Bordwell - Appunti Unict

preciso dei jump cuts grezzi della nouvelle vague. La fama di Resnais
favorì l'esordio del romanziere Alain Robbe-Grillet che passò dietro la
macchina da presa con "l'immortale", continuando l'esplorazione di
spazi e tempi impossibili; il suo film successivo "trans europ express"
affronta il tema della narrazione incentrandosi su tre scrittori riuniti in
un treno a scrivere del contrabbando internazionale di droga. Agnès
Varda realizzò il lungometraggio "Cléo dalle 5 alle 7” che copre 95 min
nella vita di un'attrice in attesa dei risultati di importanti analisi
mediche; il film è spezzato in 13 capitoli e del ricco di digressioni. Tra i
suoi film seguenti "il verde prato dell'amore" turbò gli spettatori con la
tesi che una donna possa facilmente prendere il posto di un'altra.
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François Truffaut e Jean-Luc Godard: Truffaut e Godard ci aiutano
a definire gli opposti estremi della nouvelle vague: uno dimostra che il
cinema giovane è in grado di rinnovare quello commerciale mentre
l'altro sintetizza l'ostilità della nuova generazione verso i piaceri
tranquilli del cinema comune. I primi film di Truffaut sono pieni di
zoomate, stacchi di montaggio approssimativi, inquadrature casuali ed
esplosioni di arguzia o di improvvisa violenza, il tutto per catturare la
vitalità del personaggio; questo stile si colora di un sommesso
romanticismo e inserisce in ogni film riferimenti ai suoi registi favoriti e
a periodi aurei della storia del cinema. Il suo obiettivo non era
distruggere il cinema commerciale, ma rinnovarlo e arricchirlo,
bilanciando espressione personale ed esigenze del pubblico. La sua
produzione include film leggeri e divertenti, saggi agro-dolci sulla
giovinezza e film più pensosi, aprendosi negli ultimi anni a intensi
studi di ossessione psicologica. Più abrasiva era l'opera di Godard,
critico severo e irruente, destinato a diventare il più provocatorio
esponente della nouvelle vague; fece almeno due film all'anno e fu
presto chiaro che l'obiettivo era una ridefinizione di struttura e stile del
film. La sua opera pone questioni fondamentali relative alla
narrazione: mentre i suoi primi film hanno trame abbastanza lineari, i
successivi si spostano gradualmente verso una struttura più
frammentaria. La finzione è contrapposta a materiale documentario
che spesso ha scarsa o nessuna attinenza al racconto; mescola
convenzioni della cultura popolare con riferimenti alla filosofia o
all'arte dell'avanguardia, abbandonandosi a digressioni di stile che
ricordano talvolta il situazionismo. Una delle più imitate innovazioni di
Godard sono le inquadrature straordinariamente piatte; la sua critica
al mondo del cinema, paradossalmente, usa le risorse del film ad alto
budget per creare affascinanti composizioni di colore.
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Italia: cinema giovane e western all'Italiana: tra gli anni 50 e 60
l'industria del cinema Italiano era in condizioni migliori di quella
francese; il mercato internazionale si rivelava accessibile a film horror,
commedie e film etico-mitologici. Sia l'America che le altre nazioni
europee partecipavano con entusiasmo a coproduzioni con l'Italia e
all'inizio degli anni 60 l'Italia era il più forte centro di produzione
dell'Europa occidentale. I registi più in vista erano Fellini e Antonioni,
ma l'espansione dell'industria favorì l'esordio di dozzina di nuovi
registi. I giovani registi di sinistra accentuarono l'impulso del
neorealismo alla critica sociale; i più fedeli erano i fratelli Paolo e
Vittorio Taviani. Tra i più importanti del periodo ricordiamo Francesco
Rosi, Marco Bellocchio e Gillo Pontecorvo. Pier Paolo Pasolini,
marxista non ortodosso, omosessuale, non credente ma imbevuto di
cattolicesimo sollevò un polverone nella cultura Italiana passando al
cinema dopo aver raggiunto la popolarità come poeta e romanziere e
aver collaborato a diverse sceneggiature; sosteneva che il regista
potesse rivelare la dimensione etica e mitica del mondo. "Accattone" e
"mamma Roma" sono gelide analisi della povertà urbana, un ritorno al
neorealismo, nonostante accusasse questo movimento di offrire un
realismo solo superficiale. I suoi film propongono un'accozzaglia di
atmosfere e immagini disparate, e spiegava questi accostamenti di
stile con la tesi che i contadini e i livelli più bassi della classe operaia
urbana mantenessero dei legami con la mitologia preindustriale che
egli evocava con le sue citazioni di grandi opere d'arte del passato. La
tattica della contaminazione stilistica era meno dura da digerire in "il
Vangelo secondo Matteo" in cui fa di Gesù un predicatore di
impaziente energia e indugia sui tratti contorti come la pelle rugosa o i
denti spezzati nei suoi personaggi. Bernardo Bertolucci è l'equivalente
Italiano dei registi della nouvelle Vague. La costruzione accurata e
l'eleganza tecnica dei suoi film lo avvicinano molto ai modernisti più