Berliner Zeitung 25.11.2019

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22 Berliner Zeitung · N ummer 274 · M ontag, 25. November 2019 ························································································································································································································································································· Feuilleton Refik Anadols Rauminstallation „Latent Being“ in der Halle des früheren Heizkraftwerks Mitte REFIK ANADOL STUDIO Der Sound der Großstadt Mit einer bildgewaltigen Raum-und-Toninstallation von Refik Anadol eröffnet die neu gegründete Kunststiftung LAS im Kraftwerk Mitte VonIrmgard Berner Angenommen, die Fassaden unserer Häuser würden plötzlich schmelzen. Vor unseren Augen sich verwerfen, zerfließen und mutieren. Die Dächer,Türme,Mauernwürden sich verbiegen und langsam in sich zusammensinken und verflüssigen zu einem krustigen Brei, der Berliner Dom, der Alexanderplatz mit Fernsehturm, Gründerzeitfassaden und ganze Straßenzüge Berlins würden sich in amorphe Massen verwandeln, um in anderer Form wieder aufzuerstehen. DerBeton, der Stahl, das Glas,aus dem sie gebaut sind, würden Schlieren ziehen, zergehen und sich nur noch als fluide Schlacke über Flächen breiten, als wären sie Gemälde, die sich vordem Betrachterauge immer weiter wandeln und verändern. Fiktion? Albtraum? Oder vielleicht doch ein mitreißender Traum? Auf einer überdimensionierten Lichtwand in der kathedralenhaften Halle des Kraftwerks Mitte passiert gerade genau das. Düster ist die Atmosphäre, dumpf dröhnen Bässe durch den Bau und lassen die weite Betonarchitektur vibrieren. Nach und nach stechen höhere Töne aus dem dunklen Klangmeer und mit ihnen rasen Lichtlinien durch das schwarze Umfeld –horizontal, quer, vertikal. Grüne, gelbe, weiße Linien zeichnen imaginäre Grenzen, während der Tonwie ein Herzschlag pulsiert. Plötzlich flitzen Tausende Bilder unter den Füßen hinweg –ein rasender Teppich aus Berlinbildern, der einen schwindeln lässt. Das sind mit die stärksten Momente in der 27-minütigen, überbordenden Raum-Bild-Zeit-Installation „Latent Being“ des türkischen Künstlers Refik Anadol. Sie mutiert von konkret zu abstrakt, von imaginativ bis magisch spielt sie mit den Mitteln der Kunst. Mansteht mittendrin und ist plötzlich selbst Teil der Show,weil die Maschine,die dies alles steuertund auswirft, so programmiertist –oder lernt sie? Vielleicht. Der Zauber jedenfalls wirkt, versetzt in Staunen, wenn plötzlich Suchscheinwerfer von ganz oben Rasterfelder auf einzelne Besucher werfen, sie leuchtend im Quadrat markieren und so zu Skulpturen machen. Fantastisch neue Welt, jeder ist hier eine Datensammlung – und dank Geocoding zugleich Datenspender. Denn in der Plastikkarte, die man beim Eintritt umgehängt bekommt, ist, ganz banal und doch etwas unheimlich, ein Chip versteckt. Dank Künstlicher Intelligenz generiert das Maschinenbewusstsein das Material für seine Träume aus allem hier –aus uns,aus dem Internet und für seinen Psycho-Sound aus den vielen Klängen, die diese Stadt rund um die Uhrerzeugt. Es ist eine vielschichtige, technologisch wie philosophisch komplexe Arbeit. DasEintauchen in die Dunkelheit wirdzudem zum sinnlichen Einstieg in ein Anliegen, das sich paradoxerweise dem Medium Licht verschrie- ben hat. Denn diese audiovisuelle Installation ist das Pilotprojekt einer neu gegründeten, gemeinnützigen Kunststiftung, die sich Light Art Space nennt, kurzLAS,und hier groß ihreerste Duftmarke setzt. Düster ist die Atmosphäre, dumpf dröhnen Bässe durch den Bau und lassen die weite Betonarchitektur vibrieren. Nach und nach stechen höhere Töne aus dem dunklen Klangmeer und mit ihnen rasen Lichtlinien durch das schwarze Umfeld – horizontal, quer, vertikal. DieStiftung versteht sich als Plattform für Kunst, Wissenschaft und Technologien, ihr Fokus liegt auf der Förderung zeitgenössischer Arbeiten, aber auch der Präsentation historischerWerkeimLicht-Kontext. Die erste Idee dazu wurde schon 2016 geboren, sagt Bettina Kames, Mitbegründerin und Leiterin des LAS-Teams. Der Ausstellungsort im Kraftwerk sei das Ergebnis der Raumsituation in dieser Stadt, eine permanente Wirkungsstätte habe die Stiftung in Berlin bislang nicht. Dafür aber visionärePläne für die Zukunft. So sei eine Arbeit aus Quantencomputing in Auftrag gegeben, man wolle ins Eis gehen, aber auch in die Wüste, nach Israel, und dort mit dem natürlichen Licht und mit Astrophysikern arbeiten. „Der interdisziplinäre Zugang soll den Blick weiten –sowohl auf die Gegenwart wie auch die Zukunft“, heißt es in der Erklärung. Begleitend würden in LAS+ Diskurse geführt. Zu ihren Netzwerken zählt LAS das Zentrum für Kunst und Medien in Karlsruhe, die Berliner Festspiele und den Gropius Bau. Ein internationaler Beirat aus Wissens- und Ideengebern bereichert das Team, mit dabei ist die Direktorin der Dia Art Foundation, New York, der Leiter des einzigen Museums für Medienkunst in China, Schanghai, sowie der Technologe und Kurator Ben Vickers von den Serpentine Galleries in London. Stifter und Mäzen von LAS ist der Münchner Unternehmer und Kunstsammler JanFischer. Er wolle der Kunst neue Impulse geben, sagt Refik Anadol, damit sie, wie das Medium Licht, in alle Richtungen strahle.Anadol schöpft seine Datenströme aus dem kollektiven Gedächtnis wie aus Erinnerungsarchiven .„Latent Being“ sei mit der Einspeisung von Bildern aus jeder anderen Stadt generierbar, sagt er. 1985 in Istanbul geboren, lebt Anadol inzwischen in Los Angeles. Als Artist in Residence bei Google wurde er von den neuen Technologien infiziert. Seitdem arbeitet und experimentiert er mit Künstlicher Intelligenz und neuronalen Netzwerken –und den „vier Dimensionen“, die er für eine begreifbare, ja magische Sinneserfahrung auf drei herunterbreche. Eskursiere zuviel Schlechtes in der Welt, dem wolle er etwas Positives entgegensetzen. Träume schaffen und die Fantasie beflügeln –den Impuls hat er gesetzt: als eine kraftvolle Anti-Dystopie. Kraftwerk Berlin Köpenicker Straße 70,Mo, Mi, Do 15–21 Uhr,Frund Sa 12–23 Uhr, So 12–21 Uhr,Digeschlossen. www.lightartspace.org Irmgard Berner ließ sich bei ihrem Besuch ins Staunen versetzen Momente unter der Haut „Kanon“: She She Pop und ihre Verschworenen pfeifen auf die Flüchtigkeit ihrer Kunst und blättern im Familienalbum der Theatererinnerungen VonJanis El-Bira Sich ans Theater zu erinnern heißt, dem eigenen Altern zubegegnen. Weil es keine Konserven überliefert, die den Geist vondamals wieder aus der Flasche zaubern könnten, bleibt seine Vergegenwärtigung eine trügerische Sache. Was uns wie gestern erscheint, ist oft schon fünfzehn Jahre her. Genau deshalb ist das Reden vom Gestern eine Lieblingsbeschäftigung unter Fans: Wo den Jüngeren kein materielles Erbe vorliegt, das sie selbst wiegen und prüfen könnten, da wirdim Theater eben kanonisch, worüber lange gesprochen wird. Als kompetent gilt, werviel zu erzählen hat. So gesehen haben She She Pop, längst selbst Säulenheilige unter den Performance-Kollektiven, mit „Kanon“ den perfekten Abend fürs erinnernde Foyer-Gespräch geliefert. Tatsächlich wird dieses schon gegen Ende dieser kurzenzweiStunden auf den Weg gebracht, wenn Sebastian Bark das Publikum auffordert, die Köpfe zusammenzustecken und sich gegenseitig vom schönsten Theatererlebnis aller Zeiten zu erzählen. Nur nennt sich das hier anders und ein bisschen beflissener: Das Unvergessliche soll heraufbeschworen werden, der geniale Moment, jene Arbeiten, die unbedingt „auf die Liste“ des Kanons gehören. Kostümbildnerin Lea Søvsø hat den Spielerinnen und Spielerndafür die Werke der Performance-Mütter und -Väter auf den Leib geschneidert. Getragen werden ikonische Arbeiten von Joseph Beuys, Isadora Duncan, Yoko Ono oder Valie Export –alles liebevoll gebastelt aus wallenden Roben und Pappmaché-Utensilien. Das Spiel, das „Kanon“ dann nicht mehr verlässt, geht so: Reihum berichten die Performenden von vergangenen Theatermomenten, die sie seither unter der Haut tragen; vage Erinnerungen ziehen herauf, Kindergeburtstag im Uneinholbaren. Beschreibungen vonLicht und Dunkelheit, Menschen und Gerätschaften. Emsig wirdunterdessen im Hintergrund gewerkelt. Mit allem, was ihnen zu Händen ist, soll die be- HAU schriebene Szene so genau wie möglich nachgestellt werden. Am Schluss kommt mit der Frage „Wo waren wir?“ die Auflösung. Bei Christoph Schlingensief zum Beispiel, bei der Natural-Theatre-Company, Johann Kresnik oder Susanne Kennedy. Es ist ein Familienalbum, in dem She She Pop und die ihnen Verschworenen blättern. Gemütlich wie ein Pub-Quiz zum postdramatischen Theater, dessen Begriffsprägung vor 20Jahren durch den Theaterwissenschaftler Hans-Thies Lehmann das HAU gerade mit einem Festival ehrt. Erkennbar geht es der Gruppe um das warme Herz des Performativen, das in seiner Offenlegung von Material und Konstruktion, Machern und Gemachtem oft mehr Identifikationspotenzial liefert als die bruchlosen Repräsentationstechniken klassischen Schauspiels. Schön ist das, wenn Sebastian Bark die gastierende Tänzerin Brigitte Cuvelier fragt, ob er wirklich seinen blanken Hintern zur Rasur hergeben muss,wie es die zitierte Szene aus Kresniks „Mörder Woyzeck“ verlangt. Er muss.Anderes dagegen, wie Schlingensiefs „100 Jahre CDU“, ersäuft in seiner Wiederbelebung als Kindergeburtstag im Uneinholbaren. Es fehlt an der Ambition, der Erinnerung mehr als einen Augenblick zu entreißen, das private Plaudern zu verlassen. Einmal nur, wenn Ilia Papatheodorou „Cinderella“ von Radikalperformerin Ann Liv Young nachgespielt haben will, wirdesunbequem. Da muss der vonder GobSquad ausgeliehene Sean Patten in einen Eimer pinkeln. Sein Urin wird anschließend, wie damals die Ausscheidung Youngs,imPublikum feilgeboten. Das leicht entschärfte Reenactment aber löst raschdie Fesseln, die Youngs Performance ihren Zuschauern damals anlegte. Der doppelte Boden des Spiels ist wieder eingezogen. Erinnern heißt eben nicht erleben. Kanon 25., 26.November, 20 Uhr, HebbelamUfer (HAU 2),Kartenunter Tel.: 25900427 oderhebbel-am-ufer.de
Berliner Zeitung · N ummer 274 · M ontag, 25. November 2019 23 ························································································································································································································································································· Feuilleton Frische Luft für Faust Das DSO unter Robin Ticciati mit Hector Berlioz VonClemens Haustein Fortsetzung des Französisch-Kurses, den Robin Ticciati dem Deutschen Symphonie-Orchester seit Beginn seiner Amtszeit als Chefdirigent vor zwei Jahren aufgebrummt hat. Er verläuft erfolgreicher als jener in historischer Aufführungspraxis, der vor einer Woche zu einer blassen Wiedergabe der drei letzten drei Sinfonien Wolfgang Amadeus Mozarts auf Darmsaiten und mit Naturhörnern und -trompete geführthatte.AmSonnabend in der Philharmonie geht es zu Hector Berlioz und dessen „Damnation de Faust“. Ein Komponist, für dessen Musik Ticciati ein tiefes Verständnis hat. Federleicht lässt er sein Orchester spielen, die Streicher verwenden nur sparsames Vibrato, die Bläser pflegen den luftigen Ton. Eine Durchsichtigkeit des Klangbildes stellt sich dabei ein, die auf ganz natürlich anmutende Weise die Instrumentationskunst des Komponisten herausstellt. Was da anVogelstimmen, Höllenposaunen, dumpfem Orgelton und gewitztem Streichergezupfe zu hören ist: Es ist so abwechslungsreich wie ein vielgestaltiger Roman. Eine „Dramatische Legende“ nannte der französische Komponist das Stück in seiner typischen Manier, die Genregrenzen zu verwischen, und Ticciati nimmt das epische Moment dieser „Legende“ sehr ernst. Dramatisch wird eserst ganz zum Schluss,wenn Faust in die Hölle und Gretchen in den Himmel fährt, begleitet vomseligen Klang der Harfen und vom Gesang eines Knabenchores. Zuvorlässt Ticciati erzählerische Gelassenheit walten. Mit traumwandlerisch anmutender Sicherheit findet er Tempi, die dem In-sich-Ruhen von Berlioz’ Musik gerecht werden, langsam genug, dass man den klangfarblichen Reichtum wahrnehmen kann, schnell genug, dass kein Eindruck von selbstverliebter Tändelei entsteht. Goethes Vorlage, der „Faust I“, der Berlioz so fasziniert hatte, dass er das Buch kaum zur Robin Ticciati und das Deutsche Symphonie-Orchester KAI BIENERT Seite legen wollte, hier wird erans Licht und an die frische Luft gesetzt. Starke Gesangssolisten fügen sich in das feine Bild: Allan Clayton als Faust mit einem Tenor, der mediterranen Schmelz mit der Differenziertheit eines Liedsängers verbindet; als Mephisto Alexander Vinogradov, ein schmal gebauter Resonanzriese, dessen Bass die ganzePhilharmonie zu füllen scheint, und der seiner Rolle doch die feinen Schattierungen zu verleihen vermag, die es zur Darstellung mephistophelischer Ironie und Zynik braucht; Karen Cargill als Margarete kann es mit voluminösem Mezzosopran mit Vinogradovs Mephisto aufnehmen, in ihrem Sinn für ariose Eleganz folgt sie Allan Claytons Faust. DerRundfunkchor Berlin wirkt ungewohnt unterbelichtet, im Zusammenwirken mit dem Orchester hakelt es, die Knaben des Staatsund Domchores verleihen der Himmelfahrt Margaretes güldenen Glanz. Nur einer von sehr vielen Traummomenten an diesem Abend. Essenz in Zement „Hekabe“ im Deutschen Theater: Stephan Kimmig friedet das Drama der Troerinnen ein VonUlrich Seidler Die klassische Musik ist gefangen in der Konzertsituation. Vorn sitzen die Leute an den Instrumenten hinter ihren Pulten, im Saal die disziplinierten Zuhörer. Das gilt einerseits als langweilig und elitär,andererseits scheitern die Versuche, dieser Situation zu entrinnen, oft kläglich. Hinzufügungen oder Änderungen am Arrangement werden als Kokolores kritisiert, der vom Eigentlichen, vonder Essenz einer solchen Veranstaltung ablenkt −der Musik. Im vergleichsweise freien Schauspiel stehen dagegen die Grundabmachung und die Spielregeln jedes Mal neu zur Diskussion. Nun hat der Regisseur Stephan Kimmig im Deutschen Theater „Hekabe“, einen Abend über Trojas Frauen, ausdrücklich als „Konzert“ inszeniert. Die Vorderbühne ist mit hellen Holzwänden hermetisch abgeteilt. DiedreiSchauspielerinnen − Vertreterinnen dreier Generationen: Katharina Matz, Almut Zilcher und Linn Reuse −sowie als männliche Gegenstimme Paul Grill stehen hinter Notenpulten vor aufgeklappten Klemmmappen. Singen werden sie nicht, sondernsie denken, lesen nur selten ab,sprechen und blätternum. Manchmal erstarren sie, gehen ein paar Schritte in die Tiefe oder drehen sich weg. Manchmal glitzert ein sadistischer Funken in den Augen und manchmal schließen sie sich im Schmerz. Oder es wirdein unerträglicher Gedanke brüllend oder lachend ausgeschieden. Nach dem Krieg Es soll also technisch und trocken bleiben und essenziell werden an diesem Abend. Das Drama soll sich in Klang und Sinn der Rede entfalten, in der Partitur,nicht, oder nur rudimentär, imSpiel, im Arrangement. Auch die Identifikation mit den Figuren soll keinen individuellen Halt bieten, die Rollen wechseln wahllos. Mit zumeist rhythmisierten Texten von Homer und Euripides wird das erzählt, was der Heldengeschichte von der trickreichen Einnahme Trojas nach einem zehnjährigen Gemetzel folgt, wie die griechischen Sieger mit den Feinden umgehen, wie sie die Mauern Trojas schleifen, wie sie Beute machen, wie sie die Frauen vergewaltigen, versklaven, entführen und wie sie in Furcht vor später Rache Säuglinge ermorden. Es soll das Drama der Geheiligt sei die Partitur! Almut Zilcher,Katharina Matz und Paul Grill (v.l.) Hekabe.ImHerzen der Finsternis,nach Homer/Euripides Regie: Stephan Kimmig Bühne: Katja Haß Kostüme: Anja Rabes STAB, BESETZUNG UND TERMINE Es spielen: Paul Grill, Katharina Matz, Linn Reusse und Almut Zilcher Musik, komponiertund live gespielt: Michael Verhovec ARNO DECLAIR Vorstellungstermine: 28. Nov.,4.,7. Dez., 20 Uhr; 29. Dez., 19 Uhr Karten: Tel. 28441225 oder:deutschestheater.de Es gibt nichts Gutes, außer man sieht es Dulderinnen erzählt werden, die,damit es ihr Drama werden kann, zu Handelnden werden müssten. Die also die Macht über ihreerst vonden Griechen zerstörte und dann umgedeutete Lebensgeschichte wieder an sich reißen wollen −vielleicht ist das ja die tief in die Seele eingeschriebene Funktion von Rache, die doch so widersinnig erscheint, weil sie die Gewaltspirale nur immer weiter eskalieren lässt. Nach den Worten Vielleicht − jetzt sind wir wieder bei der Inszenierung − istdas der Grund, warum Kimmig den dramatischen Saft abklemmt, ausgerechnet wenn die Frauen mal dran wären. Die weiblichen Figuren sind stark, aber vonalters her doch zu Passivität verurteilt: Andromache, die mitansehen muss,wie Odysseus ihren Säugling töten lässt. Kassandra, die den Gott Apollon verschmähte und deshalb zur Prophetin wird, der keiner Glauben schenkt. Polyxena, die über dem Grab von Achilleus geschlachtet wird. Und Hekabe, die fünfzig Kindern das Leben schenkt und alle im Krieg verliert. Für den jüngsten, Polydor,der in der Obhut eines habgierigen thrakischen Schutzherrn stirbt, nimmt sie Rache. Wird dann aber von den Griechen mit Steinen beworfen und verwandelt sich zu einer schwarzenHündin. In dem Moment, in dem sie von der Trauernden zur Wütenden wird, sich zur Handelnden ihres Dramas emanzipiert, nimmt ihr der Mythos die Sprache.Sohatte es Kassandra ihrer Mutter vorhergesagt: „Nur weil du glaubst, du bist am Ende,/ Ist esnoch lange nicht vorbei./ Es gibt ein Unten, unter allem, für das/ Die Worte fehlen. Dann kommt Knurren.“ Oder es kommen dumpfe, wabernde, schlagende, schluckende, singende Klänge, die der Musiker Michael Verhovec mit Schlegel, Bogen, Händen und elektronischerVerzerrung an seinem mit Nägeln gespickten Tisch live generiert. Ausgerechnet diese illustrativ atmosphärische Musik lenkt neben ein paar knalligen Lichtwechseln bei diesem „Konzert“ von der Essenz ab, friedet sie ein im artifiziellen Rahmen. Vorgeführt wird indiesem theaterfeindlichen Versuch die −imProgrammheft klug kritisierte und beklagte −Machtlosigkeit der Frauen und der Kolonialisierten. Manwohnt frierend einer Zementierung bei, wo ein Ausbruch gut getan hätte. Die beste Berliner Kinderoper seit langem: Andersens „Schneekönigin“ in der Tischlerei der Deutschen Oper VonClemens Haustein Joooo! Noch hundert Meilen!“ ruft das Rentier, wenn es von Gerda mal wieder gefragt wird, wie weit es denn noch ist bis zum Palast der Schneekönigin. Hundert Meilen, und noch einmal hundert, und noch einmal. Das Rentier (der Tubist Jack Adler-McKean mit plüschigem Geweihhelm) bläst derweil in sein Instrument, dass es röhrt, und freut sich scheckig, wie es nun nach Norden geht in die heimische Kälte. Gerda (Larissa Wäspy) aber will Wärme bringen, wohin es ihren Freund Kay verschlagen hat: zur Schneekönigin mit ihrer eisigen Vernunft. Ein Glassplitter im Auge und einer im Herz haben Kayverzaubert. Gerdawurde ihm plötzlich zur dummen Gans,dieWelt als Ganzes erhielt –sosteht es auch im Original von Hans Christian Andersen –die Anmutung von „gekochtem Spinat“. Wie dem aggressiven Miesepeter helfen? Indem Gerda ihn dazu verführt, über sich selbst zu lachen. Gemeinsam prusten sie über den „gekochten Spinat“, die Schneekönigin Glitzernde Kälte in „Die Schneekönigin“ in der Tischlerei der Deutschen Oper. THOMAS AURIN spürt, dass ihr in diesem Moment die Macht über Kayentgleitet. Es ist eine neueWendung, die sich Regisseurin Brigitte Dethier und Librettist Christian Schönfelder hier ausgedacht haben. Bei Andersens „Schneekönigin“ waren es noch Gerdas Tränen des Mitleids, die die Rettung brachten. Psychologisch ist die neue Version auf Andersens Höhe: Kays böser Perfektionismus ist nicht denkbar ohne ein krankhaft überzogenes Selbstbild. So gelingt bei der Uraufführung in der Tischlerei der Deutschen Oper ein Abend, der Kinder wie Erwachsene zu begeistern vermag. Was ist hier nicht alles zu sehen: eine Blu- menkönigin, deren abgehobene Art als eine logische Facette ihres Hippietums erscheint, ein vor Glück dusseliges Prinzenpaar,das mit antiquiertem „Itzo“ und „Ihro“ sein zuckersüß höfisches Leben inszeniert, eine Räubertochter, die auf einer Mülltonne auf die Bildfläche geritten kommt. Brigitte Dethiers Regie ist vonüberbordernder Fantasie,Christian Schönfelders Libretto zeigt Lust am Spiel mit der Sprache wie Mutzur Poesie, und Samuel Penderbaynes Musik entfaltet ihre Kraft gerade in der Sparsamkeit ihrer Mittel. Fünf Instrumentalisten bewegen sich über die Bühne, neben den sechs Sängernagieren sie zugleich als Darsteller. Penderbaynes Musik pendelt dabei zwischen klassisch-romantischer Anmut, Jazz und Rock. Tatsächlich schwebt der aus Australien stammende Komponist über den Stilen, der Ausdruck wird universell wie die Botschaft dieser Schneekönigin-Version: Es gibt nichts rein Gutes und nichts rein Böses,eskommt darauf an, das Gute sehen zu können. WasOper für Kinder betrifft: in Berlin das Beste seit langer Zeit. Idylle als Labor „Drei Männer im Schnee“ im Kleinen Theater VonIrene Bazinger Natürlich wusste Erich Kästner, dass Geld allein nicht glücklich macht –oder unglücklich. Ein Kapitalismuskritiker ist er deswegen nicht geworden, oder doch?Waserin seinem Roman „Drei Männer im Schnee“ über Armut und Reichtum schreibt, ist gar nicht harmlos. Es kommt bloß freundlich daher und endet gut. Wegen des Geldes? Nein, trotz der Millionen, die hier nicht wegzuleugnen sind. Das Buch erschien 1934 in der Schweiz, weil die Nationalsozialisten Kästner ein Publikationsverbot erteilt hatten. Im Kleinen Theater in Friedenau hat Intendantin Karin Bares nun eine Adaption für die Bühne inszeniert. Der vorzüglich das ewige Kind gebende Matthias Freihof spielt den Millionär Tobler, der sich als mittelloser Schlucker verkleidet, um in einem Grand Hotel in den bayerischen Alpen das normale Leben kennenzulernen. UrsWerner Jaeggi schlüpft mit kokettem Verdruss aus der Rolle seines Dieners in die eines vermögenden Reeders und folgt ihm inkognito.Florian Sumerauer schließlich ist der arbeitslose Werbetexter Hagedorn, der den Aufenthalt im Hotel bei einem Preisausschreiben gewonnen hat. Die Herren freunden sich an, ohne dass Hagedorn weiß, mit wem er es zu tun hat, oder dass Hilde, indie er sich verliebt hat, in WahrheitToblersTochter ist …Selbst auf der schmalen Bühne funktioniert die Verwechslungskomödie ganz wunderbar und amüsiert mit hübschen Volten. Karin Bares begleitet das siebenköpfige Ensemble ganz nahe an der Vorlage entlang, um die Winkelzüge der Handlung auszuleuchten, die Pointen des gesellschaftlichen Durcheinanders zu genießen. Ob auf zierlichen Stühlen in der Lobbyoder im Liegestuhl vor dem verschneiten Bergpanorama, ob mit Sektglas oder Zipfelmütze, das thematische Spektrum entfaltet sich auch in der Reduktion und bewahrt durch die gepflegt-präzise Erzählweise sein systemkritisches Profil. Die Idylle zeigt sich als Labor, indem die sozialen Paradigmen und privaten Neigungen durchleuchtet werden. Und obwohl Tobler sich mit Freude in den Alltag der kleinen Lohnempfänger stürzt, lässt Matthias Freihof doch immer wieder durchblicken, wer für gewöhnlich den Ton angibt. Dann wirdseine gutmütiger Habitus plötzlich sehr frostig und die jovial angeraute Stimme so kalt wie die Eiszapfen in Toblers Mansarde. Geschickt und heiter wahrt die Aufführung die Balance zwischen Kitsch und Empörung, zwischen Träumereien vonder heilenWelt und Angst vor der harten Realität. Sie nimmt „Drei Männer im Schnee“ ernst, was dem schönen Spaß, den sie bereitet, nur noch erhöht. Drei Männer im Schnee 6.–8., 17.–19., 28.–31.Dezember, 22.–26. Januar, Kleines Theater,Südwestkorso 64 TOP 10 Sonnabend, 23. November 1 Tagesschau ARD 6,40 23 % 2 Stralsund ZDF 5,96 20 % 3 Wer weiß denn ...? ARD 5,56 20 % 4 Sportschau ARD 5,02 21 % 5 Der Staatsanwalt ZDF 3,76 13 % 6 Das Supertalent RTL 3,32 11 % 7 Sportschau ARD 3,07 16 % 8 heute ZDF 2,79 12 % 9 Tagesschau ARD 2,44 13 % 10 RTL aktuell RTL 2,43 10 % ZUSCHAUER IN MIO/MARKTANTEIL IN %
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