Catalogo Giornate del Cinema Muto 2012 - La Cineteca del Friuli

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compressa, spesso sbrigativa. La caratterizzazione può qua e là difettare di profondità psicologica, ma le dramatis personae sono presentate con chiarezza e coerenza – “creature dickensiane vere e non mere caricature come è dato molto spesso il caso” – sancì The Dickensian. Hepworth fu tuttavia particolarmente deluso dal ragazzino americano che interpretava David da bambino, Reggie Sheffield (accreditato come “Eric Desmond”), rammentando che “troppo spesso guardava in macchina o verso il produttore quando gli veniva rivolta la parola”. Sembrerebbe un giudizio troppo duro per un interprete che il succitato recensore aveva lodato come “uno dei più brillanti bambini-attori che si siano mai visti”. Il giovane Sheffield/ Desmond ritrae con finezza un bambino che subisce senza capirne il motivo i trattamenti più duri finché non decide di scappare. Il suo David è pienamente credibile sia nelle scene in cui subisce le angherie più crudeli (in casa da Murdstone; a scuola da Creakle; nella fabbrica di bottiglie dai suoi piccoli compagni di lavoro; durante la sua spossante fuga da Londra), sia nei deliziosi momenti comici (il cameriere che fa fuori la gran parte del suo pasto; Micawber che prepara il punch o il signor Dick che fa volare l’aquilone). Nondimeno, come avviene spesso nelle produzioni di Hepworth, i punti di forza del film risiedono nella ricercatezza compositiva e nella qualità pittorica degli esterni: i sentieri del Suffolk, le scogliere di Dover, la tempesta a Yarmouth, le strade di Canterbury, le case di Highgate. The Dickensian concludeva definendolo “il più bel film dickensiano visto finora … Per la sua fedeltà narrativa, l’accurata messa in scena e la recitazione realistica … nessun appassionato di Dickens dovrebbe perdere l’opportunità di vederlo”. Nel periodo del muto, Bentley girò almeno altri sei film dickensiani, tutti andati perduti. Il più ambizioso di questi fu sicuramente Barnaby Rudge del 1915. Il primo romanzo storico di Dickens si svolge ai tempi dei disordini antipapisti dei tardi anni ’80 del 1700 – un’opera negletta che non è più stata adattata per il cinema. L’opulenta versione Hepworth/Bentley fu la più dispendiosa produzione britannica fino ad allora realizzata. Ne rimane solo il pressbook, dal quale si evince che l’autenticità topografica era nuovamente garantita dalle scene girate nelle località dell’Essex descritte nell’originale, ma anche che un imponente set della Londra di fine ’700 (dallo sbalorditivo costo di 2000 sterline) era stato costruito a Walton-on-Thames, dove le scene della rivolta avevano coinvolto una massa di circa 1400 comparse. Sarebbe davvero meraviglioso se questo epico film perduto potesse un giorno o l’altro tornare alla luce. – MICHAEL EATON This film has a hallowed status as it is sometimes considered, arguably, the first British feature. It was certainly the longest production thus far from a Dickensian source. In the 1906-1914 volume of her History of the British Film, first published in 1949, Rachael Low provided an extensive standard-setting analysis, which concluded that its preservation “is one of the few pieces of good fortune enjoyed by the historian of the early British film”. The film pioneer Cecil Hepworth was the son of a lantern lecturer 48 whose most popular show was The Footprints of Charles Dickens, so his collaboration with Bentley was a perfect match. In his 1951 autobiography Came the Dawn, Hepworth wrote: “So when Thomas Bentley presented himself to me as a ‘great Dickens character impersonator and scholar,’ my heart naturally warmed to him and I was readily receptive when he offered to make a Dickens film for me … Oliver Twist was the first and its length was nearly four thousand feet. It may not have been outstandingly good but it was very successful and it marked the beginning of a Dickens series … The next one on our list was the dreadfully difficult story of David Copperfield. Bentley certainly loved his Dickens and there is no gainsaying the fact that he turned out a great deal of very good work which rebounded considerably to his credit and also to ours. He was a rum chap but I found him very pleasant to work with. He went to Dover among many other places in the making of this film. When he came back he told me that he had found the very house that Dickens had described. I remember the joyful glee with which he recounted how he had managed to secure in the picture, the fascia board upon it saying that it was ‘the House immortalised by Dickens as the Home of Miss Betsy Trotwood’. I do not think he ever understood why I received this news with so little enthusiasm.” Nevertheless, Hepworth didn’t balk from trumpeting topographical authenticity; the opening credit declares: “On the Actual Scenes Immortalised by Charles Dickens”. Never known to stint on the use of titles, Hepworth realized that this book – the most autobiographical of Dickens’s works, his “favourite child” – is “such a complicated and diffuse story”. The film would be hard to follow without substantial recourse to important information being given in writing, whether in the form of intertitles or filmed letters. Though these are usually what Low called “the old advance summary”, telling the spectators what they are about to see and altogether eschewing dialogue, most of the intertitles are unusually in the first-person, which does go some way to evoke the central consciousness of the book. The narrative progresses at quite a lick, necessarily compressed, frequently perfunctory. Certainly the characterization may be devoid of psychological depth, though the dramatis personae are clearly and consistently presented: “Dickens’s creations to the life and not mere exaggerations as is so often the case” was the opinion of The Dickensian. Hepworth, though, was particularly disappointed with the American youngster playing David as a child, Reggie Sheffield (credited as “Eric Desmond”), remembering that he “too often looked at the camera or the producer when he was spoken to”. This seems a particularly harsh assessment of a performer the above reviewer praised as “one of the cleverest child actors we have seen”. Young Sheffield/Desmond gives a fine portrayal of a boy uncomprehendingly enduring the harshest of treatments until he makes the decision to run away. He seems equally capable in scenes in which David is cruelly abused (at home by Murdstone, at school by Creakle, at the bottle factory by his fellow child-labourers, or on his exhausting escape from London), as well as in delightful comic moments (the waiter eating and drinking more of his meal than he does, Micawber mixing punch, or Mister Dick kite-flying). However, as is so often the case with a Hepworth production, it is the beauty of the pictorial compositions and the picturesque quality of the exteriors – the lanes of Suffolk, the cliffs at Dover, the storm at Yarmouth, the streets of Canterbury, the houses of Highgate – which remain the greatest achievement of this production. The Dickensian concluded that it was “the finest Dickens Picture Play we have yet seen … With the narrative so well maintained, the scenery accurate, and the acting so life-like … no Dickens lover should miss the opportunity of seeing it.” Bentley went on to make no less than six other Dickens films in the silent era, all of them now missing. The most ambitious must surely have been Barnaby Rudge in 1915. Dickens’s first historical novel takes place against the background of the anti-Catholic “No Popery” riots of the late 1780s, and this neglected work has never been the subject of any other feature adaptation. The lavish Hepworth/Bentley version was the most expensive British production yet undertaken. Only the pressbook now remains, but this is sufficient to show that, once again, topographical veracity was ensured by scenes filmed in the Essex landscape of the original, but also that a massive set of late- 18th-century London was built in Walton-on-Thames at the amazing cost of £2,000, with the riot scenes involving a mob of no less than 1400 extras. It would be wonderful if this lost epic were one day rediscovered. – MICHAEL EATON Wonderful London (serie/series) DICKENS’ LONDON (Graham-Wilcox Productions, GB 1924) Regia/dir: Frank Miller, H.B. Parkinson; orig. l: 780 ft.; 35mm, 807 ft., 10' (20 fps); fonte copia/print source: BFI National Archive, London. Didascalie in inglese / English intertitles. Qualora vi fossero dei dubbi sulla persistente centralità dickensiana nella tradizione iconografica di Londra, basterebbe a fugarli questo delizioso cortometraggio. Prodotto da Graham Cutts (che stava per fare i film con “the Rat”, co-sceneggiati da Constance Collier, che fu la Nancy del Fagin di Beerbohm Tree e Lady Dedlock in Bleak House di Elvey) e da Herbert Wilcox (regista, l’anno seguente, dell’ultimo Dickens muto, The Only Way), è questo il solo esempio di una serie che descriv e i vari aspetti di Londra a prendere spunto dalla vita e dalle opere di una figura letteraria. 54 anni dopo la morte dello scrittore, la topografia dickensiana stava già diventando un retaggio del passato, e oggi, la nostalgia psico-geografica evocata da questo film è accentuata dalle tante sparizioni successive. Luoghi reali associati all’Uomo diventano intercambiabili con i luoghi fittizi delle Opere. Le copertine dei suoi libri diventano porose e le sue creature si siedono l’una accanto all’altra su un omnibus a motore. E dove potevano recarsi, nel 1924, questi personaggi destinati a vivere per sempre pur senza aver mai vissuto? All’Esposizione dell’Impero Britannico di Wembley. – MICHAEL EATON 49 Should there be any doubts about the continuing centrality of Dickens to the iconographical heritage of London, this delightful short must dispel them. Produced by Graham Cutts (going on to make the “Rat” films co-written by Constance Collier, who was Nancy to Beerbohm Tree’s Fagin and Lady Dedlock in Elvey’s Bleak House) and Herbert Wilcox (directing, in the following year, the final Dickens silent The Only Way), this was the sole instance from a series depicting aspects of the capital to be organized around the life and works of a literary figure. Fifty-four years after the writer’s death the topography of Dickens was already becoming a thing of the past, and today the psychogeographical nostalgia of this film is enhanced by so many subsequent disappearances. Real places associated with the Man become interchangeable with the fictional locations of the Works. The covers of his books become porous and his creations rub shoulders together on a motor omnibus. And where, in 1924, would these ever-living characters who never lived be going? To the British Empire Exhibition at Wembley. – MICHAEL EATON Prog. 6: Bleak House GRANDFATHER SMALLWEED THE MISER (British Sound Film Productions, GB 1928) Regia/dir: Hugh Croise; cast: Bransby Williams; DigiBeta, 3'50" (24 fps), sd.; fonte copia/print source: BFI National Archive, London. Versione originale in inglese / English dialogue. L’inclusione di quest’originale cortometraggio, il primo “talkie” tratto da Dickens, è giustificata dal suo protagonista, “l’Irving del musichall” Bransby Williams (1870-1961), che fu il maggior interprete di personaggi dickensiani della prima metà del XX secolo: attraverso i suoi monologhi, con un repertorio che comprendeva Mr. Micawber, Uriah Heep, Tony Weller, Bill Sikes, Fagin, Sydney Carton e, naturalmente, Scrooge, egli portò lo scrittore alle masse. Risale al 1903 la sua prima registrazione sonora di A Christmas Carol per il fonografo Edison; nel 1913 incise un’altra serie di recital imperniati sul vecchio avaro, un personaggio che avrebbe continuato a portare sulle scene fino all’età di 80 anni: la sua ultima interpretazione fu per una trasmissione televisiva della BBC del 1950. Williams apparve anche in numerosi adattamenti teatrali di opere dello scrittore e divenne vicepresidente di The Dickens Fellowship. Purtroppo del suo Scrooge filmato dalla British Sound Film, che aveva la licenza per l’utilizzo della tecnologia De Forest Phonofilm, nulla è sopravvissuto. Rimane però questa produzione complementare, in cui Williams impersona Smallweed, il grottesco, avaro rentier di Casa desolata. La posizione della macchina da presa rimane la medesima mentre cambiano le tre inquadrature con l’avaro che rimbrotta l’invisibile moglie – “la vecchia immagine” – e istruisce un altrettanto assente nipote su come spremere a fondo i creditori. – MICHAEL EATON The inclusion of this novelty short, the first Dickensian “talkie”, is justified by its performer. “The Irving of the Music Halls”, Bransby CHARLES DICKENS
Williams (1870-1961) was the predominant interpreter of Dickensian characters throughout the first half of the 20th century. He brought Dickens to the masses through monologues, his extensive repertoire including Mr. Micawber, Uriah Heep, Tony Weller, Bill Sikes, Fagin, Sydney Carton, and, of course, Scrooge. His first Christmas Carol recording for the Edison phonograph was in 1903, and in 1912 he recorded a further series of recitals of this character, which he would go on playing until he was 80, his final interpretation being for a BBC TV broadcast of 1950. He also appeared in many stage adaptations of the works and became Vice-President of The Dickens Fellowship. Unfortunately, the British Sound Film version of his Scrooge, using the De Forest Phonofilm technology under license, is lost. However, this companion piece remains, and here Williams impersonates Smallweed, the grotesque, avaricious rentier from Bleak House. The set-up moves between three camera positions on the same plane, as the miser castigates his unseen wife, “the old image”, and instructs an equally absent nephew how to squeeze his creditors dry. MICHAEL EATON BLEAK HOUSE (Ideal, GB 1920) Regia/dir: Maurice Elvey; scen: William J. Elliott; cast: Constance Collier (Lady Dedlock), Bertha Gellardi (Esther Summerson), E. Vivian Reynolds (Lawyer Tulkinghorne), Norman Page (Guppy), Clifford Heatherley (Inspector Bucket), Ion Swinley (Captain Hawdon), A. Harding Steerman (Sir Leicester Dedlock), Anthony St. John (Jo), Helen Haye (Honoria Barbary), Teddy Arundell (soldato/trooper George), Beatrix Templeton (Rachel); orig. l: 6400 ft.; 35mm, 6082 ft., 90' (18 fps); fonte copia/print source: BFI National Archive, London. Didascalie in inglese / English intertitles. Come suggerito dal titolo, Bleak House (Casa desolata) non è propriamente l’opera più allegra o sentimentale di Dickens. Scritto nel biennio 1852-53, questo romanzo sullo “stato dell’Inghilterra” è uno dei suoi lavori più maturi, più critici e più accuratamente costruiti, in cui i lettori venivano posti di fronte a temi sgradevoli: per quanto rigide possano apparire le differenze di classe, tutti gli strati della società, dal palazzo più sontuoso alla più modesta camera d’affitto, sono strettamente connessi, anche solo per contagio, e perfino il più aperto e generoso dei cuori può essere spezzato e stritolato dall’implacabile e insensibile macchina della Legge. La complessità della trama, la serietà del tema trattato, la centralità della questione sociale, la grande varietà dei personaggi e dei luoghi, deponevano tutti a sfavore di una trasposizione cinematografica di Bleak House. Ciò non aveva tuttavia impedito che nell’Ottocento il romanzo fosse adattato più volte per il palcoscenico, anche se molti dei drammi teatrali si limitavano alla storia del povero Jo, con Miss Jennie Lee acclamata interprete di questo patetico personaggio. Un film inglese intitolato Jo the Crossing Sweeper fu distribuito nel 1918. Nel 1917 la prima prova dickensiana di Elvey aveva sollevato molte polemiche ed era stato bistrattata dalla critica. La versione di Dombey and Son scritta da Eliot Stannard ambientava la vicenda in epoca 50 contemporanea e questo aveva indignato i “custodi della fiamma”, che lanciarono strali al vetriolo contro il film, soprattutto dalle pagine del Dickensian. Tre anni dopo, quando mise mano a Bleak House, il regista giocò un po’ più sul sicuro, mantenendo inalterata la collocazione temporale e avvalendosi dell’adattamento di William J. Elliott, che in seguito avrebbe scritto per Elvey i popolari cortometraggi di Sherlock Holmes con Eille Norwood. Ma neanche questa fu una versione del tutto convenzionale. La didascalia iniziale definisce l’approccio: “Bleak House, traboccante di personaggi e di eventi, ha fornito materiale per numerosi drammi. Per il nostro film abbiamo scelto la più drammatica delle storie contenute nel libro, quella dell’affannosa ricerca di Lady Dedlock e della scoperta del suo segreto.” L’azione ha uno sviluppo cronologico con gli antefatti descritti all’inizio e non proposti come rivelazioni successive. Il recensore di The Bioscope forniva un sintetico riassunto della trama: “La vicenda prende avvio in un periodo che precede di diciotto anni l’inizio del romanzo e narra la fuga d’amore di Honoria Barbary con il capitano Hawdon, l’arresto di questi per debiti, la sua fuga e il suo finto suicidio. Dopo aver appreso che la bambina cui ha dato la luce non è sopravvissuta, Honoria, straziata dal dolore, si lascia convincere dalla sorella ad accettare la proposta di matrimonio di Sir Leicester Dedlock…” Di conseguenza la posizione dello spettatore rispetto al racconto filmico è completamente diversa da quella del lettore del libro. Fin dall’inizio sappiamo infatti che (attenzione, spoiler!) Esther Summerson è la figlia di Lady Dedlock. Va da sé che la riuscita di un tale approccio dipendeva soprattutto dal personaggio centrale ed è difficile immaginare un’interpretazione più commovente e convincente di quella fornita da Constance Collier (1878-1955). L’attrice si era distinta nella compagnia di Herbert Beerbohm Tree presso l’His Majesty’s Theatre a Haymarket, nel cuore di Londra. Qui raggiunse la fama facendo Nancy nell’Oliver Twist adattato da J. Comyns Carr in cui Tree impersonava Fagin e che ebbe una lunghissima tenitura. Nessuno dei due artisti ebbe la possibilità di portare questi ruoli sullo schermo, dato che nella versione cinematografica americana del 1912 Nancy fu interpretata da Beatrice Moreland e Fagin da Nat Goodwin. La critica del tempo apprezzò la performance della Collier. Scrisse The Bioscope: “Miss Constance Collier interpreta Lady Dedlock con un’altera dignità che tuttavia non cela l’umanità e il pathos del suo amore per Hawdon e per la sua bambina. Eccezionalmente bella, aggraziata ed espressiva, ella ha un aspetto regale”. E il Kinematograph elogiò “il suo stile recitativo perfetto … e emotivamente misurato”. Non si può certo dire che il film renda giustizia alla magnificenza dell’originale; i puristi che vi cercassero i personaggi da cui traspare la brillante vena satirica di Dickens – Mrs. Jellyby, Chadband, Skimpole o Smallweed – resterebbero molto delusi. È questo un melodramma familiare, senza alcun riferimento all’Alta Corte di Giustizia o alla causa legale Jarndyce contro Jarndyce. Ma entro queste intenzionali limitazioni, il giudizio di The Bioscope era corretto: si trattava di “un lavoro davvero notevole”. – MICHAEL EATON As the title might suggest, Bleak House is far from the jolliest or most sentimental of the collected works. Written during 1852- 53, this “state of England” novel is one of Dickens’s most mature, critical, and elaborately constructed works, in which he confronted his readers with unwelcome themes: however rigid class distinctions might seem, all society’s strata, from the loftiest mansion to lowliest lodging house, are fundamentally connected, if only by contagion, and that the most open of hearts can be broken and ground down by the implacable, unfeeling machinery of the Law. The complexity of the plot, the seriousness of the subject matter, the wide focus of the social scope, and the vast number of characters and locations all militate against Bleak House as a fitting property for feature-film exploitation. This never prevented the book being staged throughout the 19th century, though many of the plays were confined to the story of poor Jo, with Miss Jennie Lee as the most celebrated interpreter of this pathetic part. A British film titled Jo the Crossing Sweeper was released in 1918. Elvey’s first stab at Dickens in 1917 had been mired in controversy and received a critical mauling. Eliot Stannard had updated his script of Dombey and Son to the present day, and this had outraged the Keepers of the Flame, who poured vitriol upon the project, particularly in the pages of The Dickensian. So when the director took on Bleak House three years later he played it somewhat safer, sticking with the period setting and working with an adaptation by William J. Elliott, who would go on to write Elvey’s popular Sherlock Holmes shorts starring Eille Norwood. This was not an entirely conventional version, however. The opening title sets out the approach: “Bleak House, crowded with characters and incident, has provided material for a number of dramas. For this picture we have chosen the most dramatic of all the tales embedded in the book – the story of the hunting down of Lady Dedlock, and the discovery of her secret.” So this is a chronological account in which back-story events are placed at the head of the tale rather than as later revelations. The reviewer of The Bioscope succinctly summarized the plot: “The story of the film begins at a period eighteen years before the beginning of the novel and shows the elopement of Honoria Barbary with Captain Hawdon, his arrest for debt, his escape and his pretended suicide. Honoria, brokenhearted, is prevailed upon by her sister to accept Sir Leicester Dedlock’s offer of marriage, having been informed that the child to which she has given birth has not lived…” The consequence of this decision means that the spectator is placed in a completely different relationship to the filmic narrative from that of the reader of the book. From the outset we know (spoiler alert!) that Esther Summerson is Lady Dedlock’s child. Obviously, for such an approach to be successful much is riding on the central character, and it is hard to imagine a more moving and convincing performance than that of Constance Collier (1878-1955). She had made her name as part of Herbert Beerbohm Tree’s company at His Majesty’s Theatre on London’s Haymarket, finding fame as Nancy to his Fagin in J. Comyns Carr’s long-running adaptation of 51 Oliver Twist. Neither of them had a chance to reprise these roles for the screen, as in the 1912 U.S. film version Nancy was played by Beatrice Moreland and Fagin by Nat Goodwin. Contemporary notices praised her performance. The Bioscope wrote, “Miss Constance Collier plays Lady Dedlock with a haughty dignity which does not conceal the humanity and pathos of her love for Hawdon and her child. Remarkably beautiful, graceful and picturesque, Miss Collier looks queenly…”, while the Kinematograph’s assessment praised her “consummate… restrained emotional acting”. No one could claim that this film comes anywhere close to doing justice to the magnificence of the original, and those purists seeking characters which display the satirical brilliance of Dickens, such as Mrs. Jellyby, Chadband, Skimpole, or Smallweed, will be severely disappointed. This is a family melodrama, with no mention of the Court of Chancery or the case of Jarndyce versus Jarndyce. But within these self-appointed limitations the judgement of The Bioscope was correct: this is “a very notable work”. – MICHAEL EATON Prog. 7: Little Dorrit LILLE DORRIT (Little Dorrit) [La piccola Dorrit] (Nordisk, DK 1924) Regia/dir: A.W. Sandberg; scen: Sam Ask; f./ph: Einar Olsen, Louis Larsen; scg./des: Carlo Jacobsen; cast: Karina Bell (Amy Dorrit), Frederik Jensen (William Dorrit), Karin Winther (Fanny Dorrit), Knud Schrøder (Tip Dorrit), Georg Bush (Frederick Dorrit), Gunnar Tolnæs (Arthur Clennam), Ingeborg Pehrson (Mrs. Clennam, sua madre/his mother), Mathilde Nielsen (Affery), Carl Hintz (Jeremias & Efraim Flintwich [gemelli/twin brothers]), Torben Meyer (Chivery), Kate Fabian (Mrs. Chivery), Erik Skjold Petersen (John Chivery), Karen Caspersen (Maggy), Peter Nielsen (Rigaud), Kai Paaske (Pancks); DCP, c.115' (trascritto a/transferred at 20 fps); fonte/source: Danish Film Institute, København. Didascalie in danese / Danish intertitles. B.W. Matz, direttore di The Dickensian, fornì una “supervisione editoriale” ai quattro film diretti da A.W. Sandberg per la Nordisk, garantendo che si trattava degli adattamenti più rispettosi dell’epoca del muto. Il libro scelto per l’ultima produzione fu di nuovo una delle opere più lunghe e complesse dell’ultimo Dickens, anche se la Thanhouser aveva già realizzato un Little Dorrit (andato perduto) nel 1913, cui erano seguite una versione tedesca (nel 1917) e una inglese (nel 1920). Al pari delle altre produzioni danesi, Little Dorrit, oltre ad avere un magnifico montaggio, un elegante apparato scenografico e un eccellente cast di attori, sa restituire con finezza lo spirito di un’epoca e riesce a estrapolare con grande abilità una trama comprensibile da un romanzo gonfio di fatti e dalla struttura estremamente comple ssa. Lo script si concentra unicamente sulla casa dei Clennam e sulla famiglia Dorrit. Questa selezione comporta l’eliminazione della famiglia Meagles, di Miss Wade, di Daniel Doyce, di Flora Finching, della famiglia Plornish e CHARLES DICKENS
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