FABRIZIO COSTANZO WORK IN PROGRESS 1

Un catalogo, una vita
Una dialettica tra contenuti e processi
Le azioni progettuali in rete, finalizzate al raggiungimento dell’obiettivo della solidarietà, assumono particolare importanza
in un contesto di esperienze ed emozioni comuni. Nello specifico, la mostra-concorso L’arte del Volontariato di
Villa Niscemi, avvicina i giovani ed i professionisti a questo mondo in maniera costruttiva e spontanea. A tale genere
d’iniziativa, gli artisti del Gruppo Graffiti non sono nuovi: già altre volte hanno dimostrato la loro etica professionale prodigandosi
a favore di chi soffre con la presenza, il lavoro e le donazioni - vedi le ultime mostre di Santa Maria dello
Spasimo (2007) e di Villa Boscogrande (2008) a Palermo.
Il catalogo prodotto nel 2008, egregiamente coordinato dalla giornalista Laura Poma e dal Presidente dell’A.R.I.S. Rocco
Di Lorenzo, ci dà lo spunto per ampliare il discorso, andando oltre il risultato estetico. La pubblicazione, ponendosi
come strumento divulgativo a supporto della mostra, evidenzia una sua valenza simbolica che racchiude vite e opere
degli artisti partecipanti alla manifestazione. Nella disputa con l’altro strumento di comunicazione per eccellenza del
Ventunesimo secolo – internet (e tutto ciò che riguarda la telematica) – ne esce a testa alta. Ancora oggi per noi è essenziale
appartenere ad un oggetto reale attraverso i sensi: ci è indispensabile leggere e sfogliare un catalogo sentendo
e toccando la porosità delle sue pagine, osservare le foto seduti su di una comoda poltrona e sotto la luce rassicurante
di un lume: abbiamo bisogno di memorie, di affetto, della terra sotto i piedi, del senso della vita e della Bellezza.
A quest’ultimo valore universale siamo indissolubilmente legati; oggi però il nostro approccio è profondamente cambiato
rispetto al passato. Siamo incapaci di usufruirne perché di carattere privato ed esclusivo. I greci invece praticavano
la bellezza nella piazza, pubblicamente, vivendola tutti i giorni: Bellezza e Giustizia entravano in simbiosi, la legge morale
e quella estetica coincidevano dando senso e significato alla vita. Oggi la bellezza è eclatante ed esteriorizzante,
produce audience e riscontro economico. Qualche volta sfocia nel cruento (vedi performance scioccanti e oscene) e
deve colpire subito, ad ogni costo…non è meditativa, non crea consensi. Abbiamo frantumato l’essere in tante particelle,
altri microcosmi anarchici: siamo isole. Non riconosciamo più i maestri e i movimenti: non discutiamo. E’ un problema
di comunicazione, adesso libera e multidimensionale, ma nel contempo parossistica e non lineare. Storicamente,
l’arte di fine millennio è caratterizzata dalla voglia d’indipendenza creativa e dall’estrema varietà delle proposte; per
tentare di comprenderla occorre considerare i cambiamenti che si sono verificati all’interno della società e l’interscambio
sempre più intenso di uomini, prodotti e idee, che ha permesso una circolazione della cultura su scala globale: lo
sviluppo impressionante della tecnologia ha aumentato le opportunità a disposizione degli artisti facilitando il nascere
ed il proliferare di tendenze e dinamiche assai diverse tra loro. Il Capitalismo degli anni ’70 ha altresì formato al suo
interno una opposizione, un’aspra lotta politica e ideologica al cui interno il mondo artistico ha risposto in maniera
estremamente variegata, portando avanti il fenomeno delle Neoavanguardie. Gli artisti hanno così evidenziato le contraddizioni
sociali e liberato la creatività personale da ogni condizionamento estetico e culturale: Joseph Kosuth, ad
esempio, ha espresso un nuovo concetto di creatività incentrato sul momento ideativo. Per l’artista l’arte è processo
mentale da ricreare davanti allo spettatore. Conta solo l’idea, non la sua realizzazione. Non è quindi importante l’aspetto
estetico del risultato. Nell’opera Uno e tre cappelli rappresenta in tre modi diversi lo stesso concetto: la fotografia di
un cappello, un cappello vero, e la sua definizione linguistica tratta da un dizionario. Kosuth, in pratica, indica l’inutilità
dell’oggetto (non esiste alcun motivo per rappresentarlo) e nega alla radice qualsiasi forma di opera d’arte. Molti artisti,
in questo periodo, si sono schierati contro lo sfruttamento commerciale del loro lavoro proponendo un’arte volutamente
invendibile, senza mercato. Cristo e Richard Long, aderenti alla Land Art, hanno agito direttamente sul territorio, segnando
il paesaggio con realizzazioni talmente colossali da non poter essere esposte in nessuna galleria. Gilbert &
George hanno considerato il loro corpo come un’opera d’arte vivente, sostituendo all’oggetto-contenuto, il concettoprocesso:
nelle performance e negli happening gli artisti creano direttamente davanti al pubblico facendolo partecipare
alle loro azioni. Nell’ultimo trentennio del XX secolo il significato di arte si è ampliato a dismisura coinvolgendo la musica,
il teatro, la danza e il video o impiegando materiali non artistici. Per Joseph Beuys l’arte è trasformazione, trasmissione
di energia vitale che spettacolarizza esibendosi dal vivo. Egli rifiuta i consueti strumenti artistici preferendo impiegare
oggetti e materiali prelevati dalla realtà quotidiana che assembla in maniera sconcertante e provocatoria. In Pianoforte
a coda, usa un pianoforte senza gambe, alcuni frammenti di un violino distrutto dall’artista, il suo cappello e le
fotografie che documentano le fasi dell’evento.