Keith jarrett - SONO

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Kl a SSiK David Orlowsky Trio „Chronos“ Sony [Weltmusik] Der deutsche Klarinettist David Orlowsky hat genau diese intensive Herzenswärme in seinem ,singenden’ Ton, der man sich kaum entziehen kann. Und selbst wenn er jetzt wieder auf sein angestammtes Terrain zurückkehrt, in die Welt des Klezmer, reibt man sich verwundert die Ohren. Denn obwohl Orlowsky auch auf seinem dritten Album seiner Klarinette eigentlich altbekannte Tränen entlockt, er sein Instrument frech aufjauchzen lässt oder zum Tanz aufspielt, kommt diese uralte Musik einfach ganz neu daher. Das liegt jedoch weniger an den Kompositionen, die allesamt aus der Feder von Orlowsky, Florian Dohrmann (Kontrabass) und Gitarrist Jens-Uwe Popp stammen. Mit Gästen wie Bandoneonist Per Arne Glorvigen zeigt das Trio, das es hier nicht um das Idiom der osteuropäischen Folklore geht, sondern um ihren Geist. Reinhard Lemelle Weiterhören: Giora Feidman, David Krakauer, Don Byron David Garrett „Beethoven: Violinkonzert; Kreisler: Violinstücke“ DeCCa/UniVerSal, V.Ö. 4.11. [Konzert] Fast nur mit der Lupe kann man auf dem CD-Cover lesen, was Glam-Geiger und Teenie-Schwarm David Garrett nun eingespielt hat: Es ist Beethovens einziges Violinkonzert! Wer aber befürchtet, dass Garrett auf diesen Prüfstein der Interpretationkompetenz rockig drauf los 34 drischt, darf durchatmen. Dezent und elegant kommt sein Spiel daher. Sein Ton ist nicht nur schlank, sondern besitzt zudem verzaubernde Schönheit. Als wollte Garrett den oftmals verkannten Melodiker Beethoven endlich rehabilitieren. Und das ist ihm jetzt auf seine Weise gelungen. Im Zugabenprogramm zeigt er dann mit dem (leicht blassen) Royal Philharmonic Orchestra unter Ion Marin, dass er nicht nur sentimental zu schwelgen versteht. In den Wiener Salonstücken des Geigers Fritz Kreisler schaltet Garrett auch bravourös ein paar Gänge höher – und dürfte selbst damit seine ärgsten Kritiker souverän entwaffnen. Guido Fischer Weiterhören: Jascha Heifetz, Gidon Kremer, nikolaj Znaider The London Steve Reich Ensemble „reich: Different Trains, Piano Counterpoint u. a.“ eMi ClaSSiCS [Minimal Music] Goethe empfand das Streichquartett noch als Gespräch zwischen vier vernünftigen Menschen. Vorausgesetzt, es gibt Themen, über die man sich streiten kann. Beim US-amerikanischen Minimalismus-Guru Steve Reich gibt es stattdessen nur die rhythmische Kinetik. So komponierte er 1999 gleich ein Triple-Quartet, bei dem 12 Streicher über komplex verschachtelte Motive und Rhythmen einen unglaublichen Sog entwickeln. Und mit „Different Trains“ schuf Reich 1988 gar ein beklemmendes Quartett über den Holocaust, das er mit Tonbandzuspielungen collagierte. Anlässlich von Reichs 75. Geburtstag hat das London Steve Reich Ensemble diese Kammermusikwerke enorm spannungsvoll in den Griff bekommen. Kaum glauben möchte man hingegen, dass Reichs Minimal Music-Manifest „Six Pianos“ jetzt als „Piano Counterpoint“ von einem einzigen Pianisten gestemmt worden sein soll. Guido Fischer Ähnlich wie: Philip Glass, John adams Trio Bravo+ „Trio Bravo+“ oZella/Galileo MC [Crossover] Eine Biographie, die heute schon wieder unwirklich wirkt. Der Geiger Mark Chaet wurde in der realsozialistischen Ukraine geboren, geriet dort zunächst an den falschen Musiklehrer, der ihm sein Talent absprach. Er ließ sich aber davon nicht abbringen, kam in einer Musikberufsschule unter und studierte sein Instrument so lange, bis seine politische Einstellung nicht mehr ins System passte. Zwar wurde er in der Ära der Öffnung als Musiker rehabilitiert, hatte aber 1992 dann doch die Nase voll und wanderte über weite Umwege nach Berlin aus, wo er 1994 endlich an der Hanns- Eisler-Universität seine Kompetenzen weiter verfeinern durfte. Dort traf er auf den Kontrabassisten Sergej Sweschinskij und gründete zusammen mit Pianist Alexander Gutman das Trio Bravo. Mit dieser Formation erspielte Chaet sich im Lauf der folgenden Jahre einen guten Ruf als Geiger zwischen den Stilen, und so entwickelt sich das Ensemble zu einer Konstante in seinem Künstlerleben. „Trio Bravo+“ bietet nun einen Schlusspunkt der ersten 15 Jahre Klangerkundungen im Grenzgebiet von Folklore, Klassik und Jazzgetöntem. Mit wechselnden Besetzungen etwa um die Marimba-Spielerin Maria Schneider ergänzt, schlendert Chaet an den Stationen seiner bisherigem Karriere entlang, bringt eine Prise Russisches mit etwas Abstrakti- on, einen Hauch des Schtetls mit Kammermusikalischem zusammen. Mit viel Emphase gestaltet er Räume voller Offenheit, Melancholie und ist längst da, wo Nigel Kennedy gerne wäre. Ralf Dombrowski Weiterhören: Fauré Quartett, Daniel Kahn, Moscow art Trio Enrico Pieranunzi „1685 – enrico Piera nunzi plays Bach, Händel, Scarlatti“ CaM JaZZ/eDel KUlTUr VÖ 28.10. [Recital] Irgendwann packt es jeden einmal. <strong>Keith</strong> Jarrett hat es schon getan, Chick Corea ebenfalls und nun eben auch Enrico Pieranunzi. Der italienische Pianist und Klavierprofessor spielt Klassiker, und er wählt die Komponisten aus, die mit ihrem Hang zur zuweilen improvisiert wirkenden Linienbildung neben den Impressionisten dem Jazzempfinden am nächsten sind. Als Motto wählt er das Geburtsjahr von Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel und Domenico Scarlatti 1685, von dem aus er verschiedene Kapitel der Variationskultur anvisiert. Das Besondere dabei: Pieranunzi verknüpft die Werke der barocken Meister mit eigenen Improvisationen, gemäß der Vorstellung, dass erst die bürgerliche Klassikrezeption des 19. Jahrhunderts den Interpreten die Fähigkeit zu spontanen Variationen abgewöhnt hat. Und tatsächlich ist dieses Solo-Recital immer dann am besten, wenn Freiheit auf die Festlegung trifft, wenn eine intuitive Passage beinahe unmerklich in eine komponierte übergeht und sich auf diese Weise die musikalischen Welten kommentieren, ergänzen, komplettieren. Allerdings stößt Pieranunzi da auch an seine Grenzen. Denn so souverän sein
Anschlag und seine Phrasierung im Jazzigen klingen, so klar fehlt ihm im Klassischen doch eine Anschlagskultur etwa eines András Schiff oder der Nachdruck eines Friedrich Gulda. Da hilft es auch nicht, für einige Stücke auf ein historisches Instrument aus dem Jahr 1849 zurückzugreifen, denn gerade ein alter Pleyel ist noch herausfordernder als ein neuer Steinway. Ralf Dombrowski Weiterhören: Brad Mehldau, Stefano Bollani, alfred Brendel Daniel Barenboim/ Pierre Boulez „The liszt Concertos“ DG/UniVerSal [Konzert] Ein Pianist spielt Liszt, natürlich, es ist ja Jubiläum. Und deshalb widmen sich dieser Tage ganze Armaden von Interpreten dem musikalischen Schaffen des romantischen Komponisten, der in vielfacher Hinsicht die Vorstellung und Wahrnehmung von Musik verändert hat. Denn Liszt etablierte die Idee des Virtuosen endgültig in der bürgerlichen Konzertkultur, und seine beiden Klavierkonzerte gelten als Schlachtschiffe des Zirzensischen, gerne geschmäht von einer Musikkritik, die den Kampf des erfolgreichen Künstlers mit den Grenzen der Ausdruckskraft so nicht akzeptieren wollte. Daniel Barenboim nun, selbst auf seine Weise ein Missionar eines toleranten Kulturverständnisses, konnte es daher nicht hinnehmen, dass die Liszt’schen Konzerte im Jubeljahr womöglich falsch verstanden werden könnten, und widmete sich für das Klavier-Festival Ruhr dem mächtigen Werk aus seiner Perspektive. Wichtig war ihm die Entkleidung des Mythos vom Gewand des Historischen und eine Neudeutung des Virtuosen als Spiel mit Illusionen und Farben. Damit das auch möglich werden konnte, lud er seinen Kollegen Pierre Boulez an das Pult der Staatskapelle Berlin, einen der erfahrensten Klangraumgestalter der Gegenwart. Und vor allem diese Entscheidung trug dazu bei, dass die im Juni des Jahres in Essen aufgezeichneten Konzerte sich auch dem nähern, was Barenboim sich dachte. Denn erst im Verbund des dynamisch und dramaturgisch perfekt gesteuerten Orchesters konnte der Pianist mit den Möglichkeiten der Klangfarblichkeit spielen. So wurde aus „The Liszt Concertos“ zwar keine Jahrhundertaufnahme, aber doch eine Version inspirierter Auseinandersetzung mit dem Monumentalen, die Feinheiten des Tiefgründigen zuließ. Sascha Fröhlich Weiterhören: Svjatoslav richter, Julius Katchen Hélène Grimaud „Mozart: Klavierkonzerte nr. 19 & 23 u. a.“ DG/UniVerSal [Konzert] Von den bisherigen Aufnahmen Hélène Grimauds weiß man, dass sie sich über die ausgewählten Klavierstücke lieber einmal zu viel als zu wenig Gedanken macht. Kopflastig ist ihr Spiel aber nie, sondern bisweilen verstörend aufwühlend. Kein Wunder, dass sie selbst bei ihren in München mitgeschnittenen Konzert-Aufnahmen zwei bekannte Klavierkonzerte von Mozart nicht einfach runterperlte. Mit dem Kammerorchester des Symphonieorchesters des BR legte sie vielmehr Stimmen und Stimmungen frei, die vor allem an den Musikdramatiker Mozart denken lassen. Ungemein empfindsam und subtil lotet Grimaud die langsamen Sätze aus, während die spielerische Brillanz in den schnellen immer auch etwas Trügerisches besitzt. Geistigkeit und Musikalität geraten bei Grimaud in ein auf- und anregendes Wechselspiel. Guido Fischer Sylvain Cambreling „antonín Dvorˇák: Sinfonie nr. 9 ,aus der neuen Welt‘; leoš Janáček: Sinfonietta“ Glor ClaSSiCS/Sono MUSiC [Sinfonik] Es ist eine Frage des Tempos und der Offenheit. Denn Antonín Dvorˇáks neunte Sinfonie „Aus der Neuen Welt“ ist so prall gefüllt mit grandiosen, pathostrunkenen Melodien, dass Dirigenten gerne den Fehler begehen, sie als Potpourri klassischer Gassenhauer zu verstehen oder auf der anderen Seite via übertriebener Empathie dem imaginierten Schicksal der Indianer akustisch nachzuspüren. Es ist eine Frage der Balance, und Sylvain Cambreling erweist sich als umsichtiger Gestalter mit dem Gespür für ein passendes Maß der Introspektion. So zart und fragil, beinahe intim war das „Largo“ lange nicht mehr zu hören; mehr portionierter Nachdruck als beim „Scherzo. Molto Vivace“ mit dem SWR-Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, das der gebürtige Nordfranzose seit 1999 als Chefdirigent leitet, ist kaum noch möglich. Cambreling schöpft die Möglichkeiten der Farbgestaltung mit Pfiffigkeit aus, und bevor das Fest der Ohrwürmer allzu versöhnlich wird, ist die 2009 entstandene Aufnahme auch schon vorbei und mündet in Leoš Janáček „Sinfonietta“, eine Komposition des bereits 72jährigen Tschechen, die er in nur drei Wochen anlässlich eines Kongresses des patriotischen Turnerverbandes „Sokol“ geschrieben hatte und die 1926 in Prag uraufgeführt wurde. Hier treffen imaginierte Folklore und Fanfarenpracht, orchestraler Wohlklang und dezente Abstraktion aufeinander, als spätes Erbe der nationalen Musikjahrzehnte. Für Cambreling und sein Orchester ist Janáček mehr noch als Dvorˇák eine Spielwiese der Akzente, der Präsenz in der Transparenz. Eine ebenso feinsinnige wie unterhaltsame Aufnahme zweier großer Orchesterwerke aus dem Geiste der reflektierten Romantik. Sascha Fröhlich Wissenswertes: im Jahr 2009 bekam Sylvain Cambreling den echo Klassik als Dirigent des Jahres für sei ne Beschäftigung mit olivier Messiaen. Sharon Isbin & Friends „Guitar Passions“ Sony ClaSSiCal [Crossover] Natürlich ist die US-amerikanische Topgitarristin Sharon Isbin absolut sattelfest im klassischen Kernrepertoire, ob bei Bach oder in den spanischen Miniaturen eines Albéniz. Die ehemalige Schülerin des Jahrhundertgitarristen Andrés Segovia geht aber eben gerne mal musikalisch fremd. Für ihre Klangroute in Richtung Brasilien und Lateinamerika hat sie sich nun namhafte Begleitung gesichert. Ex-Zappa-Gitarrist Steve Vai, die brasilianische Sirene Rosa Passos sowie der Tapping- Spezialist Stanley Jordan assistieren Isbin bei ihren einfühlsamen, akustischen Saitenschwingungen. Und für weltmusikalisch angenehme Brisen sorgt etwa eine Coverversion von Antonio Carlos Jobims „Chovendo na Roseira“. Das eigentliche Gitarrenfeuer lodert aber erst, wenn Isbin ganz allein und atemberaubend virtuos zupackt, in Klassikern von Agustín Barrios Mangoré und Albéniz. Reinhard Lemelle Ähnlich wie: Miloš Karadaglić „Mediterráneo“ 35
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