D<strong>IS</strong>CUSSION <strong>KULTUR</strong>ELLE ÖKONOMIE DURCH <strong>DIGITAL</strong><strong>IS</strong>IERUNG / CULTURAL ECONOMY THROUGH <strong>DIGITAL</strong><strong>IS</strong>ATION „Verändern sich die Kunst- und Kulturschaffenden unter den digitalen Wettbewerbsbedingungen?“, fragt Specht. Hornschuh entgegnet, dass künstlerischer Erfolg und Misserfolg vor dem Hintergrund eines rein kommerziell ausgerichteten Wertemaßstabes in erster Linie nicht mehr vom Inhalt, sondern von Fragen des Vertriebes, der Marktgängigkeit und der Medienkompetenz abhängen <strong>–</strong>Aufgaben und Qualifikationen, die heutzutage von KünstlerInnen als Zusatzleistung erwartet würden. Gelinge dann etwas nicht, so fühle sich die Künstlerin und der Künstler mehr denn je in Frage gestellt: Das künstlerische Selbstverständnis werde systematisch untergraben und die Kulturschaffenden existenziell verunsichert. Tina Funk berichtet, dass Popsongs oder Alben oft nicht wegen ihrer Inhalte, sondern aufgrund innovativer digitaler Marketingmaßnahmen Verbreitung finden. Gerade FilmproduzentInnen würden nicht jede Plattform als für sie passende Umgebung empfinden, weil sie den inhaltlichen Teil ihrer Arbeit schützen wollten, so Jens-Uwe Bornemann. Dass es hingegen viel mehr KulturproduzentInnen als früher gebe, die die Idee der Demokratisierung im Netz für Experimente und zur Selbstdarstellung nutzen, ist Denis Bartelt wichtig: „Diese individuellen Spielflächen und kulturellen Identitäten sind eigenständige digitale Inhalte geworden.“ Tina Funk nimmt das Stichwort „Rechte“ aus der anfänglichen Diskussion nochmals auf. Ihre Arbeit bestehe oft darin, KünstlerInnen über Urheber-, Nutzungs- und Vewertungsrechte zu informieren. Diese selbstverschuldete Unwissenheit, so Matthias Hornschuh, sei die Hauptgefahr für Kreative und KünstlerInnen in der digitalen Ökonomie. „Dabei hat man als Kreativschaffender noch nie Kultur und Geld trennen dürfen. Denn nur der Handel mit Nutzungsrechten bringt KünstlerInnen letztlich Geld ein.“ “Will artists and creative professionals change under the competitive conditions of the digital age?“ asks Specht. Hornschuh says that against the backdrop of a purely commercial measure of value, artistic success or failure do no longer depend on the content alone, but rather on distribution, marketability and media competence <strong>–</strong> tasks and qualifications that are expected from any artist today as an additional service. And if this is not achieved, artists will question themselves more than they already do: the artistic self-perception will be systematically undermined, and creative professionals will become existentially insecure. Tina Funk reports that very often, people do not buy pop songs or albums because of their content, but due to innovative digital marketing measures. Yet, film producers in particular do not consider every platform suitable, because they want to protect the content of their work, counters Jens-Uwe Bornemann. It is a fact, however, that more cultural producers exist today than in the past, using the idea of online democratisation to experiment and present themselves. Denis Bartelt considers this important: “Theses individual playgrounds and cultural identities have become independent digital content.” Tina Funk refers once again to the issue of “rights” from the beginning of this discussion. Her work often consists of informing artists about copyright, user rights and exploitation rights. This self-inflicted unawareness, says Matthias Hornschuh, is a main threat for artists and creative professionals in the digital economy. “And yet creative professionals were never well advised to separate culture and money. In the end, selling user rights is the only way artists make a living.” 68
(from left to right) Catarina Specht, Denis Bartelt, Matthias Hornschuh