Kasbah nº 23 - Ministerio de Educación

Mientras que Velázquez retrató la vida cortesana en sus
múltiples facetas (desde elegantes retratos ecuestres de Felipe
IV hasta otros de los bufones de palacio), el segundo conmovió
a la sociedad con sus desgarradores óleos sobre el pueblo
de Madrid desafiando al ejército francés. Por ello, críticos de
arte no dudan en afirmar que pueden considerarse los primeros
periodistas gráficos de España, pues su legado artístico se
convirtió en un testimonio clave para reconstruir la España del
siglo XVII, XVIII y comienzos del XIX. Estudiando la obra de
ambos artistas, se conocerá la evolución de estos grandes pintores
con sus condicionantes históricos (la decadencia española
en el contexto internacional), se podrán tomar posturas críticas
y abrir el horizonte mental hacia nuevas ideas.
Velázquez se mueve en los ambientes artísticos y cortesanos
de la España seiscentista, dominada por el espíritu religioso
contrarreformista y por el apego hacia el retrato, que el sevillano
no solo reservará para personajes de alta alcurnia, sino también
para los tipos populares. Esta importancia otorgada a los
más desfavorecidos, junto con la incorporación de la entonces
exigua temática mitológica, se suman a su realismo, para conformar
los elementos más genuinos en su quehacer pictórico.
Labor que, por otra parte, alcanzará cotas insuperables de perfección
técnica, gracias a su pincelada suelta, el dominio de la
luz y de la perspectiva aérea, el acierto de las composiciones
y la captación del movimiento. Así, muchos lo consideran el
más notable pintor de la historia del arte.
Apenas un siglo después de su muerte, comienza la labor
creativa de Francisco de Goya y Lucientes. Vinculado como
Velázquez al ambiente de la Corte, la reinterpretación que este
aragonés hace de la pintura del hispalense lo aleja del academicismo
imperante en su momento artístico. Pueden poco los
discípulos y seguidores de Mengs y los mentores de la
Academia con la originalidad del de Fuendetodos, cuyos pinceles
no sólo aúnan los logros del siglo anterior con las tendencias
finiseculares del Setecientos, sino que irán más allá de su
tiempo, anticipando movimientos estéticos del XIX y del XX
(impresionismo, expresionismo, surrealismo...).
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español,
nació en Sevilla en 1599. A los once años inicia su aprendizaje
en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá
hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Al año siguiente,
con 19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro,
hecho habitual en aquella época, con quien tendrá dos
hijas. Entre 1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada
por el estilo tenebrista, influido por Caravaggio, destacando
obras como El Aguador de Sevilla o La Adoración de los
Magos. Durante estos primeros años, obtiene bastante éxito
con su pintura, lo que le permite adquirir dos casas destinadas
a alquiler. En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título
de Pintor del Rey Felipe IV, gran amante de la pintura. A partir
de ese momento, empieza su ascenso en la Corte española,
realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los
Borrachos. Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens,
durante la estancia de este en Madrid, en 1629 viaja a Italia,
donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de
Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. En Italia
pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica de José, regresando a
Madrid dos años después. La década de 1630 es de gran
importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos
para el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los retratos
ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los retratos de
caza.
Por su parte, Francisco de Goya, considerado como “El
Padre del Arte Moderno”, empezó su carrera como artista
inmediatamente después del periodo “Baroque”. Al expresar
francamente sus pensamientos y creencias, como fue su costumbre,
llegó ser el pionero de las tendencias nuevas que llegaron
a su culminación en el siglo XIX: dos factores importantes,
que dieron la impresión de ser contradictorios pero que no
lo fueron, dominaron su arte. Juntos, representaron la reacción
contra concepciones previas del arte y el deseo de encontrar
una forma nueva de expresión. Para entender el alcance del
arte de Goya, y para apreciar los principios que gobernaron su
desarrollo y su tremenda versatilidad, es imprescindible entender
que su labor cubrió un periodo de más de 60 años, porque
continuó dibujando y pintando hasta la edad de 82.
Adentrarse en la obra y la trayectoria de estos autores es
hacerlo en episodios de nuestra historia, como la pérdida de la
hegemonía española en el siglo XVII, la invasión napoleónica
o la Guerra de la Independencia.
Su estudio también permite trabajar ejes transversales, tales
como educación ambiental: disposición favorable hacia la
conservación del patrimonio y protección del mismo frente a
la contaminación; coeducación: valoración del papel femenino
como modelo o promotora en la obra de los dos artistas, por
ejemplo en las representaciones de Venus, de mujeres de la
realeza o del pueblo; educación multicultural: estudio crítico y
respetuoso de los valores de épocas distintas de la propia; educación
europea: subrayar los vínculos entre nacionalidades
europeas y manifestar cómo artistas y estilos superan las fronteras
nacionales; educación moral y cívica: incremento de la
sensibilidad crítica hacia los problemas sociales más representativos
de cada contexto histórico; educación para los derechos
humanos y la paz: rigor ante catástrofes causadas por
situaciones de conflicto (Guerra de los 30 años o Guerra de la
Independencia, que recogen los artistas en sus obras) y valoración
positiva de los momentos en que la producción artística
ha sucedido en libertad, rechazo hacia los contextos que han
suprimido los derechos humanos; educación en tecnología de
la información y la comunicación: conocimiento del desarrollo
científico y tecnológico actual y su aplicación en técnicas plásticas,
búsqueda de información sobre los dos artistas a través
de medios informáticos; educación del consumidor: análisis
del funcionamiento del mercado y consumo del arte y reconocimiento
a los mecenas, comitentes y clientes como consumidores
de obras e impulsores de la creación artística.
BIBLIOGRAFÍA
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aguador y su destinatario”, en Boletín del Museo Camón Aznar nº 54,
pág. 25-40.
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