Arte e Cultura - Instituto Votorantim

A cena contemporânea
Com o passar do tempo, no entanto,
a arte moderna sofreu um desgaste.
Por um lado, ela tornou-se tão experimental
que acabou por afastar-se
do público, que passou a achar suas
manifestações cada vez mais estranhas
e de difícil compreensão. Isso
aconteceu particularmente a partir
dos anos 60 e 70, em Nova York, para
onde se transferiu a vanguarda artística
dos centros europeus depois da
Segunda Guerra, e onde várias noções
modernas foram radicalizadas.
No movimento minimalista, criado
ali, o lema era “Menos é Mais”; a arte
não deveria ter autoria, nem passado
ou futuro, apenas a ação do momento
presente. “O que se vê é o que
se tem”, diziam os minimalistas. “Não
há nada por trás das formas.”
Em meio a isso, as pessoas sentiam
falta de histórias e da possibilidade de
serem arrebatadas de emoção pelas
obras de arte. Por outro lado, a noção
do novo, fundamental para a vanguarda,
também se tornou algo improvável,
sobretudo num mundo repleto de
informações e estímulos.
Com a mudança global que se delineia
a partir dos anos 80, torna-se mais
gritante ainda a necessidade de uma
modificação no conceito de arte. Mais
do que isso: torna-se necessário que a
arte se modifique para sobreviver. E é
aí que sai de cena a arte moderna e
sobe ao palco a contemporânea.
Para começar, a organização prévia do mundo entre
capitalismo e socialismo entra em colapso com o fim do
regime socialista soviético e a queda do muro de Berlim
(1989). As novas realidades políticas provocam um fluxo
geográfico internacional, fazendo com que os deslocamentos
humanos instaurem uma nova noção de identidade
e de nacionalidade.
A virtualização produz uma profunda modificação na
maneira como as pessoas se relacionam. A relação tempo
e espaço, que antes obedecia a uma proporcionalidade,
agora é instável.
Se os estímulos de informação proliferam sem limites
temporais ou espaciais, tornando-se muitas vezes excessivos,
a memória torna-se um bem maior. Para o cientista
russo e Prêmio Nobel, Ilya Prigogine, “o fim da humanidade
seria uma sociedade que perdeu sua memória”.
Prigogine aponta para uma valorização cada vez maior da
memória como um bem ao qual muitas pessoas terão
pouco acesso num futuro em que tudo é descartável.
A importância dada à moda, às aparências e à “atitude”,
aliada a uma tecnologia sofisticada de cirurgias,
implantes, aparelhos de ginástica e substâncias químicas,
além das possibilidades genéticas que se abrem
com os seqüenciamentos cromossômicos, fazem do
corpo um campo de experimentações futurísticas. A
busca pela originalidade, que caracterizava a vanguarda
modernista do século 20, é substituída pela atitude
de busca de reconhecimento, de celebridade. Transfere-se
o alvo das preocupações da produção para o produtor,
da obra para o autor.
Tanta coisa acontece rápida e simultaneamente que
afeta nossa capacidade de lidar com a memória, a
afetividade, o corpo, a identidade, enfim. Esses, então,
passam a ser os grandes assuntos a serem tratados
pelos artistas contemporâneos, espécies de radares de
seu próprio momento histórico. A arte abstrata continua
a existir, mas é na figuração, nas narrativas, nas
imagens ligadas à própria história de vida do artista e
às micropolíticas referentes ao mundo em que vive que
está o grande foco da arte contemporânea.
Se fosse convidada a reformular o ensino da arte no
momento contemporâneo, eu substituiria o estudo dos
movimentos que caracterizaram a era moderna por esses
grandes temas que acompanham a produção e o pensamento
dos artistas contemporâneos, permitindo que a
arte continue a fazer sentido e a ecoar nossa essência.
Trabalhando nos sintomas desse
cenário, grandes nomes internacionais
parecem confirmar essa tendência.
Cindy Sherman fotografa-se assumindo
identidades variadas. A francesa
Louise Bourgeois, com mais de 80 anos
de idade, é uma das mais radicais artistas
da atualidade, construindo universos
escultóricos que mesclam autobiografia
e erotismo. O norte-americano
Mathew Barney cria em seus filmes
uma mitologia miscigenada, misturando
tempos e espaços.
No Brasil, Adriana Varejão pinta fachadas
de azulejaria portuguesa sangrando
como se em carne viva, criando um
potente comentário sobre a história
colonial e seus rastros de sofrimento.
Ernesto Neto constrói com náilon, espuma
e enchimentos, verdadeiras metáforas
de nossos órgãos e peles.
Em meio a múltiplas possibilidades de
usos de materiais, espaços e tempos, a
arte contemporânea não separa a rua
e o museu. O coreógrafo Ivaldo Bertazzo
mescla tradições étnicas milenares com
o gestual urbano de crianças e jovens
de favelas brasileiras. O músico Naná
Vasconcelos utiliza com precisão sons
do corpo e voz de milhares de pessoas
e afirma que Vila-Lobos é um “genuíno
músico popular, já que consegue fazer
ecoar os sons do povo, ainda que de forma
sinfônica”.
Felizmente, a arte contemporânea
tem a liberdade de apontar suas heranças
e sua história sem precisar ir ao grau
zero da originalidade e está cada vez
mais infiltrada nas peles da vida. Assim
ela permanece pulsando.
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