HfG Karlsruhe Jahresbericht Staatliche Hochschule für Gestaltung ...

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Prof. Dr. Boris Groys Aus dem Englischen von
Katharina Voget und
Die Menschheit als Kunstgemeinschaft
Barbara Kuon / German
Translation by Katharina
Mit dem Ende des 20. und dem Beginn des 21. Jahrhunderts brach für die Kunst ein neues
Voget and Barbara Kuon
Zeitalter an: das der künstlerischen Massenproduktion. Neu deswegen, weil das vorige Zeit-
alter der Moderne geprägt war von einem Massenkonsum von Kunst. Folglich wurde es von
vielen einflussreichen Theoretikern auch entsprechend bezeichnet: Das Zeitalter des Kitsch
(Greenberg), der »Kulturindustrie« (Adorno) oder des Spektakels (Debord). Kunst wurde für
die Massen gemacht – sie wollte die Massen verführen und von ihnen konsumiert werden.
Die Popkultur des 20. Jahrhunderts wurde allerdings von der Elite bestimmt – und nicht von
den Massen. Jetzt ist die Situation anders. Zwei Hauptentwicklungen haben zu dieser Veränderung
geführt. Zum einen sind neue technische Möglichkeiten der Bildproduktion aufgekommen.
Zum anderen hat es einen Wandel im Kunstverständnis gegeben, eine Änderung
der Regeln, mit Hilfe derer bestimmt wird, was als Kunst gilt und was nicht.
Beginnen wir zunächst mit letzterer Entwicklung. Heute sehen wir ein Kunstwerk nicht mehr
vor allem als ein Objekt, das in Handarbeit von einem einzelnen Künstler geschaffen wurde,
sondern als Resultat einer Auswahl, Platzierung, Verschiebung, Umwandlung oder Kombination
bereits bestehender Bilder und Objekte. Und hunderte Millionen von Menschen überall
auf der Welt machen in ihrem täglichen Leben genau das. Natürlich tendieren wir selbst
nach dem Diskurs über den Tod des Autors und die Dekonstruktion der Subjektivität und Intentionalität
dazu zu glauben, dass all diese Vorgänge nur dann als Kunstproduktion interpretiert
werden können, wenn sie ursprünglich auch als Kunstprojekt deklariert, d.h. mit ästhetischer
Absicht vollzogen wurden. Außerdem neigen wir auch dazu anzunehmen, dass die
Massen keine solche Absicht haben und ästhetische Effekte irgendwie »unbewusst« schaffen.
Die breite Masse von heute ist mittlerweile allerdings sehr gut informiert über die hoch entwickelte
Kunstproduktion – dank der Biennalen, der Documentas und der Berichte über sie
in den Medien – und, ja, sie schaffen ihre Kunst doch mit Absicht. Moderne Mittel der Kommunikation
und Netzwerke wie Facebook, MySpace, YouTube, Second Life und Twitter geben
den Menschen weltweit die Möglichkeit, ihre Fotos, Videos und Texte so zu posten und zu arrangieren,
dass man keinen Unterschied zu anderen post-konzeptualistischen Kunstwerken
mehr feststellen kann. Design bietet zudem genau diesen Menschen heute die Möglichkeit,
ihre Wohnung oder ihren Arbeitsplatz als künstlerische Installation zu formen und zu erfahren.
Damit ist zeitgenössische Kunst zu einer kulturellen Massenpraktik geworden. Das wirft
die folgende Frage auf: Wie kann ein Künstler in der heutigen Zeit diesen Populärerfolg zeitgenössischer
Kunst überleben? Oder: Wie kann ein Künstler in einer Welt überleben, in der
letztendlich jeder ein Künstler ist?
Unter dem Druck dieser Frage blicken wir nostalgisch zurück in die Moderne. Zu einer Zeit,
in der die zynische politische und wirtschaftliche Elite die Welt mit Pseudo-Kunst überschüttete,
um die breite Masse zu politischem Gehorsam und/oder zum Konsumrausch zu verführen,
konnte ein Künstler stolz darauf sein, Kunstwerke zu schaffen, die allein durch ihre
Form signalisierten, dass man gegen die dominante Kulturästhetik der Massen Widerstand
leistete oder ironisch mit ihr spielte oder sich zumindest von ihr distanzierte. Die moderne
Philosophie und Ästhetik / Philosophy and Aesthetics
Kunst war elitär, aber sie war nicht anti-demokratisch. Die Moderne war eine Arena, in der
sich der Kampf zweier Eliten abspielte – beide suchten die Unterstützung der schweigenden
demokratischen Mehrheit, beide gaben vor, demokratischer zu sein als die andere. Heute leben
wir jedoch nicht unter Massen von Zuschauern, sondern unter Massen von Künstlern.
Die Ablehnung der vorherrschenden Ästhetik ist zu einer undemokratischen Geste geworden,
ja sogar zu einer faktisch unmöglichen Geste. Erstens: Lehnt man die dominante Ästhetik
von Facebook und YouTube ab, weist man damit nicht Kunst zurück, die für die Massen
gemacht ist, sondern Kunst, die von den Massen geschaffen wird. Zweitens: Die Ästhetik dieser
massengefertigten Kunst entspricht genau der fortschrittlichsten, post-konzeptualistischen
Ästhetik zeitgenössischer Kunst. Es ergibt also keinen Sinn, mit der Suche nach neuen
Formen zu beginnen, die denen der zeitgenössischen demokratischen Popkultur entgegen
stehen könnten. Es ergibt auch keinen Sinn, nach Strategien politischen oder ethischen Engagements
zu suchen, da die Internetkultur von heute mittlerweile über genügend Webseiten
zur Platzierung dieser Strategien verfügt. Diese zwei klassischen Strategien der Moderne
scheinen heutzutage ineffizient. Aber noch einmal: Bedeutet dies, dass ein Künstler heute
den Massenerfolg zeitgenössischer Kunst nicht überleben kann? Die Tatsache, dass mittlerweile
jeder ein Künstler ist, birgt allerdings nicht nur Risiken, sondern bringt auch Chancen
für die Position des Künstlers in der Gesellschaft mit sich. Heute teilen Künstler auf der Ebene
des täglichen Lebens die künstlerische Aktivität mit ihrem Publikum. Der Künstler teilt
die Kunst mit dem Publikum so, wie er früher die Religion oder die politische Haltung mit
ihm teilte. Das Künstlerdasein ist kein exklusives Schicksal mehr. Stattdessen ist es auf intimster,
alltäglicher Ebene repräsentativ für die gesamte Gesellschaft geworden. Aber auch
hier bietet sich dem Künstler die Chance, einen universalistischen Anspruch zu erheben –
im Versuch, die inneren Strukturen des täglichen Lebens in der heutigen Zeit offen zu legen,
selbst wenn dies einen Einblick in die Duplizität und Zwiespältigkeit der alltäglichen Existenz
des Künstlers ergibt.
Mankind as an Art Community
At the end of the 20th and the beginning of the 21st centuries, art entered a new era – namely,
an era of mass artistic production. This era is new because the previous, Modern age was
an era of mass consumption of art. And it was described as such by many influential theoreticians:
as an era of kitsch (Greenberg), of “cultural industry” (Adorno) or as a society of spectacle
(Debord). This was the era of art that was made for the masses – art that wanted to seduce
the masses, to be consumed by the masses. But the popular culture of the 20th century
was produced by the elite – not by the masses themselves. Now, the situation has changed.
There are primarily two developments that lead to this change. One of them is the emergence
of the new technical means of image production and distribution, and the other one is a shift
in our understanding of art, a change of the rules that are used for the identification of what
is art and what is not art.
Let us begin with the second development. Today, we do not identify a work of art primarily
as an object produced through manual work by an individual artist. Rather, a work of art is
seen as an effect of choosing, placing, shifting, transforming and combining pre-existing images
and objects. And it is, of course, precisely what hundreds of millions of people around
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