Marlene Dumas - Fonoteca Municipal de Lisboa

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Discos aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente Ratatat: a “trip” nunca se concretiza Tame Impala United States of America, os Stone Roses e muitos mais). Mas isso não os menoriza de todo. Tome-se, por exemplo, “Alter Ego”, a estupenda quarta canção do disco: pilha um “beat” usado milhares de vezes na electrónica moderna, rodeia-o de guitarras “glam” e dá-lhe um “rouge soul” na face: estamos tanto em território dos Broadcast como num lado B dos Beatles (fase “Revolution”) nunca lançado, um pé na melodia clássica, outro na pista de dança. O rei aqui é a guitarra, ora em “riffs” ora em dedilhados, ambos psicadélicos e etéreos. Quando a melodia se apruma lembramo-nos dos Stone Roses, até porque o baixo não está só a fazer figura de corpo presente. Quase sempre as vozes são “naives” e filtradas e podíamos jurar que, em “It’s not meant to be”, a bateria é passada pelos mesmos ecos e filtros usados pelos United States of America (e as guitarras usam os mesmos efeitos que os Byrds em “Eight Miles High”) . Ora mais pop, ora mais dançável, ora mais púrpura, o grande mérito dos Tame Impala é juntar todas essas influências numa voz adormecida no mar de gaze das guitarras. Vão ser, obviamente, os próximos grandes qualquer-coisa e alguém de bom senso devia editá-los cá e trazê-los para uma desbunda de seis cordas a berrar alto. Muito alto. J.B. Tudo negro neste “Dark Side Of The Moon” The Flaming Lips & Stardust And White Dwarfs The Dark Side Of The Moon Warner mmmnn A ideia parece descabida. a. Uma releitura, canção por canção, de “Dark Side Of The Moon”, clássico dos clássicos dos Pink Floyd que, não sendo necessariamente o melhor disco da banda, é o mais emblemático. À primeira vista, não passa de uma perda de tempo que chamará a atenção durante 15 minutos antes de desaparecer de cena. Assim seria, não se desse o caso de falarmos dos Flaming Lips, que gravaram em tempos um álbum quádruplo chamado “Zaireeka”, que só poderíamos ouvir tal como idealizado tocando os quatro CDs em simultâneo, em quatro aparelhagens diferentes. Ou seja, os Flaming Lips, que voltaram a soar urgentes e “psicadelicamente” excessivos em “Embryonic” (o último álbum, de 2009), lançaramse às canções de “Dark Side Of The Moon” porque, muito simplesmente, podiam fazê-lo. Convocaram Stardeath And White Dwarfs, a banda de Dennis Coyne, sobrinho de Wayne Coyne, deram um toque a Henry Rollins e outro a Peaches e montaram uma bizarria que, ao contrário da maioria dos álbuns de versões, soa melhor na prática que em teoria. Editado em formato digital em Janeiro, conhece agora edição física. Nele, os Flaming Lips e os Stardeath And White Dwarfs transportam o psicadelismo “technicolor” e a limpidez sonora do original para o seu próprio território. Ou seja, o ambiente torna-se denso, as guitarras distorcem e planam em “feedback”, o existencialismo ganha contornos de neurose. Henry Rollins, responsável pelo “spoken word” entre canções, dá o tom logo a início: “I’ve been mad for fucking years! I’m mad, I’ve always been mad!” E Peaches, mais à frente, ao recriar o solo vocal de “The great gig in the sky” em gritos enfurecidos, dementes, prova que o “lunatic” deste novo “Dark Side Of The Moon” é realmente diferente do original imaginado por Roger Waters — digamos que, impulsionado pelo som dos Flaming Lips em “Embryonic”, foi criado da perspectiva da “cançãopsicose” dos Pink Floyd, “Careful with axe, Eugene”. Ao contrário da maioria dos álbuns de versões, a releitura dos Pink Floyd pelos Flaming Lips soa melhor na prática do que na teoria Mais curiosa que brilhante, a nova versão põe toques de telemóvel no lugar dos relógios de corda de “Time”, transforma “On the run” em disco-funk “janado” (tudo reverberações e guitarras silvando como sirenes de nave espacial), transforma “Breath” em hino às maravilhas do “fuzz” aplicado ao som de baixo e faz de uma trôpega caixa de ritmos o suporte para a preguiçosa e falhada versão de “Money” — o momento “ao lado” do álbum. “There’s no dark side of the moon, really. As a matter of fact, it’s all dark”, despede-se Henry Rollins. Os Pink Floyd matizavam essa constatação com música grandiosa, de uma luminosidade reconfortante. Os Flaming Lips preferem brincar na escuridão. E, apesar de continuarmos sem saber por que raio se aventuraram numa coisa destas, saem-se bem. Não deslumbram, divagam livremente. E divertem. M.L. Psicadelismo de designer Ratatat LP4 XL Recordings; distri. Popstock mmmnn O álbum anterior tinha como título “LP3”. Este, o quarto, foi baptizado “LP4”, como se fosse a continuação da série. Faz todo o sentido. O som dos Ratatat, duo americano formado por Mike Stroud e Evan Mast, mantém-se inalterável desde a edição do álbum homónimo em 2004. Neste momento, podem ser nome em ascensão enquanto produtores hip-hop, tendo trabalhado com Kid Cudi no seu álbum de estreia, “Man On The Moon: The End Of Day”, mas enquanto Ratatat mantêm o rumo inalterado: prosseguem pela autoestrada cósmica pejada de sintetizadores ambientais, guitarras planantes e ritmos de um minimalismo eficiente. São psicadelismo de designer, impecavelmente construído. Mas a verdade é que, apesar das produções luxuriantes (até acrescentaram tablas ou percussões turcas à equação), não passam de música de fundo (de bom gosto inatacável, mas música de fundo ainda assim). Apreciamos as guitarras floydianas e o som do “harpsichord”, gostamos dos Moogs, da elegância das batidas, das sugestões funk e das orquestrações apontando a Oriente; apreciamos tudo isso e esta ideia de uns Daft Punk alegremente vendendo a alma ao “space-rock” (sem rock, naturalmente), mas a “trip” nunca se concretiza. Limita-se a ficar lá longe, incógnita, a acariciar o subconsciente. M.L. Uma questão de ritmo PAUS É uma Água Enchufada mmmmn O EP de estreia dos PAUS confirma os sinais muito positivos que os lisboetas andavam a transmitir nos palcos. União de músicos dos If Lucy Fell e Linda Martini com um ex- Vicious Five, os PAUS inventam uma música de difícil classificação, fortemente ancorada no ritmo. A culpa é da “bateria siamesa” (dois bateristas tocam em duas baterias unidas pelo mesmo bombo), uma criação do grupo que é a força propulsora das quatro canções aqui reunidas. Acompanham-na cânticos comunais (com palavras, em “Pelo pulso”, ou sem elas, a lembrar os ritos vocais dos Animal Collective, como em “Mete as mãos à boca”), um baixo a desempenhar as suas funções habituais e as de uma guitarra e sintetizadores. “Lupiter Deacon” é um espantoso momento de fervilhar percussivo, sintetizador alienígena e dinâmicas crescendo-explosão — e um divertido momento “na na na na na”, que sublinha o apelo lúdico destas canções. “Mete as mãos à boca” lembra uns Battles sem os histerismos e mais dados aos encantos libertários da selva, enquanto “Mudo e surdo” inventa uma espécie de “stoner” suave, com teclados aos círculos e cantorias gloriosamente desprovidas de sentido. “É uma Água”, interessante cruzamento de referências com a dose certa de idiossincrasias, augura um futuro radiante para os PAUS. Pedro Rios PAUS: o futuro é radiante Afrobeat futurista Donso Donso Comet, distri. Megamúsica mmmnn Álbum de estreia de um novo quarteto com um pé na cultura tradicional do Mali e outro na cena de dança de colheita francesa. De um lado estão Gedeon Papa Diarra, cantor de voz carinhosa, Guimba Kouyate, virtuoso do n’goni e doutras cordas, reforçados por um punhado de instrumentistas malis. Do outro há Thomas Guillaume, típico percussionista entre cá e lá, e Pierre- Antoine Grison, que na editora tecno Ed Banger responde pelo nome artístico de KrazyBalhead. Juntos, o que fazem é música de fusão raízes afro-electrónica, o que nos tempos que correm está longe de ser uma novidade. Não será muito original, portanto, mas os Donso exibem na estreia um leque de trunfos que também não são de desprezar. Gedeon Papa Diarra é, para começar, um cantor notável num estilo a meio caminho entre o purificador dos espíritos e o encantor de serpentes, tão à vontade nas grandes paisagens desérticas, como no espaço acanhado das caves dançantes europeias. A equação de ritmos africanos com prestigiditação electrónica raramente terá soado tão harmónica e natural como nesta sequência de misturas elásticas e pulsantes. Por vezes, o convite a dançar é irresistível, outras, porventura a maior parte, é uma coisa mais anímica, uma vibração que não anda longe do devaneio e da hipnose. Poderá não adiantar grande coisa, mas a estreia dos Donso destaca-se por este “groove” contagioso, que (melhor que muita concorrência) faz justiça ao programa de um afrobeat futurista. Luís Maio 36 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon
Jos van Immerseel: a sua interpretação de Berlioz diverge das propostas com orquestras modernas Clássica Radiografia da “Sinfonia Fantástica” A magia tímbrica dos instrumentos de época e o rigor de Van Immerseel e da Anima Eterna acentuam ainda mais as inovações de Berlioz. Cristina Fernandes Berlioz Sinfonia Fantástica Anima Eterna Brugge Jos van Immerseel (direcção) Zig-Zag Territoires mmmmn Composta em 1830, a “Sinfonia Fantástica”, de Berlioz, é um exemplo revolucionário da arte da orquestração e um paradigma da música programática do Romantismo, mesmo se mais tarde o autor prescindiu do argumento que relatava a paixão obsessiva de um artista por uma jovem mulher (representada musicalmente por uma “ideia fixa” que percorre toda a obra) e as suas alucinações motivados pelo ópio. As interpretações desta obra em instrumentos de época não são inéditas, mas são escassas. Depois de Norrington, Gardiner e Minkowski, surgiu há pouco tempo a reveladora versão de Jos van Immerseel com a sua orquestra Anima Eterna. Conhecendo-se o perfil meticuloso do maestro belga, era previsível que o resultado fosse de grande rigor e se revestisse de um colorido e de uma transparência que diverge das propostas com orquestras modernas, normalmente caracterizadas por uma massa sonora mais compacta. A direcção As composições de Pascal Dusapin têm sido dirigidas por Rostropovitch, Krivine, Simon Rattle ou Michel Plasson de Immerseel é de uma objectividade quase anti-romântica, mas a obra nunca perde a sua força. Pelo contrário: a percepção de um tecido orquestral onde cada linha e pormenor se distinguem com enorme nitidez, assim como a sedução tímbrica — ouçam-se as madeiras na “Cena nos Campos” ou os oficleides associados ao “Dies Irae” —, contribuem para tornar ainda mais evidente o carácter inovador da composição. No burlesco Sabbath das bruxas retratado no último andamento, Immerseel usa dois pianos Érard em lugar dos sinos, solução que teria sido seguida pelo próprio Berlioz nalgumas salas de concerto, e recorre à sugestiva técnica do “col legno” (as cordas são percutidas pela vara do arcos dos violinos) na evocação da grotesca dança dos esqueletos. É conhecida a atracção de Berlioz pelas orquestras de dimensões megalómanas, mas Immerseel opta aqui por um efectivo médio (pouco mais de 60 músicos), apoiando-se no facto de o compositor ter ficado satisfeito com o resultado obtido com orquestras alemãs de 50 instrumentistas. É possível que esta opção se deva também a questões de economia, mas por outro lado vem ao encontro da estética habitual da Anima Eterna, caracterizada por uma clareza quase camarística que parece aspirar a obter uma radiografia da estrutura interna da música. A “Sinfonia Fantástica” é complementada por uma versão igualmente depurada da abertura “O Carnaval Romano”. Uma odisseia orquestral Pascal Dusapin 7 Solos pour orchestre Orchestre Philharmonique de Liège Wallonie Bruxelles Pascal Rophé (direcção) Naive, 2 CD mmmmn Pascal Dusapin (França, 1955) é um dos mais destacados compositores da actualidade, senhor de um extenso catálogo de obras, tocadas regularmente por prestigiados agrupamentos em todo o mundo, as quais se encontram, em grande parte, gravadas pela editora Naïve. Sendo indiscutível o seu sucesso no domínio da ópera e no da música concertante, Dusapin tem um inquestionável domínio da escrita orquestral, na qual demonstra a sua “verve” melódica e o largo espectro de influências no seu trabalho. Os “7 Solos para orquestra” resultam de um conjunto de obras escritas entre 1991 e 2008. Aquando das suas respectivas estreias, foram dirigidos por maestros da craveira de Rostropovitch, Krivine, Simon Rattle ou Michel Plasson, facto que atesta o reconhecimento internacional do compositor. Desta vez, foram todos gravados pela mesma orquestra, sob a direcção de Pascal Rophé, maestro muito associado a Dusapin. No seu percurso de 18 anos, fica demonstrado um cunho pessoal de escrita extremamente consistente e de grande dramatismo. Sendo a origem das peças autónoma, mesmo se primordialmente consideradas como parte de um conjunto maior, a sua audição na íntegra parte de um pressuposto legítimo mas extremamente ambicioso. É que as suas relações harmónicas e motívicas, ou a exploração de certos efeitos aparentados, pode tornar a experiência confusa ou cansativa, mesmo tendo em conta que umas obras são mais “harmónicas”, outras mais “melódicas” ou, ainda, que exploram atmosferas mais estáticas ou contrastantes. A direcção de Pascal Rophé é atenta aos detalhes e perfeita no domínio das atmosferas, deixando, contudo, a sensação de ainda haver espaço para uma maior beleza no potencial das partituras de Dusapin. Jazz Somos todos bicaenses O novo projecto de Carlos Bica supera as expectativas. Nuno Catarino Carlos Bica Matéria Prima Clean Feed mmmmn Carlos Bica andava satisfeito com o seu trio Azul, uma parceria com Jim Black e Frank Möbus, mas resolveu avançar ançar para um projecto alternativo. Juntou o bateristarevelação João Lobo, o experiente guitarrista Mário Delgado e o brilhante pianista João o Paulo (parceria reforçada com o disco “White Works”). Convidou ainda o jovem trompetista alemão Matthias Schriefl, para acrescentar dinâmica. Neste disco gravado ao vivo, o quinteto trabalha alguns temas do repertório de Bica, mas não só. Para além de reinventar temas antigos como “Believer”, “Iceland” ou “Roses for you” (entre outros), inclui ainda inesperadas versões: “For Malena”, de Marc Ribot, ou o tema principal do filme “Paris, Texas”, de Ry Cooder. É inevitável fazer a comparação desta música com o trio Azul, mas este projecto consegue surpreender: a guitarra de Delgado faz esquecer a frieza de Frank Möbus; João Lobo não será Jim Black, mas aguenta o ritmo sempre com segurança; o piano (e o pontual acordeão) de João Paulo acrescenta novas cores; o trompete de Schriefl brilha quando solicitado; e Bica continua o irrepreensível mestre do contrabaixo, versátil, criativo. Nada a apontar às composições (apenas a ausência de novidades), mas o mais importante é ver o modo como são transformadas: cada canção é investida com uma intensa energia, todos os músicos revelam um impecável acerto e cada tema vai ganhando asas à medida que é desenvolvido, e a força das melodias (tão açucaradas que nos conquistam com facilidade) vão sendo reforçadas pelos arabescos individuais. Vivendo entre a sofisticação e o “kitsch”, a música balança mesmo até à fronteira do piroso, mas é tudo sabiamente controlado o pelo líder contrabaixista. Este disco não é (só) jazz, esbate fronteiras de estilo: é pop, é rock, é afro-cubana, é latina, tanta coisa ao mesmo tempo. Bica tem aqui um grande disco, muito bem desenhado, muito bem executado, muito acessível. O novo projecto de Carlos Bica consegue surpreender Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 37
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