NN. 69/70 LUGLIO-AGOSTO/SETTEMBRE-OTTOBRE 2009

imane felicemente saldi all’interno della magica aura
che il periodo del neo-classicismo sa conferire.
Non poteva bastare la semplice imitazione degli antichi,
ovviamente. Si trattava, invece, di riappropriarsi del
significato più completo della parola classico, che da
sempre identifica concetti di purezza, di misura, di
stabilità, di ordine interiore che diano luogo ad
espressioni formali in grado di sfidare l’usura del tempo
e la contingenza delle mode. Il punto non era, quindi,
quello di riavvolgere su se stesso il tempo e di tornare
alla stagione aurea dei greci e dei romani, bensì di
appropriarsi dei segreti che erano alla base della loro
spiritualità e di tentare di dare loro una nuova vita con
la creazione artistica. Il ‘miracolo’ di Canova dovette
scuotere profondamente i suoi contemporanei, se già
nel 1816 Stendhal poteva asserire che lo scultore di
Possagno aveva “avuto il coraggio di non copiare i greci
e di inventare una bellezza, come avevano fatto i
greci”. Dove sta, allora, la grandezza di Canova, che ha
saputo rinnovare i fasti della classicità? Il saggio di
Paolucci termina con queste parole: “La pura forma
classica obbliga i corpi al luminoso dominio della idea,
ma sotto quel levigato splendore noi avvertiamo la
seduzione della carne, la pulsione del desiderio. Per
Canova l’Amore è il momento estatico che sospende il
tempo, annulla la storia e rende immortali. In questo
senso è un ineffabile mistero”. Canova, dunque, seppe
immaginare una vita vera per le sue sculture. Riuscì ad
infondere un alito al marmo e, pur esaltandone la
purezza, lo colorò di un vigore e di un’anima dai tratti
più diversificati. Principalmente quello dell’Amore, senza
dubbio, e la mostra di Forlì consente agli appassionati
di farsi rapire dal magistrale equilibrio con cui Canova
espresse il sentimento cardine dell’uomo, sospeso fra la
dolcezza terrena e l’idealità divina: Amore e Psiche che
si abbracciano, Amore e Psiche stanti, Adone e Venere.
Ma anche il senso della forza e del movimento che
seppe infondere in maniera straordinariamente
convincente nelle due statue dei lottatori Creugante e
Damosseno o nella leggiadra Ebe, di cui alla mostra si
possono ammirare sia la versione dell’Ermitage di
Pietroburgo, sia quella della Pinacoteca civica di Forlì,
esposte nella stessa stanza insieme, fra le altre, al
Mercurio volante del Giambologna: un vero tripudio di
aeree sospensioni che l’ottimo allestimento ha saputo
valorizzare al più alto grado. Questa sorta di sfida alla e
per l’antichità classica vide come principale avversario
di Canova Bertel Thorvaldsen, scultore danese dotato di
grandi qualità tecniche, più propenso a immergersi
nella severa concezione greco-latina e a riproporla
fedelmente - quasi un fantasma che riappare nostalgico
e senza dimora – che non a rielaborare la materia
mosso dal demone della creatività.
Nel saggio successivo, Canova: l’ideale classico tra
scultura e pittura, da cui trae il nome la mostra,
Fernando Mazzocca, analizzando le opere di storici e
biografi del Canova, quali Francesco Milizia, Faustino
Tadini, Melchiorre Missirini, concorda con essi quando
sostengono che la qualità della poetica canoviana sta
nell’ “esprimer le forme del corpo e unirvi il sentimento”
o, con riferimento alle statue in gesso dello scultore di
Possagno, che “questa parte della scultura è la prova
men equivoca della sua analogia con la pittura. Tranne
il colorito, il bassorilievo è un quadro”. O ancora come
lo scultore avesse osato sfidare la pittura (…)
“travagliandosi per ottenere il chiaro oscuro de’
dipintori, anzi l’effetto de’ colori della tavolozza”. A
corollario di questi tentativi critici dei contemporanei di
trovare un appiglio che riesca a definire lo sforzo
creativo di Canova per accostarsi alle bellezze dei colori
riportati sulle tele, noi uomini d’oggi potremmo servirci
di un’espressione in uso nel linguaggio cinematografico
e paragonare le sue sculture ad immagini
tridimensionali. Anche in questo caso, la mostra guida il
visitatore con accostamenti appropriati e convincenti:
fra i numerosi oli su tela di Francesco Hayez citiamo
l’Ajace d’Oileo, con cui l’allievo di Canova si raffrontò
con una statua omonima del maestro ora presente nel
palazzo Treves a Venezia, ma che nella sua possente
esposizione anatomica può bene ricordare anche
Creugante e Damosseno. Oppure alcuni ritratti di papa
Pio VII accostati al busto in marmo eseguito dal Canova
fra il 1803 ed il 1806. E fu proprio papa Chiaramonti a
voler sancire la fama dello scultore di Possagno,
nominandolo Ispettore generale delle Antichità e delle
Belle Arti del Vaticano, analogamente a quanto Leone X
aveva fatto con Raffaello: una doppia consacrazione
che la mostra ratifica accostando, al suo termine, gli
autoritratti dei due artisti accomunati in un destino
d’idealità classica.
Enzo Vignoli
- Conselice (Ra) -
RENZO VESPIGNANI TRA DUE GUERRE
Fino al 14 giugno è stato possibile visitare nelle sedi
della Chiesa del Pio Suffragio e del museo Civico delle
Cappuccine a Bagnacavallo (Ra) una mostra che, senza
retorica o timori di smentite, è da giudicare unica. Le
ragioni sono presto dette. Tra due guerre è il titolo dato
dallo stesso autore ad un ciclo che abbraccia un periodo
storico che non è il tempo in cui furono materialmente
dipinti i quadri, ma una delle epoche più distruttive
dell’umanità sulla quale Renzo Vespignani esercita, a
posteriori, una riflessione dura e straordinaria.
Nato a Roma nel 1924, l’artista ha in parte vissuto gli
anni che vanno dall’inizio della Grande Guerra alla fine
della Seconda Guerra Mondiale. È, pertanto, importante
capire che cosa l’abbia portato ad esporre la sua
testimonianza di sopravissuto circa trent’anni dopo il
termine di quegli eventi. L’intera serie dei dipinti fu,
infatti, eseguita tra il 1972 ed il 1975 e fatta conoscere
al pubblico alla Galleria d’Arte Moderna di Bologna in
occasione del trentennale della Resistenza, fra il 18
giugno e il 27 luglio 1975.
Lo stesso Vespignani ne parla come di “una storia per
immagini da Sarajevo a Norimberga”. Ma l’artista non
era uno storico, né, tanto meno, un cronista o un
autore di bozzetti che servissero ad illustrare riviste
specializzate. Lo sguardo di Vespignani si proietta molto
più lontano della pur terribile gravità di quegli anni,
proprio perché scava con implacabile profondità a
ricercare gli elementi di allora che si siano rivelati un
triste lascito ereditato dagli uomini venuti dopo o che,
addirittura, possano essere una tragica componente
della natura umana. È ancora Vespignani che, nello
scritto pubblicato la prima volta nel catalogo della
mostra di Bologna, si serve di espressioni che sembrano
OSSERVATORIO LETTERARIO Ferrara e l’Altrove ANNO XIII – NN. 69/70 LUGLIO-AGOSTO/SETTEMBRE-OTTOBRE 2009 81