Boropa SpIELZEITMaGaZIn 2010/2011 - Schauspielhaus Bochum

SAHIKA TEKAND — SPIELREGELN
SPIELREGELN
TExT: SAHIKA TEKAND
FoToS: UgUR TaSkin
Ich bin eine Spielemacherin: Obwohl ich eigentlich die
Verwandlung des Lebens in ein reines Spiel ablehne, versuche
ich als Künstlerin eine Form zu entwickeln, die sich
der Verwechslung des Spiels mit dem Leben widersetzt.
Mein Theater konzentriert sich auf das Spiel.
Zurzeit behandeln wir alle unser Leben als ein Spiel, ein
Spiel, in das wir nicht eingreifen können, das uns keine
Wahl zu lassen scheint. Leben und Spiel werden von den
aktuellen Strömungen in der Kunst negiert. Wir wissen
nicht, was real und was virtuell ist. Leben und Spiel verschwimmen
zunehmend. Dagegen steht für mich das Theater.
Das Theater, das von der Realität des augenblicklichen
Momentes erzählt. Theater ist nicht Leben, sondern strikt
etwas anderes.
Als ich in den frühen achtziger Jahren Schauspiel studierte,
waren die Veränderungen, die in der Welt geschahen,
so schnell und intensiv, dass sie beinah überall greifbar
wurden. In diesen Jahren interessierte mich besonders
die Frage, wie Performance-Kunst aussehen könnte. Als
Künstlerin fragte ich mich, wie man zeitgenössisches Theater
machen könne, das die Realität des augenblicklichen
Momentes in sich aufnimmt, ohne seine eigene künstliche
Form zu verschleiern. Ich wollte das Theater zu einer
aktuellen, zeitgenössischen Kunstform machen.
So habe ich eine Form entwickelt, die ich „Darstellende
Aufführungs- und Schauspielmethode“ nenne. Meine
Methode entstand als Auseinandersetzung und Kritik an
den formalen Theatermitteln und an einer Tendenz in den
Künsten, das Leben zunehmend zu ästhetisieren. Gerade
das Theater, das mit einem kritischen Anspruch formuliert
wurde, gab eine naturalistische und sehr idealistische Abbildung
der Welt wieder. Ich aber war auf der Suche nach
einem Theater, das einem zeitgenössischen Publikum und
seiner Sichtweise entsprach und das dennoch der Realität
des Aktuellen gerecht wurde. So gründete ich meine eigene
Ausbildungsstätte „Studio“, aus der heraus sehr schnell
ein eigenes Ensemble entstand: Die „Studio Oyunculari“
(„Studio Spieler“), eine unabhängige Company, die ohne
finanzielle Unterstützung arbeitet und mit der ich auf
der Suche nach neuen Arbeitsweisen und Theaterformen
bin. Wir arbeiten seit nahezu zwanzig Jahren in derselben
Spielstätte. Das ist kein einfacher Ort, aber oft inspirieren
Schwierigkeiten unsere Kreativität. Wir haben dort eine
Bühne mit 45 Sitzen und ein kleines Studio, in dem unsere
Workshops stattfinden. Dort unterrichte ich Schauspieler,
Autoren und junge Regisseure in meiner Arbeitsweise.
Dort spielen wir aber auch unsere Produktionen. Unsere
großen Arbeiten seit dem Ende der neunziger Jahre bringen
wir jedoch auf anderen Bühnen heraus.
„Spieler“ ist der wichtigste Begriff in meiner Arbeit.
Damit ist hier nicht „Schauspieler“ gemeint, sondern
„Spiel-Spieler“. Schauspiel und Virtuosität sind nur das
Handwerk, mit dem wir unser Spiel spielen. In meinen Inszenierungen
fühlt sich der Spieler weder in die Psyche der
Rolle hinein und durchwandert die Labyrinthe des Unbewussten
noch steht er als epischer Erzähler neben seiner
Rolle. Dem „Spiel-Spieler“ und seiner Rolle ist es erlaubt
und möglich, sich in unzähligen Schichten zu überlagern.
Sie sind gleichzeitig anwesend und erkennbar. In all ihrer
Sichtbarkeit und Realität existieren die Theaterfigur und
der Spieler in einem Augenblick. Sie erzählen und begründen
sich gegenseitig.
Das Spiel fordert vom Spieler Ehrlichkeit im Hinblick
auf die realen Risiken und Herausforderungen des Augenblicks.
Die Glaubwürdigkeit des Spielers erwächst in dem,
was er tut, unter den Bedingungen, die der Regisseur ihm
bietet. Das Publikum ist überzeugt, dass diese Handlung
nur so und nicht anders unter den gestellten Bedingungen
möglich sein konnte. Es geht nicht darum, das Publikum
etwas glauben zu lassen, sondern es zu überzeugen, indem
es die Bedingungen der Inszenierung und die Sprache der
Ästhetik versteht. In diesem realen Augenblick vollzieht
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