Bordwell - Appunti Unict

lo guarda in direzione opposta si parla di campo-controcampo, molto
usato nei dialoghi e lotte.
Inquadrature: La posizione della macchina da presa era un elemnto
cruciale. Per indagare sulla psicologia del personaggio bisognava
guardarne la mimica facciae. Dal 1908 si inizio a piazzare la macchina
da presa a 2,7 metri dal soggetto, questo favori la creazione e
diffusione dell ‘inizialmente criticato “piano americano”, che tagliava
la figura degli attori all'altezza dei fianchi. Griffith, pioniere del mondo
del cinema, utilizzò assiduamente questo tipo di inquadratura. Dal
1911 i registi non inquadravano più l'azione a livello del petto, ma
sfruttavano le angolazioni da sopra e sotto quel livello, presentando le
scene da punti di vista più efficaci; inoltre le macchine da presa ora
venivano montate su cavalletti girevoli, che consentivano la creazione
di panoramiche orizzontali o verticali. Queste servivano durante i
movimenti dei personaggi, migliorando la comprensibilità delle scene.
Colore: le pellicole venivano colorate per esaltarne realismo.
Esistevano due tecniche per la colorazione: imbibizione (si immergeva
la pellicola sviluppata in una soluzione che colorava le parti chiare) e
viraggio (stesso procedimento, ma si saturavano le parti scure).
Scenografia e illuminazione: dai fondali dipinti si passò a set
cinematografici tridimensionali, dai teatri e le pose all'aria aperta a set
chiusi con pareti in vetro per la luce. A volte venivano usate lampade
per esaltare punti luce.
Animazione: Alle origini Reynaud proiettava i suoi disegni nel
prassinoscopio. Dal 1906 l’industria cinematrografica inizia sfruttare
l'animazione quando Blackton realizzò "trasformazioni umoristiche di
facce buffe", disegni di volti che si trasformavano in ogni fotogramma.
La Pathè sfruttò il procedimento a fotogramma singolo (frame-byframe)
con Segundo in "il teatro del piccolo Bob", muovendo gli
oggetti in ogni esposizione per animarli. Vi erano due tipi di
animazioni: far muovere degli oggetti (Blackton: "The haunted hotel")
o produrre dei disegni (Cohl: "fantasmagorie"); negli Usa McCay
disegnò " Il piccolo Nemo" e altri film d'animazione. Il più celebre
animatore di pupazzi fu Starevicz che fece recitare gli insetti
manovrandoli.
3. CINEMATOGRAFIE NAZIONALI, CLASSICISMO
HOLLYWOODIANO E PRIMA GUERRA MONDIALE (1913-1919)
Il periodo iniziale della prima guerra mondiale rappresenta un punto di
svolta nella storia del cinema. La guerrà permise agli USA di colmare
il vuoto ”cinematografico” lasciato dalle industrie europee, colpevoli
solo di appartenere a nazioni impegnate attivamente nel conflitto. Il
dominio di Hollywood si instaura in questo periodo e nessuno, fino ad
oggi, è riuscito a riprenderne il comando.
USA: inizialmente le società americane non puntavano al mercato
estero ma ben presto iniziò la colonizzazione del vecchio continente,
dapprima con succursali a Londra e Parigi della Vitagraph, dal 1909
cominciarono anche le altre. Durante il primo conflitto mondiale alla
produzione europea si fermò a vantaggio di quella statunitense. Le
industrie francesi Pathè passarono dalla cinematografia alla
produzione di munizioni, le loro sale vennero usate come caserme.
Sull'onda positiva gli Usa investirono i profitti raggiungendo una
qualità di produzione (set, costumi, illuminazione, salari) tutt'oggi
superiore a quella del resto del mondo.
Negli anni antecedenti alla guerra il cinema era un’industria
internazionale. Novità tecniche e stilistiche circolavano rapidamente e
venivano utilizzate liberamente. Il conflitto modificò questi equilibri,
provocando una chiusura delle nazioni, e la mancata circolazione di
idee, tecniche e stili portò alla nascita di cinematografie nazionali.
Italia: con film come "Quo Vadis?" l'epica si conferma il genere per
eccellenza del cinema Italiano. Nel 1914 esce "Cabiria" che si
distingue per le riprese realizzate con il carrello, alternate a scene
statiche. Contemporaneamente si diffondevano storia di passioni e
intrighi, erotismo e morte, lanciate da "ma l'amor mio non muore" di