VeneziaMusicaedintorni 48 - RIVISTA COMPLETA - Euterpe Venezia

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14 focus on le biennali 2012 — teatro pio i due Open Doors dell’ultima sera (dai laboratori di Gabriela Carrizo e Claudio Tolcachir, ndr) mi hanno reso molto felice: non tanto perché quello che hanno mostrato fosse bello o interessante – in effetti lo era – ma per il rapporto che hanno mantenuto con il percorso di lavoro che si è sviluppato in questi giorni. Perché abbiamo voluto presentare degli Open Doors alla fine dei workshop? Certo non per vedere degli spettacoli: queste dimostrazioni non erano come i 7 peccati, la serie di micro-show itinerante che ha concluso la Biennale 2011; piuttosto rappresentano, per gli altri allievi dei laboratori, la possibilità di conoscere altri modi di lavorare e pensare il teatro. Così mi chiedo: cosa succederebbe se, per un giorno alla settimana, potessimo cambiare i nostri maestri e provare qualcosa di totalmente diverso? Credo potrebbe essere un’esperienza fondante: una specie di «pausa» dal proprio lavoro, in cui il cervello si sposta per andare a incontrare un altro percorso e poi, il giorno successivo, torna rinnovato dal maestro e dal teatro che ha scelto. Mi pare che l’esperienza dell’ultima serata abbia saputo raccontare davvero molto bene quello che ho provato a fare qui con il Laboratorio di arti sceniche della Biennale. L’ultima domanda che abbiamo posto in questi giorni agli allievi dei laboratori: che senso ha, secondo lei, fare teatro in questi tempi di crisi? …che sia troppo tardi per iniziare una nuova carriera?! (ride) Ora tutto è peggiorato, ma non penso di essere cambiato molto rispetto a due anni fa, sono sempre ugualmente critico. Credo che, facendo regia, il mio lavoro possa essere quello di indagare – anche se solo parzialmente – la psicologia umana e di vedere un po’ come va il mondo. Non ho soluzioni: non sono uno statista, un economista o un filosofo, posso solo raccontare quello che mi accade intorno ogni giorno. Tuttavia, mi è capitato spesso di pormi questa domanda e, pur credendo che non ci sia una risposta precisa o necessaria, sono giunto alla conclusione che facciamo teatro per sapere qualcosa in più su noi stessi. Penso sia questo il senso ultimo dell’arte scenica, anche dal punto di vista degli spettatori: andiamo a teatro per conoscere qualcosa in più sull’essere umano. Ma perché vogliamo sapere così tanto, e sempre di più, su noi stessi? Forse questa è la vera domanda. Una Biennale all’insegna del laboratorio: il progetto, avviato nel 2010, quest’anno si condensa in un’unica settimana e richiama a Venezia più di centocinquanta fra maestri e allievi… Per me il laboratorio non è un luogo di lezione, ma di «simmetria». Deve essere un posto in cui il maestro sperimenta qualcosa e gli allievi lo seguono, possono vedere come lavora: ma deve essere innanzitutto anche un’occasione per il maestro stesso, un momento che serva profondamente anche a lui, ossia uno spazio per mettersi alla prova. Il laboratorio, dunque, non può seguire una direzione univoca – una trasmissione di sapere dal maestro agli allievi – ma diventare una occasione di condivisione di esperienze. Veniamo alla presenza dei maestri: nelle passate stagioni si poteva individuare un legame empatico, quasi generazionale, fra gli artisti invitati in Biennale. Quest’anno la proposta è «esplosa»: c’è un grande maestro come Ronconi e un regista come Donnellan; si trovano la drammaturgia, il teatro-danza e l’esperienza di un autore-regista come Claudio Tolcachir… Qual è il criterio, l’interesse, che muove verso queste persone? Il percorso di selezione – quest’anno, ma anche nelle edizioni precedenti e future – è un processo complesso. Ma non esiste una teoria, come ad esempio lavorare con artisti che appartengono a una stessa generazione. Quella del 2011 si può dire sia stata una pura casualità; anche se è vero che le coincidenze non esistono e si potrebbe pensare che, trattandosi di artisti tutti miei coetanei, sono persone il cui lavoro mi piace molto e da cui ho imparato tantissimo, innanzitutto come spettatore. Che relazione lega gli artisti coinvolti nel 2012? Ognuno è qui con il proprio percorso, con il proprio lavoro e un’estetica specifica. Il punto, piuttosto, è un altro: un progetto laboratoriale è profondamente diverso da un festival – e noi, in questi tre anni, ci stiamo muovendo fra entrambe queste polarità. Workshop e spettacolo sono elementi strettamente legati, per me è un punto molto importante. Non si viene a Venezia soltanto a seguire delle lezioni o a vedere delle messinscene; si viene alla Biennale piuttosto per un campus estivo dove il tratto determinante è la condivisione di esperienza a tutti i livelli. Qui si può incontrare il lavoro di un maestro e gli allievi possono seguirne i processi di sperimentazione. Ma la trasmissione di sapere funziona anche fra i singoli partecipanti dei laboratori, fra allievi attori e registi... Siamo tutte persone a cui piace il teatro e che vogliono imparare qualcosa in più: è per questo che ci ritroviamo tutti insieme per una settimana. Come si rapporta questo progetto legato alla dimensione laboratoriale e della ricerca con uno spazio istituzionale come quello della Biennale di Venezia? Devo dire che qui c’è una grande libertà artistica. La Biennale è un luogo in cui si può provare a realizzare quello che si desidera artisticamente. Ogni volta che ho raccontato le mie idee e i miei progetti sono sempre stati accolti con interesse e curiosità: non dappertutto esiste tale disponibilità nei confronti della direzione che un artista intende proporre. In particolare, per quanto riguarda i percorsi laboratoriali, è stata proprio la Biennale a stimolare un approccio del genere: l’idea non è soltanto mia. Ad esempio Ismael Ivo, direttore del Settore Danza, ha attivato un percorso formativo lungo cinque mesi. Ora c’è il nostro, con il teatro; e a fine ottobre ci sarà Musica. Sono progetti formativi che si dipanano quasi per tutto l’anno. E questa è un’idea fortemente sostenuta dal Presidente Baratta: il termine «Biennale College» è suo. Ciò significa che ci siamo incontrati su di uno stesso Álex Rigola.
cammino: le nostre ricerche si uniscono nella volontà di abitare questa «città della conoscenza», dove abbiamo la fortuna di trovarci. Proseguendo su questa linea, la Biennale Teatro potrà diventare una sorta di «Cambridge dell’arte scenica». Sembrerà una definizione eccessiva ma, guardandosi un po’ intorno, ci si rende conto che al giorno d’oggi, in teatro, non c’è nessuno che stia lavorando a qualcosa di simile. ◼ *iltamburodikattrin.com / doppiozero.com La formazione continua: una riflessione sulla Biennale Teatro di Andrea Pocosgnich * Il termine «condivisione» appare più volte nelle risposte date da Álex Rigola a Roberta Ferraresi nell’intervista che compare proprio in queste pagine. Ed è in effetti questo il senso ultimo del progetto formativo ideato dal regista catalano sin dalla prima edizione del 2010. Il tiro è andato modificandosi di anno in anno, con in mezzo un festival direttamente connesso al precedente periodo formativo. Se nella prima edizione i laboratori cominciavano in ottobre e terminavano in primavera inoltrata, questa Biennale ha invece visto concentrarsi tutte le classi in meno di dieci giorni permettendo uno scambio osmotico di esperienze non solo tra i partecipanti, ma anche tra i maestri, mantenendo comunque intatta la durata di ogni workshop. È stato curioso osservare l’affermato Declan Donnellan interloquire con l’astro nascente del teatro argentino Claudio Tolcachir del quale fu maestro in un laboratorio tenuto a Buenos Aires alcuni anni fa; oppure vedere l’americano Neil LaBute incrociare il suo particolarissimo percorso (regista teatrale, drammaturgo, filmaker) con quello del teatro europeo, distante per metodo e funzione sociale. La «Cambridge delle arti sceniche» – così tra speranza e ironia Rigola chiama il futuro del suo progetto formativo – ha visto, oltre ai tre maestri citati, il teatro-danza di Peeping Tom (alle prese con un lavoro spietato, ma anche allegro e ironico, sul corpo degli allievi) e il Leone d’oro alla carriera Luca Ronconi con le sue lezioni su Pirandello che immediatamente divenivano seminari sull’arte teatrale. Personalità che vanno a comporre un mosaico eterogeneo e complesso della scena contemporanea e in parte anche interpreti di una vocazione – per lo più assente in Italia – che caparbiamente lega tradizione, ricerca e commerciabilità dell’opera. Un campus delle arti sceniche, inevitabilmente, è anche una comunità. Il che comporta una condivisione non solo degli spazi e dei tempi laboratoriali, il prima e il dopo si mescolano: la sveglia in ostello, la colazione prima del vaporetto, la cena, le passeggiate per le fondamenta, lo studio in notturna. Nel segno di questa condivisione si costruiscono le basi di un vero e proprio campus. Per ora rimane l’idea, romantica e affascinante, che deve vedersela con la consueta scarsi- Alcuni partecipanti ai laboratori (foto di Giada Russo). tà di risorse economiche. È stato un assaggio. Come definire d’altronde dei laboratori che nella migliore delle possibilità hanno avuto una durata settimanale? Cosa si porteranno a casa gli allievi di LaBute dopo tre giorni di corso? La cura del gesto e la ricerca sul corpo drammaturgico di Gabriela Carrizo possono essere appresi con meno di una settimana di lavoro? È il segno dei tempi, certo: anni in cui gli artisti debbono vivere in una condizione di formazione perenne, perché se il lavoro scarseggia bisogna sapersi adattare, fare tutto, anche impreziosire il curriculum con momenti formativi mordi e fuggi. La riuscita non è dunque misurabile proprio perché strettamente legata alle esperienze pregresse di ogni partecipante. Variegata d’altronde la platea di attori e performer, più di cento, che hanno risposto all’avviso pubblico della Biennale, anche grazie ai costi molto contenuti. Resiste come punto di riferimento principale l’accademia. Il percorso formativo di lunga durata sembra rimanere la prima tappa obbligata (quantomeno lo è per chi si è occupato di selezionare i curricula), ma anche per chi è già inserito nel mondo lavorativo l’appuntamento laboratoriale col grande maestro è d’obbligo. Non mancano però artisti che si stanno affermando tra le nuove generazioni – a seguire il workshop di Ronconi vi erano ad esempio Claudio Autelli e Licia Lanera, entrambi vincitori dell’ultima edizione del premio Nuo- ve Creatività eti, Luca Micheletti, Premio Ubu 2011, alcuni venivano invece da recenti esperienze nel cinema e nella televisione. Se escludiamo insomma quel senso di incontro e condivisione per concentrarci sulla risultante pedagogica (anche se è chiaro che mentre il primo può fare a meno della seconda non è vero il contrario) difficilmente riusciamo a tirare le somme del progetto di Rigola. A sentire i partecipanti, a parte lo spaesamento iniziale degli attori venuti per Ronconi che poi si sono trovati a lavorare in gran parte con giovani registi, l’esperienza ha portato i suoi frutti: artisti come Claudio Tolcachir e Gabriela Carrizo hanno avuto una presa immediata sui propri allievi stabilendo un rapporto empatico e di grande stima. Ma nel caso di una istituzione come la Biennale un campus estivo deve anche essere l’epicentro del dibattito artistico, luogo di eccellenza dove si misura il fermento della scena, punto nevralgico della città, realmente e per tutto l’anno, open door; l’alternativa è l’ennesimo fast-food del workshop teatrale. ◼ *TeatroeCritica.net le biennali 2012 — teatro focus on 15
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