a dança dos encéfalos acesos

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com o patenteamento de invenções no campo da iluminação, incluindo o teste da
primeira mistura química para géis e diapositivos (os slides), além do primeiro uso do sal
luminescente para criar efeitos de luz. O ineditismo de suas pesquisas ligadas ao desenho
de luz no palco também se tornou inesquecível, principalmente por ser pioneira no uso
das cores e na exploração de novos ângulos.
A arte de Loïe Fuller lidava com a experimentação luminocinética. Sua obra mostra uma
sintonia fina com o nascimento da sétima arte, da qual era contemporânea. Nada mais
justo que o cinema entrasse na sua vida. Loïe Fuller foi uma das primeiras bailarinas, quiçá
a primeira, a ser filmada por uma câmera.
A bailarina publicou um livro de memórias em 1908, Quinze Ans de Ma Vie.
nikolais e schelemmer:
novas formas para o movimento
Espécie de filho estético de Fuller, o coreógrafo, cenógrafo, figurinista e light designer
americano Alwin Nikolais (1910-1993) deu continuidade à trilha de experimentações de
sua antecessora. Com grande imaginação, Nikolais surpreendeu com estudos de luz, com a
introdução de figurinos que modificavam a forma e o movimento do corpo, além de usar
elásticos e espelhos como motivos coreográficos. Suas obras se destacam na exploração de
recursos tecnológicos na cena. Pela importância de sua realização, Nikolais recebeu muitos
prêmios, entre eles o The Kennedy Center Honors, em 1987.
A obra Crucible, 8 de 1985, mostrava impressionantes recursos de iluminação aliados com
espelhos, responsáveis por proporcionar uma situação ilusionista e mágica ao público
que a assistia. Os bailarinos pareciam trocar de figurino a todo momento. Levava-se um
tempo para perceber que eram os efeitos de iluminação nos corpos seminus, verdadeiras
estampas coloridas e texturas geométricas, que causavam tal impressão. A luz, em
Crucible, é o figurino.
Vale citar ainda Mantis, uma das cenas da obra Imago (1963), na qual os bailarinos usavam
figurinos com formas alongadas nos braços e na cabeça, revelando assim imagens e desenhos,
impossíveis sem tal acoplamento. Incorporados, pertenciam ao corpo do bailarino. Chamados
por Nikolais de extension, tais figurinos aumentavam o alcance do movimento. Entre outras
peças que poderiam ser citadas, vale a menção ao dueto masculino de Mechanical Organ
(1980), que explorava conexões entre dois corpos, desmontando formas e estimulando
a imaginação do espectador para a percepção de outras imagens; e à suntuosa Tensible
Involvement (1953), que usava a manipulação de compridos elásticos, realizando formas
tridimensionais e dando incrível sensação de volume ao espaço cênico.
8 Consultar o vídeo The
World of Alwin Nikolais
(Program 1).
9 picpal.com/maya.html;
www.dla.utexas.edu/depts/
m a s / D e r e n / i n d e x . h t m l ;
www.algonet.se/~mjsull/
(fórum sobre Maya Deren);
e www.mcphersonco.com/
document/legend.html.
Nikolais criou muitas obras em que o desenho da luz, a música e os figurinos estavam em
pé de igualdade com a coreografia. Aliás, a coreografia só é do jeito que é porque foi
feita com a incorporação destes elementos. Esta sua característica multimídia, de tratar
com igualdade diferentes linguagens, revelou um jeito particular de criar dança, sempre
contaminada pela tecnologia.
Contemporâneo de Nikolais é o alemão Oskar Schelemmer, além de Moholy-Nagy, Wassily
Kandinsky e outros que pertenceram à revolucionária escola Bauhaus, fundada em Weimar
em 1919 e depois transferida para Berlim. O Ballet Triadique (1922), uma trilogia baseada na
composição de movimentos, formas e cores, transformou a relação do corpo com acessórios e
figurinos. Outro exemplo, La Danse des Bâtons (1928-1929), mostra um bailarino preso a inúmeras
extensões que alongam as formas de seu corpo, ao mesmo tempo que nos dá a ilusão de ver os
ossos. Por fim, La Danse du Métal, de Schelemmer, Bauhaus e Dessau (1929), também poderia
compor ao lado das obras de Nikolais uma descendência das experimentações de Loïe Fuller.
maya deren: dança de luz
A convergência entre o cinema e a dança ou, se parecer mais adequado, entre o cinema e
o movimento foi bem sincronizada desde o início. Coincidem, portanto, no fim do século
XIX, os nascimentos da dança moderna e das primeiras cinematografias. Nos primeiros
dez anos, Méliès, Lumière e Thomas Edison pareciam encantados com a possibilidade de o
movimento ser captado e reproduzido. Como se estivessem testando seus equipamentos,
os fotógrafos mostravam-se especialmente interessados em registrar imagens de pessoas
(e outras coisas) em movimento.
Dos anos de 1894 a 1912 datam os primeiros filmes de dança, todos mudos. Na maior
parte das vezes trata-se de um registro de uma dança de entretenimento, como Princess
Rajah, com Catherina Bartho, que ficaria famosa por dançar segurando uma cadeira
entre os dentes. Também os filmes de Ted Shawn e Ruth St. Denis (precursores da dança
moderna americana), realizados entre 1912 e 1950. Nesse período surgem os filmes
coloridos e sonoros. Sem retirar o mérito destas obras, vale dizer que elas careciam de
algo que veio a se desenvolver posteriormente.
Maya Deren, 9 nascida Eleanora Derenkovskaya em 1917, em Kiev, Ucrânia, é considerada
pioneira na interação da dança com o cinema. Mais do que isso, a obra desta artista é uma
referência fundamental para todos os interessados na sétima arte. Embora existam filmes
de dança mais antigos, Maya Deren marca uma diferença radical ao propor uma interface
entre as duas linguagens que escapasse da simples documentação e do entretenimento.
Hábil no tratamento da iluminação, alternando perspectivas de espaço e tempo, criando
ilusão e explorando técnicas de edição, a artista é tida hoje como uma das mais
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