art-e-conomy _ reader - marko stamenkovic

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Katalogen lesen, von Art Consultants gesagt bekommen und immer schon so ähnlich
bereits in der Schule oder in einem bildungsbürgerlichen Milieu gehört haben.
Entsprechend interessieren sie sich vor allem für Werke, die die Eigenschaften
der Kunst – ihren Begriff – gut sichtbar zu repräsentieren versprechen und die etwa
deren sakrale oder martialische Züge abbilden. Ist ein Gemälde gestisch-expressiv
und bunt gemalt, gilt es z. B. als authentisch, existenziell oder kompromißlos und
eben deshalb als Kunst. Wenn eine Zeichnung skizzenhaft, auf kariertem Papier,
angelegt ist, hastig entstanden wirkt und Eselsohren oder Kaffeeflecken aufweist,
wird das ebenfalls als Zeichen von Kunst gedeutet, signalisieren solche Elemente
doch Impulsivität oder sogar eine Genialität, die sich um Begleitumstände nicht
kümmert (so als habe der Künstler nicht in seiner Gewalt gehabt, was er da macht).
Daher verwundert auch nicht, daß gerade die Künstler, die die Eigenschaften des
Kunstbegriffs pflegen und eine Rhetorik der Autonomie aufrecht erhalten, indem
sie sich in ihren Werken als wilde Maler oder sensible Eigenbrötler darstellen, in
den letzten Jahren besonders begehrt waren und viel verkaufen konnten. Es ist, als
wollten sich Banken und Firmen noch rechtzeitig mit einer Art von Kunst eindecken,
die bald selten werden könnte – zumindest falls es demnächst noch mehr Künstler
geben sollte, die Kooperationsfähigkeit und vielfältige Einsetzbarkeit höher schätzen
als Autonomie.
Das Bedürfnis, in einem Kunstwerk den Begriff von Kunst gleichsam materialisiert
wiederzufinden, erklärt im übrigen auch die Vorliebe der meisten Unternehmen
für bildende Kunst. Besser als Musik, Lyrik oder Film fungiert sie als pars pro
toto, als – geradezu fetischisierbare – Verkörperung jener guten – und vielen
– Eigenschaften, die der Kunst im allgemeinen zugesprochen werden und die im
Verlauf der letzten rund 250 Jahre von Philosophen, Kritikern und Künstlern in
einem großen, Generationen übergreifenden Teamwork definiert, angesammelt
und immer wieder aktuell reformuliert wurden. Wer als Künstler für den ‚Export‘,
also weniger für die eigene Szene als für die Bewunderer der Kunst arbeitet, muß
dies berücksichtigen und darauf achten, daß in seinen Werken möglichst etablierte
Elemente des Kunstbegriffs präsent (repräsentiert) sind. Es verhält sich hier nicht
anders als bei anderen edlen Markenprodukten: Am meisten gilt das Image, und die
Artikel verkaufen sich am besten, die besonders viel vom jeweiligen Marken-Image
vergegenwärtigen können.
Also: Die Macht des Kunstbegriffs kann eine bequeme Basis für künstlerischen
Erfolg sein, birgt damit aber auch die Gefahr eines bloßen Akademismus – reiner
Tautologien – in sich. Andererseits dient diese Macht (wie zu Beginn dargelegt) dazu,
den Kunstbetrieb für Neues offenzuhalten. Nur weil das Image der Kunst so strahlend
und makellos ist und sie seit langem über eine hervorragende Reputation verfügt,
sind jene Aschenputtel-Geschichten möglich, bei denen etwas bis dato Belangloses,
Unbeachtetes allein dadurch Wertschätzung erfährt, daß es auf einmal im Terrain
der Kunst auftaucht. Nochmals: Die Beute, mit der sich die Kunst am Leben hält,
verdankt sie allein dem Nimbus ihres Begriffs – einer nach und nach erworbenen, aus
verschiedenen Bereichen zusammengeborgten – ihrerseits erbeuteten – Autorität.
Daher dürfte die Einbeziehung des Vokabulars der Wirtschaft auch nur eine weitere
Phase in der Geschichte des Kunstbegriffs darstellen – weder sein Ende, noch einen
vollständigen Neubeginn.