Dipinti antichi 7 aprile 2006, ore 10:30 - Dorotheum

Jacob de Wit, di grandi dimensioni e fortemente colorate, sono meno conosciuto delle
numerose grisaglie di putti, ma furono molto popolari presso i ricchi mercanti di
Amsterdam, che desideravano arredare le loro case all’ultima moda. Esempi analoghi si
trovano al museo Bisschoplijk, Haarlem e al museo del teatro di Amsterdam. Un disegno
collegabile al presente dipinto, sanguigna e gesso nero, è conservato nella collezione
dell’Ecole Superieure des Beaux Arts, Parigi. Jacob de Wit fu nel XVIII secolo uno degli artisti
più ricercati e meglio pagati del suo paese. Tutti coloro che disponevano di adeguati mezzi
finanziari e avevano sentore delle correnti pittoriche alla moda riempivano le loro pareti con
opere di questo artista che dipingeva nello stile che, originatosi in Francia, si stava
estendendo a tutta Europa. Purtuttavia nei Paesi Bassi questi nuovi sviluppi della pittura
incontrarono più resistenze che negli altri centri dell’arte europei, per essere qui fin troppo
saldo il legame con la tradizione pittorica dell “epoca d’oro”. Ma alla fine del XVII secolo i
temi tradizionali, paesaggio e natura morta, con il loro sempre costante monito simbolico
sulla “vanità delle cose” avevano raggiunto il loro estremo limite di sviluppo. I grandi maestri
di quei generi erano quasi tutti già scomparsi intorno agli anni ottanta del ‘600 e i loro
seguaci non erano in grado di proporre significativi progressi o rinnovamenti. Nuove
correnti pittoriche come quella di Gerard de Lairesse o del suo discepolo e amico Albert
van Spiers, cresciuto artisticamente a Roma, trovarono sì qualche risonanza nell’Olanda
calvinista, ma si urtarono anche contro grosse resistenze, per il loro essere spesso in secca
contraddizione con con l’eredità dei grandi fiamminghi, come ad esempio Rembrandt. Per
questo motivo la penetrazione dei loro principii fu relativamente lenta, mentre la Francia ad
esempio gia si muoveva in una temperie da XVIII secolo grazie all’Académie Royale e alla
cerchia di artisti operanti alla corte di Versailles. Solo una generazione più tardi Jacob de Wit
fu in grado di rivitalizzare la vita artistica anche ad Amsterdam, la città che aveva nel
frattempo assunto un ruolo egemone per la politica e l’economia dei Paesi Bassi. A soli nove
anni era già allievo di Albert van Spiers e quattro anni più tardi si portava ad Anversa per
perfezionare lo studio. Qui egli non soltanto apprese la teoria dell’arte ma si esercitò nella
copia di molte opere di Rubens, van Dyck e altri grandi fiamminghi. Nel 1715 de Wit fa
ritorno ad Amsterdam, riceve molti incarichi per pale d’altare, nelle quali è particolarmente
presente il modello di van Dyck, ma è ricercato anche come pittore di scene storiche e per
la decorazione di edifici pubblici e privati. Tra le sue opere più famose il grande dipinto ( 5 x
12 m) con scene dalla vita di Mosè per la Vroedschapskamer al palazzo reale, Amsterdam,
per il quale egli eseguì anche alcune grisaglie. Queste imitazioni dipinte di decorazioni a
stucco contribuirono grandemente alla sua fama; alludendo al suo nome, esse furono
chiamate “wities”, poichè “wit ”in fiammingo signica bianco.
Ma anche nel campo della pittura di storia e sacra egli conosce uno straordinario successo
e diviene il più richiesto e pagato pittore del suo tempo nei Paesi Bassi. Che egli facesse le
decorazioni per le proprie opere non gli provoca nessuna caduta di immagine, poiché i temi
dell’antichità e i tipici putti che le caratterizzavano erano parte del gusto del tempo e si
ritrovavano in tutte le forme dell’arte. Nel presente dipinto in modo particolare Jacob de
Wit rende però consapevolmente manifesto che egli non è solo un epigone dello stile di
Francia e non è affatto confinato al registro decorativo, il che del resto non potrebbe
minimamente giustificare il suo enorme successo. Ci mostra piuttosto un’opera del tutto
originale che esprime la sua personale visione in accordo con la sua formazione alla scuola
dei grandi fiamminghi Rubens e van Dyck. Il suo paesaggio mostra un baccanale pieno di
sensualità, nel quale accanto agli uomini si avvicendano anche satiri e putti. In margine
all’accadere, come una firma, si nota il pittore stesso che, a destra dell’albero, rivolge lo
sguardo allo spettatore. Il suo violino è certo un segno del rapporto con l’antico, da egli
stesso introdotto nella moda della buona società fiamminga, ma lo mostra anche fedele alla
sua propria tradizione pittorica. Riferendosi infatti al motto oraziano “Ut pictura poesis” i
pittori del XVII secolo avevano l’ambizione di studiare e applicare, come fa la poesia, le leggi