VeneziaMusicaedintorni 48 - RIVISTA COMPLETA - Euterpe Venezia

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12 focus on le biennali 2012 — teatro sona incontrata per caso tra le calli veneziane per darne dimostrazione nel piccolo bar dell’isola durante la pausa pranzo; l’idea è quella di una sorta di teatro invisibile, che scardina il senso della rappresentazione per restringere sempre più i confini fra teatro e vita. Una volta rientrati in sala, il regista sottopone gli attori a una serie di domande per conoscere meglio i personaggi, ovvero le «nuove persone che il giorno prima non aveva visto». Nell’arco di appena una settimana la sala di Tolcachir è già casa. Quello di conoscersi e identificarsi come gruppo è stato il primo obiettivo raggiunto: dentro la fucina dell’artista porteño, come tra i banchi di scuola, il gioco quotidiano comincia dall’appello collettivo, dove vince chi per primo riconosce l’altro. Tolcachir ha fatto una scelta coraggiosa e, per l’Open Door conclusivo della Biennale, ha abbandonato le microdrammaturgie nate durante il laboratorio e ha deciso di mettere in scena cinque situazioni (di teatro e di vita) ambientate idealmente in cinque luoghi diversi: una camera ardente, un treno, una barca, una strada di periferia, la sala d’attesa di un medico. Ad abitarli, i personaggi su cui gli attori hanno lavorato nei giorni precedenti: prostitute, vagabondi, uomini d’affari, scrittori, collegiali impaurite, travestiti in cerca d’amore, e chi più ne ha più ne metta. Gli spettatori entrano quasi di soppiatto a spiare le loro azioni. Non succede nulla. Dopo qualche minuto finalmente i personaggi entrano in relazione tra di loro, ma comunicano solo attraverso sguardi, piccoli gesti e poche parole, per lo più sussurrate: nessuna storia, almeno per chi non raccoglie la sfida ad andare oltre, per carpire quello che gli attori vorrebbero dirsi ma non si dicono. Se si supera questo primo ostacolo invisibile, prodotto da secoli di convenzioni (nel teatro e nella vita) e si dà libero sfogo all’immaginazione, il gioco è fatto: lo spettatore, libero di muoversi tra un angolo e l’altro della sala, può inventare storie infinite e diventare autore di uno spettacolo che nessun altro ha mai visto. Le dinamiche degli spettatori diventano interessanti quanto quelle della scena: i loro bisbigli all’orecchio, tra sguardi di stizza o di complicità, costituiscono parte integrante dello spettacolo. Se oggi anche il «nuovo» ha ormai alle spalle una lunga tradizione, questo esito teatrale non può dirsi del tutto inedito; eppure risulta affatto originale per un pubblico che non è ancora pronto a rinunciare alle proprie abitudini, e con difficoltà si adegua a una modalità di partecipazione che non gli appartiene. Il tema che accomuna le diverse situazioni è l’attesa. I personaggi aspettano – chi il proprio turno dal medico, chi l’arrivo dopo un lungo viaggio, altri che la notte passi in fretta – e ingannano il tempo vivendo; gli spettatori, dal canto loro, attendono che accada qualcosa che li distolga, almeno per un’ora, dalla realtà della vita (e dalla finzione del teatro). Tolcachir mette in scena una riflessione sul tempo che ha raccolto la lezione di Beckett e non si nasconde dietro falsi intellettualismi, ma si ciba di vita vera. E il suo lavoro sembra raccogliere, a più di mezzo secolo di distanza, il senso delle parole con cui Peter Brook commentava The Connection del Living Theatre, augurandosi che, a partire dalla sfida radicale alle convenzioni contenuta in quello spettacolo, il pubblico teatrale sarebbe stato in grado, nei decenni a venire, «di guardare persone normali, in uno stato normale, con interesse». Era il 1959, ma la profezia sembra stentare ad avverarsi, almeno per il momento. ◼ *ateatro.it Quattro gruppi in residenza alla Biennale 2012 Dai laboratori 2010-2011 alla presentazione di progetti autonomi di Elena Conti* Quando si abita un luogo si sente presto il desiderio di visitare quegli spazi che, nel corso dell’epoca moderna, sono stati privatizzati, chiusi alla comunità. Questo vale in particolar modo per una città come Venezia, rinomata per lo splendore dei suoi palazzi e giardini, pochi dei quali, purtroppo, visitabili. I 7 Peccati, i micro-show che riflettevano sul peccato contemporaneo ad opera di sette registi internazionali, presentati lo scorso anno alla Biennale Teatro, hanno offerto l’occasione di assistere alla presentazione pubblica dell’esito laboratoriale in spazi bellissimi, non frequentemente aperti al pubblico e non intesi come sale teatrali. Non è stata questa certamen- Gli esiti delle quattro Residenze della Biennale, dall’alto in senso orario: Qui-es-tu? Tu-me-tu (es), Propaganda, Swimming B e Pocilga.
te l’unica peculiarità del lavoro, ma piace ricordare l’importanza di quell’esperienza. A segnare un’apertura e uno sviluppo di quel momento di incontro, Álex Rigola ha offerto quest’anno a quattro gruppi la possibilità di presentare un progetto autonomo a cui lavorare nel corso di una residenza artistica a Venezia (dal 4 al 10 agosto 2012). Il fil rouge che lega queste formazioni alle esperienze laboratoriali delle passate edizioni, risiede nella partecipazione dei componenti ai workshop tenuti da Jan Lauwers, Romeo Castellucci, Rodrigo García e Thomas Ostermeier nel 2010 e 2011. «Il nostro gruppo non si è ancora formalizzato in una compagnia – racconta John Romão in un’intervista a cura di Matteo Antonaci – non avevamo mai lavorato insieme prima d’ora. Il laboratorio di Romeo Castellucci ci ha permesso di conoscerci e di creare legami di reciproca ammirazione». La decisione di Rigola di accostare le Residenze ai Laboratori, ha posto l’attenzione sulla ricerca teatrale di nuove formazioni, sul lavoro di artisti che, come John Romão, assieme a Georgina Oliva, Piera Formenti e Damiano Ottavio Bigi, hanno deciso di intraprendere e condividere un percorso per affinità di interessi e di poetica. Pocilga è il progetto su cui si è concentrato il collettivo; gli spazi del Teatro Junghans hanno accolto un primo avvicinamento scenico a Porcile di Pasolini, in una riflessione focalizzata sul corpo umano e sul corpo animale quali oggetti «di desiderio “invertito” – come scrive Romão – e cause di scandalo all’interno di un gruppo sociale. Un giovane, invece di amare il corpo umano, lo divora; un altro, invece di mangiare il corpo del maiale, lo ama. Si tratta di corpi trasgressori che il potere vuole cancellare e nascondere. È questa la principale linea drammaturgica di cui voglio occuparmi». Sempre al Teatro Junghans, la compagnia Divano Occidentale Orientale, già costituita da Giuseppe Bonifati nel 2010 e impegnata lo scorso anno nel laboratorio condotto da Rodrigo García, ha sviluppato Qui-es-tu? Tu-me-tu (es), una performance nata dall’idea di un televisore che genera interferenze. «In scena – racconta Bonifati – una casalinga ha un rapporto sessuale con un televisore dal quale sembrano nascere due figure, Y e Z. Le due entità non si conoscono ma stabiliscono lentamente un dialogo fino a quando una violenza domestica non crea un cortocircuito imprevisto. Non sono interessato ad una critica massmediale – continua il regista – voglio mettere in scena un incubo nel quale i personaggi non sono che entità astratte». Accanto a queste esperienze, altre due formazioni hanno lavorato negli splendidi saloni del Conservatorio Benedetto Marcello: sono The Moors of Venice, il gruppo creatosi all’interno del laboratorio di Thomas Ostermeier, ora alle prese con Propaganda, la prima parte di The Revolution Project, e l’ensemble costituito da Carlota Ferrer, Nicolas Wan Park, Francesca Tasini e Emmanuelle Moreau, impegnato in Swimming B, una rilettura di alcuni monodrammi di Beckett. La possibilità di seguire parte delle prove degli artisti presenti al Conservatorio, ha distolto dalla congettura che legava e restringeva il percorso di questi professionisti al nome del regista del laboratorio, come alla ricerca di segni distintivi di un «superficiale» passaggio di testimone da maestro ad allievo, ponendo piuttosto in evidenza la sperimentazione apportata da questi giovani autori al contemporaneo panorama performativo. Ognuno di loro ha potuto organizzare a proprio modo le giornate di lavoro: così se The Moors of Venice, il gruppo guidato da Fèlix Pons, nel corso delle prime prove si è approcciato alla messinscena di Propaganda – un interessante studio sull’eta, l’organizzazione terroristica basca – in maniera più consueta, per giungere in seguito a un capovolgimento totale della costruzione drammaturgica, la modalità perseguita nella creazione di Swimming B ha mantenuto costante l’idea di work-in-progress trasmessa alla formazione dall’esperienza fatta precedentemente con Jan Lauwers, ma modellata sulle specificità dei singoli. «Tutto il gruppo che ha lavorato con il maestro a Venezia – racconta Carlota Ferrer – è rimasto influenzato dal suo linguaggio. La modalità che seguiamo nella creazione si avvicina al suo modo di lavorare: un continuo work-in-progress che si basa sulle proposte differenti degli attori». A chiusura del periodo di residenza, i progetti sono stati presentati al pubblico in Open Doors volti a fornire agli artisti un riscontro sulla ricerca intrapresa in questa breve esperienza. Osservare la pluralità di linguaggi – pur trattandosi ancora di piccoli frammenti – portata in scena da questi ensemble multinazionali, fa riflettere sulle difficoltà che si possono incontrare all’inizio di un percorso (come la disponibilità di uno spazio), e porta a riconoscere l’opportunità che la direzione artistica di Álex Rigola ha offerto a questi gruppi. Ora si può guardare al futuro, a una maturazione del lavoro, come racconta Ferrer, che nello sviluppo della performance vorrebbe coinvolgere un drammaturgo; o come dimostra The Moors of Venice, il cui pensiero va a InSIGHT?, il secondo step della trilogia dedicato all’aspra realtà siriana, che verrà presentato a settembre a Monaco di Baviera. ◼ *iltamburodikattrin.com Un campus d’agosto fra incontro e condivisione Il progetto di Álex Rigola per un cantiere che lavori tutto l’anno di Roberta Ferraresi* Álex Rigola, fra i rappresentanti di quella nuova possente generazione della regia europea che – ne abbiamo visto qualche esito proprio nelle ultime sue Biennali – continua a scuotere i palcoscenici e a reinventare il linguaggio teatrale, è al secondo mandato come direttore del festival lagunare. Qui, con l’intenzione di fare di Venezia un campus internazionale delle arti sceniche, sta sperimentando una curiosa formula di direzione, capace di intrecciare la logica laboratoriale con il momento della messinscena. Cominciamo l’intervista ponendo le domande che, lungo tutta la settimana, abbiamo rivolto agli allievi dei workshop, per proseguire poi verso le idee e le spinte che da questo campus, ormai alla fine, portano già verso gli orizzonti del festival 2013. La prima domanda che abbiamo posto ai laboratoristi è: qual è lo spettacolo che le ha cambiato la vita? I sette rami del fiume Ota di Lepage, Shopping & Fucking di Ostermeier, Je suis sang di Jan Fabre… che altro? Mi è piaciuto molto uno degli spettacoli che abbiamo portato in Biennale l’anno scorso: Isabella’s Room di Jan Lauwers. Poi tutti i Dostoevskij di Castorf... Fra i più recenti c’è la versione del Maestro e Margherita di Simon McBurney. I lavori di Sidi Larbi, un artista che vorrei portare a Venezia. Poi Sasha Waltz, Pina Bausch…Gli spettacoli che mi hanno cambiato sono così tanti che potrebbero non finire mai! La seconda domanda riguarda direttamente i laboratori di questa Biennale: fra «costi e ricavi», chiediamo di fare un bilancio dell’edizione 2012. Cos’ho guadagnato? Sicuramente la felicità. Ad esem- le biennali 2012 — teatro focus on 13
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