intervista su - Snowdonia.it

na. I Never Said I Was Deep: più che una giustificazione,
una rivendicazione. Di cosa? Del diritto sacrosanto
di non prendersi sul serio, a partire da quella copertina
che rievoca lo straordinario Bowie senza bussola
di Lodger. Nondimeno, Jarvis è cosciente della
radicalità della sua mossa, per questo si tuffa nel gioco
fino al collo, quale che sia il risultato. In queste
canzoni c’è tutto quello che le parole “Chicago” e
“Steve Albini” - sì, è andato a registrare fino a lì,
con quello lì - possono evocare: distorsioni di carta
vetrata, bitume rock’n’roll, produzione all’osso. Praticamente
l’opposto del precedente Jarvis, se non
addirittura di This Is Hardcore; semmai, lo spirito
leggero e dissacrante è lo stesso di Relaxed Muscle,
il progetto electro-trash con Richard Hawley
(correva l’anno 2003) con cui Further Complications
condivide, probabilmente,
il fine: spazzare via
quella fastidiosa aura di
santità aleggiante intorno
al nome Pulp.
Niente di meglio allora
che l’elementare garagepop
di Angela, gli sgolamenti
della sguaiata title
track, il motorik di Pilchard, lo starnazzare Stooges
del sassofono in Homewrecker! (sarà perché in studio
è passato Steve Mackay?), i Sabbath travisati
funk di Fuckingsong, nonché una Caucasian Blues
che par voler fare concorrenza ai Black Lips. Epperò,
nonostante gli sforzi, alla fine il disco non riesce
a suonare come un - ruffianesco quanto volete -
arrembaggio all’indie americano. E non perché, in
fondo, cosucce come la solenne Slush, la decadente
Hold Still (il Bowie di metà ’70, senza troppi fronzoli),
gli spassosi e languidi strusciamenti disco alla
Barry White di You’re In My Eyes il loro debituccio
con i Pulp lo conservano sempre. Anche se in
tutta onestà questo non sarà il più riuscito dei suoi
album, la reale differenza sta ancora lì: personalità
(bastino testo e musica della citata I Never Said I Was
Deep). Quindi tranquilli, Jarv è sempre lui. Soltanto,
non si fa più la barba.
(6.8/10)
Antonio puGliA
Jeffrey lewiS - & the JunkyArd –
‘em Are i (rouGh trAde, Apr 2009)
Gen e r e: c a n t a u t o r i a l e ro c k
Non sempre capisco da dove arriva la dicitura antifolk
per Jeffrey Lewis. ‘Em Are I è un disco di
rock, un po’ folk, un po’ psichedelico, soprattutto
cantautoriale. Jeffrey Lewis è un cantastorie, niente
di più, e la musica è un supporto come gli altri; le sue
storie assumono qui delle note musicali come piano
di espressione, come altrove possono assumere i
suoi fumetti, o entrambe le cose allo stesso tempo,
come ben sa chi l’ha visto dal vivo. Queste piccole
narrazioni sono ormai condotte grazie una cosa di
cui non ci si accorge subito ascoltando Jeffrey, ovvero
il fatto di essere così navigato, così pieno di
mestiere nel fare queste cose; ormai Jeffrey Lewis
è un cantautore navigato, questo lo possiamo dire.
Il numero di dischi e il numero di anni di attività ci
danno ragione.
‘Em Are I è molto meno pervaso di quel “caordine”
(caos nell’ordine pop) rispetto all’altro disco
Rough Trade, City & Eatern Songs, che era decisamente
più eccentrico, forse lì sì anti-folk - ma
ricordiamoci che c’era la mano di Kramer alla
produzione. Epperò cresce con gli ascolti e piano
piano uno capisce che quelle che sembrano canzoni
molto semplici, molto poco complesse, molto
“piane”, in realtà contengono piccole sofisticazioni,
una costruzione molto particolareggiata, proprio
in virtù dell’esperienza di Jeffrey. La complessità si
manifesta esplicitamente forse solo in The Upsidedown
Cross, una mini-galoppata che ricorda Yo La
Tengo che si basa sul basso di Jack, il fratello di
Jeffrey, e si sviluppa poi in una melodia accorata e
in un passaggio abbastanza teso. Per il resto queste
sono canzoni semplicemente efficaci; e il fatto che
la perizia tende a sfuggire fa proprio parte della loro
efficacia. C’è insomma un’estetica che si oppone in
qualche modo al disco sopraccitato; ma in definitiva
va detto che probabilmente è quella di ‘Em Are I
la “vera” estetica di Jeffrey Lewis, che sembra sempre
cantare come se giocasse con uno stornello
su cui trarre piccole variazioni e costruire canzoni
standard; sembra sempre non affaticarsi per la costruzione
della canzone, non pensare troppo all’arrangiamento
ma seguire il modo in cui funziona la
“normalità”; invece non è proprio così e insomma
questo fa parte del suo personaggio.
Una accuratezza dietro a un’apparenza di approssimazione
che crediamo sia risultata interessante anche
agli occhi della Rough Trade. Come il fatto che
questo è un disco che cresce grazie a un elemento
che Lewis sa bene sfruttare, ovvero la dimensione
“affettiva” degli ascolti; il fatto che uno si possa affezionare
a queste piccole storie e a questi piccoli
ritornelli. Ascortarli subito e spesso e ricordarli
h i g h l i g h t
Scott mAtthew - there iS An oceAn thAt divideS… (SleepinG StAr,
mAG 2009)
Gen e r e: s o n G w r i t i n G , c h a m b e r po p
Si diceva l’anno scorso, a proposito del bel debutto omonimo di Scott Matthew, che teatralità,
pathos e una tensione palpabile lo animavano inconfondibilmente, tanto da farlo accostare alla
drammaticità di un Antony Hegarty e all’attitudine e alla voce del primo Bowie più cantautorale,
dalle parti di Hunky Dory, per intendersi.
Giunto al secondo disco, il cantautore australiano trapiantato a New
York conferma pienamente l’impressione positiva suscitata. Il sophomore
album dal titolo così chilometrico (There Is An Ocean That
Divides/And With My Longing I Can Charge It/With A Voltage
Thats So Violent/ To Cross It Could Mean Death) lascia
intravedere perfettamente la sua volontà di esprimersi sui temi
dell’amore, della perdita e del desiderio.
La base folk sulla quale si innestava un chamber pop abbastanza minimale
del Self Titled ora lascia il posto ad una maggiore ampiezza
strumentale e di arrangiamenti, lasciando inalterato il mood che caratterizzava
quell’esordio, vale a dire in buona sostanza l’espressività, ciò che ci ha sempre colpito
per esempio di Antony, Rufus Wainwright o Elliott Smith, il senso anche della fragilità e
vulnerabilità sottese in ognuno di noi ed espresse al massimo dell’intensità.
Musicalmente si oscilla tra ballad minimali, sia pur più arricchite negli arrangiamenti ed un chamber
pop composito tra fiati, archi, piano ed ukulele più che chitarra. Se prima si notava un senso
di sospensione e come dì incompiutezza nella musica di Matthew, ora tutti gli elementi sono
perfettamente bilanciati al loro posto. L’oceano e la lontananza che lo divide dai suoi desideri ed
aspirazioni, generando una tensione più che palpabile riesce ad arrivarci con tutta la sua forza.
(7.4/10)
tereSA Greco
dopo del tempo. Jeffrey non parla ai critici, parla ai
lettori. Che usano occhi orecchie e ascoltano la sua
fresca fantasia.
(6.9/10)
GASpAre cAliri
John foxx/roBin Guthrie -
mirrorBAll (metAmAtic, mAG 2009)
Gen e r e: d r e a m am b i e n t
L’incontro tra Robin Guthrie e John Foxx non si
direbbe poi così peregrino. Il dream pop dell’ex-
Cocteau Twins, e la sua successiva prosecuzione
solista strumentale essenziale non sono dissimili, se
ci si riflette, dai variegati percorsi di Foxx, tra techno
pop degli ultimi album, ambient e misticismo, si veda
la serie Cathedral Oceans. L’idea della collaborazione
tra i due è nata nel 2005 quando entrambi si
sono esibiti a un concerto di Harold Budd, con il
quale hanno lavorato in periodi diversi.
Mirrorball allora segna l’incontro tra le loro personalità
artistiche sospeso com’è tra musica da
“chiesa” in senso lato, permeata cioè del misticismo
non religioso che li contraddistingue evidentemente
entrambi e ambient. L’incontro tra i layer chitarristici
assai pregnanti di Guthrie, i riferimenti al canto
gregoriano, la moltitudine di stratificazioni sonore, il
cantato astratto di Foxx (non in inglese, bensì in un
linguaggio inventato che richiama il latino) ne fanno
un disco non facilissimo ma allo stesso tempo non
di difficile ascolto.
Evocativo ed etereo, Mirrorball si pone allora
perfettamente sulla scia delle ultime ricerche foxxiane
con in più la forte impronta musicale del sodale
Guthrie, un incontro a metà strada tra i due.
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