Berliner Zeitung 15.10.2019

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20 Berliner Zeitung · N ummer 239 · D ienstag, 15. Oktober 2019 ························································································································································································································································································· Feuilleton In einer Welt aus Perücken und Schwall: Sosias (Joachim Meyerhoff, l.) und Merkur (Bastian Reiber) als sein Doppelgänger THOMAS AURIN Herrliche Nummern Aber es fehlt der böse Biss: Herbert Fritsch inszeniert Molières „Amphitryon“ in der Schaubühne VonDoris Meierhenrich Alles beginnt bei Herbert Fritsch mit der Musik. Das hat er oft gesagt. Im Grunde entsteht sein Theater überhaupt erst aus Rhythmus, Schwingung, Klang. Erst wenn die Körper der Spieler in eine Art Tanz abheben, ihr Sprechen in so etwas wie Singen, bekommt seinTheater Tiefe.Fritsch-Philosophie. Dass nun auch sein neuer Schaubühnen-Abend mit Musik beginnt, ist also nichts Neues.Was der Pianist Ingo Günther und die Marimba- Spielerin Taiko Saito diesmal aber gleich als Ouvertürevon den äußersten Bühnenrändern aus ins Spiel werfen, ist schon sehr besonders.Im Grunde eröffnet sie nicht nur die etwas frivole Molièresche Verwechslungskomödie „Amphitryon“, die dann folgt. Mit den erst leise anquietschenden, dann immer heftiger ratternden, rasselnden, dann melodisch schwingenden, schnellen, schönen, schiefen Sequenzen, die schließlich in Hauen und Stechen ihrer Instrumente übergehen, erzählen sie gefühlte zehn Minuten lang bereits alles, was dann knapp zwei Stunden lang noch ausklamaukt wird. Ein Schauermärchen-Sound für den Blick in eine tiefe Bühne,die in diesem Moment noch geheimnisvoll dunkel wirkt wie ein Bergwerk. Dann geht das Licht an und alles wird knallbunt. Die zehnfach geschachtelte Bühne bekommt Schicht für Schicht eine andere Farbe und aus dem Schacht wird eine papierne Spielfigurenkiste, auf der die auftretenden Moliere-Figuren ihre Bahnen ziehen. Vorund zurück schieben sie sich, von links nach rechts und umgekehrt, und natürlich geht es irgendwann auch durcheinander,aber im Großen und Ganzen spult Fritsch diesen leichtgewichtigen Molièreund seine überschaubare Handlung als Nummernrevue von Auf- und Abtritten schrill barocker Fassadenfiguren ab. Die aber können dabei –esgeht um Profilsucht, Super-Ich-Shows und Identitätsverlust – nach ihren eigenen Eingebungen richtig aufdrehen, sich krampfig verbiegen oder schlaksig entspannen, wie es gefällt. Letztes nutzt der Schaubühnenneuzugang Mit seiner klaren Artikulation und Wandlungskraft macht Meyerhoff schnell deutlich, was für ein Qualitätszuwachs er für die Schaubühne ist, auch wenn er im Körperbiegungsensemble Fritschs ein Außenseiter bleibt. Joachim Meyerhoff für seinen ersten Auftritt als Diener Sosias besonders geschickt. Nicht quer, nicht frontal – diagonal hoppelt er auf wie ein junges Fohlen, das in seiner rosaroten Legionärsuniform mit antikem Beschlag und barockem Rüschengefummel aussieht, als trabe in ihm der unschuldige Frühling selbst auf. Mit seiner klaren Artikulation und Wandlungskraft macht Meyerhoff schnell deutlich, was für ein Qualitätszuwachs er für die Schaubühne ist, auch wenn er im Körperbiegungsensemble Fritschs ein Außenseiter bleibt. Sosias ist der Diener des FeldherrnAmphitryon, dem es in diesem Stück schlecht ergeht. Denn Jupiter hat sich in all seiner göttlichen Lüsternheit einfach mal entschieden, Alkmene zu vernaschen, Amphitryons Gattin, zu welchem Zweck er dessen Gestalt annimmt. Gleiches tut der Götter-Diener Merkur mit seinem irdischen Pendant Sosias, nur dass er dessen Frau Cleanthis zu ihrer Enttäuschung unbeschadet lässt. Moliére mag, als er die Komödie 1668 am Hof Ludwigs XIV. präsentierte –erselbst spielte den Sosias –eine Parodie auf die launischen Gebaren seines königlichen Gönners im Blick gehabt haben. Fritsch nun interessiert inZeiten von Instagram und Twitter das Doppelgängertum als Lebensform schlechthin: das Kopieren vonPosen, Gesichtern und Stil-Oberflächen, in denen Ich-Überhöhung und Ich-Verlust Hand in Hand gehen. „Wer bin ich, wenn nicht ich?“ fragt einzig Sosias am ganzen Körper schlotternd, als Merkur seinen Platz einnimmt. Klingt banal, ist aber gestern wie heute von tragischer Tiefe. Denn Sosias bleibt der einzige in dieser Welt aus Perücken und Schwall, der zu ahnen scheint, dass hier noch etwas anderes abhanden gekommen ist als nur ein Platz. Etwas Inneres.Die„Amphitryon“-Gesellschaft aber, die ihre Identitäten längst in ein Patchwork aus Verhaltensoberflächen aus Pop, Film und Politik verwandelt hat, antwortet nur mit einer Kaugummimasse an ikonischen Gesten. Im Moment der schlimmsten Verwirrung flüchtet sie ins lockereMusical. Einige herrliche Nummern kommen dabei heraus: vor allem die beiden Frauen, Annika Meier als Alkmene und CarolSchuler als Cleanthis ziehen alle Register der Übertreibungskunst vom zickigen Schulhofmädchen zum melodramatischen Zara-Leander-Verschnitt. Dennoch ziehen sich die vielen, mittlerweile auch allzu bekannten Schreck- und Triumph-Choreografien diesmal zu lang, auch zu harmlos dahin. Denbösen Biss müssten sie wieder finden. Schaubühne wieder 15., 17., 20.10.,20Uhr, Tel: 890023 Eine umgekehrte Geschichte des mythischen Südens Eine Wiederentdeckung nach fast 50 Jahren: William Melvin Kelleys Roman „Ein anderer Takt“ VonMarkus Schneider Wir haben sie nie gebraucht. Wir haben sie nie gewollt. Wir kommen gut ohne sie klar.“ Mit diesen Worten reagiert der Gouverneur eines namenlos-fiktiven US-Südstaates in William Melvin KelleysDebütroman„Ein anderer Takt“ auf den Exodus der kompletten schwarzen Bevölkerung aus seinem Land. Es klingt wie ein Tweet Donald Trumps, der kritische Abgeordnete in die Herkunftsländer ihrerVorfahren zurückschicken will. Tatsächlich spielt der Roman im Jahr 1957, und geschrieben hat ihn Kelley 1962. Sein Plot ist knapp: Als Tucker Caliban, ein schwarzer Farmer in der Kleinstadt Sutton, eines Tages seine Äcker versalzt, die Tiere erschießt und das Haus in Brand steckt, um mit seiner Familie schweigend davonzuziehen, folgt ihm dominoartig die schwarze Bevölkerung. Im Original heißt das Buch nach einem Zitat des voluntaristischen Philosphen Henry David Thoreau „A Different Drummer“, und es wurde zu einer Zeit geschrieben, als die USA in der Tateinen neuen Beat spürten. Im Zentrum von „A Different Drummer“ steht jedoch nicht der Widerstand der Civil- Rights-Aktivisten gegen die rassistische Jim-Crow-Segregation in den Südstaaten der USA. Diese wird nur angedeutet, etwa wenn Tuckers greiser Großvater – zwei Jahrenach Rosa Parks’ Sitzplatzverweigerung –imBus entschläft, den Kopf gegen das Schild gelehnt, das die schwarze Abteilung im Bus markiert. Tuckers„neuer Takt“ baut auf Verweigerung. Anders als Shakespeares lauter, zotiger Caliban im „Sturm“ schweigt Tucker. Statt seiner lässt Kelley ausschließlich weiße Protagonisten erzählen. Wir lernen Tucker aus der Perspektivevon HarryLeland, einem armen Kleinfarmer wie Tucker, und dessen achtjährigem Sohn kennen, sowie jener von zwei Generationen von Willsons, den Großgrundbesitzern, denen die Calibans seit Sklavenzeiten treu gedient haben, bisTucker ihnen Land abkauft und sich selbstständig macht. Seine weißen Protagonisten zeichnet Kelley einfühlsam, mit entspanntem Hintersinn. Es handelt sich dabei, im Gegensatz zum Gros der Dorfbevölkerung, um Figuren, die der Gleichberechtigung gönnerhaft aufgeschlossen bis freundschaftlich begegnen, der alte Willson engagierte sich in seiner Jugend so- Eine BusfahrtinSouth Carolina zur Zeit der „Rassentrennung“. „Es gab –damals und eigentlich noch immer – ein literarisches Ghetto“, sagte Kelley 2012 in einem Interview, „in dem afroamerikanische Schriftsteller immer nur mit anderen afroamerikanischen Schriftstellern verglichen wurden. Aber mich mussten die weißen Kritiker mit Faulkner, Fitzgerald und Robert Penn Warren vergleichen.“ Kelley wurde für seinen Debütroman enthusiastisch zum literarischen Hoffnungsträger erklärt –um zum Ende des Jahrzehnts,nach einer Kurzgeschichtensammlung und drei weiteren Romanen, in der Versengar als Journalist flammend für die Gleichberechtigung, bis er deswegen den Jobverlor und –statt im Norden weiterzukämpfen –die Großgrundtradition der Familie übernahm. Kelley kehrt damit ironisch die übliche weiße Sicht auf afroamerikanische Figuren um, und er setzt sich über die Gewohnheit hinweg, die Werke schwarzer Autoren wie Richard Wright oder Ralph Ellison als Sozialkritik mit integrationistischem Horizont und als Ausdruck der sogenannten „black experience“ zu lesen. Kelley beschreibt, wenn man so will, die „white experience“. HANK WALKER kung zu verschwinden. Er selbst kam aus sehr integrierten Verhältnissen. 1937 geboren, Sohn eines Redakteurs der schwarzenNew Yorker Wochenzeitung Amsterdam News, wuchs er in einem italoamerikanischen Viertel in der Bronx auf und studierte in Harvard zunächst Jura, dann Literatur. In den 60er-Jahren war er Teil der Black Arts-Bewegung, sozusagen der künstlerische Flügel der Black-Power-Bewegung. Er lebte, enttäuscht vom Lauf der Dinge, inParis und Rom, und exilierte nach Jamaika. Nach seiner Rückkehr arbeitete er an Universitäten, bis er sich wegen eines Nierenleidens zurückziehen musste. Erst anlässlich seines Todes 2017 wurde „A Different Drummer“ wiederentdeckt und Kelley –zum Beispiel in einem großen Porträt im Magazin New Yorker, das nun in der deutschen Ausgabe als Vorwort nachgedruckt ist –zum „verlorenen Giganten der US-Literatur“ erklärt. Gerade mit dem Abstand der Jahrzehnte erkennt man nun gut das bittere Grinsen, mit dem Kelley das Psychogramm der Südstaaten entwirft und dabei die Riffs von Schuld und schlechtem Gewissen, von duldsamen Schwarzen und weißem Heroismus anstimmt, mit denen Autoren vonWilliam Faulkner bis Harper Lee deren Geschichte erzählen – ein Ort, wie es auch einer vonKelleys Protagonisten sagt, den man trotz des finsteren Erbes lieben möchte. Auch Kelley entwirft einen mythischen Süden. Am Beginn steht die Geschichte eines rebellischen Sklaven von sagenhaften Dimensionen. Er ist angeblich der Urahn des unscheinbaren und schweigsamen Tucker, und er wird wie ein Großwild von einem frühen Willson erlegt. Erzählt wirdsie mit tarantinoesker Detailfreude von einem greisen Südstaatengeneral, der als Dorfweiser die orale Überlieferung pflegt und gleichsam einen Chor von dumpfen Dörflern leitet. Zwischen „es wird jede Menge Arbeit und Land geben“ über„wer soll den Besen schwingen“ bis zu „keiner wirdmehr singen und tanzen und lachen“ schlägt die Verwirrung in Zorn um. UndGewalt. Dabei ist nur dunkel zu ahnen, dass der Exodus nicht einfach die Konflikte beendet –sondern die Erzählung, auf der ihr mythischer Süden beruht. William Melvin Kelley: Ein anderer Takt Ausdem Englischen vonDirkvan Gunsteren. Hoffmann und Campe. Hamburg 2019. 304 Seiten,22Euro
Berliner Zeitung · N ummer 239 · D ienstag, 15. Oktober 2019 21 * ························································································································································································································································································· Feuilleton Flucht aus dem Kanzleramt Simone Solga fand Asyl bei den „Wühlmäusen“ VonTorsten Wahl Die Ära Merkel geht ihrem Ende entgegen – und die Kabarett- Branche muss sich umorientieren. Simone Solga war seit 2005 als treue „Kanzlersouffleuse“ unterwegs. Doch jetzt endlich hat sie gekündigt und bittet um Asyl bei den „Wühlmäusen“. Siesei über die Neuköllner Balkanroute geflohen aus einem echten Krisengebiet, in dem nur noch Verzweiflung herrsche –dem Kanzleramt. Diese Rolle hat tatsächlich fast 15 Jahre lang gut funktioniert. Denn Simone Solga hat sich nicht, wie so viele Kollegen, über Merkel und Co erhoben, sondern sah sich als Mittlerin zwischen Publikum und Politik. Sie unterhielt mit originellen Einblicken in das Machtgefüge und versuchte zugleich, ihrer Chefin im Kanzleramt die Sorgen und Ängste des Volkes einzuflüstern. Mit dieser Haltung nähert sie sich Fragen wie „Gehört der Islam zu Deutschland?“ oder„Darfich noch fliegen?“, malt die Konsequenzen aus,die die Auseinandersetzung mit allen Spielarten des Islam mit sich bringt oder wie ein Land aussehen würde,dessen Bürger den Austausch mit der weiten Welt verweigern und stets im „Land der Funktionsjacken“ bleiben würden. Schwächen hat ihr Programm „Das gibt Ärger“ immer dann, wenn sie die Mittlerrolle verlässt und sich auf eine Seite schlägt, etwa die vegetarische Ernährung verhöhnt und die Leberwurststulle preist. Billige Lacher. Als sächsische Kabarettistin steht Simone Solga immer noch fast allein in der Szene: Sie ist in Gera geboren und wurde in Leipzig groß, debütierte bei der „Pfeffermühle“ und erlebte noch mit, wie Programme entweder zensiertoder komplett verboten wurden. Deshalb hat sie eine besondere Antenne für verordnete Sprachregelungen, etwa das aus ihrer Sicht absurde Gendern, wobei es sie besonders aufregt, dass ausgerechnet Sternchen malende Frauen ihr Vorschriften machen wollen. Sie selbst hat sich auch „Kanzlersouff- Entlastung durch Anbetung Umjubelte Premiere: „The Bassarids“ von Hans Werner Henze an der Komischen Oper VonMartin Wilkening Hans Werner Henzes Oper „Die Bassariden“ wurde 1966 für die Salzburger Festspiele geschrieben, für ein Theater mit riesenhaften Dimensionen und opulenter Besetzung, die im Orchester beispielsweise sieben Klarinetten verlangt. Die deutsche Erstaufführung fand bald darauf an der Deutschen Oper Berlin statt, die vergleichbare Aufführungsbedingungen bot. Wenn Barrie Kosky das Stück jetzt an der Komischen Oper (in der englischen Originalsprache) herausbringt, kann er zwar auf die im Orchester reduzierte Version zurückgreifen, die Henze1992 selbst erstellte,aber dennoch reicht der Platz nicht aus, um die durch Gäste vergrößerten Chöre und die Musiker unterzubringen. Die Lösung, die Kosky und der Dirigent Vladimir Jurowski anbieten, ist alles andereals kleinmütig. Im Orchestergraben sitzen an diesem Abend nur die Streicher und die Pauken. Die Bläser haben auf beiden Seiten der Bühne Platz gefunden, und an den vorderen Ränderndes Zuschauerraums sind weitere Instrumente aufgestellt. Trompeten eröffnen das Stück aus der Höhe des 2. Ranges.Wenn Chor und volles Orchester zu Beginn das Lob auf eine nur allzu bald zerbrechende Herrschaft anstimmen, scheint sich das ganzeTheater bis in die letzte Ritze mit Klang zu füllen. In der Musik wird sovon Anfang an unmissverständlich deutlich, auf was die Produktion auch als Ganzes zielt: die Aufhebung der Trennung vonBühne und Saal. Kult der Sinnlichkeit Agave (Tanja Ariane Baumgartner) mit Chorsolisten der Komischen Oper MONIKA RITTERSHAUS So bleibt die Saalbeleuchtung durchgehend an. „Ich will sehen“, diese Forderung treibt die Handlung des Stückes, das die Librettisten H. W. Auden und Chester Kallman nach den „Bakchen“ des Euripides schrieben. Es ist, mit seinen potenzierten Mutter-Sohn-Konflikten und der Suche nach einer Balance zwischen Triebhaftigkeit und Vernunft, auch unser Stoff. Undsositzen wir im Hellen, bis zu dem Schlusschor, indem sich nach dem grausig gescheiterten Keuschheitskult des Pentheus ein neuer Kult etabliert. Dessen Anführer ist Dionysos, der als Befreier erscheint, aber gleichzeitig nur einem persönlichen Racheplan folgte. Sein Kult der Sinnlichkeit verspricht Befreiung vom Sehen-Wollen, Entlastung durch pure Anbetung: „Wir sehen nicht, wir hören nicht:Wirknie’n und beten an“, singt jetzt der Chor, und Kosky lässt dazu schließlich doch noch die Saalbeleuchtung ausgehen. „Dionysos ist ein Schwein“, so lautete der provozierende Selbst- Kommentar des Dichters H. W. Au- Der Starre entkommen den auf einer Pressekonferenz anlässlich der Uraufführung. Weder Henze noch Kosky machen es sich so einfach. Henzes Musik liebt den Rausch, das Sinnliche, obwohl sie sich ihm nicht ungebrochen überlässt und einen großen Schmerz als Urgrund dieser Fluchten immer durchscheinen lässt. Vladimir Jurowsky lässt dieses Schillern zwischen Opulenz und verwundeter Süße einerseits und kantiger Schärfe und Aufsässigkeit andererseits in großer Differenziertheit aufleuchten, und es gelingt ihm, die Klangwellen immer wieder herunterzufahren, so dass der Einzelton, die Einstimmigkeit volle Intensität besitzt und die Masse nie undurchsichtig wird. Solch ein musikalisches Konzept spiegelt sich bis in das Auftreten der Chorsänger hinein, ja bis zu ihren Kostümen, mit geringen Variationen des schlichten Schwarz. Wie der Chor, immer in Bewegung zwischen Individuen und Masse, sich entfaltet und zusammenfaltet, das ist großartig gelungen, streng und frei gleichzeitig, unter Verzicht auf jede prätentiöse Bacchanten- Posiererei. Es sind Menschen, in denen die Zuschauer sich mühelos wiederfinden können. Verführung und Herrschaft Dass Kosky gerade diesem Stoff mit solcher Strenge begegnet, einem Totalverzicht auf alle wohlfeile Bühnen-Erotik, zeigt die Tiefe seines Blicks auf die Dialektik von Verführung und Herrschaft, die das Stück thematisiert. Und sogibt es weder aktualisierende Anspielungen noch simple Schwarz-Weiß-Zuordnungen, die den inneren Konfliktstoff nur verkleinern könnten. Konsequenterweise werden auch keine Requisiten eingesetzt, es bleibt ein Raum ohne Ablenkung, wie ein Oratorium, das sich selbst inszeniert. Undesgibt keine Pause,denn Henze hat seine Oper in vier Sätzen, nicht Akten, durchkomponiert. Die kleinen Eskapaden dieser Inszenierung stören deren Grundzug nicht. Teiresias ist genau das heruntergekommene Nervenbündel, als dass er vonAuden angelegt ist. Kosky und Jurowski haben auch das stilistisch leichtere, wie ein Spiel im Spiel angelegte „Intermezzo“ wieder eingefügt, das Henze später gestrichen hat, und die Jagd der Mänaden wird als eine ironisierend athletische Tanzeinlage gezeigt. Der Chor wie die Solisten singen hervorragend, allen voran der machtvolle Pentheus vonGünter Papendell und Sean Panikhars nuancenreicher Dionysos.Unter Vladimir Jurowkis Leitung gelingen ihnen und allen anderen spannungsvoll gesteigerte Rollenporträts,die Henzes dramatisch außerordentlich geglückte Vorlage restlos ausschöpfen. Über das schwierige Verhältnis der polnischen Machthaber zur Literaturnobelpreisträgerin Olga Tokarczuk Und viele Fragen offen Notre-Dame wird noch auf Jahre geschlossen bleiben Sechs Monate nach dem Großbrand in der Pariser Kathedrale Notre-Dame vom15. Aprilsind noch viele Fragen rund um den Wiederaufbau offen. Weder ist die Stabilität der gotischen Kirche vollständig gesichert, noch ist klar, in welcher Form sie restauriert werden soll. Sicher ist nur: Für Besucher wird das mehr als 850 Jahre alte Gotteshaus noch jahrelang geschlossen bleiben. Zwar konnte die Feuerwehr die Grundmauern und die mächtigen Glockentürme retten, aber die Hauptgefahr ist noch immer nicht gebannt: Das Gewölbe der Kathedrale könnte nach Angaben von Chefarchitekt Philippe Villeneuve nachgeben. Auf ihm lastet ein 500 Tonnen schweres Baugerüst, das durch das Feuer teilweise eingeschmolzen ist. Das Eisengerüst auf dem Dach von Notre-Dame war für Arbeiten an dem Spitzturm angebracht –der Turm stürzte bei dem Brand jedoch ebenso ein wie große Teile des Bleidachs. Die Sicherungsarbeiten dürften erst im Frühjahr kommenden Jahres abgeschlossen sein. Anschließend ziehen die Architekten Bilanz. Mit dem eigentlichen Wiederaufbau ist nicht vor2021 zu rechnen. In welcher Form Notre-Dame wiedererstehen soll, ist noch unklar. Zwei Lager stehen sich gegenüber: Traditionalisten gegen Modernisierer. Chefarchitekt Villeneuve schlägt vor, den eingestürzten Spitzturm identisch wieder aufzubauen –nach dem Vorbild des mehr als 90 Meter hohen Turms, den der Architekt Eugène Viollet-le-Duc im 19. Jahrhundert auf die Kathedrale setzte. Präsident Emmanuel Macron wünscht sich einen „kreativen Wiederaufbau“. Voninternationalen Architektenbüros gibt es bereits zahlreicheVorschläge.Der durch die Berliner Reichstagskuppel bekannte britische Architekt Norman Foster schlägt einen Glasturmvor. Das Ausmaß der Arbeiten dürfte frühestens im kommenden Jahr feststehen. Allein die Kosten für die Sicherungsmaßnahmen haben sich mit rund 85 Millionen Euro gegenüber der ersten Schätzung nahezu verdreifacht. Dies liegt vor allem an den Reinigungsarbeiten im Umkreis der Kathedrale,woinfolge des Brandes eine hohe Bleibelastung festgestellt wurde. Macron hat eine Wiedereröffnung bis zu den Olympischen Sommerspielen in Paris 2024 versprochen. Viele Experten halten dies aber für unrealistisch. (AFP) Hat den Bundesadler fest im Griff: Die Kabarettistin Simone Solga SMETEK/ REICHENBACH leuse“ genannt, nicht „Kanzlerinnen-Souffleuse“. Sie berichtet, öfter Probleme mit TV-Redakteuren zu bekommen, die ihr fehlende politische Korrektheit vorhalten. Doch anders als ihr sächsischer Landsmann Uwe Steimle, der mit verbalem Schaum vorm Mund gegen die Grünen hetzt und damit Säle füllt, arbeitet Simone Solga gegen die Polarisierung der Diskussionen an, spielt dies etwa in einem Dialog durch, der mit den gegenseitigen Beschimpfungen „Nazi-Schwein!“ und „links-grünversifft!“ endet. Dass sie besonders allergisch auf diese Freund-Feind- Schemata reagiert, dürfte von ihrer ostdeutschen Herkunft herrühren. Damals wurde jedem Kind verordnet, auf der richtigen Seite zu stehen und jede Abweichung vom Kurs galt als feindlich. Simone Solga zielt nicht auf die Selbstbestätigung, sondern schafft es, Positionen in Frage zu stellen, etwa die der eigenen moralischen Überlegenheit und damit stets recht zu haben. VonJan Opielka Als am vergangenen Donnerstag die Nachricht vom Literaturnobelpreis 2018 für Olga Tokarczuk über die Newsticker lief, müssen den Journalisten des staatlichen Fernsehsenders TVP die Köpfe rot angelaufen sein. Wie sollten sie kurz vor der Parlamentswahl die Würdigung der 57-jährigen Schriftstellerin darstellen, die mit ihrer durch Anti-Nationalismus durchtränkten Literatur eine stimmgewaltige Kritikerin der nationalkonservativen PiS-Partei ist? Sie entschieden sich für die Umarmung und zeigten Tokarczuks Nobelpreis als letzten Teil einer „Woche voller guter Nachrichten für Polen“. Garniertwurde der Bericht voneiner Einspielung von 2016, in der PiS- Chef Jarosław Kaczynski sagte: „Ich lese gerade Tokarczuks ‚Jakobsbücher‘, auch wenn die Autorin darüber überrascht sein mag.“ Dieses Bekenntnis mag in der Tat überraschen. Denn genauso wie die Schriftstellerin und Essayistin personifizierte Antipode zur national-traditionalistischen PiS ist, bildet auch ihr vielgestaltiges Werk einen Kontrapunkt zum engen Narrativ der Kaczynski-Formation. Wo diese etwa das reine Heldentum der Polen während des Zweiten Weltkriegs anpreist, da spricht Tokarczuk über die Beteiligung von Polen an der Ermordung von Juden. Wo Kaczynski die katholische Lehre als die Quintessenz des Polnischen rühmt, jenseits derer „nichts als Nihilismus“ sei, da schreibt Tokarczuk, etwa in den kürzlich auch auf AP/MARTIN MEISSNER kommen. Derjenige, der die Welt regiert, hat keine Macht über die Bewegung und weiß, dass unser sich bewegender Körper heilig ist“, schreibt Tokarczuk in dem Werk, für das sie 2018 den Man Booker Prizeerhielt. Wernicht abgeneigt ist, in zeitlichen Koinzidenzen tiefere Sinnesspuren zu entdecken, der kann dies auch in dem Fall der fast zeitgleichen Nobilitierung Tokarczuks sowie der erneuten Wahlbestätigung der PiS durch mehr als Die Autorin acht Millionen ihrer Olga Tokarczuk Landsleute tun: in diesem Fall die extremen Antipoden als Teil eines Ganzen, dessen Grenzen undefinierbar sind. Tokarczuk selbst, schreibt Literaturkritikerin Magdalena Barburuk, „lehrt uns einen Blick, der bekannte Dinge in geheimnisvolle Zeichen verwandelt“. Die in Niederschlesien lebende Tokarczuk erhielt ihren Preis, so heißt es bei der Stockholmer Jury, für „eine narrative Vorstellung, die mit enzyklopädischer Leidenschaft Deutsch erschienenen „Jakobsbüchern“, vom multireligiösen Erbe ihres Landes. Und wo die PiS mit aller Macht den nationalen Mythos als sicheren Rückzugsort vor der Welt verkündet, da bietet Psychologin Tokarczuk die „Unrast“ (2009 auf dt. erschienen) als Gegenmodell auf: ein dem Menschen eingeschriebenes Bedürfnis, die Welt zu erkunden, um der Starre zu entkommen. „Wiege dich, bewege dich, bewege. Nur so wirst du entdas Überschreiten von Grenzen als Lebensform darstellt“. Tokarczuk betrachte die Realität niemals als etwas Stabiles oder Ewiges: „Sie konstruiert ihre Romane in einer Spannung zwischen kulturellen Gegensätzen; Natur versus Kultur,Vernunft versus Wahnsinn, Mann versus Frau, Heimat versus Entfremdung“, so die Jury. Ihr bisheriges Opus Magnum sind „Die Jakobsbücher“ (2014), an den über 1000 Seiten hat sie fast sechs Jahregearbeitet. Es ist, als wäre gerade dieses Werk, das die schillernde wie geheimsvolle Vita des jüdischen Mystikers Jakub Frank im 18. Jahrhundertnachzeichnet, eine ArtAntidotum gegen den national-autoritärenZeitgeist; nicht nur in Polen. „Wir sind in einer Situation einer ganz klaren Wahl zwischen Demokratie und dem Autoritarismus“, sagte Olga Tokarczuk am Freitag. Das bedenkliche Wahlergebnis vomWochenende dürfte sie künftig auch literarisch verarbeiten –mit erneuten Schmeicheleinheiten PiS-naher Medien kann sie dann wohl nicht mehr rechnen. Die Pariser Kathedrale Notre-Dame nach dem Brand am 15. April AP/FRANCOIS MOR TOP 10 Sonntag,14. Oktober 1 EM-Qualifikation, 2 RTL 8,56 29 % 2 EM-Qualifikation, 1 RTL 7,93 22 % 3 Tagesschau ARD 6,50 21 % 4 Tatort ARD 5,48 16 % 5 Terra X ZDF 3,97 14 % 6 Katie Fjorde ZDF 3,85 11 % 7 heute ZDF 3,82 16 % 8 Berlin direkt ZDF 3,36 13 % 9 RTL-Fußball RTL 3,09 9% 10 RTL aktuell RTL 3,04 13 % ZUSCHAUER IN MIO/MARKTANTEIL IN %
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