Zibeline n° 60 en PDF

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M
USIQUE
Décapitées
Pour la nouvelle production des Dialogues des carmélites de Francis
Poulenc à l’Opéra de Toulon, les metteurs en scène avaient choisi de
situer l’action du drame dans une intemporalité paradoxale. Exit donc
la Terreur : ils ont préféré mettre l’accent sur la vie spirituelle de ce
groupe de religieuses marquée par l’épure, en les faisant évoluer dans
un décor très sobre mais chargé de symboles où dominait le blanc
magnifié par un habile jeu de lumières et de projections de photos. À
la baguette, Serge Baudo, habitué incontesté du répertoire français,
a su mettre en valeur les somptueuses orchestrations du compositeur
jusqu’au sublime Salve Regina final au message visuel très explicite.
Dans cette distribution majoritairement féminine, les hommes tiraient
leur épingle du jeu, en particulier les deux ténors titulaires des rôles
du chevalier de la Force et de l’aumônier et surtout l’excellent Laurent
Alvaro qui donnait beaucoup de profondeur et de dignité au Marquis
de la Force.
Les dames étaient dans l’ensemble à la hauteur de leurs rôles. Virginie
Pochon incarnait une Constance lumineuse. Angeles Blancas Gulin
donnait tout son sens au rôle de Mme Lidoine, devenant face aux
épreuves terribles une grande Prieure, prête à tout pour protéger «ses
filles». Belle prestation aussi de Sophie Fournier qui habitait avec
beaucoup d’autorité et de sobriété Mère Marie. Nadine Denize, forte
de sa longue et belle carrière, était quant à elle une fascinante Mme
de Croissy à la fois autoritaire et hautaine mais qui, face à la mort,
perdait toute sa dignité. Seule Ermonela Jaho, belle chanteuse,
semblait vocalement à contre-emploi avec un timbre sans doute trop
corsé pour incarner la fière mais frêle Blanche de la Force…
ÉMILIEN MOREAU
Dialogues des carmelites © Frederic Stephan
Au nom du père
Dès l’ouverture du rideau retentit un motif tranchant, deux «brèves»
incisives suivies d’une «longue» fracassante, qu’en scansion poétique
dérivée du grec on nomme «anapeste»… C’est le nom d’un père
absent qu’on entend-là, tout aussi grec parmi les rescapés de Troie :
«Agamemnon !». Assassiné par l’adultère Clytemnestre et son amant
Egisthe, ce père ainsi nommé est tout entier présent dans l’esprit,
l’âme et le corps d’Électre, fille vouée à la vengeance.
Moins de deux heures plus tard, lorsqu’aux ultimes mesures résonne
ce nom-même, martelé par l’impressionnante masse orchestrale,
après que l’héroïne a succombé d’une crise hystérique, valse fantasmagorique
au bout de sa transe, on chavire avec elle… Seule,
Chrysothémis appelle en vain le secours du bras meurtrier : «Oreste !».
Le fatum antique accompli, le frère a sombré dans la folie !
Elektra c’est un chef-d’œuvre qui attrape à la gorge, fouille dans le
ventre d’obscurs tabous que les mots ne suffisent à dire… et que la
musique justement exprime. Avec quelle force expressive ! Elektra
c’est un choc qu’on prend en pleine face, comme l’Europe en 1909
quand, à Vienne, circulent des idées neuves sur la pulsion de mort,
le sens des rêves et le refoulé, l’hystérie, l’inceste et les complexes…
Si Richard Strauss et Hofmannsthal puisent dans la famille malade
des Atrides, n’est-ce pas (inconsciemment ?) pour donner corps à ce
qui demeure l’une des découvertes majeures du siècle dernier ?
Il faut aller voir la production de l’Opéra de Marseille, pour la mise
en scène intelligente de Charles Roubaud et les décors en perspective,
verticale déformée et saisissante d’Emmanuelle Favre, pour la
découverte d’une magnifique soprano, Ricarda Merbeth, portant
l’émotion à son comble, double positif de sa sœur inhumaine, à
l’image du rôle-titre qu’assume brillamment Jeanne-Michèle Charbonnet…
Pour Marie-Ange Todorovitch, mère tranchante comme
les cris d’horreurs qui zèbrent l’espace lorsque la lame pénètre sa
chair… pour le grave somptueux de Nicolas Cavallier… et la direction
experte de Pinchas Steinberg !
JACQUES FRESCHEL
Elektra
jusqu’au 16 fév
Opéra de Marseille
04 91 55 11 10
http://opera.marseille.fr
Inhumaine condition
Wozzeck (1925) est une œuvre
majeure qui peut surprendre, aujourd’hui
encore, par sa modernité,
son esthétique expressionniste
magnifiée par un langage presque
exclusivement atonal. Plongeant,
dès l’ouverture, le drame dans une
atmosphère glauque et surréaliste
© Cedric Delestrade-ACM Studio
(un jeune enfant armé d’un pistolet,
un champ dévasté, une fourgonnette
J9, un échafaudage…),
Mireille Larroche met en scène
l’inhumanité de Wozzeck, soldat/
paria, perdu et désœuvré, rattaché
à la Vie par la présence sensible
de Marie, la mère de son enfant,
mais aussi par celle de ce gosse,
omniprésent jusqu’au coup de
poignard mortel, la mort de l’antihéros
dans un décor désaffecté et
enfumé…
Illustration de l’absurdité du monde
à un tournant de son histoire ?
De l’insupportable pression sociale
et du «vivre fou» au risque de
tuer ? En Avignon, l’opéra de Berg
interrogeait autant le passé de
l’entre-deux-guerres que le présent
des no man’s land périurbains.
Seule la présence poignante de
l’enfant (Robin Gornay en alternance
avec Pauline Lestrelin),
alignant d’une main joueuse de
vieilles chaussures volées par son
père à des passants, laisse entrevoir,
au final, une pâle lueur d’espoir
dans un champ de désolation et
de poubelles fumantes.
Côté musique, si la performance
de Barbara Ducret dans le rôle de
Marie fut indéniable, Andreas
Scheibner dans le rôle-titre, n’a
guère séduit. Dans une salle aux
deux tiers pleine, l’OLRAP dirigé
par Pierre Roullier fut applaudis…
sans rappel… à cause
peut-être (on l’espère !) de
l’impact dramatique et musical du
chef-d’œuvre.
CHRISTINE REY