Revista Quid 57

obra maestra indiscutible que es su Van
Gogh le suicidé de la société (Van Gogh
el suicidado de la sociedad)”.
Artaud se metió con la mayoría de los
géneros literarios, utilizándolos como
caminos hacia un arte absoluto y “total”.
Inventó El teatro de la crueldad y trabajó
en 22 películas, durante los años
20 y 30, entre las que reluce La pasión
de Juana de Arco de Carl Theodor
Dreyer. Su obra se conoce en el ámbito
académico al tiempo que interpela
lo popular. Lo reivindicaron músicos
de la vanguardia estadounidense de la
postguerra como John Cage y nuestro
Luis Alberto Spinetta le puso su
nombre a uno de sus mejores discos.
“Yo reclamo películas
espeluznantes”
Como con tantas otras cosas, el vínculo
de Artaud con el cine es frecuentemente
contradictorio. Como actor,
Napoleón, de Abel Gance es otro
de sus hitos, pero nunca tuvo papeles
realmente importantes, ni premios, ni
alfombras rojas, ni fans. Como teórico
planteó nuevos problemas, pergeñó
varias teorías divergentes y se animó a
anticipar el futuro. “El cine reclama los
temas excesivos y la psicología minuciosa
–escribió–. Exige la rapidez, pero sobre
todo, la repetición, la insistencia, la
vuelta sobre lo mismo. El alma humana
desde todos sus aspectos”. Comparándolo
con el teatro, acentuó su vocación
surrealista: “Si el cine no está hecho
para traducir sueños o todo lo que en
la vigilia se emparenta a los sueños, no
existe. Nada le diferencia del teatro”.
Y miró hacia adelante sin sentirse subyugado
por la técnica: “…en un futuro
próximo se llegará al cine en relieve, y
aún en colores. Pero éstos no pasan de
ser medios accesorios que no pueden
añadir gran cosa a los que es el sustrato
más específico del cine, que hace de él
un lenguaje, al mismo nivel que la música,
la pintura o la poesía”.
Cuando René Clair le preguntó:
“¿Qué tipo de películas te gustan?”, respondió:
“Me encanta el cine. Me gustan
todo tipo de películas. Pero todavía hay
que crear todo tipo de películas. Creo
que el cine puede ser un cierto tipo de
cine: aquel en el que se han utilizado todos
los medios sensuales de las películas
de acción.” Y cuando Clair le preguntó
sobre el tipo de películas que le gustaría
crear, dijo: “Yo reclamo películas espeluznantes,
películas poéticas, filosóficas,
psicológicas”. En 1933, acusó en una
columna periodística: “El mundo del
cine es un mundo muerto, ilusorio. El
mundo del cine es un mundo cerrado,
sin relación con la vida”.
Uno de sus planes cinematográficos
fue la adaptación de El mayorazgo de
Ballantrae de R. L. Stevenson. Promocionó
el proyecto como “un aporte
personal” con “un relieve especial sobre
el espíritu de ciertas escenas” de las
escritas por el escocés y no tuvo éxito.
Aunque sus sinopsis y propuestas estéticas
espantaran a los eventuales productores
por raras y alocadas, la relación de
Artaud con la cultura popular no empieza
en la reivindicación post mortem que
pudieron hacer de él el rock o el video
arte. Al menos como espectador, Artaud
elogiaba el trabajo de autores muy lejanos
a la alta cultura como los hermanos
Marx, cuya ópera prima, Animal
Crackers, juzgó como “extraordinaria” e
indiscutiblemente surrealista.
En lo concerniente a la dirección, el
guión y la producción de películas, las
cosas nunca dejaron de ser complicadas
para Artaud y el saldo más concreto se
llama La coquille et le clergyman. Es la
única película escrita por él que llegó
a filmarse, pero que no pudo dirigir,
recayendo la responsabilidad en Germanine
Dulac, una directora también
francesa y tachada de feminista. El estreno,
en 1928 (un año antes del de Un
perro andaluz (de Luis Buñuel y Salvador
Dalí) fue escandaloso, como
se acostumbrara entre los surrealistas.
Los incidentes fueron originados por
Artaud, que al mediar la proyección,
fue expulsado de la sala por insultar a
los gritos. Después de ver ese film, dio
un volantazo en sus opiniones, avaló lo
hecho por Dulac y acusó a Buñuel de
plagio
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Artaud interpretando a Marat en una escena de Napoleón, de Abel Gance (1927)