Bordwell - Appunti Unict

idee del regista sulla vita. Considerando un regista in quanto autore è
necessario cercare elementi comuni nei suoi film, per Renoir infatti, un
regista si limita fare e rifare un solo film, prendendo strade inaspettate
o tornando a sfide che ha accennato in precedenza. Il concetto di
autore tendeva infine a promuovere lo studio dello stile: se un
cineasta era un'artista, la sua arte si rivelava non solo in cosa diceva,
ma nel come lo diceva, e come ogni creatore doveva avere il controllo
del mezzo e sfruttarnlo in modi sorprendenti e innovativi.
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Luis Bu!uel (1900-1983): ogni critico aveva una diversa visione
dell'opera di Bu!uel: per alcuni i suoi film erano profondamente
moralistici, per altri costituivano un esempio di scrittura rigorosa
sposata alla cura dello spettacolo, per altri ancora vi era il mistero di
uno stile senza stile e infine fu considerato il grande surrealista del
cinema, impegnato a sferrare l'attacco a valori borghesi con immagini
di selvaggia bellezza. I film messicani del primo dopoguerra non lo
rivelarono capace di inserire le sue ossessioni personali in commedie
e melodrammi accessibili al grande pubblico, una tendenza che
culmina in "Viridiana” del 1961 in cui una giovane novizia vuole
trasformare la fattoria dello zio in una comunità cristiana, ma i suoi
piani soccombono a causa del cinismo del cugino e della rapacità dei
mendicanti che invadono la fattoria; negli anni 60 il regista si spinse
verso le sperimentazioni: in "l'angelo sterminatore" intrappola per
giorni in una casa gli invitati di una festa e ci mostra decomporsi delle
loro cortesie. Con "diario di una cameriera" iniziò il periodo francese e
fu pronto a sfruttare le convenzioni del cinema d'autore europeo. Sia
nei film più commerciali che in quelli marcatamente d'autore la sua
accessibilità si deve alla sobrietà tecnica che lo rende quello dello stile
meno riconoscibile; il suo essere diretto rende più intense le immagini
suggestive che turbano le convenzioni su religione e sessualità. Crea
nei suoi personaggi ossessioni e subdolamente invita il pubblico a
condividerle. La modernità del cinema di Bu!uel emerge dei suoi
esperimenti con la struttura narrativa, infatti i suoi film sono pieni di
ripetizioni, digressioni e passaggi tra realtà e fantasia; le trame sono
basate su sfacciati rinvii dell'azione: "il fascino discreto della
borghesia" altro non è che una serie di cene interrotte e il presunto
plot (intrigo) è sepolto in una serie di rituali borghesi andati di traverso;
ogni volta che il film sembra raggiungere un importante nodo narrativo
uno dei personaggi si sveglia e ci rendiamo conto che le scene
precedenti sono frutto dell'immaginazione. Molti autori moderni
tendono a sabotare la narrazione per spostare l'attenzione dello
spettatore su altro, ma Bu!uel trae gusto proprio dalla frustrazione
narrativa: se il piacere sta nell'attesa e non nel finale, spesso i suoi
film si interrompono in modo arbitrario. I film di Bu!uel criticano le
convenzioni sociali e allo stesso tempo giocano con astuzia con le
convenzioni narrative che ci mantengono inchiodati alle storie.
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Ingmar Bergman: fra il 1945 e il 1988 Bergman ha diretto quasi 45
lungometraggi. Il periodo che va fino al 1968 segnò l'apice della sua
fama, sulle sue opere si scrivevano articoli liberi di critica, le
sceneggiature erano tradotte in tutto il mondo e i suoi film vincevano
Oscar e premi a tutti i festival, facendo del regista un artista per
eccellenza. Poi però alcuni progetti imprudenti e insuccessi finanziari
resero impossibile trovare finanziamenti per nuovi film, ad esempio
"sussurri e grida" del 1972 fu prodotto con i suoi risparmi, ma ebbe un
successo mondiale. Dopo il trionfo mondiale di "Fanny e Alexander”
del 1982 si occupò solo di regie televisive annunciando l' addio al
cinema. Nei suoi film ha riversato sogni, ricordi, sensi di colpa e
fantasia: eventi della sua infanzia ricorrono in molte sue opere, così il
mondo privato del regista è diventato di dominio pubblico, un mondo
in cui coabitano la balia e la severa figura paterna, il cinoco uomo di
mondo e il tormentato artista visionario. Si tratta di parabole di
infedeltà, sadismo, delusione, perdita di fede, paralisi creativa e
angosciata sofferenza, ambientate in un freddo panorama insulare,
una soffocante stanza da disegno o un palcoscenico ferito dalla luce.
Nella sua carriera esistono varie fasi: i suoi primi film descrivono crisi
adolescenziali e l'instabilità del primo amore; le opere principali degli
anni 50 sono caratterizzate dal malessere spirituale e dalla riflessione
sul rapporto fra il teatro e la vita e il lato più positivo è spesso la fede
nell'arte. La trilogia degli anni 60 smentisce le premesse religiose e
umanistiche delle opere precedenti: Dio diventa l'istante silenzioso e
gli esseri umani sono descritti come confusi e narcisistici; nei film