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Il cinema sperimentale fuori dall'industria: i film sperimentali erano spesso cortometraggi realizzati fuori dalle logiche del sistema industriale e gli autori si autofinanziavano; dopo la guerra raggiunsero una diffusione internazionale. Molte opere sperimentali furono realizzate da futuristi Italiani che intendevano celebrare la nuova era della macchina. Il film "vita futurista", opera di vari artisti, mostra l'uso di specchi deformanti e sovrimpressioni secondo modalità che anticipavano quelle delle successive avanguardie cinematografiche. I principali filoni del cinema d'avanguardia di questo periodo sono: l'animazione astratta, il cinema dada, quello surrealista, il cinéma pur, i documentari lirici e il cinema narrativo sperimentale. • Animazione astratta: alla fine degli anni 10 un gruppo di artisti tedeschi sosteneva che, essendo il cinema un'arte visiva come la pittura, la sua forma più pura doveva esser astratta. Il tedesco Richter, legato al movimento dadaista svizzero, incontrò l'artista svedese Eggeling e insieme sperimentarono l'animazione come mezzo per produrre musica visiva. Rhythmus 21, di Richter rappresentò il primo film animato astratto. In realtà è al nome Ruttmann che bisogna legare il primo esempio del genere. Pittore espressionista, si interessò presto al cinema e sviluppò l'idea di una pittura in movimento creata utilizzando tecniche cinematografiche. Per Eggeling le immagini astratte che componevano il film erano l'equivalente di una composizione musicale, ritenendo ridondante qualsiasi accompagnamento sonoro; il suo “Diagonal Symphonie” era il risultato di una serie di variazioni di linee parallele diagonali bianche che creavano complessi pattern su un fondale nero. Le tecniche di animazione impiegate nel cinema astratto influenzarono registi legati al cinema commerciale come Reiniger che diresse il primo considerevole lungometraggio animato, "Achmed, il principe fantastico", una fiaba delle 1000 e 1 notte, nata grazie a sagome inquadrate su fondali ombreggiati. • cinema dada: idealismo propose una nuova visione del mondo all'insegna dell'assurdo, spazzando via i valori tradizionali e ponendo il caso di immaginazione alla base della creazione artistica. Il primo film dell'artista dada Man Ray, "ritorno alla ragione" fu creato combinando riprese dal vero con frammenti dei Rayograms inventati dallo stesso artista; nel 1924 Picabia mise in scena il suo balletto "riposo" e durante l'intervallo venne proiettato “Entr’acte” di Clair, film che mescolava situazioni sconnesse e irrazionali. Murphy firmò la fotografia di “Ballet mécanique”, film che giustapponeva immagini di oggetti comuni a dipinti realizzati dal pittore Léger; anche Duchamp fece incursione nel cinema e nel 1926 realizzò una serie di dischi rotanti che filmati, con l'aiuto di Man Ray, furono alla base di "Anemic cinéma”. Gli artisti tedeschi furono spinti a sperimentare senza ricorrere a forme dipinte in stile astratto; Richter recuperò il gusto per il nonsense dadaista realizzando nel 1928 "fantasmi del mattino" in cui, grazie ad effetti speciali, gli oggetti si ribellavano al loro normale funzionamento. • surrealismo: gli artisti surrealisti cercano di tradurre in immagini o parole il linguaggio incoerente dei sogni, senza interferenze da parte del pensiero. Diversamente dai film degli artisti dada, quelli surrealisti delineavano storie anomale e sessualmente allusive, senza assembramenti caotici di eventi. Man Ray realizzò "Emak Bakia” che impiegava a trucchi fotografici per suggerire lo stato mentale di una donna; nello stesso anno realizzò "stella marina" che mostrava una coppia di amanti alternandola con immagini casuali di treni, stelle marine e altri oggetti; alla fine la donna abbandona il suo amante per un altro uomo e degli si consola con una bellissima stella marina. Dulac portò sullo schermo "La conchiglia e il sacerdote" che mescolava le tecniche cinematografiche con la logica narrativa incoerente del surrealismo. Il film che meglio incarnò le tesi del surrealismo fu “Un chien andalou” di Bunuel e Dalì: lo spunto iniziale è costituito dal litigio tra due amanti, ma è impossibile ricostruire la logica e cronologia del racconto. Questa collaborazione produsse un'opera più lunga e più provocatoria della prima, "L’age d’or”, la
cui esile trama riguarda una coppia di amanti tenuti separati dai pregiudizi dei ricchi genitori della donna e dalla disapprovazione dell'alta società; il film abbonda di immaginario erotico. Negli anni 30 il surrealismo si disgregò, molti suoi esponenti confluirono nei partiti di sinistra o nei movimenti anarchici e Dalì si guadagnò il loro sdegno mostrando la sua ammirazione per Hitler. • Cinéma Pur: alcuni artisti concepirono la possibilità di realizzare opere non narrative sulle qualità visive astratte del mondo fisico; si trattava di film senza debiti verso letteratura e teatro e apparivano come un mondo a parte. Gli artisti non si riconoscevano nei movimenti d'avanguardia di quel periodo e, seguendo percorsi diversi tra loro, erano accomunati dalla volontà di ridurre il cinema ai suoi elementi basilari, per creare un lirismo visivo fatto di forme pure. Tra i registi più rappresentativi del cinema puro vi fu Chomette che diresse il primo film puro, "giochi di riflessi e di velocità" e in seguito "5 min di cinema puro". Anche la Dulac si cimentò con forme di cinema puro realizzando "disco 927", "temi e variazioni" e "arabesco", in cui cercò di creare studi lirici equivalenti alla musica; con l'introduzione del sonoro non fu più in grado di finanziari propri film e si dedicò alla realizzazione di cinegiornali. • documentari lirici: alcuni artisti sperimentarono nuove forme di cinema portando le macchine da presa per le strade e cercando di catturare gli aspetti poetici nei paesaggi urbani. Il primo lavoro di questo filone risale agli anni 20 e appartiene all'artista modernista Sheeler e al fotografo Strand, “ New York la magnifica", le cui scene creano una visione evocativa e astratta della città, ispirando molti autori sperimentali. In Francia il brasiliano Cavalcanti realizzò "le ore e nient'altro", accostando immagini dal vero, filmate con una macchina da presa nascosta, e scene recitate, mostrando negozianti che aprivano le imposte, clienti ai caffè, un pappone che uccide una donna, un'anziana signora barcollante per le strade della città; il regista avvicendava queste scene per suggerire il passaggio del tempo su Parigi. Ruttmann girò "Berlino - sinfonia della grande città", uno spaccato di una giornata qualsiasi in una grande città. La poetica di questo film rappresentava un terreno fertile di sperimentazione per molti giovani registi legati ai circuiti delle sale specializzate in cinema d'arte e dei cineclub, come ad esempio Ivens, che realizzò il suo primo film "il ponte" nel 1928 ed ebbe un tale successo nei cineclub da spingere il regista realizzarne subito altri. IX. L’INTRODUZIONE DEL SONORO Il sonoro negli Stati Uniti: l'industria cinematografica americana fu la prima a compiere il passaggio dal muto al sonoro con successo. DeForest presentò il suo brevetto di pellicola sonora, Phonofilm, nel 1923 che convertiva l'audio in onde riprodotte su una normale pellicola a 35mm su una striscia ricavata a fianco del fotogramma; se la pellicola si rompeva e doveva essere giuntata, si pendevano tanti fotogrammi di immagine quanti di suono, a vantaggio della sincronizzazione. Negli anni 10 e primi anni 20 la Western Electric aveva sviluppato sistemi di registrazione, amplificatori e altoparlanti e nel 1925 mise in vendita il suo sistema di registrazione su disco, ma la maggior parte degli studios di Hollywood attesero ulteriori sviluppi. Inizialmente i fratelli Warner vedevano nel sonoro soltanto un'alternativa economica all'intrattenimento dal vivo che accompagnava la programmazione cinematografica, così collaudarono il metodo Vitaphone in una serie di cortometraggi. Nel 1927 ebbe luogo la prima di "il cantante di jazz" di Crosland che ebbe un incredibile successo rivelando per il suono grandi potenzialità. Dopo qualche altra pellicola parzialmente sonora, nel 1928 uscì il primo sonoro al 100%, "le luci di New York" di Foy. Anche se la Warner Bros arrivò per prima al sonoro, fu la Fox a investire sul sistema di DeForest, e poiché la maggior parte degli artisti da palcoscenico erano sotto contratto con la Warner, si buttò sui cinegiornali sonori. Riguardo al suono le maggiori case di produzione di Hollywood si erano mosse con cautela, poiché la mancanza di uno
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