Human Condition - Universalmuseum Joanneum

78 Renzo Martens auf: http://
www.modernedition.com/artarticles/contemporary-dutch-art/
dutch-contemporary-artists.html
erschreckenden Ausdruck. Es sind dies tatsächlich Episoden, Geschichten aus der Welt
im TV-Serien-Format, fesselnde Berichte über ein Leben im Ausnahmezustand durch
den Filter der sehr intimen privaten Lebenserfahrung des Künstlers/Autors. Episode
1 und Episode 3 sind in der Tat Selbstporträts von Renzo Martens, mit dem Künstler
höchstpersönlich als Erzähler, der die Handlung infiltriert und in Brecht’scher Manier
verfremdet und somit den dramatischen Kontrast zwischen Wirklichkeiten und Welten
im Allgemeinen kritisch in den Vordergrund rückt. Für Episode 1 bereist der Künstler
die Kriegszone Tschetscheniens und drückt die Videokamera dabei desillusionierten
Flüchtlingen in die Hand, die ihn filmen sollen, während er ihnen die allereinfachste,
wenn auch höchst unerwartete Frage stellt: „Was hältst du von mir?“ Die Perspektive
ist jetzt umgedreht: Das (Medien-)Bild wird von einem Opfer produziert und auf den
Westen gerichtet. „Was ist dein Thema? Warum bist du hier? Warum brauchst du
jemand anderen, der dir sagt, wo dein Platz ist? Warum filmst du das?“ – solch vorwurfsvolle
und feindselige Fragen prallen zurück, während die Kamera das Gesicht des
Künstlers durchdringt und seinen schamlosen Exhibitionismus auf die Probe stellt.
Die Szene ist beschämend und für alle Beteiligten entwürdigend, und das Gefühl von
Unbehagen und Verzweiflung ist niederschmetternd: „Wer ist dafür verantwortlich?
Wie können wir einander verstehen?“ In gleichem Maße verstörend wie zutiefst bewegend
erforscht die Geste des Künstlers die Möglichkeit von Empathie und erforscht die
Wahrnehmung des „anderen“:
Ich produzierte Episode 1 als Delegierter der Öffentlichkeit der Fernsehzuschauer, eines
Publikums, das sich in erster Linie für sich selbst interessiert. Deshalb fragte ich die
Leute nicht, wie es ihnen jetzt geht, nachdem ihnen die Beine amputiert wurden, oder
stellte andere Fragen dieser Art. Doch befragte ich sie zu ihrer Einschätzung dazu, wie
ich mich fühlte. Ob sie dachten, ich sei attraktiv oder wie ich daheim in Brüssel meine
Freundin verführen solle. […] Ich drehte den Spieß um, weil es in Wirklichkeit viel mehr
darum geht, wie wir uns fühlen, als wie sie sich fühlen.78
Obwohl Martens’ Filmmaterial offenbar auch die üblichen Kriegsbilder liefert (Bilder
von Städten in Trümmern, Flüchtlingslagern mit endlosen Zeltreihen, bis auf die
Zähne bewaffneten Soldaten auf Grenzpatrouille, leidender Zivilbevölkerung, Hunger,
Lebensmittelknappheit, Mitarbeitern von Hilfsorganisationen bei der Ausarbeitung
von Hilfsprogrammen und Journalisten auf der Jagd nach Schreckens- und Katastrophenbildern),
liegt das Augenmerk des Künstlers eher darauf, wie Moral und ethische
Fähigkeiten in solchen Extremsituationen in Territorien unter Beschuss funktionieren.
Martens deckt die Verlogenheit des globalen Mediensystems auf und den Zusammenbruch
aller humanitären Hilfsmaßnahmen zur Linderung der Tragödie für die
Bevölkerung der Kriegszone. In der Tat ist Episode 1 eine Studie des Missbrauchs und
der Ausbeutung. „Ich will Tränen“, antwortet ein Mitarbeiter einer Hilfsorganisation,
während er die Mechanismen der humanitären Hilfe aufdeckt, die von der Präsenz der
Kameras und der Medienberichterstattung determiniert sind. Martens manipuliert das
Gleichgewicht des moralischen Empfindens des Zuschauers noch weiter: Eingebettet
in den quasi journalistischen Plot des Films und an das Genre des Tagebuchs oder
des Liebesbriefs erinnernd, sind die persönlichen Gefühle, die der Künstler für seine
Freundin Marie empfindet und die ihren Ausdruck in in den entscheidendsten und
dramatischsten Augenblicken des Films direkt in die Kameralinse gerichteten Liebeserklärungen
finden („Ich bin’s, Liebling. Es ist wirklich Zeit, dass du mich auch liebst“).
Dies interpunktiert die Reise des Künstlers durch die Hölle und fungiert als klassischer
Brecht’scher V-Effekt, durch den unser stereotyper Blickwinkel gebrochen wird und
das Gefühl von Wahrheit und Aufrichtigkeit gestärkt wird. Als Balanceakt hart am
Rand des ethisch Korrekten ist Renzo Martens’ provokanter Film sowohl künstlerische
Selbstanalyse als auch seine politische, und zutiefst menschliche, Intervention in die
Stofflichkeit des prekären Lebens, in dem Liebesgeschichte und die Schrecken des