statement - HfMDK Frankfurt

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6 GELD und KUNST Frankfurt in Takt 12/1 Orpheus’ neue Wege: Tabus brechen und Initiativen bündeln HfMDK-Gesangsabteilung erhielt den mit 150.000 Euro dotierten „Hessischen Hochschulpreis für Exzellenz in der Lehre“ Die freudige Nachricht aus dem Ministerium für Wissenschaft und Kunst platzte im letzten Dezember unerwartet in den Vorweihnachtstrubel der HfMDK: Mit ihrem Lehrkonzept „Orpheus auf neuen Wegen – Gesangsausbildung im Team“ konnte die Gesangsabteilung der Hochschule die Jury des „Hessischen Hochschulpreises für Exzellenz in der Lehre“ vollends überzeugen. Der von der damaligen Ausbildungsdirektorin Prof. Hedwig Fassbender stellvertretend für die gesamte Abteilung geschriebene Antrag und die Präsentation des Ausbildungsbereichs beim Besuch der Jury setzten sich gegen 88 Mitbewerber durch. Am 9. Dezember dann überreichte Eva Kühne-Hörmann, die Hessische Ministerin für Wissenschaft und Kunst, der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main (HfMDK) den 1. Projektpreis, der mit einem Preisgeld von 150.000 Euro verbunden ist, auf Schloss Biebrich. Der Preis wird vom Land Hessen und der Hertie-Stiftung vergeben. Zum große Presseecho anlässlich dieses Erfolges zählte auch das Editorial der Januar-Ausgabe des internationalen Opernmagazins „Opernwelt“. Da die Autoren Stephan Mösch und Albrecht Thiemann das Orpheus-Projekt darin mit Kennerblick treffend erklären, ist es nachfolgend hier abgedruckt: Preise zu melden ist normalerweise eine Sache für den Info-Teil der „Opernwelt“-Hefte. Doch in diesem Fall müssen wir eine Ausnahme machen: Die Gesangsabteilung der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt ist mit dem „Hessischen Hochschulpreis für exzellente Lehre“ ausgezeichnet worden. Sie erhält damit den höchstdotierten deutschen Hochschulpreis (150 000 Euro); ihr Antrag setzte sich gegen 88 Mitbewerber durch. So weit die Meldung. Was ist daran so besonders? Ganz einfach: In Frankfurt wurde über alle Selbstvermarktung und den Exzellenz-Wettbewerb der Hochschulen hinaus mit ein paar Tabus gebrochen. Gesang zu unterrichten war und ist seit jeher eine intime Angelegenheit: Nie ist der Mensch so nackt, wie wenn er singt, sagt man. Wenn er zu singen lernt, ist er nackter als nackt. Außerdem bedeutet eine Stimme zu bilden: einen Menschen zu bilden. Die Verantwortung der Lehrer ist also groß, das Verhältnis zum Schüler ein persönliches. Es spielt sich im Einzelunterricht ab. Dagegen spricht nichts außer einer Gefahr: Der Schutzraum schließt sich oft hermetisch nach außen ab. Lehrer und Schüler verlieren den Anschluss an die Praxis, stellen utopische Langzeitpläne für die Ausbildung auf, arbeiten an der Realität vorbei. Bei den ersten Vorsingen zerstieben dann viele Hoffnungen. Je weniger die Gesangslehrer sich selbst mit dem Musikmarkt konfrontieren, desto erratischer wird ihre Haltung. Es gibt Stars unter ihnen, deren Zulauf etwas Sektenhaftes an sich hat. Die Frankfurter Gesangsabteilung unter Leitung von Hedwig Fassbender hat die Umstellung auf Bachelor- und Masterstudiengänge genutzt, um damit aufzuräu- men. Sie setzt auf Team-Teaching und offenen Unterricht. Das bedeutet zum Beispiel, dass die Dozenten sich gegenseitig beim Unterrichten zuhören, dass Studierende den Rat anderer Lehrer einholen können, ohne damit ein Sakrileg zu begehen, dass sich die Lehrer über ihre Schäfchen austauschen. Es ist ja für Außenstehende kaum zu glauben, was meist immer noch an deutschen Hochschulen praktiziert wird: Was der eine Gesangslehrer als Rezept zum Erfolg verkauft, ist für den Kollegen zwei Zimmer weiter pures Stimmgift. Der Dozent für Liedgestaltung will auf etwas ganz anderes hinaus als der Hauptfachlehrer; das, was im Unterricht für Atem und Bewegung geübt wird, betrifft andere Dinge, als der Regiedozent verlangt...Es geht also vor allem darum, monomanischem Konkurrenzdenken einen Riegel vorzuschieben. Eine erfolgreiche oder eine problematische Stimme wäre dann nicht mehr nur (und automatisch) Produkt eines bestimmten Lehrers. Im Frankfurter Konzeptpapier ist daher von „gelebter gegenseitiger Achtung“ die Rede. Natürlich wurde beim soeben ausgezeichneten Projekt „Orpheus auf neuen Wegen“ das Rad nicht neu erfunden. Dass jeder Studienjahrgang einen eigenen Mentor hat, ist an amerikanischen Ausbildungsinstituten selbstverständlich. Dass Studierende das Vorsingen üben (mit Videokontrolle und vor Profis aus den Theatern), gehört an vielen Hochschulen hierzulande zum Standard – wie auch andere Ideen des Frankfurter Projekts. Entscheidend ist jedoch die Bündelung solcher Initiativen – und natürlich die Energie, die dahintersteckt, wenn Offenheit dauerhaft zum Prinzip werden soll. Darin liegt das Neue. Und wenn der Eindruck beim letzten Vorsingen nicht täuscht, ist aus dem Konzept längst gelebte Lehre geworden. Die Offenheit, mit der die Frankfurter Gesangsprofessoren die Meinung von Intendanten, Agenten, Operndirektoren und auch der „Opernwelt“ aufgenommen und diskutiert haben, war jedenfalls erstaunlich. Letztlich geht es ums Selbstverständnis. Gesangstudenten sind keineswegs für ihre Lehrer da (deren „Standing“ an der Hochschule, Altersabsicherung oder schlichte Selbstbefriedigung nach dem Ende der Karriere), sondern umgekehrt: Die Lehrer haben fürs Andocken an die Praxis zu sorgen. Sie können sich nicht ewig aufs noch schlummernde Potenzial ihrer Schüler hinausreden. Sie müssen die Arbeit an diesem Potenzial austarieren mit einem Markt, der immer schneller und unbarmherziger wird. Was ein junger Sänger da braucht, ist neben technischer und physischer vor allem emotionale Stabilität. Die bekommt man nicht dadurch, dass man sich semesterlang vom Gesangslehrer hätscheln lässt, sondern indem man sich durch das Gestrüpp von Ansichten und Anforderungen kämpft. Insofern könnte Frankfurt ein Beispiel geben. Stephan Mösch, Albrecht Thiemann
Oben: Gemeinsamer Blick in die Opernpartitur Lehrende und Studierende in Vorbereitung eines szenischen Abends der Gesangsabteilung. Unten: Opernszene mit den Gesangsstudierenden Björn Bürger und Esther Dierkes. S T A T E M E N T Paul Leonard Schäffer, studiert Komposition (12. Semester) und Orchesterleitung (3. Semester). Seit Anfang des Jahres leitet er projektweise die Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz im Rahmen von Kinderkonzerten. Welche Rolle spielt(e) Geld in Ihrem Studium? Durch mein angefangenes Kirchenmusikstudium war ich schon zu Beginn meines Studiums in einer finanziell recht angenehmen Situation: Ich konnte eine kleine Stelle als Organist und Chorleiter annehmen und somit das Geldverdienen mit den Inhalten des Studiums verbinden und bei der Arbeit meine Fähigkeiten weiter ausbauen. Wann und wie ist das Bewusstsein gewachsen, finanziell von dem leben zu müssen, was Sie künstlerisch oder pädagogisch tun? Das Bewusstsein, Geld zu verdienen, ist bei mir schon relativ früh entstanden. Zunächst als reiner Kompositi- onsstudent schien mir vor dem finanziellen Hintergrund eine Stelle als Kirchenmusiker recht sinnvoll. Inzwischen denke ich anders. Ich bin froh, in einen Studiengang gewechselt zu haben, hinter dem ich voll stehe. Ich weiß nicht ob ich wirklich, zum Beispiel als Korrepetitor, an ein Theater gehen will. Als Freischaffender hätte ich mehr Möglichkeiten, das Komponieren nicht zu vernachlässigen. Wenn ich allerdings als Dirigent an einem Theater arbeiten will, führt der 7 Weg an der Festanstellung nicht vorbei, vorausgesetzt ich würde ein Probespiel schaffen. Vielleicht ist ein Mittelweg das richtige: Für einige Zeit ans Theater und dann schaue ich, ob ich als Freiberufler ebenfalls gut auskomme. Nach dem Studium allein vom Komponie- ren leben zu können, ist glaube ich traumtänzerisch. Welche Kompromisse sind Sie bereit einzugehen, um sich existenziell abzusichern? Welche wären für Sie undenkbar? Das ist eine schwierige Frage, die ich jetzt nicht so genau beantworten kann. Man sollte niemals nie sagen. Ich glaube, dass ich schlecht dazu geeignet bin, an einer Musikschule Kinder zu unterrichten. Ich habe großen Respekt vor Musik und Instrumentalpädagogen, weil ich selber nur schwer Zugang zu Kindern finde.
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