VeneziaMusicaedintorni 48 - RIVISTA COMPLETA - Euterpe Venezia

si estende; dunque, offrire allo spettatore non l’azione tout
court, ma le possibilità di azione che scaturiscono quando
il corpo si immobilizza (come un frame quando si mette in
pausa una videocassetta) e il caso e la mente seguono immaginarie
sequenze filmiche in cui ciò che accade è carica erotica,
desiderio, volontà di azione e mai mero accadimento.
Ed è con tale attitudine che Gabriela Carrizo accoglie gli
allievi del suo laboratorio. Ogni singolo partecipante è chiamato
a ragionare autonomamente su un tema
o su una condizione in cui il proprio corpo si
trovi immerso, a spogliarsi del proprio essere
attore o danzatore, ad abbandonare ogni forma
di teatralità per scoprire un tempo intimo,
coerente con il proprio spazio interiore.
Questo spazio, creato dalla mente, deve allora
mostrarsi attraverso il movimento corporeo.
Improvvisazioni collettive su scene costruite
al contrario, o su movimenti rallentati
in atmosfere temporali astratte, sono stimoli
attraverso i quali plasmare «un’immaginazione
del corpo». Quell’universo in cui,
attraverso il movimento, ogni singola interiorità
diviene narrazione e ogni minuscola
contrazione muscolare il disegno di un tempo
nel quale lo sguardo precipita un po’ meravigliato
ed un po’ inquieto, un po’ innamorato
e un po’ solo.
Il conclusivo Open Doors attraverso il quale
la Carrizo mostra il suo laboratorio agli
spettatori della Biennale appare allora come
un momento di apertura su un tempo esistente
solo nello spazio laboratoriale; un tempo fragile perché
privo di fini (e di fine), perché privo di spettacolarità. Infine,
un tempo in cui quel celebre bacio tratto da Le Salon e
riproposto dagli allievi, sembra riattualizzarsi e recuperare
vita, donando al marchio di fabbrica di questa compagnia
una nuova intimità. ◼
*artribune.com / teatroecritica.net
Dai «barrios»
di Buenos Aires
alla Biennale di Venezia:
il teatro di Claudio Tolcachir
di Giada Russo*
Negli ultimi anni, la vivacità del panorama
artistico argentino ha cominciato a incuriosire i teatri
europei, tanto che alcuni nomi come Bartís, Veronese,
Spregelburd, Tolcachir sono ormai noti agli spettatori
del vecchio continente.
Questa crescente apertura testimonia un diffuso bisogno –
nel mare magnum della «ipercontemporaneità» nostrana –
di ritornare agli elementi fondanti del fare teatrale: i personaggi,
le storie, i luoghi.
Claudio Tolcachir, argentino di Buenos Aires, classe 1975,
è una delle figure di spicco dell’ultima generazione di teatristas
appartenenti al circuito indipendente della metropoli rioplatense.
Un artista a tutto tondo che recita, scrive, dirige,
insegna e coordina il proprio gruppo teatrale, Timbre 4, fon-
Una sessione con Claudio Tolcachir
alla Fondazione Cini (foto di Giada Russo).
dato nel 1998 e divenuto un importante punto di riferimento
della scena culturale della città.
Proprio nel 2001, anno della crisi economica argentina, il
giovane regista trova una casa per la sua compagnia, il Teatro-Escuela
Timbre 5 che comprende due spazi – in Avenida
Boedo 640 e in Avenida México 3554 – situati all’interno
del medesimo stabile, nel quartiere operaio di Buenos Aires.
Il teatro indipendente ha disegnato una nuova mappa te-
atrale, parallela a quella ufficiale e commerciale di Corrientes,
che si dipana tra sobborghi, strade di periferia, case chorizo,
appartamenti, ex depositi: Timbre 4 è uno dei tanti spazi
di questa città invisibile. Già dal nome, che riproduce il
numero del campanello, dichiara la propria condizione indipendente
e alternativa.
Dai barrios della Buenos Aires off, Tolcachir ottiene la consacrazione
del pubblico europeo al Festival d’Automne nel
2010 con la pièce La omisión de la familia Coleman, primo
quadro di una trilogia sulla famiglia e sulla società. Applaudito
in più di venti Paesi, il giovane artista argentino arriva in
Italia nel 2008 a Vie Festival Scena Contemporanea di Modena
e, passando per il Piccolo di Milano e il Mercadante di
Napoli, approda quest’anno alla Biennale di Venezia con un
laboratorio rivolto a venticinque giovani attori.
Per sei giorni, la Sala degli Arazzi della Fondazione Cini,
sull’isola di San Giorgio, delimita uno spazio di libertà appartato,
strappato a una calda e caotica Venezia.
Nella fucina di Claudio Tolcachir la parola d’ordine è gioco:
vanità e competizione restano fuori dalla porta, insieme
con le scarpe dei partecipanti. E le regole del gioco sono
non giudicarsi e non giudicare, coerentemente con il metodo
del maestro, che non esprime sentenze né dispensa ricette
di teatro.
Nel tempo sospeso del laboratorio si impara a mettersi e
togliersi maschere a comando e a fare persino la parodia di
se stessi, pregi e difetti. La prima fase di lavoro si concentra
sull’ascolto del proprio corpo, che conserva tutte le necessità
dell’azione. Dalla mattina al pomeriggio si assiste a un cambiamento
di rotta: il gioco puro lascia il passo all’esercizio del
pensiero, che per Tolcachir deve essere un «pensiero visibile».
Esiste sempre un surplus dietro le parole e i silenzi, e l’obiettivo
dell’attore deve essere quello di mostrarlo attraverso
uno sguardo o un gesto. Tolcachir si sofferma su uno dei fondamenti
del lavoro dell’attore: la costruzione del personaggio.
Gli allievi vengono invitati a vestire i panni di una per-
le biennali 2012 — teatro
focus on 11