intervista su - Snowdonia.it

(GI)Ant Steps #28
Mahavishnu Orchestra (The)
the inner mountinG flAme (columBiA recordS,
AGoSto 1971)
“La fiamma che monta dentro” è quella del Mahavishnu
(“magnanimità divina”) John McLaughlin,
il predestinato. Basta dire che è lui a suonare la chitarra
in In A Silent Way, Bitches Brew, On the Corner
e che fu lo stesso Miles Davis a consigliargli di
intraprendere la strada da solista. Inner Mounting
Flame è un must delle musica contaminata, teoria
e pratica della quale saranno sempre ossessione
di McLaughlin, nelle varie travagliate incarnazioni
dell’Orchestra, e poi con Shakti, Santana, Di
Meola-de Lucia. Questo disco ha però la freschezza
dell’opera prima e, nonostante gli intrichi
della musica, una leggerezza irripetibile.
La chitarra di McLaughlin, autore di tutti i pezzi, è in
primo piano, il violino di Jerry Goodman, poi sostituito
da Jean-Luc Ponty, la doppia nell’esposizione
dei temi e contrappunta negli slanci solistici;
l’ambidestro Billy Cobham, anche lui in session
per il Davis elettrico, espone un batterismo spumeggiante
e che farà scuola. E’ la prima compiuta stesura
della grammatica jazz-rock-fusion, una progressività
che contamina modi e suoni rock con tocco e divagazioni
jazzistiche, grande attenzione per giochi di
accenti e controtempi, un occhio puntato anche su
certe forme della musica colta.
Meeting of The Spirits si basa su un arpeggio ostinato
che anticipa i King Crimson più scuri e cerebrali,
e così pure il suo solismo chitarristico lo Zappa
anni Settanta. Dawn è un’alba che profuma di
tramonto, inizia in punta di piedi per esplodere poi
solare. The Noonward Race è un prog-funk hendrixiano
col cuore in gola, con stop&go tagliati col
bisturi. A Lotus On Irish Streams è un gioiellino di
composizione, un pezzo quasi cameristico, un idillio
bucolico-fluviale dove emerge prepotentemente la
filosofia mistico-panteistica di McLaughlin. Vital Transformation
è un ultra-funk grassissimo con chitarra e
violino a sostituire i fiati. The Dance of Maya comincia
anche qui con memorie future dei King Crimson
più inquietati, con un incedere sinistro e sottilmente
tribale, per diventare poi un atipico rock-blues. You
Know , You Know espone un tema che è un capolavoro
di intensità melancolica, campionato non a caso
da Mos Def per quel suo capolavoro urban-soul
che è Kalifornia (i Massive Attack ne useranno
invece i ricami di tastiera e violino per la loro One
Love). Awakening è un frenetico prog-jazz-funk, praticamente
Hiromi Uehara trent’anni prima.
GABriele mArino
classic album rev
Jethro Tull
thick AS A Brick (chrySAliS, mArzo 1972)
Quando nel 1971 fu pubblicato Aqualung, molti, sia
tra i critici che tra i fan, lo interpretarono come un
concept album, nonostante Ian Anderson ed il resto
della band si affannassero a dichiarare il contrario.
L’inizio degli anni ’70 è, del resto, un periodo cardine
per l’evoluzione del rock, durante il quale questa
nuova forma di organizzazione del disco comincia
a manifestarsi chiaramente nelle intenzioni degli autori.
Ed è forse proprio questo il motivo principale
che ha spinto il pubblico a considerare tale un album
come Aqualung, contro lo stesso parere del
suo autore principale.
A sfatare ogni dubbio ci pensa la band stessa l’anno
successivo: quando viene pubblicato Thick As
A Brick, il cammino dei Jethro Tull appare segnato
nella direzione di una complessità strutturale precedentemente
solo accennata. Che Anderson abbia
seguito le indicazioni del pubblico? Di fatto, il quinto
album della band britannica, può essere considerato
il primo veramente legato alla scena progressive e
un concept album a tutti gli effetti. Questo questo
grazie a elementi inequivocabili che testimoniano
l’adesione ad un genere (il rock progressivo) che,
dopo un fase di gestazione durata qualche anno, si
avviava verso la sua codificazione. La forma di suite,
il cui utilizzo rappresentava una soluzione abbastanza
radicale al superamento della forma canzone, diviene
qui uno dei caratteri più evidenti della scelta
stilistica dei Jethro Tull.
Ma ad andare oltre la semplice raccolta di brani
non è solo la forma, ma anche il contenuto. Basato
su una sorta di falso letterario, Thick As A Brick è
presentato, a partire dalle note di copertina (nella
versione originale concepita come un fantomatico
quotidiano, il St. Cleve Chronicle), come un poema
scritto da un bambino prodigio, un certo Gerald Bostock,
premiato per il suo talento alla tenera età di
otto anni. Oltre alle notizie su Bostock, all’interno
del Chronicle è annunciata l’intenzione, da parte dei
Jethro Tull, di riprendere il poema dell’enfant prodige
per musicarlo. Come si può notare, già prima
dell’ascolto, la costruzione concettuale dell’album è
bella e pronta ad orientare l’ascoltatore verso un
approccio unitario al disco, invitando implicitamente
a far scorrere la puntina del giradischi senza mai
interrompere il “poema”, pena l’impossibilità di coglierne
la coerenza interna.
Dal punto di vista dei testi, il sarcasmo crudo e dissacrante
di Anderson, già sperimentato in brani irriverenti
e “scandalosi” come My God, trova spazio
necessario a costruire una denuncia anti-borghese
attraverso la narrazione di una storia, in parte autobiografica,
in parte riferita allo pseudo-autore, che
diventa metafora della vita umana nel mondo contemporaneo.
Sul versante, invece, strettamente musicale, il sound
dei Jethro Tull non si discosta molto dalla matrice
folk-rock-blues caratterisica della band sin dagli
esordi, anche se con delle differenze sostanziali,
rispetto ai lavori precedenti. Prima fra tutte l’uso
massiccio dei metri additivi (meglio conosciuti come
“tempi dispari”), molto diffusi, all’epoca, in ambito
progressive (per fare qualche nome: King Crimson,
Genesis, Yes, Gentle Giant). I cambiamenti
musicali seguono le strofe del testo marcandone
le differenze, spesso introducendo nuovi temi-guida,
usati in alcuni casi, per richiamare situazioni, soluzioni
poetiche e/o narrative, precedentemente accennate,
come nel caso del celebre arpeggio inziale,
che apre e chiude la suite.
Una sorta di continuità, dunque, e di corrispondenza
tra il testo e la musica, che conferma, ben al di
là delle premesse (cover, falso letterario, forma di
suite), l’intenzione di dare vita, intenzionalmente,
ad un lavoro che rispondesse alle nuove esigenze
espressive del rock, ormai abbastanza maturo per
provare a superarsi.
dAniele follero
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