fascicolo didattico (documento pdf (3,92 Mb) - Teatro Regio di Torino

usco rallentamento, causato anche dalle instabili condizioni di salute di Rossini. Il suo
umore, infatti, oscilla tra momenti di estroversa gioia di vivere (proverbiale, tra l’altro,
la sua raffi nata passione per il cibo!) e profondi crolli depressivi, acuiti certamente dalle
diffi coltà familiari che sfociano nella separazione dalla Colbran e nella nuova relazione con
Olympe Pélissier, che Rossini sposerà nel 1846.
Anche il nuovo ambiente musicale parigino, già pervaso dal clima del Romanticismo, impone
all’autore nuovi ritmi creativi e la necessità di adattamento ad un gusto diverso da quello
italiano; nascono così la cantata scenica Il viaggio a Reims (‘25), per l’incoronazione di
Carlo X, i rifacimenti Le Siège de Corinthe (da Maometto II) e Moïse et Pharaon (da Mosè
in Egitto) e infi ne gli ultimi capolavori, Le Comte Ory (‘28), esilarante e raffi natissima
commedia di ambientazione medioevale, e Guillaume Tell (‘29), opera già di gusto romantico,
permeata di patriottismo, sensibilità per la natura, passione amorosa. Il moderno clima
culturale, però, non fa per lui e, giunto all’apice del successo, il compositore decide di
lasciare le scene. Morirà molti anni dopo, nel 1868, e verrà sepolto inizialmente a Parigi;
la salma verrà poi trasferita a Firenze, in Santa Croce, nel 1887.
Durante i quarant’anni di silenzio teatrale Rossini in realtà non smette di comporre:
due mirabili pagine sacre, lo Stabat Mater e la Petite messe solennelle testimoniano
la grandezza della sua vena creativa, tutt’altro che esaurita. Su un piano quasi intimo e
personale, invece, si trovano le raccolte di arie e duetti da camera Soirées musicales e i
brani pianistici detti ironicamente Péchés de vieillesse (Peccati di vecchiaia), una specie
di diario musicale ora buffo ora venato di malinconia, scritto da un genio che si sente
estraneo alla sua epoca.
La musica di Rossini
Passato alla storia come autore di opere comiche, Rossini in realtà fu anche eccelso
compositore di opere serie, come testimoniano ad esempio Otello, Tancredi, Guillaume
Tell… Le generazioni successive considerarono inizialmente la produzione rossiniana come
un modello stilistico perfetto, ma ben presto il suo mitico nome, uffi cialmente onorato
come quello di un dio dell’olimpo musicale (ci fu anche chi lo defi nì “Giove-Rossini”!), fu
poi semplicemente rispettato come si fa con un vecchio nonno dai gusti ormai superati.
Nel corso dell’Ottocento la maggior parte delle opere rossiniane scomparve quindi dalla
programmazione dei teatri e si dovette attendere il Novecento per giungere ad uno studio
accurato della fi gura del grande compositore e alla cosiddetta “Rossini-renaissance”.
Recentemente si sono anche studiati gli aspetti particolari e moderni dei suoi capolavori,
aspetti che in parte precorrevano troppo i tempi per poter essere compresi e apprezzati
durante il XIX secolo. Un tema ricorrente nelle sue pagine comiche, ad esempio, è la
rassegnata ironia sui limiti della ragione umana e sull’incapacità che talvolta tutti noi
sperimentiamo nel comprendere le circostanze o perfi no noi stessi. Le buffe crisi d’identità
dei personaggi rossiniani, come vedrai anche in Cenerentola, ricordano molte analoghe
situazioni descritte dalla letteratura e dal teatro del Novecento. Accade anche nel primo
atto della Cenerentola, quando, su una musica ondeggiante che esprime stupore, quasi
una scena di cinema al rallentatore, i personaggi cantano: «Nel volto estatico di questo e
quello si vede il vortice del lor cervello, che ondeggia e dubita e incerto sta».
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