Humor - Dies ist unser Püffki, nur Eingeweihte kennen seine hohen ...

Schwarzer Humor
Thomas Köster (Encarta), von André Breton mit seiner Anthologie de l’Humor Noir (1937; Anthologie des schwarzen
Humors) in den Literaturdiskurs eingebrachter Begriff, der das mitunter zynische oder sarkastische, immer aber von
moralischen Skrupeln freie, intellektuelle Scherzen über – der Konvention nach – Grauenhaftes und Schreckliches
bezeichnet. Dabei stehen häufig soziale Tabuthemen wie Tod, Verbrechen, Grausamkeit oder Behinderung im Zentrum des
Interesses. Mit der Groteske hat schwarzer Humor den Hang zur Verfremdung und Übertreibung gemein. Durch die ihm
zugrunde liegende moralische Indifferenz – und durch den oftmals fehlenden Zeitbezug – ist er von der nach
Weltverbesserung strebenden Satire unterschieden. Im Gegensatz zur Ironie zielt schwarzer Humor nicht durch
uneigentliches Sprechen auf eine vom Leser zu entschlüsselnde Botschaft (das „eigentlich Gemeinte”), sondern konstatiert
lediglich die von ihm beschriebene Situation ohne weiter reichende Implikationen. Allgemein liegt schwarzem Humor das
Vermögen zugrunde, eine von gesellschaftlicher Normierung abweichende Perspektive einzunehmen. Eine stark
situationsgebundene Sonderform des schwarzen Humors ist der so genannte Galgenhumor, der das heitere Sichabfinden mit
einer unausweichlichen oder gar tödlichen Situation – etwa den witzigen Einwurf des Delinquenten auf dem Weg zum
Schafott – beschreibt. Von Sigmund Freud als „gröbster Fall des Humors” verunglimpft, zitiert Breton gerade den
Galgenhumor als Beweis sublimer Wesensart.
Auch ursprünglich satirisch gemeinte Werke wie Voltaires Candide oder Johann Carl Wezels Belphegor können aus
heutiger Sicht, ihrer Zeitkritik enthoben, als Zeugnisse schwarzen Humors gelesen werden. Als erster Beitrag gilt Jonathan
Swifts Ein bescheidener Vorschlag, wie man die Kinder der Armen daran hindern kann, ihren Eltern oder dem Lande zur
Last zu fallen, der auf der Idee basiert, die Ernährungsprobleme der Armen durch gezielten Kannibalismus zu lösen. Vor
allem die Literatur der Romantik festigte mit ihrer Entdeckung menschlicher Nachtseiten die Tradition. Wichtige Vertreter
der Richtung waren u. a. François Rabelais, Edgar Allan Poe, Christian Dietrich Grabbe, Ambrose Bierce, Saki, Alfred Jarry
und Roald Dahl. In der bildenden Kunst traten etwa Edward Gorey, Gary Larson und der belgische Zeichner Kamagurka, in
der Musik Georg Kreisler und Ludwig Hirsch als schwarzhumorig hervor. Demgegenüber stellen die Bildergeschichten
Wilhelm Buschs allenfalls einen Grenzfall dar, weil sie das Schreckliche (die Tabuverletzung) nur mehr als Medium zur
Übermittlung einer Moral und einer Kritik an menschlichem Fehlverhalten funktionalisieren.
Witz
Cornelia Fischer (Encarta): im modernen Sprachgebrauch ein scherzhafter Einfall in sprachlich prägnanter Form. Bis in
die Zeit Johann Wolfgang von Goethes wurde der Begriff synonym mit Verstand, Klugheit und Geist (französisch esprit)
gebraucht. Wirkungsziel des zu den so genannten einfachen Textformen zählenden Witzes sind Überraschung und Lachen.
Erzielt wird dieses Ergebnis auf der Grundlage einer von der Erzählung gelenkten Erwartungshaltung, die von der – einen
unvermuteten semantischen Richtungswechsel vollziehenden – Pointe plötzlich durchbrochen wird. Das feste Schema, das
sich aus hintergründiger Konstruktion und präzis formulierter Pointe ergibt, ist Voraussetzung für die Eignung des Witzes
zum Weitererzählen. Jeder gelungene Witz durchkreuzt die Grenzlinien des gewohnten Denkens, ist also ein Angriff auf
bestehende Ordnungen (siehe auch schwarzer Humor). Er kann so zum sprachlichen Ventil von Regungen werden, die sozial,
sprachlich, ethisch etc. tabuisiert sind: Die Zote zielt auf die Aufhebung moralischer Befangenheit, der politische Witz auf
die Desavouierung staatlicher Autorität, der pointenlose absurde oder surrealistische Witz auf die Irreführung der Logik.
Standardisierte Situationen (running gags) und Typisierungen (Professorenwitz, Schottenwitz, Irrenwitz etc.) sind
charakteristische Merkmale. Inhaltlich verwandt mit dem Witz sind Anekdote und Epigramm; durch die rationale Schärfe
und seine oft satirische Tendenz unterscheidet er sich vom gefühlsbetonten Humor.
Commedia dell’arte
(Encarta) auch Commedia improvvisa, französisch Comédie à l’impromptu, Mitte des 16. Jahrhunderts in Italien
entstandenes Stegreiftheater, bei dem professionelle Schauspieler auf Wanderbühnen Handlungsabläufe und Szenenfolgen
darstellten, die, durch Anweisungen als scenario lediglich grob skizziert, aus der jeweiligen Situation weiterentwickelt
werden mussten. Dabei konnte ein bestimmtes Repertoire an Monologen und Dialogen immer wieder abgerufen – und
variiert – werden. Die Commedia dell’arte entstand vermutlich in Norditalien, wo im Rahmen von Akrobaten-, Tanz- und
Gesangsdarbietungen dialektal eingefärbte Farcen zur Aufführung kamen. Sie hatte entscheidenden Einfluss auf die
Entwicklung des europäischen Theaters und wurde in Frankreich unter dem Namen Comédie italienne bekannt. Innerhalb
eines fest vorgegebenen Rahmengeschehens entwickelten einzelne Schauspieler aus dem Stegreif komische Slapstickszenen.
Bei diesen so genannten Iazzi kam auch die Narrenpritsche zum Einsatz, mit der die Schauspieler zur Erheiterung des
Publikums aufeinander einschlugen. Seit 1947 versucht das Mailänder Piccolo Teatro (siehe Girgio Strehler) erfolgreich, die
Commedia dell’arte neu zu beleben.
Das Ensemble der Commedia dell’arte bestand für gewöhnlich aus sechs bis zwölf Schauspielern. Ihr Figurenrepertoire
war streng festgelegt. Dabei zentrierte sich das Geschehen um ein junges Liebespaar (innamorati oder amorosi, oftmals
Isabella und Florindo genannt), das als einzige Figurengruppe keine Masken trug. Demgegenüber war das Gesicht des
Arlecchino (siehe auch Harlekin) – des clownesken, immer aber auch gierigen Dieners – mit einer schwarzen Maske
verdeckt. Außerdem trug der Arlecchino einen Flickenanzug. Sein Charakter war durch Bauernschläue und anarchischen
Witz geprägt. Der leichtgläubige Händlertypus Pantalone wiederum versuchte, trotz seines hohen Alters für Frauen attraktiv
zu sein: Seine enge, türkische Kleidung indes wirkte lächerlich. Als Parodie auf alle Wissenschaftler skandierte Pantalones
Freund, der aus Bologna stammende Pedant Dottore (Doktor), sinnlose Phrasen in Latein und verschrieb (oftmals
gefährliche) Arzneien für die eingebildeten Krankheiten der anderen Charaktere. Der Capitano (Kapitän) hingegen rühmte
sich seiner Siege in der Liebe und auf dem Schlachtfeld, entpuppte sich im Verlauf der Handlung aber als geistloser Feigling
und Lügner. Dem grausamen Pulcinella stand die Dienerin Columbina entgegen, die durch Witz und Menschlichkeit
gekennzeichnet war. Ein weiterer tollpatschig-naiver Diener war Pedrolino (Pierrot). Auch die Brighella aus Bergamo und
der bäuerliche Truffaldino gehörten zum Personal.
In Frankreich beeinflusste die Tradition der Commedia dell’arte u. a. die Arbeit Molières und die Stücke von Pierre
Carlet de Chamblain de Marivaux. Die Theaterreform von Carlo Goldoni im 18. Jahrhundert läutete in Italien das Ende des
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