Malati e senza fissa dimora

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16 Domenica 11 marzo 2012 ARTE La Fondazione Plart festeggia il suo quarto anno di allestimenti e ricerca scientifica Plastica+arte+tecnologia Dal plexiglass con la seta per i gioielli, al polipropilene delle bambole e dei vasi Nel 1860 lo statunitense J.W. Hyatt scopre la celluloide, primo materiale plastico usato, in quel caso, per produrre pellicole fotografiche e cinematografiche. La plastica: che meravigliosa scoperta! Duttile, malleabile, economica e colorata viene utilizzata, a partire da quel momento, per costruire una serie infinita di oggetti. L’industria di tutti i tipi se ne appropria come una scoperta sensazionale: la rivelazione del secolo. Tanto che anche l’arte contemporanea ne fa un suo elemento primario. Anzi, di più: la assurge ad arte stessa. Il Plart, a Napoli, (via Martucci, 48), meglio conosciuto come Museo della plastica, è il luogo di culto di questo materiale. Grazie alla felice intuizione di unire arte e tecnologia, la fondazione Plart è diventata una vera istituzione nel settore. Con la collaborazione di importanti centri di ricerca universitari (Politecnico di Milano, la II Università di Napoli e l’Università di Salerno), il museo si impegna nella ricerca scientifica e tecnologica per approdare a nuovi e sempre più ingegnosi usi della plastica. Lo scorso 25 gennaio il museo ha festeggiato i suoi quattro anni di attività. Sorprendente per una struttura all’avanguardia aver raggiunto questo traguardo così importante, soprattutto se si pensa agli obiettivi che si è impegnata a raggiungere. Alle mostre e esposizioni si aggiungono le attività didattiche. Non solo allestimenti, ma anche scienza, questo il suo punto di forza. Ma com’è fatto il Plart? All’ingresso c’è un grande spazio adibito all’ esposizione di oggetti delle collezioni storiche di plastica più conosciute. Entrando in un'altra sala, una lunga teca di vetro mostra una serie di oggetti e opere d’arte in plastica della Collezione Incutti, secondo percorsi tematici diversi che si rinnovano periodicamente. La teca, oltre a contenere gli oggetti, diventa anche una sorta di viaggio culturale e storico del nostro Paese: una bambola, un telefono, delle carte, una casetta, un motorino. Poi, ancora, utensili da cucina, scarpe, giocattoli, borse, occhiali e altro. Formata da leghe polimeriche (più catene di molecole complesse) la plastica ha però lo svantaggio di essere altamente inquinante. Il Plart, grazie alle avanzate ricerche, utilizza la bioplastica, a partire dalla molecola di Mater-Bi che non ha impatti distruttivi sull’ambiente. Questo materiale, dagli usi molteplici e sorprendenti, è ancora parte integrante delle nostre vite. Luoghi come il Plart, che approfondiscono la ricerca su metodologie non distruttive e contribuiscono allo sviluppo tecnologico di prodotti industriali, meritano sempre più attenzione e partecipazione. Pagina a cura di PIETRO ESPOSITO ASSUNTA LUTRICUSO «Far conoscere questa realtà proiettandoci nel mondo, attraverso l’unicità delle nostre ricerche». Lo spirito del Plart nelle parole di Marco Petroni, della Fondazione del museo. Napoli, la città nuova, a cui però viene sempre associato il vecchio, delle sue strutture e della sua arte, ignorando l’avanguardia e la sperimentazione prepotentemente presenti. «Il territorio – confessa Marco Petroni – purtroppo non è molto attento. Abbiamo circa quarantamila visitatori l’anno, ma un buon settanta percento di questi vengono da fuori Regione». Un disinteresse non giustificato, soprattutto se si pensa che alla creatività vengono associate problematiche del quotidiano particolarmente sentite in Campania, come il tema della raccolta e del trattamento dei rifiuti, con progetti che inglobano anche diversi istituti scolastici. «Il designer – continua Marco Petroni– è una figura molto più complessa di quello che si pensi. Non si tratta di uno “stilista”, ma il suo compito è quello di interpretare la realtà e avere la capacità di prefigurare mondi futuri». E proprio in questo caso, la tecnologia viene in soccorso all’arte, perché con la tecnologia si riesce a interpretare la complessità del tempo. A sinistra un modellino di donna In basso,a sinistra, l’opera “Claudia Quinta”, di Anselm Kiefer In basso, a destra, dei giocattoli Percorso multimediale Mater-Bi: dal petrolio ai girasoli Nel percorso multimediale, dal titolo “Da un mare di petrolio a un campo di girasoli”, viene spiegata ai visitatori la scoperta del Mater-Bi e la sua importanza. Molto divertente per i bambini perché ricca di colori vivaci e di suoni accattivanti, la sala multimediale è un modo per imparare giocando. Sottili tubi fluorescenti, non appena ci si passa di sotto, mostrano filmati sulla plastica: i suoi inventori e le sue innovazioni. Il percorso continua con lampadari e anelli tiranti che mostrano le varie molecole che compongono i diversi materiali plastici. Calpestando dei rettangoli di diverso colore viene riprodotto il suono di alcuni oggetti di uso comune (ovetto kinder, scotch, tappo di bottiglia, spazzolino). Poi, un capannone con all’interno dei piccoli animaletti ispirati al film della Disney “Fantasia”, realizzati da tre studenti della Dundee University. Gli animaletti si animano, parlano e mordono, persino. A concludere il tour il passaggio su un finto campo girasoli, circondato da pareti con delle scritte che riconducono al concetto di sostenibilità. Le opere di Roberto Dalisi, Wanda Romano, Anselm Kiefer e Haim Steinback Le forme del futuro a Napoli «Il designer non è un semplice stilista ma un interprete della realtà» Gli occhi della creatura Plart, però, guardano in due diverse direzioni. Oltre alla promozione sul territorio lo sguardo è rivolto allo scouting sul panorama internazionale. Ai noti designer campani o italiani, come Roberto Dalisi, Wanda Romano, Piero Gilardi e Chiara Scarpitti (in mostra dall’8 marzo con una collezione di gioielli in seta e plexiglass), si affiancano i nomi di artisti di fama internazionale, quali Tony Cragg, Anselm Kiefer e Haim Steinback (con un’esposizione al Moma di New York). Il museo è stato dichiarato l’unico “giacimento del design” del sud Italia e in virtù di questa eccellenza ha attivato delle collaborazioni con i più importanti istituti d’Europa, come la Royal College of Arts di Londra e la Design Academy di Eindhoven, considerata il top nel settore. «Il grande gap da colmare con il resto del continente – secondo Marco Petroni – riguarda la preparazione offerta dalle Università. In altri Paesi gli istituti danno già gli strumenti per capire il presente, mentre in Italia, spesso, si conosce tutto del passato, ma poco delle realtà nuove su cui bisogna confrontarsi». Il Plart, comunque, rappresenta una ricchezza nuova per la città, anche se ha da poco festeggiato i suoi quattro anni dall’apertura, che entra in sinergia con la “Napoli contemporanea” che appartiene anche ad altre strutture come il Madre, il Pan e il Nitsch. «L’unione – conclude Petroni – potrebbe fare la forza. Sono realtà che si trovano in parti differenti della città, ognuna con il proprio fascino e le proprie difficoltà, ma il futuro passa per le reti, le collaborazioni, magari immaginando anche un marchio e lanciando un validissimo percorso turistico».
ARTE Domenica 11 marzo 2012 Il Macro Testaccio di Roma ospita la mostra del fotografo americano Steve McCurry Giro del mondo in 200 scatti Camminando tra gli espositori del Macro Testaccio di Roma è facile perdersi. Sembrano tutti uguali e l’aria che si respira è così ammaliante da non lasciare spazio alla ragione e alla consapevolezza di capire dove si è e cosa si sta facendo. All’esiguo prezzo di otto euro, il centro di produzione culturale “La Pelanda” consente di fare una viaggio nel mondo. E bastano un paio d’ore; niente a che vedere con gli ottanta giorni che impiegano il londinese Phileas e il suo cameriere Passepartout nell’avventura di Jules Verne. I padiglioni del complesso ottocentesco dell’ex Mattatoio romano, dal 3 dicembre al 29 aprile, ospitano la mostra fotografica di Steve McCurry. Oltre duecento scatti in cui l’artista americano pluripremiato racconta le sfaccettature del mondo che ha incontrato e con il quale più volte si è scontrato. I suoi reportage per “Time”, “Life”, “Newsweek”, “Geo” e “National Geographic” hanno reso McCurry famoso in tutto l’etere e la fotografia della “Ragazza afghana” -pubblicata come copertina del “National Geographic Magazine” nel giugno del 1985 – gli ha permesso di vincere nello stesso anno il prestigioso riconoscimento “World Press Photo”. McCurry ha detto più di una volta che «se sai aspettare, le persone si dimenticano della tua macchina fotografica e la loro anima esce allo scoperto». Aspettare. Lui sì che sa farlo bene. Basti pensare che ha dovuto attendere 17 anni prima di rincontrare la ragazza afghana della foto, Sharbat Gula, e scattarle un’altra istantanea. «La sua pelle è segnata, ora ci sono le rughe, ma lei è esattamente così straordinaria come lo era tanti anni fa» ha detto, dopo averle donato parte della sua fortuna. Il viaggio tra le foto di McCurry è un viaggio attraverso le storie dei cittadini del mondo. Uomini, donne, bambini, anziani. Mani, occhi, naso, petto, gambe, braccia, piedi. India, Afghanistan, Usa, Giappone, Filippine, Brasile, Sri Lanka, Nepal, Yemen, Tibet, Pakistan, Vietnam. I suo personaggi non sono semplici soggetti che sono stati fotografati un certo giorno in un certo luogo. Sono anime che raccontano storie e comunicano a chi le vede qual è la loro idea di posto nel mondo. Anime, piccole e grandi anime racchiuse in un clic. Come quella del piccolo bimbo peruviano in lacrime che si punta la pistola alle tempie. Non si conoscono le sue generalità e su di lui non si sa niente più di quello che si vede nella foto di McCurry. Ma la sua voce si sente, si sente eccome. I suoi occhi parlano e le lacrime riusciamo a sentirle. A stento però, perché il bimbo è timidamente spaventato e ha paura di attirare l’attenzione di qualcuno. La pistola è di grosso calibro e il suo braccino ne sostiene appena il peso. «Perché – sembra chiedersi e chiedere il bambino – perché sta accadendo proprio a me?». Il piccolo racconta la sua storia a noi che lo guardiamo, anche se forse è l’ultima cosa che mai vorrebbe fare. Le foto di McCurry sono esposte in alcune cupole che sovrastano e avvolgono lo spettatore. La sensazione è che infondano un senso di immensità e allo stesso tempo di piccolezza della natura umana. I colori sono ben studiati e così anche le sequenze degli scatti che sembrerebbe seguire il cursus nascita-morte. Tra tutte le fotografia, 50 sono state A destra Steve McCurry ha fotografato la finestra di un albergo romano che si affaccia sulla Fontana di Trevi fatte in Italia: McCurry ha visitato in lungo e largo il nostro Paese e si è soffermato soprattutto sulle bellezze delle città di Venezia e Roma. La foto che ritrae la finestra di un albergo sulla fontana di Trevi è magnetica: tutto in questa istantanea – luci, cibo, armonia, sole, bellezza, calore, serenità – sembra voler raccontare l’Italia e la sua vera essenza.L’Italia senza stereotipi. Steve McCurry dà voce e colore al suo viaggio attraverso il mondo. E ha il potere di portar con se chiunque si soffermi anche solo un attimo sui suoi meravigliosi scatti. Regalando la sensazione e convinzione che ben più importante dell’arrivo è senz’altro il viaggio. Il suo, come il nostro. A sinistra la brutale immagine di un bambino peruviano con la pistola puntata alla nuca 17 Esposta anche “La ragazza afghana” con cui l’artista ha vinto il World Press Photo Immagini che fermano il tempo La vita è fatta di immagini. E se le immagini hanno la fortuna di essere fotografate, allora prima o poi vengono alla luce foto che raccolgono attimi di vita. E attimi di vita che si raccolgono nelle foto. A volte basta un momento, una piccola sequenza di fotogrammi e può accadere l’inimmaginabile: un dito fermo e veloce, spinto dall’animo di chi vuole catturare istantanee del mondo, ha il potere di fermare il tempo. E di ritrarre una persona, una cosa, un odore, un sapore, un rumore. Un’imma-gine cristallizzata che il tempo non avvilirà né consumerà. So-no quelle fotografie che non muoiono mai e, anzi, diventano storia. Come “Migrant mother”, l’immagine che Dorothea Lange scatta nel 1936 e diventa icona della Grande Depressione. Florence Owens Thompson, la donna ritratta nell’istantanea, è una madre trentaduenne di sette figli che lavora in un campo di piselli in California. È un donna come tante che ha dei figli come tante e fa un lavoro come tante. Eppure l’occhio della fotografa l’ha trasforma nella Donna della Grande Depressione, simbolo di un’orgogliosa nazione che deve e vuole resistere a una crisi mai vista prima. Nove anni dopo Alfred Eisenstaedt scatta “The kiss”: è il 14 agosto del 1945 e un marinaio bacia un’infermiera. La guerra è finita e tutti corrono per le strade inneggiando alla pace. Un marinaio comincia a baciare ogni donna che incontra. L’infermiera Edith Shain è una delle malcapitate (o fortunate che dir si voglia) che si trovano sulla sua via ed è lì con loro anche la macchina fotogra-fica di Eisenstaedt. Uno scatto e in un’attimo la guerra è finita. A volte poi accade che la gente si cristallizzi in un’immagine, pur a tratti rifiutandola e contestandola. Richard Drew scatta “The falling man” l’11 settembre del 2001: un uomo si getta dal World Trade Center perché sceglie di che morte morire e l’inesorabile volere delle coincidenze vuole che il fotografo sia proprio lì sotto. A vedere la vita che si toglie la vita. La fotografia può far soffrire, commuovere, sorridere, sorprendere, incantare. “È un’austera e sfolgorante poesia dal vero” (Ansel Adams) che è allo stesso tempo “una pseudo presenza e l’indicazione di un’assenza” (Susan Sontag). Fotografare la vita che scorre per immagini o immaginare la vita che scorre per fotografie. Magari la differenza alla fine non è poi così tanta. Pagina a cura di GIORGIA MENNUNI
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