El movimiento obrero a través de la fotografía (1839–1941)

4. La figura del obrero y la fotografía obrera en los Estados Unidos: la League y la FSA
suficiente de buenas fotografías, podrían organizarse exposiciones que se
mostrarían en clubes obreros por todo el país. Se insta a todos los trabajadores a
que tomen fotografías y las envíen a la National Exchange de la Film and Photo
League, ubicada en el número 12 de la calle 17 este en Nueva York: convertid la
cámara en una auténtica “arma en la lucha de clases”. (Frank Ward 1934, apud
Ribalta 2011: 343).
Se trata, además de un texto que, en cierto modo, es una declaración de
intenciones. En los Estados Unidos de América, en lo relativo al mercado del arte, existía,
además, una tendencia por parte de las galerías a depositar buena parte de la gestión
comercial en la figura del “marchante”, papel que en la lógica revolucionaria estaría
reservado –aunque con matices– al “comisario”. El material visual obtenido por la
fotografía obrera no nace para ser expuesto en una sala burguesa (sea el museo, sea la
galería de arte), generando dividendos y usando el arte como mera mercancía más o
menos manufacturada, sino para ser expuesto en todo lugar en que pueda hacer de
correa de transmisión de las ideas revolucionarias. En una conferencia celebrada en la
sede de la Photo League el 27 de julio de 1938, la ponente Elizabeth McCausland
ironizaba: “no puedo recordar haber tenido nunca una crisis nerviosa ante el pensamiento
de si la fotografía es o no es arte ” . [...] Asimismo, tengo la impresión de que los fotógrafos
de prensa han sido los artistas populares, los primitivos del nuevo movimiento de la
fotografía actual. Han trabajado directamente y sin florituras artísticas, utilizando sus
cámaras para decir cosas definitivas acerca de lo que está sucediendo en el mundo,
[porque] las fotografías de Vogue y de publicaciones similares son sólo imágenes en
hueco, un poco más sofisticadas y edulcoradas. Es la última fase de esta degradación del
arte.” (McCausland 1938, apud Ribalta 2011: 349). Finalmente, y a modo de resumen, la
conferencia de McCausland terminaba así:
“De modo que tras las excentricidades del “arte por el arte”, el arte regresó a su
papel histórico de portavoz de la experiencia y la vida humanas. Después de una
década, más o menos, en que el asunto a tratar había perdido importancia, de
repente el tema se convirtió en el criterio artístico definitivo. Una pintura, una
escultura, un grabado o una fotografía deben tener contenido, pero no un mero
contenido de carácter personal romántico, sino social” (McCausland 1938, apud
Ribalta 2011: 349).
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