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de Aristófanes propone un anclaje fuerte con el
universo del teatro.
Lisístrata... , con dramaturgia y dirección de Andrés
Sahade, y actuación de Rosarios Alfaro, Gastón
Calvi, Micaela Fariña, Paula Liuzzo, Pilar Murano,
Victoria Oliveros, Sebastián Pomiró, Ricardo Scalise,
Nicolas Vilnitzky, nos presenta un modo particular
de hacer una versión de un clásico. Una versión con
una importante incorporación de lo musical.
Omnipresente como un dios, Zeus permanece todo
el tiempo en un Olimpo un poco reducido a cargo de
algunos instrumentos musicales. Interviene de manera
constante, observando, avalando o renegando
a través de sus gestos, echando a algún personaje e
incluso descendiendo del Olimpo en los momentos
cruciales.
Así como se plantea una actualización en el
vocabulario, en los conflictos, en los intereses
contemporáneos, en los insultos (una de las protagonistas
femeninas desespera cuando la llaman
“celulítica”) también hay cierta actualización del
coro. Por ejemplo, en los instrumentos musicales,
en su distribución en el espacio, seguramente en
sus gestos: cuando aparece el coro de mujeres y el
de hombres (de solo dos integrantes) alentando por
el que es de su género, la remisión a la cancha de
fútbol o al recital se inscribe de manera firme.
La actualización también llega para la defensa de
los derechos de la mujer...
La propuesta que juega con ritmos populares,
propone a la música como un importante vehículo de
expresión de los deseos (qué eufemismo), narra algunos
hechos e incluso postula reflexiones y dudas,
claro que los lexemas son un tanto escatológicos,
en honor, sin duda, a Aristófanes.
Esta Lisístrata no da por sobreentendido ningún
conocimiento sobre la obra de comediógrafo griego,
ni siquiera los nombres más comunes de su mundo;
por el contrario, aporta todos los datos necesarios
para comprender, y sin embargo, el recurso no se
convierte en redundante para los conocedores porque
el humor es el que media entre la información
y los espectadores.
El teatro y la música no se “superponen” sino
que se complementan para constituir un universo
sumamente particular.
El caso de La gracia de Lautaro Vilo (estrenado
en el marco de Decálogo: indagaciones sobre
los diez mandamientos), dirigido por Rubén Szuchmacher,
es bastante singular porque uno debería
decir que no hay música durante el transcurso de la
función. Y eso es lo llamativo. La acción transcurre
en un cuarto de hospital, por lo cual uno podría
sospechar que salvo en el marco de una “función
estética” no es fácil incluir música en el contexto
que nos presentan. El hombre que yace en cama
tiene hasta los oídos vendados, por lo que no
está en condiciones de disfrutar de ninguna pieza
musical.
En el comienzo se sostenía que la intención era
plantear vínculos no necesariamente habituales entre
el teatro y la música. Probablemente este ejemplo
sea un caso de extrañamiento, de relación atípica
entre los dos elementos que se buscan conectar.
El espectador entra en la sala y durante un tiempo
¿breve, extenso se permanece en la más absoluta
oscuridad, con una pieza de Penderecki.
¿Qué expectativa crea en el público, ¿qué imagen
construye en su cabeza Imposible de prever porque
la música no acompaña ninguna visión, está sola,
ocupando todo el espacio de la sala, llevando
hacia sí toda la atención del público. “Contempla”
la música, es decir, le presta atención. No hay
distractores.
La música aparece como pocas veces en el marco
de nuestra sociedad, desligada de lo visible.
Rubén Szuchmacher sabe claramente que la música
está ligada (culturalmente) a alguna imagen, por
30 CUADERNOS DE PICADERO