata con la 

crudezza dell’essenzialità e 

filtrata dallo scetticismo di chi 

osserva con cinica indifferenza lo 

spettacolo. Proiettato al Festival 

di Locarno lo scorso anno e girato 

nei luoghi della spedizione 

originale, North Face è un 

viaggio introspettivo in una 

passione eroica, nell’incoscienza 

dell’impresa e della memoria. 

DOMENICO BARONE

500 GIORNI INSIEME 

di Marc Webb 

Titolo originale: 500 days of Summer …Sceneggiatura: 

Scott Neustadter, Michael H. Weber …Fotografia: 

Eric Steelberg …Montaggio: Alan Edward Bell 

…Interpreti: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, 

Geoffrey Arend, Chloe Grace Moretz …Produzione: 

Fox Searchlight, Waterman Production …Distribuzione: 

20th Century Fox …Usa 2009 …colore 96’ 

“QUESTA È la storia di un 

ragazzo che incontra una ragazza. 

Ma vi avverto subito: non è una 

storia d’amore”. La voce narrante 

alquanto perentoria del 

protagonista istruisce lo spettatore 

su cosa non aspettarsi. E 

sagacemente lascia che lo stesso 

spettatore apra la bella sorpresa di 

DIAMOND 13 

di Gilles Béhat 

Titolo originale: Diamant 13 …Sceneggiatura: Gilles 

Béhat, Oliver Marchal, Hugues Pagan …Fotografia: 

Bernard Malaisy …Montaggio: Thierry Faber 

…Musiche: Frederic Vercheval …Interpreti: Gérard 

Depardieu, Oliver Marchal, Asia Argento, Aïssa Maïga 

…Produzione: MK2 …Distribuzione: Moviemax 

...Francia/Belgio/Lussemburgo 2009 …colore 93’ 

DIAMOND 13 è una pellicola di 

genere con molti padri nobili, 

manierata, efficace e violenta nella 

prima parte, squilibrata e 

sfilacciata nella seconda, in una 

cronaca crudele ed essenziale, 

senza presunzioni d’autore. 

Mat, poliziotto della sezione 

criminale della polizia di Parigi, 

500 giorni insieme, ovvero 

un’esilarante commedia. Complice 

la storia vera, pare, vissuta da uno 

dei due sceneggiatori, trasformata 

nel riuscito esordio “in 

lungo” del già 

videomaker Marc Webb. 

Tom (Joseph Gordon- 

Levitt) scrive biglietti 

augurali. Incontra 

Summer – tradotta in 

italiano con Sole – (Zooey 

Deschanel) e se ne 

innamora 

perdutamente. 

Ma la ragazza 

vive la 

scopre che un suo collega della 

squadra antidroga è coinvolto in 

un traffico di stupefacenti; l’uomo, 

deciso a rispettare il vincolo di 

amicizia, decide di mettere a 

rischio la sua carriera per cercare di 

salvarlo e di neutralizzare 

l’organizzazione criminale. 

Poliziesco duro e classico, scandito 

dalla pulsione per la vendetta e 

dal rispetto del codice etico dei 

comportamenti, Diamond 13, 

proiettato al Taormina FilmFest 

nella sezione Anteprime al Teatro 

Antico, rilegge e ricalca la struttura 

della letteratura poliziesca, di 

figure sconfitte alla deriva, 

relazione come un’amicizia, 

alimentando le pene d’amore del 

malcapitato per i fatidici 500 

giorni. Lo stillicidio amoroso al 

maschile è vissuto con un racconto 

in flashback in prima persona con 

tanto di “conta giorni” dal 

momento dell’incontro 

all’epilogo, naturalmente da non 

svelare. I due giovani, 

imperfettamente belli ma 

perfettamente interpretati, hanno 

diverse passioni in comune: dalla 

musica per gli Smiths alla pittura 

di Magritte, e vanno perfino 

all’Ikea giocando alla felice 

famiglia americana nell’era 

dell’iPod. Ma tutto questo non 

basta per alimentare l’amore, dice 

lei, confusamente ma a 

ripetizione. Webb, 

mostrando cinecultura 

e 

passione 

per la 

musica, 

perdute dentro una metropoli 

notturna e degradata, attraversata 

da colori iperrealisti. Béhat, 

attratto istintivamente dagli eroi 

solitari, silenziosi, emarginati e 

dimenticati, è stato sempre 

sedotto dalle colpe dei personaggi, 

dalle zone grigie ed oscure, deciso 

a rappresentare l’interscambio dei 

ruoli, esasperando la disperazione 

e l’isolamento. Qui affronta un 

racconto popolare con un verismo 

costruito sulla percezione del 

tradimento e sulla perdita della 

speranza. È un mondo criminale e 

razionale, già narrato nel violento 

esordio Rue Barbare, che citava 

un’idea tradizionale e 

appassionata di western urbano 

cercando di riprodurre le difficoltà 

di uomini senza futuro, in fuga da 

lutti e disperazioni, prigionieri e 

vittime del dovere, nel rispetto 

della legge e dei codici. Diamond 

13 deve molto al pessimismo sulla 

condizione umana di Melville e 

Verneuil (Il poliziotto della 

brigata criminale, Polvere 

d’angelo), esempi atipici ed 

inconsueti di gialli esistenziali con 

al centro poliziotti anarchici, senza 

motivazioni decisive, intrappolati 

dal lavoro e da un’idea personale 

di giustizia. Il film, che si smarrisce 


infarcisce con bravura il suo film di 

citazioni colte (Il laureato, 

Truffaut), di canzoni sfiziose 

(addirittura un hit di Carla Bruni) 

strizzando l’occhio al musical e di 

un montaggio interessante, dallo 

slow motion alle accelerazioni, 

dallo split screen all’animazione. 

La direzione del romanticismo 

melodrammatico subisce 

un’interessante inversione di rotta 

perché qui non siamo di fronte al 

semplice tentativo di conquista 

dell’uomo sulla donna, bensì alla 

riduzione del primo a preda di un 

sogno d’amore, più che del 

sentimento per una persona, 

mentre l’oggetto in questione si 

comporta esattamente secondo il 

cliché tipico del maschio. E allora 

si intuisce che il film lavora con 

intelligenza sul processo di 

maturazione dell’essere 

umano, portandolo dalla 

percezione del proprio punto 

di vista come assoluto alla 

presa di coscienza di quanto è 

reale. 500 giorni insieme 

è stato presentato con 

successo al Sundance e 

sonoramente 

applaudito in Piazza 

Grande a Locarno. 


nella risoluzione dell’enigma, resta 

costruito su invenzioni ed 

intuizioni descrittive, con una 

vocazione essenziale e cinefila, 

diretta a ricalcare i modelli amati e 

studiati con una visione 

struggente e nostalgica, emotiva e 

retrospettiva, nel tentativo di 

contaminare la sintesi spietata e 

romantica del fumetto con la 

forma ed il linguaggio del thriller: 

senza appesantimenti ed analisi 

psicologiche ma con la forza e 

l’energia dell’azione, perfetta nel 

sintetizzare i contrasti tra periferie 

squallide e pericolose e quartieri di 

lusso. Il regista, di solida 

formazione televisiva, lavora con 

la semplicità e la concretezza di un 

artigiano, concentrandosi sul 

distacco e sul vuoto, 

sull’impotenza e l’ambiguità. 



49

GIOVANNA 

D’ARCO AL ROGO 

di Roberto Rossellini 

Francia 1954 ...colore 70’ 

Audio: Italiano mono, Francese mono ...Sottotitoli: 

Italiano ...Video: 1.33:1 – 4/3 ...Extra: introduzione al film, immagini 

d’epoca, galleria fotografica, trailer ...Etichetta: Ripley’s Home Video 

“È un film molto strano. Ora si dirà che la 

mia involuzione è arrivata al limite massimo, ma 

questo non è per niente del teatro filmato, è 

cinema, e direi persino che si tratta di 

neorealismo, nel senso in cui l’ho 

sempre pensato”. Roberto Rossellini 

descriveva così l’adattamento 

cinematografico di Giovanna D’Arco 

al rogo dalla versione teatrale da lui 

stesso diretta con successo qualche 

tempo prima. A Rossellini, infatti, fu 

chiesto nel 1953 di mettere in scena 

l’oratorio drammatico in undici scene 

scritto da Arthur Honegger su testo di Paul 

Claudel. Il regista costruì la messa in scena 

basandosi soprattutto sull’ascolto di 

un’incisione discografica, senza essere a 

conoscenza delle istruzioni sceniche delle 

precedenti rappresentazioni, che prevedevano 

Giovanna legata al palo del rogo durante tutto 

lo spettacolo. La “prima” al San Carlo di Napoli 

fu un successo e tra il gennaio e il marzo 

successivo venne girata, sempre a Napoli, la 

versione cinematografica. Rossellini, sempre 

attirato dalla possibilità di sperimentare nuovi 

linguaggi e forme stilistiche, trasforma la 

drammatica vicenda di Giovanna D’Arco in un 

racconto dai contorni a tratti quasi fiabeschi. Le 

differenze rispetto alla versione teatrale non 

risiedono tanto nel testo (praticamente 

invariato), quanto nell’impianto scenico che, 

grazie al montaggio e ad una serie di 

accorgimenti tecnici, viene segmentato in 

numerose situazioni narrative, dando modo a 

Rossellini di operare registicamente in ognuna 

di esse, pur mantenendo la linearità della 

trama. A dominare sono comunque i dialoghi 

tra Giovanna D’Arco (interpretata da una 

splendida Ingrid Bergman) e il personaggio di 

frate Domenico, che scende sulla terra per 

aiutare l’eroina di Francia, tradita dal suo stesso 

popolo, a comprendere lo sporco inganno di cui 

è stata vittima. Il film è scandito da quattro 

momenti che ripercorrono a ritroso gli eventi 

che hanno condotto la donna alla condanna. Il 

film uscì a Roma per la prima volta, quasi in 

maniera clandestina, nel luglio del 1954, dopo 

mesi passati alla disperata ricerca di un 

distributore. Giovanna D’Arco al rogo è 

proposto in dvd dalla Ripley’s Home Video in 

una confezione di pregevole fattura, 

soprattutto in virtù dei numerosi extra che 

accompagnano il film. Quest’ultimo è proposto 

nella versione restaurata nel 1987, dalla qualità 

video più che accettabile, in considerazione del 

fatto che il recupero venne eseguito senza 

poter contare sul negativo originale. Ottima, 

invece, la traccia audio, disponibile sia in 

italiano che in francese. La ricca sezione dei 

contenuti speciali si apre con un libretto 

allegato di 42 pagine che, oltre a riportare per 

intero il testo dell’oratorio originale di Claudel, 

include numerose testimonianze ed interviste, 

tra cui quelle allo stesso Rossellini e Ingrid 

Bergman. Gli extra del comparto si aprono 

invece con l’introduzione in francese al film di 

Roberto Rossellini, che racconta i motivi che lo 


rubriche 

Cult dvd 

spinsero a dirigere il film e come esso non riuscì 

ad avere un’adeguata distribuzione. Sono poi 

presenti alcune immagini di repertorio del 

Cinegiornale Luce sulla prima rappresentazione 

al San Carlo ed una carrellata di immagini 

pubblicitarie per il lancio del film. Da 

sottolineare il commento critico di Adriano 

Aprà sulla genesi del film e sull’impostazione 

stilistica data da Rossellini. A chiudere gli extra 

l’episodio di Rossellini interpretato dalla 

Bergman di Siamo donne, del 1953. 

TRISTANA 

di Luis Buñuel 

Spagna1970 ...colore 94’ 

Audio: Italiano 2.0, Spagnolo 2.0 ...Sottotitoli: 

Italiano ...Video: 1.33:1 – 4/3 

...Extra: dossier cartaceo ...Etichetta: 

Dynit 

È sicuramente la raccolta in 

dvd più esaustiva dedicata a Luis Buñuel quella 

pubblicata dalla giovane etichetta Dynit: 19 

film che coprono una buona parte della 

produzione del regista spagnolo, da Terra 

senza Pane del 1933 a Tristana del 1970. Nel 

mezzo titoli splendidi e spesso poco conosciuti 

ai più, come Lui (1953), storia di una morbosa 

relazione sessuale, ed Estasi di un delitto 

(1955), thriller anomalo che ironizza sulle 

frustrazioni derivanti dall’educazione cattolica, 

fino ai più ben noti Nazarin (1958) e Viridiana 

(1961). Assoluto inedito per il mercato home 

video italiano, Tristana fu presentato nel 1970 

fuori concorso alla 23^ edizione del Festival di 

Cannes, dove Buñuel aveva già vinto nel 1961, 

con Viridiana, la Palma d’Oro. Il film è tratto 

da un romanzo di Benito Pérez Galdós, uno dei 

più grandi autori della letteratura spagnola. 

Rispetto al libro, Buñuel posticipa gli eventi 

dall’Ottocento alla soglie degli anni Trenta, 

spostando la vicenda da Madrid alla provincia. 

Spagna, 1929: la giovane Tristana (Catherine 

Deneuve, di nuovo protagonista per Buñuel 

dopo Bella di giorno e La via lattea) si 

trasferisce, dopo la morte di sua madre, nella 

piccola città di Toledo. Qui verrà mantenuta dal 

suo tutore, don Lope, appartenente alla classe 

borghese. L’uomo, sebbene in età avanzata, è 

attratto dal fascino della ragazza e comincia a 

circuirla. Tristana, pur non respingendo le 

pressanti attenzioni dell’uomo, si sente in 

trappola, e approfitta della prima occasione per 

scappare. Così, dopo aver conosciuto Horacio, 

un giovane artista, parte per Madrid. Una 

trasferta che durerà due anni. Ammalatasi ad 

una gamba, infatti, Tristana torna sconfitta dal 

suo tutore, nel frattempo diventato ricchissimo 

grazie ad una cospicua eredità. Nonostante le 

cure ricevute, Tristana deve subire 

l’amputazione della gamba: un evento 

doloroso che cambia il carattere della donna, 

fino al tragico epilogo. Dura condanna 

dell’ipocrisia borghese e del perbenismo 

cattolico, Tristana descrive in maniera spietata 

una storia di prevaricazione e corruzione, in cui 

la vittima alla fine si trasforma in carnefice. Un 

saggio sulla misoginia, con cui Buñuel chiude 

un’ideale trilogia sul tema, dopo Diario di una 

cameriera e Bella di giorno. L’edizione dvd di 

Tristana si fa apprezzare per l’ottima qualità di 

una traccia video che, nonostante i quasi 

trent’anni di età, appare priva di difetti. 

Discorso che vale anche per l’audio, pulito 

soprattutto nella traccia sonora originale. 

a cura di GABRIELE SPILA 

Mancano purtroppo gli extra video, mentre è 

presente un interessante libretto d’accompagno 

curato da Sandro Toni, della Cineteca di Bologna. 

Nel supporto cartaceo sono incluse, oltre ad 

un’intervista a Buñuel e ad una serie di apparati 

critici, numerose locandine originali e la 

filmografia del regista spagnolo. 

GLORIA, UNA NOTTE 

D’ESTATE (Gloria) 

di John Cassavetes 

Usa 1980 ...colore 117’ 

Audio: Inglese 5.1, Italiano, Francese, Spagnolo, Tedesco ...Sottotitoli: Italiano, 

Inglese, Francese, Spagnolo …Video: 1.85:1 – 16/9 ...Etichetta: 

Columbia 

Gloria Swenson è una ex showgirl e attricetta 

di provincia. Si fa chiamare così in omaggio alla 

diva di Viale del tramonto, vive a New York in 

un anonimo appartamento. Durante una visita ai 

vicini, una famiglia di portoricani, viene a sapere 

che questi sono minacciati di morte dalla mafia 

locale. Sapendo di avere le ore contate, 

decidono di affidare a Gloria il loro figlio più 

piccolo, Phil. Di lì a poco i gangster 

stermineranno il resto della famiglia e si 

metteranno all’inseguimento di Gloria e del 

bambino. New York diventa così il teatro di un 

action movie dove Gloria è l’assoluta 

protagonista. Recuperando il suo passato di 

intrepida donna d’azione pronta a tirare fuori 

dalla propria borsetta il revolver, Gloria, che 

credeva di non amare i bambini (“Non li 

sopporto, specialmente i vostri!”, dice alla madre 

del piccolo Phil poco prima dell’affidamento), 

scopre l’amore materno, un sentimento che la 

spingerà fino all’estremo limite del sacrificio 

personale. Con Gloria John Cassavetes affronta 

un genere a lui poco consono come il gangster 

movie, ma già sperimentato, qualche anno 

prima, con L’assassinio di un allibratore 

cinese. Anche con Gloria il regista si allontana 

però dalle convenzioni del genere, proponendo 

uno spaccato di vita metropolitana certamente 

duro e violento, ma nel quale si inserisce una 

vicenda – il rapporto tra Gloria e il bambino – 

fondata sull’amore e sui buoni sentimenti. Un 

film impreziosito dall’uso sapiente della 

macchina da presa, manovrata da un Cassavetes 

che si dimostra degno dei migliori maestri 

d’azione. Scritto inizialmente per essere affidato 

ad altri autori, Gloria fu poi girato dallo stesso 

Cassavetes, che si rese conto di quanto il film 

calzasse a pennello per un’attrice (oltre che sua 

moglie) come Gena Rowlands. Il film fu 

presentato nel 1980 alla Mostra di Venezia, dove 

vinse il Leone d’Oro insieme ad Atlantic City di 

Louis Malle ed ha ispirato un remake, meno 

fortunato, nel 1999, interpretato da Sharon 

Stone e diretto da Sidney Lumet. L’edizione dvd 

proposta dalla Columbia presenta una versione 

del film eccellente, rimasterizzata sia nella 

traccia video, priva di qualsiasi 

artefatto, che in quella 

audio, dove il sonoro 

originale è stato 

rielaborato su cinque 

canali. Mancano 

purtroppo gli extra, un 

peccato per un film 

sicuramente ricco di spunti 

di interesse, presenti invece 

nella versione americana.

a cura di CHIARA BARBO 

FILMOSOFIA 

I grandi interrogativi 

della filosofia in 8 

film hollywoodiani 

di Giovanni Piazza, 

Gruppo Perdisa Editore 

Il libro di Giovanni Piazza, 

analizzando le trame di otto film 

hollywoodiani presi come esempi 

particolarmente significativi, 

scopre e rivela il pensiero di 

alcuni tra i più grandi filosofi di 

tutti i tempi, da Platone a 

Kierkegaard, da Cartesio a 

Schopenauer, fino a Nietzche, 

Kant e Heidegger. E allora, film 

diversissimi tra loro – che hanno 

come matrice comune il fatto di 

essere prodotti in un contesto di 

industria cinematografica qual è 

Hollywood, con le sue regole e i 

suoi meccanismi, e di essere stati 

grandi successi al botteghino al 

momento della loro uscita, e in 

molti casi anche negli anni a 

seguire – diventano una palestra 

ideale dove esercitare il pensiero 

filosofico e scoprire i grandi 

filosofi che si nascondono dietro 

le trame e i contenuti dei singoli 

film. Grandi classici come 

Casablanca e Nodo alla gola, 

una pietra miliare della storia del 

cinema come Blade Runner e 

ancora Ricomincio da capo, 

film innovativi e futuribili come 

The Truman Show, Matrix e 

Minority report e infine V per 

Vendetta sono i film analizzati 

in questo senso dall’autore. “Il 

problema della 

morale, il 

concetto di 

colpa o quello 

di libertà: lo 

scopo 

dichiarato di 

questo 

saggio è discutere alcuni quesiti 

senza tempo, domande talmente 

radicate nell’immaginario collettivo 

da essere presenti anche nel cinema 

di maggior successo”. Filmosofia è un 

libro curioso e insolito, un bel punto 

di partenza per chi vuole addentrarsi 

in discussioni filosofiche ma anche 

per curiosare un po’ tra le storie, il 

pensiero e i riferimenti di produttori, 

sceneggiatori e registi 

hollywoodiani. 

LA TERRA 

TREMA 

di Roberto 

Semprebene, 

Effatà Editrice 

Roberto 

Semprebene 

ricostruisce in questo 

interessante libro non 

tanto (o non solo) la 

storia della 

realizzazione de La terra trema di 

Luchino Visconti, dal punto di vista 

artistico e tecnico (sebbene rimandi, 

a questo proposito, a una ricca 

bibliografia), quanto piuttosto il 

contesto nel quale il film è stato 

pensato e quindi realizzato: “un 

affascinante enigma nel contesto 

Cinema di carta rubriche 

della storia del cinema italiano, un 

episodio sul quale sembrano aver 

influito in maniera determinante i 

rapporti intercorsi fra la politica e il 

cinema in un periodo particolare e 

molto delicato nella storia italiana: 

quello che dalla fine della Seconda 

Guerra Mondiale arriva agli inizi 

degli anni ’50”. Partendo da alcuni 

accenni al contesto storico e sociale, 

l’autore analizza poi il contesto 

giuridico e politico-istituzionale, le 

leggi sul cinema tra Fascismo e 

Prima Repubblica, e ancora 

l’influenza degli Stati Uniti, quella 

dei principali esponenti del Pci e la 

“battaglia delle idee” tra 

quest’ultimo e il mondo cattolico, 

fino a considerare quella che 

era invece la posizione della 

Dc e dei suoi esponenti sul 

cinema e rispetto allo stesso 

Luchino Visconti, passando 

naturalmente per alcuni 

cenni sul Neorealismo e 

per concludere con la 

documentazione relativa 

al film, i diari della 

lavorazione redatti da 

Francesco Rosi, 

testimonianze e 

riferimenti bibliografici, 

fino alle reazioni alla presentazione 

del film durante la Mostra di 

Venezia del 1948. 

VISIONI 

RETROSPETTIVE 

La storia nei film 

di Vito Attolini, 

Barbieri editore 

Come scrive Marc Ferro, “tra il 

cinema e la storia esistono molteplici 

interferenze: c’è la connessione fra la 

storia che si sta svolgendo e quella 

con la storia intesa come 

documentazione dei nostri tempi, 

come spiegazione del divenire della 

nostra società. In tutti questi casi il 

cinema interviene”. Ed è a un tema 

tanto complesso e fondamentale, sia 

nella teoria cinematografica che 

considerando l’essenza del cinema 

stesso – senza tralasciare il genere 

storico – che Vito Attolini dedica i 

suoi studi e la sua attenzione in 

questo volume. Il percorso parte da 

un’interessante 

premessa sul film storico, in cui 

l’autore esamina il mito della 

verità, la realtà reinventata, il 

rapporto tra passato e presente, 

per poi passare a un viaggio nel 

mondo antico, in cui considera 

miti e fantasy, eroi, storie e 

leggende. L’analisi va poi alla 

romanità nel cinema, con i suoi 

miti e le sue rappresentazioni, 

quindi a quella che definisce “età 

di mezzo”, ai cavalieri e le 

imprese, le pulzelle e le crociate, 

fino ad esaminare i modi della 

rappresentazione dei personaggi 

storici nel cinema italiano, e infine 

la narrazione al cinema dei 

sovrani svevi. Questo di Attolini è 

un bel viaggio nella storia 

attraverso film, autori, attori e 

personaggi, location reali e 

ricreate, attraverso storia, storie e 

leggende. 

WOODY ALLEN 

di Elio Girlanda e Annamaria 

Tella, Editrice Il Castoro 

L’uscita in sala di Basta che 

funzioni, ultimo film di Woody 

Allen e suo ritorno a Manhattan 

dopo varie peregrinazioni 

europee, è anche l’occasione per 

trovare in libreria l’edizione 

aggiornata e corretta del 

“castorino” su Woody Allen, 

monografia ormai celebre 

dedicata in questo caso al famoso 

regista newyorkese. Come di 

consueto, partendo dalla “A” di 

“amici” e “attore”, una rapida 

carrellata su alcune di quelle che 

sono le parole chiave per Allen e il 

suo cinema come comicità, 

ebraismo, inconscio, psicoanalisi e 

sesso, ci introduce ai numerosi, 

divertenti e divertiti capitoli che 

raccontano la vita, i grandi e i 

piccoli temi, le nevrosi, la 

genialità, i personaggi, le attrici, i 

luoghi, gli alter ego, i 

camuffamenti, insomma, il cinema 

di Woody Allen. Come di 

consueto, il racconto è 

inframmezzato dalle schede 

critiche e sinottiche dei singoli 

film, copiosissime nel caso di 

Woody Allen. Un’accurata 

filmografia e un’attenta nota 

bibliografica completano il 

volume. 


51

ubriche Mondo d’essai 

a cura di MARTA PROIETTI 

LIONELLO CERRI 

30 ANNI DI ANTEO SPAZIOCINEMA 

La qualità paga: parola del fondatore della sala d’essai per antonomasia di Milano, alle 

Un cinema dove, oltre a vedere 

film di qualità, poter incontrare i registi, fare 

un corso di recitazione, assistere ad una 

mostra, ascoltare un concerto, ma anche 

mangiare insieme agli amici in un ristorante e 

passeggiare in una libreria. Parliamo del 

cinema Anteo di Milano che, proprio 

quest’anno, festeggia i suoi trent’anni di 

attività. 

Fondato nel 1979 da Lionello Cerri, insieme 

ad altri soci, l’Anteo è nato con l’obiettivo di 

creare uno spazio polivalente nel quale far 

convivere, accanto alla “classica” proiezione, 

molte altre attività: dai concerti ai corsi di 

cinema e teatro, dalle mostre agli incontri 

con i registi. “Eravamo spinti – spiega Cerri – 

dal desiderio di condividere un progetto: io e 

i miei soci non eravamo figli di esercenti, ma 

spettatori occasionali e il fatto che a Milano, 

in quegli stessi anni, avessero aperto dei 

teatri “alternativi”, realtà polivalenti come 

l’Elfo, il Portaromana e il Ciak, ci ha fatto 

pensare di aprire un luogo analogo, ma 

dedicato interamente al cinema. L’idea era 

quella di far capire allo spettatore tutto 

quello che c’è dietro al “prodotto finito film”, 

dandogli la possibilità di frequentare un 

corso di sceneggiatura, piuttosto che di regia 

o di storia del cinema. Creare così una sala a 

misura d’uomo per dare allo spettatore la 

possibilità di andare al cinema come se stesse 

andando a casa di amici. Questa è stata la 

logica che ci ha spinti a portare avanti il 

cinema in una certa maniera, dando forza al 

prodotto, ma allo stesso tempo curando il 

rapporto con il pubblico, attività che ritengo 

complementare alla proiezione”. 

Seguendo questa strada, negli anni l’Anteo è 

divenuto in Italia un vero e proprio “caso” 

che è stato anche oggetto di studio da parte 

di alcuni studenti universitari. Nato come 

monosala, nel ’97 l’Anteo è stato trasformato 

in multisala con la creazione di due nuove 

sale. Nello stesso anno è stata ampliata la 


libreria, che era già presente nel cinema, ed è 

stato aperto, sempre all’interno della 

struttura, un ristorante che si chiama Osteria 

del Cinema. Quattro anni fa è stata aggiunta 

una quarta sala di 50 posti. Ma oltre che nella 

struttura, è nel rapporto costruito con il 

pubblico il punto di forza dell’Anteo che, 

all’anno, raggiunge i 300 mila spettatori. “Le 

persone che frequentano il nostro cinema – 

dice Cerri – sono facilmente riconoscibili. 

Potrei farne l’identikit. Circa due anni fa uscì 

un articolo sul Corriere della Sera in cui Lina 

Sotis scriveva in modo positivo proprio 

questo: lo spettatore che va all’Anteo si 

riconosce, ovvero veste in modo simile e parla 

anche nello stesso modo. Ed è vero”. 

In trent’anni di attività, sono diversi i ricordi di 

Cerri legati ad iniziative che hanno riscontrato 

una grande partecipazione di pubblico. “Ad 

esempio – racconta – quando l’Anteo era 

ancora una monosala, riuscimmo a portare al 

cinema, in un solo giorno, 12 mila spettatori: 

si trattava del ’94 e facevamo una proiezione 

ogni 20 minuti di un corto, realizzato da più 

registi italiani, contro Berlusconi. Quindici 

anni fa invece abbiamo proposto una serata 

dedicata alla “porno archeologia”, curata da 

Farassino e Sanguineti, e la via di fronte al 

cinema era piena di gente che avrebbe voluto 

entrare in sala, ma che non è stato possibile 

accontentare. Sono diversi i ricordi di questo 

tipo, tanto che uno dei nostri problemi è stato 

che spesso è girata la voce di non venire 

all’Anteo, soprattutto in alcuni giorni della 

settimana, perché non si riusciva ad entrare”. 

Tra le attività collaterali che funzionano 

meglio all’Anteo, Cerri ne cita in particolare 

alcune, come le schede sui film “che 

realizziamo da quando abbiamo aperto, ma 

vanno molto bene anche gli incontri con i 

registi, sia nazionali sia internazionali, che 

organizziamo circa due volte al mese. Per 

realizzare tutto questo, con me – spiega – non 

lavorano solo operatori e maschere ma ci 

sono cinque persone in ufficio che si 

occupano non solo dell’Anteo, ma anche 

dell’Apollo di Milano e dei cinema di Monza. 

Queste persone hanno il compito di 

“organizzare” il pubblico: c’è chi si occupa 

delle scuole, chi delle rassegne, chi dell’ufficio 

stampa e via dicendo. La logica nasce dal 

concetto teatrale di organizzazione del 

pubblico”. Per quanto riguarda la 

promozione di queste iniziative, sono diversi i 

canali utilizzati. “Abbiamo una mailing list di 

migliaia di persone a cui mandiamo tutte le 

informazioni sulle nostre attività. Abbiamo 

poi un sito Internet che è molto frequentato 

e ci segue molto anche la stampa”. 

Malgrado ciò, anche l’Anteo negli ultimi anni 

ha dovuto affrontare i cambiamenti del 

mercato. “Il pubblico – dice Cerri – dall’inizio 

della nostra attività è cresciuto in modo 

costante, ma è chiaro che negli ultimi anni 

abbiamo anche noi fatto i conti con una 

realtà diversa. Una volta a Milano eravamo 

solo noi a programmare un certo tipo di film 

che invece adesso esce su più schermi, anche 

nei multiplex. È ovvio che il pubblico di questi 

film non può aumentare a dismisura e di 

conseguenza anche la nostra resa è 

diminuita”. Per Cerri in questo momento, in 

cui si registra un numero elevato di chiusure 

di sale di città, è proprio nelle attività 

collaterali e nella qualità del servizio che si fa 

la differenza: “offrire un servizio sempre più 

slow food contro quello fast food dei 

multiplex. È su questo che si vince o si perde 

la partita”. 

Tra i progetti per il futuro, c’è la partenza di 

una collaborazione “con un istituto 

universitario importante di Milano – dice 

Cerri che però preferisce ancora non svelarne 

il nome – che prevede vari corsi, dalla 

scrittura del film alla storia del cinema, che 

saranno aperti agli studenti, agli insegnati, 

ma anche al pubblico”.

LA MAGNIFICA 

INVENZIONE 

Cineteca Nazionale, Milano 

Mentre il polo 

cinematografico milanese sta 

prendendo forma nell’ex 

manifattura tabacchi, anche la 

Cineteca Italiana si organizza per 

il trasloco. In viale Fulvio Testi si 

sono già trasferiti gli uffici, poi 

toccherà al Museo; più tempo 

richiederà l’allestimento 

dell’Archivio che necessita di 

ambienti adatti per la 

conservazione delle pellicole. Nel 

frattempo, anche per dare 

visibilità al rilancio della 

fondazione, parte delle collezioni 

museali saranno in mostra 

all’Area Metropolis 2.0 dal 3 

ottobre al 15 gennaio. “La 

magnifica invenzione. Rarità 

dalle collezioni del Museo del 

Cinema della Cineteca Italiana 

1895 – 1925” fornirà una preziosa 

occasione di visionare rari 

materiali dell’era del muto, in 

attesa della futura collocazione: 

bozzetti delle dive, cartelloni, 

oggetti e prototipi, fra cui il 

famoso Cinématographe 

Lumière. Per l’inaugurazione 

verranno proiettati un breve film 

datato 1909, esattamente 

cent’anni fa, che documenta il 

primo giro d’Italia e Cenere 

(1916) dal romanzo di Grazia 

Deledda, un classico diretto da 

Febo Mari, primo e unico 

lungometraggio interpretato da 

Eleonora Duse. La partitura e 

l’esecuzione al pianoforte di 

questo restauro sono curate da 

Francesca Badalini. Altra iniziativa 

promossa dalla Cineteca sarà il 

festival “Piccolo Grande Cinema”, 

al cui interno i bambini avranno 

uno spazio interamente dedicato 

(CineCineMondo), con proiezioni 

di prime visioni poi diffuse nel 

circuito culturale e laboratori di 

animazione, regia, doppiaggio 

tenuti da professionisti. Dal 15 al 

22 novembre a Milano (sede 

principale Spazio Oberdan), Sesto 

San Giovanni e in altre province 

lombarde dal 18 al 22. 

Detour 

a cura di UMBERTO FERRARI 

rubriche 

Rassegne, retrospettive ed ed eventi dal dal mondo delle delle Cineteche 

ENZO G. 

CASTELLARI 

Cineteca Nazionale, Roma 

Uno dei registi italiani di cui 

più si parla ultimamente, 

soprattutto all’estero, è Enzo G. 

Castellari: Inglourious Basterds di 

Tarantino è infatti un remake del 

suo Quel maledetto treno 

blindato (‘78). A fronte di uno 

zoccolo duro di appassionati che su 

di lui sa praticamente tutto, esiste 

però una buona fetta di pubblico 

che non lo conosce affatto. A 

entrambi, quindi, farà piacere 

(ri)vedere le sue pellicole alla Sala 

Trevi di Roma, dal 7 al 14 ottobre e 

lui in persona la sera del 13. Enzo 

G. Castellari è figlio d’arte (la G. sta 

per Girolami, cognome del padre, il 

regista Marino), e ha spaziato in 

quasi tutti i generi; come altri 

artefici dei B movies – dove B sta 

essenzialmente per budget, di 

solito abbastanza basso – ha 

dovuto sopperire alle difficoltà con 

l’inventiva e la perizia. Più di una 

volta ha importato in Italia 

tecniche e situazioni che venivano 

sperimentate con successo in Usa: 

lui stesso ammette di aver 

“copiato” i ralenti da tutte le 

pellicole di Sam Peckinpah, 

specialmente Il mucchio selvaggio. 

Lo split-screen – che lui chiama 

“polischermo” – usato in America 

alla fine degli anni ’60, l’ha 

impiegato astutamente nel 1970 

per La battaglia d’Inghilterra, 

inserendo immagini di repertorio 

con formato ridotto in un film 

girato in cinemascope, senza che 

nessuno se ne accorgesse. E nel 

1974, in contemporanea con Il 

giustiziere della notte, ha diretto Il 

cittadino si ribella, con Franco 

Nero. 

Con grande competenza tecnica, 

da vero artigiano, si interessa di 

ogni aspetto della realizzazione, 

dal lavoro degli stuntmen agli 

effetti speciali. Anche per 

risparmiare, nei suoi film ha 

sovente fatto uso di miniature e 

modellini: ne L’ultimo squalo (’80), 

a pochi anni di distanza da Spielberg, 

ha alternato le riprese di una copia 

meccanica a quelle di uno squalo 

vero, filmato in Australia da quattro 

macchine da presa, di cui una con un 

passo di 300 fotogrammi al secondo 

per un super ralenti. Oggi pure lui è 

fonte d’ispirazione. Oltre a Tarantino, 

qualche anno fa anche Sam Raimi, 

nel filmare il western Pronti a morire, 

ha ammesso l’influenza del suo 

western Keoma (‘76). 

JEAN-LUC GODARD 

Cineteca del Friuli, Udine- 

Pordenone 

«Girando un film non c’è nulla di 

tecnicamente impossibile, se uno non 

ci ha provato». Questa affermazione, 

apparentemente scontata, ha 

provocato una vera e propria 

deflagrazione nella cinematografia 

francese e di tutto il mondo, quando 

nel 1960 uscì Fino all’ultimo 

respiro, primo lungometraggio di 

Jean-Luc Godard, che ne fu 

l’applicazione pratica. Appena l’anno 

precedente si era affacciato alla 

ribalta il movimento della Nouvelle 

Vague, che attingeva energie dalla 

giovane critica dei Cahiers du 

Cinéma: con questo film si fece 

prepotentemente largo l’era 

moderna del cinema. Arduo ma 

stimolante esplorare la complessa 

personalità godardiana: una sfida 

raccolta da “Lo sguardo dei maestri”, 

XII edizione, tramite una 

retrospettiva dal 21 ottobre al 4 

febbraio 2010 al Visionario del 

Centro Espressioni Cinematografiche 

di Udine e al Cinemazero di 

Pordenone, in collaborazione con la 

Cineteca. 

Secondo la teoria della “caméra 

stylo” di Alexandre Astruc, Godard 

voleva affermare la totale autonomia 

di un autore nell’usare il mezzo 

filmico. Come in letteratura con le 

licenze poetiche, Godard andava 

contro la tradizione con particolari 

anomalie. Il suo stile è quindi 

segnato da una soggettività molto 

forte, libero, senza convenzioni, 

come i personaggi delle sue storie. 

Quasi a voler ricreare il linguaggio 

cinematografico ripartendo da 

zero, scandalizza i cultori del 

classico trasgredendo alla 

grammatica codificata: presenza 

“esibita” della cinepresa; punto di 

vista indipendente dal movimento 

degli attori che dialogano anche 

fuori campo; jump-cut (i falsi 

raccordi). In tutti i suoi film, riusciti 

o meno – Pierrot le fou, Questa 

è la mia vita, Il disprezzo, Si 

salvi chi può (la vita), Passion, 

Prenom Carmen sono alcuni fra 

quelli proposti – prosegue nella 

sperimentazione, e in ognuno 

aggiunge un tassello a questa 

de/ricostruzione. 

A ciò si aggiunga il rifiuto di una 

certa produzione istituzionale e la 

ricerca di una nuova identità 

estetica attraverso l’uso di 

attrezzature leggere, riprese per 

le strade, fotografia sporca, non 

elaborata. Come detto, Fino 

all’ultimo respiro è stato uno 

degli atti fondativi di questo 

nuovo modo di girare, anche se 

l’autore lo considerò più come la 

fine del vecchio cinema: una 

distruzione di tutti i vecchi principi 

più che la creazione di nuovi. Ma 

la versatilità di Godard non si 

esaurisce qui. Durante la sua lunga 

vita (compirà 80 anni l’anno 

prossimo) ha affrontato il cinema 

militante con l’esperienza del 

collettivo Dziga Vertov, la 

sperimentazione televisiva o 

quella sull’aspetto visivo come 

sintesi di autobiografia e memoria 

storica. 

I termini per questo cattivo 

maestro senza eredi si sprecano, 

ciò nonostante la sua produzione 

multiforme lo rende indefinibile. 

Proprio su questo rebus molti 

ospiti proveranno a confrontarsi a 

Udine il 5 e 6 febbraio, nel 

convegno internazionale di studi 

che concluderà l’iniziativa: storici e 

critici tra cui il francese André S. 

Labarthe ma non solo, anche 

esponenti dell’arte e della cultura 

che il regista, attraverso le 

molteplici potenzialità del mezzo 

audiovisivo, ha saputo esplorare 

come pochi altri. 

Prossime uscite 

30 novembre 2009 

2 febbraio 2010 


ubriche Colonna sonora 

a cura di MARIO MAZZETTI 

Ennio Morricone 

BAARIA 

(RTI) 

In attesa della colonna sonora 

completa a firma del grande Ennio 

Morricone, la Medusa ha pubblicato 

con Electa il bel volume fotografico 

realizzato da Marta Spedaletti e 

Stefano Schirato, con interviste di 

Gianluca D’Agostino, che include sei 

brani della colonna sonora. Pur 

conoscendo la predilezione di 

Tornatore per composizioni corpose, 

avvolgenti, a effetto, con Morricone 

non si finisce mai di stupire: già la 

lunga Sinfonia per Baaria esibisce 

una varietà di fughe, crescendo, 

sospensioni, vocalità etniche per 

illustrare una Sicilia arcaica. 

Convincono e coinvolgono 

soprattutto Ribellione (una danza 

barocca dall’incedere solenne, tra 

percussioni e fiati, che riprende il 

tema di Allonsanfan, Rabbia e 

Tarantella)e Un gioco sereno (a sua 

volta sembra emanare dai film di 

Elio Petri). 

Le note in Mostra 

Uno sguardo all’ultima Mostra del Cinema veneziana dal punto di vista delle musiche e delle canzoni che hanno 

arricchito film e documentari, dalla partitura di Morricone per l’ultimo Tornatore alle romantiche vette degli archi 

che accompagnano le struggenti sequenze di A single man di Tom Ford (ben due compositori: Abel Korzeniowski 

e Shigeru Umebayashi preso in prestito da Wong Kar-wai), dall’inaspettato Sakamoto che contribuisce a dare 

profondità con pochi ma sapienti tocchi a Women without men dell’iraniana Shirin Neshat alla ballata acustica 

che riprende il titolo dell’applaudito Life during wartime di Todd Solondz (nei dialoghi viene citata Joni Mitchell, 

alla quale chiedere “preziosi consigli”), dall’umorismo tagliente della canzoncina dei penultimi (At least we’re not 

Detroit) nel film di Michael Moore alle canzoni funzionali alla trama de La doppia ora (In between days dei Cure) 

e Lo spazio bianco (Nina Simone e Call me dei Blondie su cui si scatena la Buy sui titoli di testa). Nicola Piovani 

contribuisce a rendere la valenza popolare del film sul ’68 di Placido (e del Tris di donne di Terracciano), accanto a 

canzoni senza tempo come Suzanne di Cohen, mentre Marco Filiberti ne Il compleanno non può che virare su arie 

di tragica intensità (melodramma oblige), salvo sfondare i timpani con Maledetta primavera della Goggi durante 

una scena di onanismo. Fa piacere ritrovare Rolfe Kent nel film con McEwan e Clooney The men who stare at 

goats, mentre è più elettricamente introspettiva la partitura di Valerio Vigliar che accompagna l’intenso Good 

morning Aman di Noce. Un best of di Pivio & Aldo De Scalzi come commento ad alto volume del bel doc 

Hollywood sul Tevere di Marco Spagnoli; spensieratezze pop anni ’50 e ’60 accompagnano il complesso Mr. 

Nobody di Jaco van Dormael, accanto a sempreverdi come Sweet dreams. E se il doc sul femminismo in un’Italia 

ormai remota Ragazze la vita trema emoziona al suono dei classici di PFM, De André e Nada tra gli altri, il livello 

musicale decolla con le maestosità del compositore John Adams, sovente accostato a Steve Reich per la struttura 

minimalista, nell’ambizioso Io sono l’amore di Guadagnino e, sul fronte soul/r’n’b in quel gioiello altamente 

commestibile che è Soul kitchen di Fatih Akin. Pezzi da 90 musicano Il cattivo tenente (Mark Isham), The road 

(Nick Cave & Warren Ellis) ma anche i doc Deserto rosa (Franco Battiato) e Negli occhi (Pino Daniele). Ma i vertici 

musicali la Mostra li ha raggiunti con due opere di Orizzonti, due doc d’autore di invidiabile fattura: l’immersione 

del grande Frederick Wiseman ne La danse – Le Ballet de l’Opéra de Paris, due ore e mezza tra fatica delle 

prove e incanto della rappresentazione di balletti di ogni stile ed epoca, da Petipa a Preljocaj alla Bausch con il 

meraviglioso corredo delle musiche di Chaikovskj, Bach, Berlioz... E che dire di The one all alone, con cui 

l’olandese Frank Scheffer prosegue la divulgazione dei più significativi compositori del ‘900, Zappa incluso? Con 

immagini di rara potenza espressiva, un montaggio fluido di interviste, foto e repertorio vengono rievocate la vita 

e le opere dello “scienziato pazzo” Edgard Varèse, genio musicale teorico del “suono organizzato”, illustrato da 

colleghi, allievi o direttori d’orchestra mentre scorrono le creazioni che hanno rivoluzionato la musica classica. Un 

viaggio musicale di grande fascino, a suggello d’un’edizione della Mostra che ha gratificato (anche) l’udito. 


Artisti vari 

INGLOURIOUS BASTERDS 

(REPRISE/WEA) 

Quanti film in una sola colonna 

sonora... Da divoratore di cinema 

qual è, Tarantino continua ad 

utilizzare brani di film altrui, 

compositori di culto a cominciare da 

Morricone (era presente 

all’anteprima nazionale di Bastardi 

senza gloria e Tarantino l’ha 

omaggiato con tutta la riverenza 

possibile) di cui saccheggia tra gli 

altri La resa dei conti, Revolver, il 

già citato tema di Allonsanfan.E 

poi Un dollaro bucato (di Gianni 

Ferrio), Slaughter l’uomo mitra, 

Cat people (David Bowie che rifà se 

stesso), McKlusky metà uomo 

metà odio (già in Kill Bill), La 

battaglia di Alamo... In poco più di 

mezz’ora alcuni dei brani che 

arricchiscono le atmosfere 

dell’avvincente, fantastorico 

makkaroni kombat. La compilation è 

meno cult di Pulp fiction ma molto 

efficace. 

Artisti vari 

TAKING WOODSTOCK 

(RHINO) 

La commedia di Ang Lee sul 

“dietro le quinte” della madre 

di tutti i raduni rock non può 

non attingere alle perle di 

Richie Havens, Crosby Stills & 

Nash (Wooden ships degli 

Airplane, presenti in proprio 

con l’inno Volunteers) e una 

fitta schiera di esecuzioni live di 

Janis Joplin, The Band, Canned 

Heat (Going up the country, 

splendida), Arlo Guthrie, 

Grateful Dead, Country Joe 

McDonald: una spolverata di 

rock, blues, psichedelia anni ’60 

per fotografare (sia pure 

parzialmente, come sempre le 

antologie: mancano Who, 

Hendrix e tanti altri) lo spirito di 

un’epoca che ha segnato l’apice 

della creatività – e pazienza se 

non tutti gli artisti del disco 

erano a Woodstock, come nel 

caso dei Doors. 

Artisti vari 

500 DAYS OF SUMMER 

(SIRE) 

È sempre più frequente, da 

Juno in poi, che love stories 

contemporanee si avvalgano di 

classici del brit rock, una spruzzata 

di musica raffinata e rarità per 

intenditori: non fa eccezione lo 

score del film che ha aperto 

Locarno, con gli Smiths 

dell’immortale There is a light that 

never goes out e Please please 

please… (anche riletta da She & 

Him, alias la protagonista Zooey 

Deschanel); l’intensa Regina 

Spektor, Hall & Oates, Simon & 

Garfunkel e perfino Carlabrunì con 

la sua più celebre chanson; ancora, 

Doves, Black Lips, Feist in una 

compilation non banale, indie rock 

di buon livello. 

Elton John 

a Napoli 

Ancora turbato dalla morte del 

suo tastierista, è sbarcato a Napoli, 

a Piazza Plebiscito per un concerto 

gratuito della Piedigrotta ’09, quel 

mostro sacro di Elton John: 

pubblico osannante e composto, 

due ore e un quarto di voce e 

pianoforte che hanno incantato la 

foltissima platea, scorrendo un 

repertorio lungo 40 anni (almeno 8 

gli album mitici fino al 1975). Il 

concerto è stato aperto da The one 

e Your song per chiudersi nei bis 

con I’m still standing e un medley 

da Il re leone. Con la solita divisa 

eccentrica e le lenti scure con le 

iniziali di brillanti, il vecchio Reg ha 

esibito una voce superiore alle 

aspettative (niente più falsetti ma 

non perde una nota), robusti intro 

al pianoforte, una tecnica sempre 

sopraffina tra blues, gospel (Border 

song), honky tonk, ragtime (Bennie 

& the Jets, più bella in chiave one 

man band) e rock’n’roll: fan di ogni 

età a cantare a memoria le parole 

scritte per lui da Bernie Taupin: tra 

le perle della serata Rocket man, 

Philadelphia Freedom, Don’t let 

the sun go down on me e una ‘O 

sole mio prima solenne poi 

swingante, che “diventa” Song for 

Guy e infine Take me to the pilot: 

lui ci ha messo l’anima, il pubblico 

ha fatto il resto.

uona 

visione!Partner 

visione!Partner di oltre 3.000 cinema 

italiani, assicuriamo da più 

di 50 anni l’attività dei gestori 

di sale cinematografiche, 

con coperture specifiche realizzate 

in collaborazione con l’Agis e 

l’Anec. Incendio, furto, rapina, 

rottura di lastre, danneggiamento 

di pellicole, responsabilità civile, 

soluzioni complete per la tranquillità 

dell’esercente e del pubblico 

in sala. 

Noi di Zurigo estendiamo 

i nostri servizi alla persona dell’esercente 

di sale cinematografiche, 

alla sua famiglia ed ai suoi beni, 

con soluzioni assicurative e previdenziali 

su misura. 

Zurigo, oltre cent’anni 

di esperienza nel mondo, 

è presente in Italia con 

più di 600 agenti al servizio 

di oltre un milione di clienti 

ogni giorno. 

Zurigo Compagnia 

di Assicurazioni S.A. 

Piazza Carlo Erba, 6 

20129 Milano 

Tel. +39.025966.1 

Fax +39.025966.2603 

www.zurigo.it

PIETRO VALSECCHI 

PRESENTA 

Con il patrocinio 

Riccardo Scamarcio Jasmine Trinca Luca Argentero 

Direzione generale Cinema 

ilgrandesogno.msn.it 

11 settembre 2009 

UN FILM 

DI MICHELE 

PLACIDO 

PIETRO VALSECCHI presenta una produzione TAODUE – BABE FILM in collaborazione con MEDUSA FILM 

IL GRANDE SOGNO un film di MICHELE PLACIDO 

con RICCARDO SCAMARCIO JASMINE TRINCA LUCA ARGENTERO MASSIMO POPOLIZIO ALESSANDRA ACCIAI MARCO IERMANÒ MARCO BRENNO 

con la partecipazione amichevole di SILVIO ORLANDO e con LAURA MORANTE nel ruolo di ‘MADDALENA’ 

sceneggiatura di DORIANA LEONDEFF ANGELO PASQUINI e MICHELE PLACIDO fonico di presa diretta BRUNO PUPPARO 

costumi CLAUDIO CORDARO scenografia FRANCESCO FRIGERI musiche NICOLA PIOVANI fotografia ARNALDO CATINARI 

montaggio CONSUELO CATUCCI aiuto regia e casting FEDERICO GIORGIO RIDOLFI 

organizzatore della produzione LUCIANO LUCCHI prodotto da PIETRO VALSECCHI CAMILLA NESBITT regia di MICHELE PLACIDO 

In collaborazione con 

MEDUSA FILM 

federazione 

italiana 

cinema 

d’essai 

STUDIOVENTISEI

vivilcinema 5-09 ok def_Layout 1 - Fice

Create successful ePaper yourself

Delete template?

Save as template?