Berliner Zeitung 05.11.2019

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20 * Berliner Zeitung · N ummer 257 · D ienstag, 5. November 2019 ························································································································································································································································································· Feuilleton Der Toddes Solisten Dass Berlin die Jazzhauptstadt Europas ist, weiß man fast überall. Das 56. Jazzfest zeigte viele Kollektive und schuf offene Räume VonTobi Müller Jazz ist in einer Phase der Häutung. Er schillert zeitgenössischer als noch vor wenigen Jahren und zieht andere Leute an, auch junge. Denn Jazz ist nun „woke“, wie junge Menschen auf Englisch sagen, wenn sie politisch erwacht meinen. An dieser Stelle ragt von der Seite oft ein älterer Zeigefinger in das Gespräch und sagt ungefragt: Schnickschnack, auf der Seite der Marginalisierten stand Jazz ja immer. Dass beide recht haben, die neuen Häute aber dennoch ein anderes Muster zeigen, war am 56. Jazzfest schön zu sehen. Wichtig bei Nadin Deventers zweiter Ausgabe als künstlerische Leiterin: die Betonung der Kollektive und die Architektur der Immersion, wie das seit ein paar Jahren bei den Berliner Festspielen heißt, wenn die Bühnen nicht mehr säuberlich von den Sitzreihen getrennt werden. Jenseits der Dialektik AnthonyBraxton aus Chicago bespielte mit seinem „Sonic Genome“ den gesamten Martin-Gropius-Bau. Zur Eröffnung beantwortete das „Sonic Genome“ vonAnthony Braxton im Martin-Gropius-Bau räumliche Fragen komplex und leicht zugleich. Der 74-jährige Musiker und Komponist aus Chicago bespielte das ganze Museum während sechs Stunden mit fast 60 Leuten, davon 40 aus Berlin. Im zentralen Lichthof begann das Konzert mit einem Drone, einem anschwellenden Klang auf einer Note. Dann teilte sich das Kollektive indrei Gruppen, die je vier Untergruppen bilden konnten. Braxtons Musik spielt jenseits der Jazzdialektik von Improvisation und Komposition. Auch die Spannung zwischen Kollektiv und Solist ist bei ihm aufgehoben. Es wirkte, als würden die über 300 Kompositionen zwischen Jazzklang und Neuer Musik ständig neu überschrieben. In der Ausstellung „Der Garten der irdischen Freuden“ im Gropius- Bau gibt es wunderbare Pflanzenpornos und Videos über die Zukunft des Menschen als organisches Wesen unter seinesgleichen, etwa Würmernund Bakterien. Undsokonnte man Braxtons Musik auch hören: als organisches Pulsieren, als eine wuselige Erotik des Fließens und kontaktfreudigen Flanierens. In sechs Stunden bei Braxton: kein einziges Solo gehört, die Zentralperspektiveauf das Subjekt ist gebrochen. Und nicht nur da. Der junge Berliner Schlagzeuger Christian Lillinger sorgte am Freitag mit seinem Nonett „Open Form for Society“ für ein Highlight des Festivals. Zwei Klaviere, zwei Kontrabässe,ein Keyboarder, ein Cello, zwei Vibraphone und mit Lillinger ein Schlagzeuger,der wie mindestens zwei explodiert. Aber kein Solo. Klar, Lillingers nervöses, aber extrem kontrolliertes Spiel könnte ein einziges Solo sein: die scharfen Beckenklänge,die spitzen Stiche der Snaretrommel, das fast digitale Stottern, das er händisch erzeugt. Und doch hört man da immer wieder die Komposition heraus und das Kollektiv als massigen Klangkörper. Gehäuteter Jazz heißt heute nicht mehr, dass man ihn mit HipHop paartund mit Streichern. Das Konzert des kalifornischen Weltklassetrompeters Ambrose Akinmusire mit dem Rapper und Sänger Koyaki sowie dem Mivos Quartet zeigte zwar genau in diese etwas vergessene Richtung. Wäre das Niveau nicht so hoch gewesen, man hätte von Effektkalkül spre- VOTOS/ROLAND OWSNITZKI chen müssen. Aber ach, Sonnabend ist Publikumstag, Radiotag. Denn die Rundfunkanstalten sind wichtige Partner des Jazzfestes und reden auch viel mit. Manchmal zu viel: Die Big-Band-Projekte waren in den letzten Jahren von ausgesuchter Langeweile. Doch nicht dieses Jahr! Das Projekt „Melodic Ornette“ mit der Big Band des Hessischen Rundfunks plus einem Quartett war ein weiteres Highlight. Joachim Kühn, 75-jähriger Pianist und deutscher Fackelträger des Jazz, spielte in den späten Neunzigerjahren oft mit Ornette Coleman und hütet über 150 Stücke. Ein paar davon haben Kühn und Jim McNeely von der HR-Big-Band arrangiert. Ein kleines bisschen klang es manchmal zu notiert. Doch auch hier lag der Reiz in der Konstellation: Hier die BigBand, und daneben das Quartett mit dem coolen, verspielten, disziplinierten Kühn, dem musikalisch noch immer verblüffenden 83-jährigen Michel Portal an den Klarinetten und einer irren Rhythmusgruppe. Immer wieder:Kollektive Das waren die besten Momente des Jazzfestes: Wenn die Musik von Begegnungen erzählte und das Genie sich im Sozialen entfalten musste, nicht in der Virtuosität des Einzelnen. Dieser Schwerpunkt auf Kollektive kehrte mehrmals wieder. Das KIM Kollektiv, das den oberen Stock der Festspiele installativ bespielte, trägt den Fokus schon im Namen. Die zwei Late Night Labs ließen gleich mehrere Ensembles miteinander reagieren. Die Aufmerksamkeit des eh schon gut zugeballerten Publikums reichte bei KIM nicht immer, man braucht ja mal ein Getränk. Das zweite Lab am Sonnabend war besser besucht und auch dialogfähiger. Die Einzelstimme im Jazz ist nicht tot, aber sie beherrscht nicht mehr. ImClub Quasimodo gab es zwar in der Band des Saxofonisten James Brandon Lewis Top-Solistinnen zu hören, etwa Jaimie Branch. Aber auch da schleichen die Soli in die Struktur von gemeinsamen, zarten und wütenden Klangwänden. Die große Bühne im Festspielhaus hat dieser musikalischen Tendenz auch räumlich Rechnung getragen. Zwei Tribünen rund um die ebenerdige Hauptbühne, davor Matratzenund erst weiter hinten die ersten Sitzreihen: Die alten wie die neuen Kollektive wollen niederschwelliger gehörtwerden. Dass dieses Jazzfest stark von Berliner Musikern und Musikerinnen mit vielen unterschiedlichen Pässen durchsetzt war, muss man schon gar nicht mehr nach außen kehren. Denn dass Berlin die Jazzhauptstadt Europas ist, weiß man überall. Außer in Restdeutschland. Mit Hubert Fichte in Salvador de Bahia Eine Ausstellung zur kolonialen Dialektik der Empfindlichkeit im Berliner Haus der Kulturen der Welt VonHarry Nutt Esraucht, zirpt und rattert, und bald nach Betreten der Ausstellung verlocken bereitgelegte Kopfhörer dazu, den Gehörsinn ein wenig konzentrierter einzusetzen. Sie lieferndie Tonspur zu einem Film in Endlosschleife. Talking Heads, nachdenkliche Künstler, lange Pausen, einmal fällt der Name Pasolini. Kontext und Verstehen, will diese schroff ausgrenzende Einladung zum weit verzweigten Themenfeld Liebe und Ethnologie wohl sagen, sind grundsätzlich flüchtiger Natur. Also weiter zu den Bildern, denn diese Ausstellung auf den Spuren des Hamburger Schriftstellers Hubert Fichte operiert natürlich auch mit visuellem Überschuss. Das wohl bekannteste Porträt Fichtes zeigt den 1935 in Perleberg geborenen, 1986 in Hamburg gestorbenen Schriftsteller und Ethnografen sitzend als seltsam verpupptes Mann-Frau-Wesen. Ruht er aus? Thront er? Hört erjemandem zu? Die Erscheinung entführt in eine ferne Vorstellungswelt, in die es HubertFichte in Hamburg mit Bauchmaskeund einer Tonkopfmaske. zu HubertFichte angesehen wurde. Assoziationen, Querverweise, Analogien. Während die Ausstellung eine Leitidee verweigert, erhält man als beflissener Leser vonHinweistader einer Performance des chilenischen Künstlers, Performers und Schriftstellers und schwulen Aktivisten Pedro Lemebel zu sehen, der in Santiago als eine Art Parallelfigur LEONORE MAU Fichte bald zog, nachdem er 1968 mit seinem Roman „Die Palette“ über einen Hamburger Szene-Treffpunkt bekannt geworden war.Intellektuelle Rastlosigkeit war sein Programm. 1971 studierte er die afrobrasilianischen Religionen in Salvador da Bahia, reiste nach Argentinien zu Jorge Luis Borges und nach Chile zu Salvador Allende. Es folgten Aufenthalte in Haiti, Reisen nach Tansania, Äthiopien, Trinidad und in die Dominikanische Republik. Am Ende dieser Exkursionen sollte seine gut zwei Dutzend Bände umfassende „Geschichte der Empfindlichkeit“ stehen, die der an Aids erkrankte Fichte jedoch nicht mehr abschließen konnte. Man darf sich vom Bilderreichtum der Ausstellung im Haus der Kulturen nicht täuschen lassen. Es geht um Text, sehr viel Text. Und letztlich ist die Schau nur ein Verweis auf andere Ausstellungen, die in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut zuvor in Lissabon, Salvador de Bahia, Rio de Janeiro, Santiago de Chile, Dakar und NewYork erarbeitet worden sind. So sind Bil- feln immerhin eine zweite Chance, doch noch mit einer linearen Erzählung nach Hause zu gehen. Aber Ausstellungsmacher wollen natürlich mehr. Der Auseinandersetzung mit Fichte lag der Gedanke eines Re-Imports zugrunde. „Lassen sich die ethnologischen Beobachtungen und Empfindungen eines deutschen Schriftstellers zu afro-diasporischen Kulturen restituieren?“, lautet eine an aktuellen Diskursen orientierte Frage, indenen Worte wie „postkolonial“ und „Dekolonisierung“ zu Schlüsselbegriffen geworden sind. Fichte hat sein Thema nicht nur theoretisch erschlossen, sondern mit allen Sinnen und nicht zuletzt auch mit sexuellem Begehren erspürt. „Welche Möglichkeiten“, so fragen die Kuratoren Anselm Franke und Diedrich Diederichsen, „eröffnet und an welche Grenzen stößt der Einsatz von Selbstreflexion und schwuler Sexualität als Forschungswerkzeuge?“ Fichte sprach provokativ von einer „Verschwulung der Welt“. Wasesmit all dem auf sich haben könnte,erfährtman sehr viel plausibler als in der Ausstellung aus einem literarischen Text. In seinem Roman „Lookalikes“ aus dem Jahr 2003 wandelte der poptheoretisch bewanderte Schriftsteller Thomas Meinecke ebenfalls auf Hubert Fichtes Pfaden. Meinecke lässt darin Forschungsergebnisse der Literaturwissenschaftlerin Wiebke Kannengießer einfließen, die in Salvador de Bahia (wo sie am Goethe- Institut arbeitete) einen Text Fichtes mit der sich ihr darstellenden Wirklichkeit abgeglichen hat. Und während die quasi-wissenschaftliche Position Fichtes im Haus der Kulturen der Welt heroisiertund durch Assoziationsketten verklärt wird, wirft Kannengießer zumindest Fragen zur postmodernen Selbstinszenierung einer bisexuellen Figur desWeder-Noch auf. HubertFichtes Exotismus habe, so legt Wiebke Kannengießer nahe, etwas seltsam Prahlerisches gehabt. Liebeund Ethnologie. Die kolonialeDialektik der Empfindlichkeit(nach HubertFichte) bis zum 6. Januar 2020 im Haus der Kulturen der Welt. John-Foster-Dulles-Allee 10
Berliner Zeitung · N ummer 257 · D ienstag, 5. November 2019 21 * ························································································································································································································································································· Feuilleton Passagen keimender Zuversicht „Ein deutsches Requiem“ in der Philharmonie VonGerald Felber Die Blätter fallen von den Bäumen und die Zeit der Requiems beginnt. Doch das Rundfunk-Sinfonieorchester sowie die Chöre des Jungen Ensembles Berlin (Einstudierung: Vinzenz Weissenburger) und von„Cantus Domus“ –zusammen ein respektabler Klangblock vonrund 250 Mitwirkenden, der das Podium in der Philharmonie satt ausfüllte –beließen es am Sonntagnachmittag nicht dabei. Indem sie Johannes Brahms’ „Deutschem Requiem“ zwei Psalm-Vertonungen von Heinrich Schütz voranstellten, verwiesen sie auf die Kontinuität des Humanistischen und Emphatischen bei diesen prägenden Gestalten der deutschen Musikgeschichte. Dass beide, trotz der fundamentalen stilistischen Wandlungen in den zwischen ihnen liegenden Jahrhunderten, auch musikalisch viel verbindet, wurde daran deutlich, wie erst Dirigent Ralf Sochaczewsky mit dem „Cantus Domus“-Ensemble bei Schütz und dannVladimir Jurowski im Requiem gleichermaßen die innig trostvolle, aber in ihren Ausdrucksformen oft herbe Rhetorikder Werkeunterstrichen. In den älteren Kompositionen wurde eine zupackend direkte, durchaus auch etwas blockige Gestaltung zusätzlich durch den Verzicht auf jede (mögliche und sonst meist auch praktizierte) instrumentale Unterstützung betont. Jurowski nahm diese Linie insofern auf, als auch er weniger auf lyrische Durchlichtung denn auf kraftvolle Fülle des Vokalklangs setzte –mit leuchtenden Sopranspitzen und besonders anrührend in Passagen keimender Zuversicht wie dem „Soseid nun geduldig“ des zweiten Abschnitts. Auf ins drächische Kummerland: Georgina Melville als Jim Knopf und Carsten Sabrowski als Lukas. Mit ungebremster Freude Die Komische Oper zeigt Michael Endes „Jim Knopf“ als Kinderoper von Elena Kats-Chernin VonClemens Haustein Das sollte man wohl im übertragenen Sinn verstehen:„Wir sind Heimat für alle, egal aus welchem Land man stammt!“ Denn gleichzeitig schickt König Alfons der Viertel-vor-Zwölfte, seines Zeichens Herrscher über den Inselstaat Lummerland, doch einViertel seiner vierköpfigen Untertanenschaft, den Lokomotivführer Lukas nämlich, von der Insel, weil der Platz eng zu werden droht. Er tut das verdruckst und peinlich berührt, aber Ausweisung bleibt Ausweisung: keine allzu schöne Sache. Etwas voll nimmt Alfons also den Mund mit seiner Parole vonder „Heimat für alle“, die ihm im Kindermusical „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“ – am Sonntag hatte es in der Komischen Oper Premiere –von Librettistin Susanne Felicitas Wolf in den Mund gelegt wird. Wohl mit politisch-pädagogischer Absicht. Besser also im übertragenen Sinn. Denn die Zahl derer, denen Michal Endes Buch und damit Lummerland als ironische,aber gar nicht so harmlose Kleinststaat-Erfindung zu einer literarischen Heimat wurde, dürfte riesig sein. Wassteckt nicht alles in diesem Buch, das auch noch den psychologisierenden Erwachsenen anrührt: ein Kind, das einst im Postpaket ankam und sich nun auf Identitätssuche begibt, ein Riese,der nur aus der Ferneriesig wirkt und kleiner wird, je näher man ihm kommt, ein Lehrer-Drache, der aus Frust über die eigene Boshaftigkeit nur immer boshafter wird und der von Jim und Lukas nicht getötet wird, wie das in früheren Mythen noch üblich war, sondern gefangengenommen und damit einem inneren Lernprozess übergeben: Am Ende wird sich der Drache Mahlzahn in den Drachen der Weisheit verwandeln. All das kommt auch in Susanne Felicitas Wolfs Libretto-Fassung vor und doch erscheint JimKnopfs Reise von Lummerland ins drächische Kummerland und wieder zurück (dann mit unterwegs eingefangenem Eiland als territorialer Erweiterung für die Heimatinsel) seltsam holzschnitthaft und zauberarm. Ganz klassisch folgt man hier dem Musical mit seiner Abfolge einzelner Nummern. Im gesprochenen Dialog schreitet die Handlung voran, zwischengeschobene Songs und Tanzeinlagen verzögern sie. Beides steht weitgehend unverbunden nebeneinander, recht stockend geht es dadurch voran. Das Reisetempo von Lokomotive Emma in allen Ehren, ein wenig flüssiger dürfte es schon gewesen sein. Die Dehnung, die die Erzählung damit erhält, versucht Elena Kats- Chernin mit einer munter-farbigen Musik zu gestalten. Tanzrhythmen herrschen vor, Kats-Chernin, die für die Komische Oper bereits die Musik für „Schneewittchen und die 77 Zwerge“ schrieb, liefert eine poinitierte Musical-Instrumentation, auch Emma wird mit einem angemessen schrillen Pfeifen bedacht, das aus Clusterakkorden der Holzbläser tönt. Zwei famose Zwischenspiele komponierte Kats-Chernin: eines, das schwung- und machtvoll die Meerfahrt auf der seefest gemachten Lokomotive schildert, und eines für die Fahrt durchs „Tal der Dämmerung“ mit seinen bis zur Katastrophe sich verstärkenden Echos. Einen eigenen Jim-Knopf-Ton findet IMAGO IMAGES sie dabei nicht.Vielleicht würde man ihn auch nicht erwarten, hätte es nicht das kongeniale Titellied zur Marionetten-Fassung der Augsburger Puppenkiste gegeben:„Eine Insel und zwei Berge“. Ivo Hentschel am Dirigentenpult leitet das Orchester der Komischen Oper mit Schwung und ungebremster Freude an großer Lautstärke durch das Stück, Georgina Melville gibt den JimKnopf als unerschrockenen Klein-Siegfried mit zeitgemäßer Baseballkappe auf dem Kopf, mit Carsten Sabrowskis gemütlichem Lukas würde wohl jeder gerne auf Reisen gehen, Julia Domkes Ping Pong lässt Regisseur Christian von Götz an der Grenze zum Nervenverträglichen herumhüpfen und -quieken. Lukas Nolls Bühnenbild schließlich verbindet Ökonomie mit Witz. Krabben spielen dort Karten, Seepferdchen schnäbeln zärtlich miteinander und auf einer Acht fährt unermüdlich Emma. JimKnopf undLukas der Lokomotivführer nächste Vorstellungen:9., 14.,17. 11,jeweils 11 Uhr,Komische Oper,Behrenstr.55–57, Karten unter 47 99 74 00 NACHRICHTEN Zeitschriftenverleger fordernstaatliche Förderung Deutsche Zeitschriftenverleger fordernvom Bund finanzielle Hilfe bei der teurer gewordenen Postzustellung ihrer Magazine.„Angesichts dieser Situation fordernwir Regierung und Gesetzgeber auf, den Fortbestand einer wirtschaftlich verkraftbaren Postzustellung zu ermöglichen und dies möglichst auch werktäglich und zwar überall, flächendeckend“, sagte der Präsident des Verbands Deutscher Zeitschriftenverleger (VDZ), Rudolf Thiemann, am Montag bei einem Branchentreffen in Berlin. (dpa) Chinesische Staatsmedien fordernhärteres Vorgehen Nach erneuten gewaltsamen Protesten in Hongkong haben mehrerechinesische Staatsmedien eine „härtere Linie“ gegenüber der Demokratie- Bewegung in der chinesischen Sonderverwaltungszone gefordert. Die Hongkonger Strafverfolgungsbehörden müssten „die Meute so schnell wie möglich zur Rechenschaft ziehen“, schrieb die Staatszeitung Global Times am Montag. Demonstranten hatten am Sonnabend ein Büro der staatlichen chinesischen Nachrichtenagentur Xinhua beschädigt, was diese als „barbarischen Akt“ bezeichnete.Eine „härtereLinie zur Wiederherstellung der Ordnung“ müsse die Antwortauf die „sich verstärkende Gewalt in Hongkong“ sein, schrieb die englischsprachige Zeitung China Daily. (AFP) Reste der „Lindenstraße“ kommen in Museen DieKüche vonMutter Beimer aus der „Lindenstraße“ kommt ins Museum. DasHaus der Geschichte in Bonn werdedie Küche und auch die Bushaltestelle Lindenstraße/Kastanienstraße aus der im Märzkommenden Jahres endenden ARD-Serie übernehmen, teilte der Westdeutsche Rundfunk am Montag mit. Auch für andereObjekte der Serie laufen demnach Gespräche mit Museen. So wolle die Deutsche Kinemathek in Berlin etwa die Speisekarten des „Akropolis“ sowie die Bademäntel vonMutter Beimer und Anna Ziegler übernehmen. (AFP) Der Bariton Matthias Goerne prägte das Konzert. MARCO BORGGREVE Die abgestufte Farbgestaltung in diesem bergenden, die Hörer auch in den leiseren Abschnitten gleichsam umhüllenden Klangstrom ging dann eher vom Orchester aus. Dessen körperliche Plastizität besonders in den rahmengebenden Randregistern–tiefes Blech und Orgel auf der einen, die hohen Holzbläser auf der anderen Seite –verlieh der Monumentalität des Ganzen gleichermaßen festen Halt wie atmosphärische Differenzierung. Für eine nachhaltige,höchst einprägsame Individualisierung innerhalb der gewaltigen Massenszenen sorgten die Bariton-Soli Matthias Goernes. Anders als seine Soprankollegin Maria Bengtsson, deren seraphisch lichtes Timbre sich weitab von allem weltlichen Getümmel entfaltete, hörte man bei Goerne einen innerlich zerrissenen Menschen im verzweifelten Zwiespalt zwischen Nihilismus und Glaubenshoffnung, der dann in der dunkel leuchtenden Vision des vorletzten Teiles quasi in seine geistliche Heimat zurückgefunden hat: eine Sehnsucht nach Sinn und Perspektive, die im übertragenen Sinne auch das ganze Konzert prägte und im komplett gefüllten Saal deutliche Resonanz fand. Kreide genascht Die 15. Folge von Bob Dylans offizieller Bootleg-Serie dokumentiert die Country-Phase des Musikers VonFrank Junghänel Der schönste Moment ist hier ein Studiospaß, der es damals nie und nimmer auf ein reguläres Album geschafft hätte.Nachdem der Song„I Still Miss Someone“ im Kasten war, haben sich Bob Dylan und Johnny Cash noch etwas Zeit genommen und gemeinsam ein Lied gesungen, zu dem es zwei verschiedene Texte gibt.„Don’t Think Twice,It’sAllright“, ein Dylan-Original, das vonCash zur selben Melodie als„UnderstandYour Man“ eingespielt wurde. Esist der 17. Februar 1967, als zwei Welten der Popmusik, nein, nicht kollidieren, sondern in einem denkwürdigen Duett auf eine ebenso rührende wie linkische Weise zusammenfinden. Auf der einen Seite Johnny Cash, der unangefochtene Countrystar dieser Ära, der mit majestätischer Attitüde und seinem sonoren Bariton den Dylan-Text singt –und daneben etwas zappelig und giggelnd der größte Proteststar der Sechziger, der freilich die Protestierei und das Rockstarsein vor einer Weile schon zugunsten eines ausbalancierten Familienlebens in den Hügeln am Hudson aufgegeben hatte. Wie sich diese beiden Führungsfiguren der zu Bob Dylan (l.) und JohnnyCash am 1. Mai 1969 bei der Aufzeichnung zu einer TV-Show jener Zeit unversöhnlichen Kulturen von konservativer Countrymusic und revolutionärem Pop die Zeilen und Akkorde zuspielen, ist mehr als ein Spaß –esist eine Offenbarung vonFreiheit und Selbstbestimmung. Unddas auf beiden Seiten. Nach einem guten Jahr Ruhe und Rekonvaleszenz infolge eines Motorradunfalls war ein sichtlich erholter Dylan als Landmann mit Fusselbart in die Öffentlichkeit zurückgekehrt. Wieder Wolf im Märchen hatte er an der Kreide genascht und sang nun mit dem weichesten Timbre ever Liebeslieder und Countrysongs wie „I Threw It All Away“, „To BeAlone With You“, „Lay Lady Lay“ und „One More Night“ –versammelt auf den LPs „John Wesley Harding“ und „Nashville Skyline“, die in ihrer schlichten Instrumentierung dem psychedelischen Wahn des ausgehenden Jahrzehnts ein Konzept von innerer Ruhe und äußerem Frieden entgegenzusetzen suchten. Die Sessions zu den beiden in Nashville aufgenommenen Alben werden auf der ersten von drei CDs/LPsder 15. Ausgabe vonDylans Bootleg-Serie dokumentiert. Die Herausgeber beschränken sich auf das Wesentliche und bieten –anders als bei früheren Editionen dieser im Pop beispiellosen Archivreihe – in diesem Fall nur je eine alternative Version bekannter Songs an, man muss sich nicht durch den gesamten Schaffensprozess hindurchhhören. Den Kern des mit insgesamt 50 Songs vergleichsweise moderat bemessenen Triplealbums bilden die Aufnahmen vom 18. Februar 1967, als sich Bob Dylan und Johnny Cash bei einer Studioprobe in Nashville an ein gemeinsames Album herantasteten, aus dem dann nichts wurde, dessen Warm-up jedoch in mehr oder minder guter Qualität seit einer Ewigkeit unter Sammlernkursiert. Nunendlich ist dieses tatsächlich einmalige Material mit Traditionals und Cash-Standards („Big River“) in einem adäquaten Sound zu hören. Als Zugabe gibt es die drei Songs,die Dylan zusammen mit Cash in dessen TV-Show vorgetragen hat, und einen Auftritt mit dem Bluegrass-Pionier Earl Scruggs.Danach war das Kapitel Nashville für BobDylan geschlossen. im Ryman Auditorium von Nashville SONY MUSIC TOP 10 BobDylan(featuring JohnnyCash) –Travelin’ Thru, 1967–1969 (Sony) Tucholsky-Preis für Hongkonger Publizist Derinhaftierte Hongkonger Buchhändler und Publizist GuiMinhai bekommt den diesjährigen Tucholsky-Preis der schwedischen Sektion des PEN-Clubs.Verliehen werdedie mit umgerechnet rund 14 000 Euro dotierte Auszeichnung am 15. November,teilte der Autorenverband am Montag mit. Einleerer Stuhl werdeGui Minhais Abwesenheit symbolisieren. DerinChina geborene Publizist ist einer vonfünf Buchhändlernaus Hongkong, die politisch heikle Bücher über China herausgegeben hatten, bis sie 2015 verschwanden. Alle fünf tauchten in China auf. Bisauf GuiMinhai sind alle wieder auf freiem Fuß. (dpa) Sonntag,3.November 1 Tatort ARD 12,63 34 % 2 Tagesschau ARD 6,79 20 % 3 Formel 1, Berichte RTL 4,19 12 % 4 heute ZDF 4,01 14 % 5 Terra X ZDF 3,89 12 % 6 Rosamunde Pilcher ZDF 3,85 10 % 7 heute-journal ZDF 3,81 12 % 8 RTL aktuell RTL 3,75 13 % 9 Anne Will ARD 3,62 13 % 10 Berlin direkt ZDF 3,53 12 % ZUSCHAUER IN MIO/MARKTANTEIL IN %
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